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Comptes rendus

Caroline Bertonèche, Le kaléidoscope de Keats

Paris : Presses universitaires de Paris Nanterre, 2023, 194 pages, ISBN 978-2-84016-524-8.
Oriane Monthéard
Référence(s) :

BERTONÈCHE, CAROLINE. Le kaléidoscope de Keats. Paris : Presses universitaires de Paris Nanterre, 2023, 194 pages, ISBN 978-2-84016-524-8.

Texte intégral

1Dans son ouvrage intitulé Le kaléidoscope de Keats, paru en 2023, Caroline Bertonèche se propose de relire les textes de Keats à travers la symbolique du kaléidoscope, cet outil à la fois ludique et scientifique inventé en 1816 et dont le fonctionnement repose sur les combinaisons de couleurs et de formes. On saisit aisément en quoi l’image du kaléidoscope s’annonce comme un angle d’approche très fertile. Dans cette étude divisée en cinq parties, chacune constituée de plusieurs chapitres consacrés à une couleur, il s’agit en effet de s’interroger sur les associations de couleurs présentées dans le texte et sur la multiplicité des interprétations qu’elles génèrent. Aussi, le kaléidoscope peut se voir comme l’image de la reconfiguration et du renouvellement perpétuels, ce qui n’est pas sans rappeler le rêve d’éternité et de conservation cher à Keats. Au-delà de son usage métaphorique dans l’argument général, le kaléidoscope et son fonctionnement fournissent également une méthode de lecture : au fil des chapitres, comme lorsqu’on fait tourner l’instrument sur lui-même, le texte est constamment déplié dans des analyses qui mettent en évidence les renversements de perspectives et l’infinité des combinaisons de sens. Par ailleurs, tout au long de l’étude, l’autrice a recours aux écrits de Michel Pastoureau ainsi qu’à d’autres sources très variées pour définir la symbolique et les valeurs multiples de chaque couleur, telles que l’art, la littérature et la science les ont construites au cours des siècles. L’un des fils conducteurs de l’ouvrage consiste alors à étudier la façon dont Keats s’approprie les sens historiques et littéraires attribués à chaque couleur, mais aussi, que ce soit à travers l’œuvre ou au sein d’un même poème, sa tendance à faire cohabiter ces différentes valeurs : le cercle chromatique propre à Keats, nous montre l’autrice, s’inscrit indéniablement dans une poétique de l’entrelacement.

2La première partie examine le lien entre le symbolisme du blanc et l’image de la survie du corps, présents dans les textes jusque dans leur forme. L’autrice met d’abord en lumière l’action du blanc sur la page, lorsque les béances du texte signalent l’absence ou figurent une disparition à venir. Son intérêt pour l’espace invisible amène Caroline Bertonèche à observer les creux entre les mots que dessine la ponctuation. Le tiret, tout particulièrement, agit comme un levier pour révéler les « profondeurs intimes du poème » (27) ou « les embuscades du texte » (34) ; il recouvre un vide qu’il désigne en même temps, souvent pour dévoiler les points de basculement du sens, les alternatives instables et, par extension, la fragilité de l’existence. L’analyse de la ponctuation est une facette peu étudiée de la poétique de Keats qui mène ici à des lectures très originales de poèmes souvent commentés, tels que « On First Looking into Chapman’s Homer », Ode to a Nightingale, « La Belle Dame sans Merci » ou encore The Eve of St. Agnes. Chez Keats, rappelle ensuite Caroline Bertonèche, le blanc est aussi médical, et son univers poétique conserve la trace de sa formation scientifique à travers un lexique, des métaphores et des analogies. Par ailleurs, en revenant sur l’expérience du poète en chirurgie et en pharmacologie, l’autrice montre comment la pensée scientifique de Keats a été transposée plus globalement dans un idéal poétique où les mots sont là pour guérir ou au moins anesthésier les douleurs humaines. A l’inverse, le Carnet d’anatomie et de physiologie rédigé par Keats pendant ses études prouve qu’il attribuait une dimension poétique au regard scientifique, le conduisant à une certaine « esthétisation de la science » (41). Ce développement se poursuit avec une analyse du blanc morbide communément attaché au corps malade et image récurrente dans la poésie de Keats. L’autrice remarque que le poète juxtapose souvent le blanc macabre et le noir, dans une association des contraires qui se manifeste, entre autres, à travers des images d’obscurcissement et de présence spectrale ou des états d’entre-deux propices aux angoisses existentielles. Pour le poète, une des stratégies pour oublier le blanc des corps exsangues comme « la noirceur d’une mort passée ou imminente » (49) consiste à remplir la page pour y laisser son empreinte. Une autre est fournie par l’humour noir, dont on trouve maints exemples dans les échanges épistolaires de Keats avec ses proches. La version poétique du rire, aspect rarement pris en compte dans les textes de Keats, permet quant à elle d’entrevoir un visage plus complexe du désespoir romantique, où se mélangent lamentation et élan vital, à la limite du discordant et du grotesque.

