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Vient de paraître

François Albera, Jean Antoine Gili et Valérie Pozner
p. 196-204

Livres

Carole Aurouet, Desnos et le cinéma, Paris, Nouvelles éditions Jean-Michel Place, 2016, 112 p.
Portée longtemps par les seuls spécialistes du cinéma expérimental tel P. Adam Sitney (Modernist Montage. The Obscurity of Vision in Cinema and Litterature, 1990), l’étude des relations entre écrivains et poètes modernistes et cinéma a repris récemment son essor avec Christophe Wall-Romana (Cf. Cinepoetry : Imaginary Cinemas in French Poetry, 1890-2008 (2012). C’est dans ce contexte qu’est éditée en France une série de petits livres qui envisagent les rapports entre un écrivain et le cinéma (Aragon, Breton, Brunius, Fondane, Michaux, Queneau). Cet ouvrage de Carole Aurouet est l’un d’eux. Spécialiste de Prévert et familière des avant-gardes, l’auteure éclaire les liens de Desnos avec le nouveau moyen d’expression. L’écrivain, qui a consacré de nombreux articles au cinéma (réunis à deux reprises chez Gallimard depuis les années 1970), a rédigé aussi des « ciné-textes » dans lesquels il cerne le type de film qu’il aimerait visionner sur les écrans des salles obscures, participant de ce « genre littéraire » particulier de ciné-écriture qu’inaugurèrent Apollinaire et Cendrars et qui fit florès dans les années 1920.

Michel Cadé (dir.), Le cinéma s’affiche en grand, Arles, Arnaud Bizalion, 2015, 95 p.
Michel Cadé (dir.), 1892-1929. L’affiche invente le cinéma, Arles, Arnaud Bizalion, 2016, 95 p.fr
Deux volumes au format à l’italienne liés à deux expositions qui se sont tenues à Perpignan sous l’égide de l’Institut Jean-Vigo (avec le soutien du CNC), à partir de ses collections d’affiches de cinéma. On reviendra sur ces deux ouvrages – dont il faut d’emblée souligner la qualité d’impression et l’intérêt des textes de présentation dus à des archivistes, un restaurateur et des historiens – dans un prochain numéro qui publiera un dossier sur l’affiche de cinéma, terra largement incognita en dépit des albums et des propos de collectionneurs avec lesquels ces deux publications rompent heureusement. À quand de tels ouvrages à partir des collections de la Cinémathèque française (son responsable, Jacques Ayroles, participe à l’un des volumes que dirige Michel Cadé), comme on eut des catalogues d’appareils, de plaques de lanternes magiques ?

Jocelyn Dupont (dir.), les Écrans de la déraison, « CinémAction », no 159, Condé-sur-Noireau, Corlet, 2016, 216 p.
Sur un sujet relativement peu fréquenté, à l’inverse du thème « cinéma et psychanalyse », les relations entre le 7e art et la folie offrent un territoire très riche que l’on peut aborder sous l’angle du cinéma de fiction comme du cinéma documentaire. A cet égard, on peut s’étonner que le film fondateur d’Agosti, Bellocchio, Petraglia, Rulli, réalisé en 1975, Matti da slegare (Fous à délier), ne soit pas évoqué. Au cœur de la réflexion, quelles représentations le cinéma peut-il proposer de la folie ? Le livre propose de nombreuses pistes balisées par des historiens et des spécialistes du cinéma, mais aussi par des psychiatres et des psychanalystes.

