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Notes de lecture - Ouvrages reçus

Pascale Drouet et Pierre Iselin, éds, ‘The true blank of thine eye’ : Approches critiques de King Lear

Paris, Presses de l’Université Paris-Sorbonne, 2009, ISBN 978-2-84050-625-6
Jean-Jacques Chardin
p. 315-318
Référence(s) :

Drouet, Pascale et Pierre Iselin, éds. — ‘The true blank of thine eye’ : Approches critiques de King Lear. Paris : PU Paris-Sorbonne, 2009. 316 pp. ISBN 978-2-84050-625-6.

Texte intégral

1Il s’agit d’un ouvrage collectif regroupant quatorze contributions dont les éclairages se complètent pour fournir au lecteur et au spectateur des voies d’accès multiples à une pièce qui échappe à la clôture du sens.

2La première section replace le texte de Shakespeare dans son contexte de production. Dans « Great Stage of Fools : King Lear and the King’s Men », Richard Wilson met en regard la tragédie de Shakespeare et l’ordonnance du 19 mai 1603 par laquelle est créée la compagnie des King’s Men qui donne aux acteurs de la troupe la liberté de jouer, tout en affirmant la suprématie de l’absolutisme du pouvoir royal. C’est le paradoxe de cette liberté sous contrôle que Richard Wilson analyse dans King Lear, concevant par exemple le silence de Cordelia comme l’expression embarrassée de Shakespeare face à sa nouvelle situation.

3Comme l’indique le titre de son étude, « Shakespeare’s Anatomy of Madness in Context », Jean du Verger se livre à un travail d’historicisation de la notion de folie par une analyse serrée de plusieurs traités médicaux anglais et continentaux produits à la Renaissance. Considérée par certains comme une forme de mélancolie, la folie est aussi pensée comme une maladie contagieuse pour laquelle l’un des traitements recommandés était le sommeil. L’article montre l’impact de ces réflexions sur la composition de King Lear.

4Yan Brailowsky s’intéresse, pour sa part, au personnage d’Albany dont il démontre toute la complexité dans « Albany’s ‘milky gentleness’ ». L’auteur rappelle que les textes sources sont relativement discrets à propos d’Albany, qui est bien une création de Shakespeare. Yan Brailowsky souligne également les grandes différences entre le texte du Quarto de 1608 et la version du Folio de 1623. Si dans le Folio les vers conclusifs sont donnés à Edgar, alors qu’ils sont prononcés par Albany dans le Quarto, la version tardive de la pièce présente le personnage comme image du mari trompé et vilement cocufié, figure impérieuse du souverain en devenir.

5Dans « The Lateness of King Lear : Alteration and Authenticity in Shakespeare and Tate », Gordon McMullan reprend les travaux bien connus de Gary Taylor qui montrent que la révision du Quarto de 1608 a été effectuée vers 1610, époque à laquelle Shakespeare terminait la composition de The Winter’s Tale pour aborder celle de Cymbeline. Il conçoit alors King Lear comme un prélude aux romances, et légitime, ce faisant, l’adaptation que Nahum Tate fit de la pièce en 1680 comme réécriture fidèle aux potentialités romantiques du texte shakespearien.

6La seconde section aborde le traitement shakespearien du corps et du cosmos. La contribution de Mickael Popelard, « Savoir et ignorance dans King Lear », soutient que la construction du savoir est montrée comme inopérante, tant l’effacement des certitudes domine la pièce. Les personnages se distribuent entre les ignorants (Lear, Gloucester, Cordelia) et ceux qui ont une connaissance plus avisée de philosophie morale et politique, tout en maîtrisant les mécanismes de la rouerie humaine (les sœurs mauvaises, Edmund). Mais le savoir circule, jusqu’à venir à ceux qui, au début, paraissaient en être le plus dépourvus. Toutefois, ce que Lear apprend par l’expérience de la folie, c’est cette docte ignorance qui est l’apanage de la véritable sagesse.

7Dans « King Lear : fabrique du corps humain et anatomie du monde », Muriel Cunin évoque la présence centrale du corps dans la pièce, du corps fermé de Cordelia qui s’efforce de ne pas laisser transparaître ses émotions, au corps du royaume, symbolisé par la carte que Lear s’apprête à diviser. S’attaquant au corps politique, Lear fait violence à son propre corps, dénudé et sans protection sous la tempête. King Lear s’apparente, pour Muriel Cunin, à l’un de ces théâtres d’anatomie, si courant au xvie siècle.

8Jonathan Pollock propose, quant à lui, une lecture de la pièce à l’aune de la philosophie épicurienne. « King Lear à l’ombre de Lucrèce : nullam rem e nihilo » postule que Shakespeare avait eu connaissance de Lucrèce, sans doute par le truchement de Montaigne. Les principes fondateurs de l’épicurisme sont présentés de façon précise et l’auteur aborde leur transposition dans la pièce avec beaucoup de conviction. Shakespeare retravaille le topos de l’homme seul exposé à la foudre des dieux apparemment indifférents à leur souffrance, ainsi que la négation d’une providence divine, conséquence de la division de la matière à laquelle souscrivent les épicuriens.