3La deuxième partie de l’ouvrage s’intéresse aux nuances du bleu et relie « [m]élancolie et météorologie » (63), d’abord à travers l’image du nuage, dont la texture légère et la couleur plurielle associant le bleu, le blanc et le gris sont à même de dissimuler la couleur des cieux tout en révélant les « blessures immémoriales de l’âme » (66). Ainsi Keats fait-il du nuage un objet de contraste, comme dans « To Hope », où il sert à dessiner le portrait du poète à la fois sous les traits du désenchantement et sous ceux d’un optimisme radieux. Toujours mouvant, d’un poème à l’autre ou d’une strophe à l’autre, le sens du nuage et la perception qu’il induit renvoient au caractère imprévisible de l’existence humaine. En rappelant la conception du nuage comme « accompagnement » du lecteur, énoncée par Rancière, l’autrice souligne ensuite le rôle central de cette image dans l’errance romantique. Elle parvient alors à redéfinir le lyrisme de Keats, qui s’exprimerait notamment à travers l’œil qui vagabonde et la perception de couleurs sans cesse en mouvement et filtrées par la matière poreuse des nuages. Nourris par les théories et philosophies du catastrophisme élaborées par les scientifiques à partir du xviie siècle aussi bien que par l’observation des bouleversements subis par la terre, les textes romantiques, comme l’expose l’autrice dans le chapitre suivant, trahissent une fascination pour les images du désastre : dans le contexte de cette « crise climatique du romantisme » (79), l’image du bleu du ciel qui s’assombrit contribue à l’expression lyrique comme à celle de la tension érotique. Keats ne fait pas exception, et sa poésie puise elle aussi dans ces « sources d’inspiration climatiques » (87) et leur dimension épiphanique, tels que l’orage qui fait résonner la voix bruyante de Milton dans « To Charles Cowden Clarke » ou les tempêtes dans Endymion pour dire l’esprit de la révolte. Un dernier chapitre explore la « musicalité du bleu et ses modes de liquidité » (95), ces emblèmes de la souffrance et de l’effusion romantiques de nos jours « galvaudé[s] sous la plume de certains critiques » (95). Caroline Bertonèche se penche cependant sur une vision beaucoup moins conventionnelle de cette couleur : dans l’œuvre de Keats, elle prend une valeur pathologique et suggère l’épanchement et son double sens, entre expression de la douleur et image du débordement liquide, jusqu’à « la circulation organique des couleurs » (96) qui gouverne le tissu métaphorique.

4La troisième partie est consacrée aux divers sens du jaune, couleur souvent mal aimée, qui évoque tour à tour la trahison, la maladie, l’innocence ou la luminosité, entre autres. Pour commencer, l’autrice rapproche le jaune de la façon dont Keats traite le grotesque dans sa poésie. Si le lien entre le jaune, le laid et le grotesque apparaît dans un passage épistolaire où Keats transcrit cette ode à la femme hideuse qu’est le contre-blason de Burton, il a également sa place dans l’œuvre poétique. En s’appuyant sur les conceptions de Bakhtin, Caroline Bertonèche identifie au Livre 1 d’Endymion les traces d’une image grotesque et morbide du corps, recouvert d’un jaune bilieux ou traversé par le spleen, ce « noyau pourri du jaune » (111), ainsi que des permutations grotesques entre homme et animal. Keats emploie le jaune de façon parfois plus inattendue lorsqu’il imagine les beautés naturelles, d’abord comme alternative au vert pour incarner le dépérissement, puis pour célébrer la fertilité de la nature. Autrement dit, le poète se plaît à conjuguer les valeurs contraires du jaune, couleur tantôt inquiétante car annonciatrice du déclin, tantôt éclatante et signe d’abondance. Dans le chapitre suivant, l’autrice aborde la dimension proprement picturale du jaune telle qu’elle apparaît dans le célèbre passage de Lamia où Keats met en scène la métamorphose du serpent. Pour Caroline Bertonèche, ce jaune éblouissant et voisin du rouge s’apparente aux « tons incendiaires » (119) dans les scènes d’éruptions volcaniques de John Martin ainsi qu’aux compositions lumineuses de Turner. Dans les œuvres de ce dernier, en particulier, où le jaune se place souvent au centre du tableau, l’art de la dissimulation rappelle l’intérêt de Keats pour le flou et la vision brouillée. Dans le troisième chapitre sur le jaune, l’autrice associe la dominance de cette couleur dans certains poèmes à la représentation de la profusion et de l’emphase. Cette nuance du jaune qui tire vers l’or dénote la chaleur et l’extrême luminosité créatrice de reflets : dans les images fréquentes de broderies chatoyantes, l’or se mêle aux autres couleurs et se transforme à leur contact. La couleur dorée se confond alors avec la poésie elle-même, « veinée de couleurs variées », fondée sur la complémentarité des images et les effets potentiellement trompeurs.