Marina Kosinova, Valery Fomine (dir.), Kak snjat’ shedevr. Istorija sozdanija fil’mov A. Tarkovskogo, snjatyh v SSSR : Ivanovo Detstvo, Andrej Rublev [Comment faire un chef d’œuvre. L’histoire de la création des films de A. Tarkovski réalisés en URSS : l’Enfance d’Ivan, Andreï Roublev], Moscou, Kanon+, 2016, 591 p.
Marina Kosinova, Valery Fomin (dir.), « Muzyka Baha zvuchit kak-to ne po-sovetski... ». Istorija sozdanija fil’mov A. Tarkovskogo, snjatyh v SSSR : Soljaris, Zerkalo, Stalker [« La musique de Bach n’est pas bien soviétique dans sa sonorité... » : L’histoire de la création des films de Tarkovski réalisés en URSS : Solaris, le Miroir, Stalker], M. Kanon+, 2017, 525 p.
Les deux ouvrages réunissent une somme de documents d’origines diverses : synopsis de l’auteur, conclusions des « rédacteurs », réactions des multiples instances à la lecture des scénarios et des découpages, minutes des débats des différentes commissions, correspondance avec le Goskino, témoignages de protagonistes, souvenirs de membres de l’équipe de tournage, etc. Il est à souhaiter que la multitude d’exégètes de l’œuvre du réalisateur prenne connaissance de l’existence de cette somme, propre à renouveler ou à préciser leurs analyses.
On ajoutera à ces deux ensembles la publication des actes d’un colloque international qui s’intéresse aux sources et aux prolongations de l’œuvre du cinéaste dans le cinéma et la philosophie :
A. Artamonov (dir.), Posle Tarkovskogo. Materialy IV mezhdunarodnoj nauchnoj konferencii [Après Tarkovski. Actes du IVe colloque scientifique international], Saint-Petersbourg, Seans, 2016, 200 p.

Valery Fomine, Peresechenie parallel’nyh-2 [le Croisement des parallèles-2], Moscou, Kanon+, 2016, 435 p.
Nouvelle édition très largement augmentée d’un ouvrage ancien de 1976, constitué par l’auteur à partir d’entretiens et de ses propres souvenirs, sur l’œuvre de réalisateurs appartenant à la dernière grande génération de cinéastes soviétiques des années 1960-1970 : Emil Lotianu, Otar Iosseliani, Gleb Panfilov, Vassili Choukchine, Larissa Chepitko, Elem Klimov, etc.

Jean A. Gili, Marcello Mastroianni, Paris, La Martinière, 2016, 192 p.
Décédé il y a vingt ans en décembre 1996, Marcello Mastroianni a joué dans 150 films au long de cinquante ans de carrière. Dirigé par les plus grands cinéastes italiens, notamment Fellini, De Sica, Visconti, Petri, Scola, Ferreri, Antonioni, Monicelli, Risi, Comencini, il a aussi travaillé sous la direction de John Boorman, Jacques Demy, Louis Malle, Yves Robert, Nikita Mikhalkov, Roman Polanski, Theo Angelopoulos, Bruno Barreto, Raoul Ruiz, Manoel de Oliveira... L’ouvrage, abondamment illustré, rend compte d’un parcours exceptionnel accompli par un acteur qui, loin des enseignements de l’Actors Studio, était un interprète d’une spontanéité radicale, d’une maîtrise absolue dans sa capacité à se glisser dans la peau des personnages les plus divers en gardant souvent une distance ironique ménageant au spectateur la place d’un regard réflexif.