9Le dernier article de cette section est celui David Levin, « ‘Handy-dandy’ : Indifferent Identity in King Lear ». L’auteur rappelle que dans l’Angleterre du xvie siècle, l’identité est collective, définie par l’appartenance à la classe, au genre ou à la nation, et que la petitesse de l’homme face à la grandeur de Dieu construit le sens de l’être. Dans la pièce, l’identité est ondoyante car elle s’incarne dans des rôles (glissements entre Cordelia et le Fou). Lear fait la découverte que son être intime, qu’il croyait assuré par sa fonction sociale, est un néant dont rien ne peut venir combler le vide. L’avant-dernière section s’intéresse à l’espace et au mouvement et s’ouvre par une étude de Nathalie Rivère de Carles intitulée « ‘Her breath will mist or stain the stone’ (5.3.260) : Confusing Visions in King Lear ». L’auteur, qui conçoit King Lear comme la tragédie de la vision abusée, souligne que le texte abonde en métaphores optiques et que Shakespeare choisit l’oblique comme principe de construction. Même la rhétorique est marquée aux sceaux de la distorsion et de la diffraction. D’où une lecture double des larmes, salvatrices et douloureuses, ainsi que du miroir, outil d’harmonie et de rupture.

10Dans « Douvres, du théâtre au cinéma : l’illusion de la falaise dans King Lear ou l’ironie de la chute », Sarah Hatchuel pose le problème de la représentation sur la scène et au cinéma de la scène de la falaise. Dans ce moment d’intensité extrême où le théâtre se met en scène, la réaction du spectateur est médiatisée soit par Edgar (et le spectateur ne croit pas à l’existence de la falaise), soit par Gloucester (et il y croit). Au cinéma, où le réalisme est plus fort qu’au théâtre, l’entreprise de représentation de cette scène est plus périlleuse encore et Sarah Hatchuel analyse les stratégies mises en oeuvre par les metteurs en scène, principalement le hors-champ et le montage.

11Pour Pascale Drouet, dans « ‘Strangered with our oath’ (1.1.205) : la dynamique de la mise au ban dans King Lear », le bannissement participe de la loi du Talion. Cordelia et Kent sont mis au ban pour leur franc-parler. Le bannissement de Lear prend, lui, la forme d’une errance dans un espace-temps sur lequel le personnage n’a plus aucune prise, théâtre d’une mise à l’épreuve qui culmine dans l’épuisement. La mise au ban est une déterritorialisation, soit hors des frontières du pays, soit dans les profondeurs du moi.

12Le cercle vicieux que François Laroque analyse dans sa contribution s’exprime d’abord par le raisonnement pipé d’Edmund (1.2), négatif du « Nothing » de Cordelia. Le travail sur les images de cercles et de rotondité montre comment s’inscrit dans la pièce la topique de la béance, celle des orbites ensanglantées de Gloucester et du sexe féminin, vilipendé par Lear jusqu’à la nausée. François Laroque lit la pièce comme un texte troué, ponctué par la présence signifiante de la lettre O qui circule d’un nom à l’autre, marque du vide et de l’insignifiance.

13La section finale de l’ouvrage aborde la langue et ses avatars et comporte deux analyses. Dans « ’tis worse than murder (2.2.213) : King Lear ou les derniers outrages », Nathalie Vienne-Guerrin se penche sur les modalités et sur les effets de l’injure dans la pièce. Le silence, le geste, la mise en scène sont des stratégies de la blessure qui entraînent une forme de résistance, comme le cri et les imprécations lancés par Lear. L’injure est violence car elle détruit, aux yeux des autres, l’identité intime de celui qui en est la victime.

14Pierre Iselin s’interroge dans « ‘Mend your speech’ : King Lear et le drame de la langue », sur le statut du signe oral et écrit dans l’économie de la tragédie. La langue, moteur de l’action, se donne en représentation dans les scènes de procès, les parodies de rhétorique épidictique opérées par Kent ou tous les travestissements langagiers auxquels se livre Edgar. Le signe semble vivre une vie propre, détachée des circonscriptions de sens que les locuteurs cherchent à lui donner.

15Par la variété de ses approches, cet ouvrage révèle la richesse d’un texte dont il est manifestement impossible d’épuiser le sens.

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Pour citer cet article

Référence papier

Jean-Jacques Chardin, « Pascale Drouet et Pierre Iselin, éds, ‘The true blank of thine eye’ : Approches critiques de King Lear », XVII-XVIII, 71 | 2014, 315-318.

Référence électronique

Jean-Jacques Chardin, « Pascale Drouet et Pierre Iselin, éds, ‘The true blank of thine eye’ : Approches critiques de King Lear », XVII-XVIII [En ligne], 71 | 2014, mis en ligne le 26 mai 2016, consulté le 21 août 2018. URL : http://journals.openedition.org/1718/425

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Auteur

Jean-Jacques Chardin

Université de Strasbourg

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