5Dans la quatrième partie, qui étudie les différentes valeurs du vert chez Keats, Caroline Bertonèche part du constat que cette couleur est « un organe vital et une source de vie » (139) pour la poésie romantique. Symbole d’une nature sans cesse célébrée, le vert à lui tout seul pourrait presque définir le romantisme. L’autrice souligne cependant que, dans la poétique de Keats, le vert se distingue de cette image lisse : fréquemment associé à d’autres teintes, relié de façon déroutante à des matières ou des motifs inhabituels – l’autrice y voit des phénomènes de greffe – il s’éloigne des valeurs conventionnelles et devient métapoétique. Finalement, le vert de Keats se détache du simple lien avec la nature et le végétal, et c’est en réalité la figure de l’alliance et du mélange, avec d’autres nuances, objets ou symboles divers, qui semble véritablement caractériser cette couleur. Ainsi, dans Isabella ; or, The Pot of Basil, le vert s’altère au point de se revêtir d’une dimension gothique et macabre. Dans ce « poème-plante » (149), comme semble l’annoncer son titre, le vert du basilic contribue à ce que Caroline Bertonèche nomme habilement la « phytopoétique » particulière de ce texte où les nuances du vert (re)colorent la ruine qu’est la tête coupée de l’amant. Ce vert est « autant régénéré qu’amputé » (149), et accompagne le processus de décomposition comme la tentative de rafraichissement du corps pourrissant.

6La dernière partie en vient au rouge, couleur suprême selon Michel Pastoureau et évocatrice du sang et du feu des révolutions. Caroline Bertonèche retrace d’abord les avancées scientifiques du xixe siècle qui ont mis en avant le rôle de la circulation du sang. Dans ce contexte, l’intérêt de Keats pour l’écoulement du sang n’est guère étonnant, et se lit aussi bien dans son Carnet d’anatomie et de physiologie que dans sa poésie. Dans une « approche médicale de l’écriture » (163), le poète associe ainsi musicalité poétique et vérité scientifique à travers des images de pulsation et de sang en ébullition. Aussi, cet écoulement devient métaphorique lorsque le rouge se mêle à d’autres couleurs, se diffuse dans le paysage et y répand ses valeurs diverses sous la forme d’un ruissellement qui semble organique. Mais le rouge signifie également violence, impureté et sexualité, et l’autrice reconnaît que le recours à cette couleur permet souvent aux romantiques de « sexualiser le propos » (167). Chez Keats, notamment dans les poèmes narratifs, le rouge révèle et / ou dissimule l’indécence et s’immisce dans le texte pour parer le vers de reflets ambigus. Un exemple parfait se trouve dans le portrait de la femme-serpent dans Lamia : personnage ambivalent et hybride, Lamia simule l’innocence, mais le rouge dont elle est entachée trahit son expérience. Faussement innocent lui aussi est le phénomène du rougissement du visage, dont Caroline Bertonèche souligne les différentes facettes. Une fois encore, le langage médical se superpose au langage poétique, car si le rougissement est à l’évidence une manifestation de la pudeur, ou au contraire celle d’une timidité feinte, il correspond aussi à un signe pathologique. Cette partie, comme l’ouvrage, s’achève avec une lecture de The Eve of St. Agnes et une analyse très dense du personnage de Porphyro. Présenté comme un « personnage-couleur », qui porte en lui diverses nuances du rouge et vers qui convergent ses différentes valeurs, le héros (re)colore tout le texte de pourpre et de sang à mesure qu’il chemine vers son objectif ultime, la rencontre avec la virginale Madeline.

7Paru initialement dans le cadre de l’agrégation d’anglais en 2023, l’ouvrage s’adresse aussi bien aux spécialistes de la poésie de Keats qu’à ceux qui cherchent à mieux connaître cette œuvre. En effet, observer les poèmes de Keats à travers le langage de la couleur est une approche originale qui permet à l’autrice non seulement de couvrir des problématiques essentielles à la bonne compréhension de l’œuvre, mais aussi d’ouvrir sur des perspectives critiques inédites. Les apports contextuels extrêmement variés sont très éclairants et nourrissent autant les analyses de texte, minutieuses et personnelles, que les discussions plus globales sur l’œuvre et le projet poétique. En nous invitant à relire les poèmes de Keats à travers les associations de couleurs contraires voire discordantes, Caroline Bertonèche parvient à nous faire apprécier toute la richesse de cette œuvre, sa « palette des douleurs » (13) et sa « noirceur éblouissante » (186).

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Pour citer cet article

Référence électronique

Oriane Monthéard, « Caroline Bertonèche, Le kaléidoscope de Keats  »XVII-XVIII [En ligne], 81 | 2024, mis en ligne le 31 décembre 2024, consulté le 15 décembre 2025. URL : http://journals.openedition.org/1718/12542 ; DOI : https://doi.org/10.4000/130ql

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Auteur

Oriane Monthéard

Université de Rouen-Normandie

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Droits d’auteur

CC-BY-NC-ND-4.0

Le texte seul est utilisable sous licence CC BY-NC-ND 4.0. Les autres éléments (illustrations, fichiers annexes importés) sont susceptibles d’être soumis à des autorisations d’usage spécifiques.

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