Owen Hatherley, The Chaplin Machine. Slapstick, Fordism and the Communist Avant-Garde, Londres, Pluto Press, 2016, 232 p.
Très suggestive et renouvelante approche de Chaplin à partir d’une inscription de ce dernier dans les champs politiques et sociaux des années 1920-1930 autour du machinisme, du taylorisme et du communisme. Chaplin, homme « nouveau » en raison de la précision de sa gestuelle, du fonctionnalisme de son comportement, correspondrait aux aspirations modernistes des artistes d’avant-garde qui, de fait, le célèbrent : de Léger à Stépanova ou Ehrenbourg et Kouléchov, certains établissant un lien entre Lénine et Charlot tant en raison de l’adhésion des masses à leurs images respectives qu’en celle de leur foi en une efficacité sur le modèle du productivisme. En renversant ce schéma dans Modern Times (1936), Chaplin inaugurerait une critique du fordisme dans le contexte de la crise économique et de la montée du chômage aux États-Unis, divergeant, par là, des attendus soviétiques alors voués à l’essor industriel. Il reste que l’auteur semble ne pas apercevoir la différence entre une foi « Esprit nouveau », machiniste, que certains courants artistiques et de pensée promeuvent (dont Le Corbusier dans la revue du même nom, du moins au début des années 1920) et le jeu avec ces « valeurs » qu’engagent les Dadaïstes (Picabia et ses machines parodiques), Duchamp (et ses machines célibataires) et des cinéastes comme les FEKS ou Kouléchov et son collectif qui travaillent sans cesse sur l’excès et débouchent sur la parodie plutôt que sur une application des préceptes de l’Institut du Travail de Gastev. Faut-il conclure de cette approche que l’avant-garde russe a « fait le lit » du stalinisme – comme s’y était déjà employé Groys et quelques autres ? Que le slapstick est l’outil même du fordisme ? Sauf à s’aveugler sur la dimension critique des propositions que font ces artistes et de leur engagement à transformer la vie quotidienne et les conditions de travail des masses, non de les conforter dans leur situation de rouages dans la machine industrielle, du moins faudrait-il en faire le négatif ou l’envers – et développer alors la problématique de « l’envers complice » – qui reste à faire...

Laure, Les Cris de Laure. Fragments, poèmes suivi de Correspondance 1923-1936, Meurcourt, Éditions Les Cahiers, 2014, 115 p.
Colette Peignot, née dans une famille de typographes, rompt avec son milieu et fréquente un journaliste de l’Humanité, Jean Bernier, elle séjourne en URSS en 1930-1931, devient membre du Cercle communiste démocratique de Boris Souvarine et collabore à la Critique Sociale qu’elle finance en partie ; elle participe aussi à la société « Acéphale » avec Georges Bataille et Michel Leiris. On a découvert à sa mort une œuvre littéraire disparate que Bataille publia sous le nom de Laure. Dans ce recueil, sa correspondance avec Ella Maillart l’amène à évoquer le cinéma. En 1933, elle écrit qu’elle « rêve d’une collectivité de gens intéressants et de gens intéressés dans le meilleur sens du terme qui s’occuperaient de cinéma en dehors de tout esprit mercantile, quelque chose comme une coopérative ». Au moment où René Clair vient d’essuyer des attaques politiques de la part de groupes d’extrême-droite avec le Dernier Milliardaire et Jean Grémillon un échec commercial avec la Petite Lise qui les a mis tous deux au ban de Pathé, Colette Peignot conclut : « j’ai l’impression qu’on n’est pas près de voir un film de René Clair ou Grémillon ».

Boris Lehman, Histoire de ma vie racontée par mes photographies, Crisnée, Yellow Now/Paris, Dis-Voir, 2016, livre-DVD, 191 p.
Boris Lehman filme depuis l’âge de 14 ans mais il photographie aussi, son Nikon lui est comme un prolongement de son œil et de sa main sans pourtant lui tendre la perche du « selfie » ni de l’instantanéité et donc de l’insignifiance dans la pléthore. Ce temps de la prise et du développement, de l’agrandissement – Epstein le montrait dans ce film qu’il aurait voulu appeler Un Kodak – donne à l’instant fugitif saisi, immobilisé, la durée, il l’inscrit dans le temps. Un temps qui s’épaissit à mesure qu’on s’éloigne du moment du déclic, enrichit les photos, leur donne d’autres dimensions – fût-ce celle de témoigner du temps qui a passé, de la disparition d’êtres ou de choses fixées sur la pellicule. Dans son film homonyme de ce livre (ou c’est plutôt l’inverse), Boris Lehman filme l’acte photographique et nous donne à saisir un peu de cet avant et de cet après, il énumère tous les dispositifs techniques qui viennent s’ajouter et transformer la photo (la photocopieuse, la photo comme objet, etc.), il la triture, la supplicie, s’en recouvre ou se dénude pour elle. Comme dans chacun de ses films l’autoportrait transforme le sujet en un type humain qui, chez Lehman, rejoint, dans sa nudité, sa précarité, sa vulnérabilité celle du proscrit et finalement du déporté – qu’il aurait pu être.

Delphine Letort, Erich Fisbach (dir.), la Culture de l’engagement au cinéma, Rennes, Presses Universitaires de Rennes, 2015, 252 p.
Recueil de contributions issues d’un colloque tenu à l’université d’Angers en novembre 2013, l’ouvrage présente le vaste chantier suivant : dans quelle mesure le cinéma parvient-il à résister aux normes qui en conditionnent l’existence ? Après une première partie consacrée au documentaire, la seconde concentre son attention sur l’Espagne franquiste et revient sur les conflits chiliens, boliviens et argentins. La troisième partie pose la question du témoignage au cinéma et revient longuement sur l’œuvre de Bellocchio.

Jean-Pierre Mattei, Napoléon vu par Abel Gance. La séquence corse, Ajaccio, Musée national de la Maison Bonaparte, Albiana, 2016, 68 p.
Infatigable chercheur et animateur culturel pour tout ce qui concerne les rapports entre la Corse et le cinéma (Cf. son récent ouvrage sur Jacques Tati et son film Forza Bastia 78), Jean-Pierre Mattei publie à l’occasion d’une exposition organisée au Musée national de la Maison Bonaparte à Ajaccio une étude détaillée sur « la séquence corse », c’est-à-dire sur le tournage en Corse d’une partie du Napoléon d’Abel Gance. Appuyé sur un très riche matériel photographique, l’ouvrage retrace en détail les difficultés du tournage et l’enthousiasme d’un cinéaste qui savait communiquer à ses collaborateurs son perfectionnisme et ses exigences.

Aurore Renaut, Roberto Rossellini. De l’histoire à la télévision, Bordeaux, Le Bord de l’eau, 2016, 366 p.
L’ouvrage d’Aurore Renaut est le second volet d’un diptyque consacré à Rossellini. Après un premier volume, Roberto Rossellini, de la fiction à l’histoire – un ensemble de textes réunis par Patrick Werly –, voici un travail universitaire issu d’une thèse de doctorat. Le projet était ambitieux et le résultat est à la hauteur des intentions : présenter en détail la deuxième partie de la carrière du cinéaste lorsque celui-ci abandonne le cinéma pour se consacrer à une entreprise didactique réalisée pour la télévision. Le livre se divise en deux parties, dans la première l’auteure présente « le projet didactique » et les enjeux théoriques d’un créateur qui se détourne d’une production conventionnelle pour mettre son énergie au service d’une volonté pédagogique. Déjà, il avait tourné auparavant pour le cinéma les Onze Fioretti de François d’Assise, Viva l’Italia (sur la construction de l’unité italienne) et la Prise de pouvoir par Louis XIV, film charnière entre le film et le téléfilm. Arrivent alors les œuvres clefs, supports d’un projet encyclopédique qui restera inachevé tant son ambition était démesurée, concentrant ses efforts sur de grandes figures de l’Antiquité ou sur des personnalités de l’Epoque moderne, les Actes des apôtres, Socrate, Blaise Pascal, Augustin d’Hippone, l’Âge de Cosme de Médicis, Descartes.

Philippe Ségur, Jacobo Rios Rodriguez (dir.), Cinéma, droit et politique, « CinémAction », no 158, Condé-sur-Noireau, Corlet, 2016, 208 p.
Pour traiter d’un sujet à la fois évident – on pense au thème « justice et cinéma » – et finalement rarement abordé dans cette perspective, les coordinateurs ont choisi de ne faire appel, à quelques exceptions prêts, qu’à des juristes. Eux-mêmes professeurs de droit, ils abordent la question sous l’angle du droit et de la science politique et proposent une série de contributions qui mettent à jour les mythologies véhiculées par le cinéma dans ces deux domaines. Tous les textes ne sont pas d’égale qualité mais l’ensemble fournit une riche matière à réflexion sur des sujets comme les représentations de l’administration publique au cinéma, James Bond et le droit international, les droits de l’homme au cinéma...

Ken Slock, Corps et machine. Cinéma et philosophie chez Jean Epstein et Maurice Merleau-Ponty, [s.l.], Mimésis, « Images, Mediums », 2016, 272 p.
Ce livre, tiré d’une thèse soutenue en 2014, explore le domaine des relations qu’on peut établir entre Maurice Merleau-Ponty et Jean Epstein, deux auteurs au sujet desquels 1895 revue du cinéma a publié dans les dernières années plusieurs contributions et documents d’archives.
Compte rendu dans un prochain numéro.

Bernd Stiegler, Autour de ma chambre. Petite histoire du voyage immobile, Paris, Hermann, « Échanges littéraires », 2016, 259 p.
Partant de la proposition de Joseph de Maistre de voyager sans sortir de sa chambre, Stiegler évoque en vingt-et-une étapes une série de réflexions et de variations sur ce thème à travers un choix toujours suggestif et souvent rare d’exemples littéraires, photographiques, artistiques ou cinématographiques. Retenons pour les lecteurs de cette revue la 5e étape (« Regards cadrés » – Niépce, Talbot), la 9e (« Chambres noires » les panoramas), la 14e (« Un Baedeker cinématographique » – Vertov), la 17e (« Voyage dans le moi » – Fleischer) ou 19e (« Explorations cinématographiques » – Ruiz, Smolder), mais toutes sont à parcourir car à travers ce pré-texte, l’auteur s’intéresse à un projet critique de renouvellement de la perception : la proximité de l’espace « visité » est toujours associée à la qualité d’un regard « autre », mais aussi à l’expérience d’une temporalité différente.

Jacques Thorens, le Brady, cinéma des damnés, Paris, Verticales, 2015, 354 p.
Ce livre propose un portrait inhabituel, celui d’une salle de cinéma : le Brady, dernière cinéma de quartier parisien, dernière salle du Xe arrondissement. L’auteur évoque les personnes qu’il a côtoyées durant les années où il fut projectionniste dans ce cinéma, dans les années 2000, du propriétaire (Jean-Pierre Mocky) à ses collègues et aux spectateurs, riverains, clochards, etc., il évoque les particularités maintenues dans la programmation (le double programme) qui était riche de rencontres fortuites ou délibérées parfois marquantes. Il faudra revenir sur ce livre qui croise, à sa façon, les courants de la sociologie du cinéma intéressés par les conduites des spectateurs, comme les analyses du cinéma sous l’angle de l’architecture de l’urbanisme, domaines désormais étudiés par les chercheurs (de Jean-Jacques Meusy à Jean-Michel Frodon et bien d’autres).

Vera V. Ustjugova, « Prekrasnaja èpoha » sinematografa 1896-1919. Na materiale russkoj provincii [« la Belle époque » du cinématographe 1896-1919. D’après les sources d’une province russe], Perm, Université des sciences humaines de Perm, 2015, 411 p.
L’ouvrage, probablement issu d’une thèse de doctorat, met en relation l’arrivée du cinématographe avec les processus de modernisation à l’œuvre dans la province russe – Perm, située au pied de l’Oural, à plus de 1200 km à l’est de Moscou, ville de naissance de Diaghilev, connaît alors un formidable essor de l’industrie capitaliste. Outre les périodiques et fonds d’archives moscovites, l’auteur a puisé dans les fonds d’archives locaux, personnels et administratifs, des musées, ainsi que dans la presse de Perm et de sa région.

Annie van den Oever (dir.), Ostrannenie, Amsterdam, Amsterdam University Press, « The Key Debates », 2010, 278 p.
L’« étrangéification » ou le fait de « rendre étrange », concept clé d’une certaine tendance de l’art moderne, trouve son origine chez Viktor Chklovski puis migre au théâtre (Meyerhold) et au cinéma (Eisenstein et les « attractions ») avant d’être repris par Bertolt Brecht qui le reformule et lui donne un ensemble de définitions pratiques, de techniques. On a mis en rapport ce concept avec celui d’« effet d’étrangeté » chez Freud et certains lui trouvent des résonnances dans la « différance » derridienne. Cet effet ne remonte-t-il pas à la recherche du « choc esthétique » auquel Kant accordait toute son importance ? Un choc – celui des « attractions » eisensteiniennes assurément, mais il est bien d’autres modalités de suspens de l’habitude conduisant le spectateur à l’étonnement devant ce qui eût passé pour banal en d’autres circonstances. Les phénoménologues en privilégiant le « retour aux choses mêmes » amènent aussi à déjouer les cadres culturels préétablis qui gouvernent notre perception. Bergson, à l’inverse, donne lui cette définition « anesthésiante » de l’effet esthétique dans les Données immédiates de la conscience : « ... l’objet de l’art est d’endormir les puissances actives ou plutôt résistantes de notre personnalité, et de nous amener ainsi à un état de docilité parfaite où nous réalisons l’idée qu’on nous suggère, où nous sympathisons avec le sentiment exprimé... Ainsi en musique, le rythme et la mesure suspendent la circulation normale de nos sentiments et de nos idées en faisant osciller notre attention entre des points fixes et s’emparent de nous avec une telle force que l’imitation, même infiniment discrète, d’une voix qui gémit suffit à nous remplir d’une tristesse extrême ».
Issu de journées d’études et d’un colloque autour de cette notion, cet ouvrage propos des contributions de Tsivian, Kessler, Christie, Chateau, Jullier, Poppe, etc.

Annie van den Oever (dir.), Technè/Technology, Amsterdam, Amsterdam University Press, « The Key Debates », 2014, 411 p.
Une approche plurielle en termes aussi bien philosophiques, sémiotiques, esthétiques qu’historiques de la question de la technique et de la technologie dans le champ des médias de l’image et du son. Avec des contributions de Benoît Turquety, Dominique Chateau, Martin Lefebvre, Ian Christie, Malte Hagener, Laurent Jullier, Francesco Pitassio, etc.

Emilie Vergé (dir.), Stan Brakhage. Films (1952-2003). Catalogue raisonné, Paris, Paris-Expérimental, 441 p., 2016
Ouvrage bilingue établissant le catalogue définitif de l’œuvre du cinéaste expérimental Stan Brakhage (1933-2003) comportant plus de 300 titres sur pellicule. Cet outil indispensable a été établi par Emilie Vergé en étroite collaboration avec Marilyn Brakhage. Il comporte en outre un texte de P. Adams Sitney revenant sur la trajectoire du cinéaste.
On reviendra sur cette somme dans un prochain numéro.

Revues

Association des Amis de Jean Proal, no 10, 2016
Jean Proal, romancier, a vu son livre Bagarres, adapté au cinéma par Henri Calef sur un scénario de l’auteur. Le film de 1948 ressort opportunément en DVD et cette dixième livraison de la revue des Amis de Jean Proal est consacrée à ce passage « de la page à l’écran ».
Voir compte rendu dans ce numéro.

Bianco e Nero, no 584, janvier-avril 2016
La revue du Centro Sperimentale di Cinematografia consacre son dernier numéro au « montage en Italie au temps du numérique ». Retrouvant, sous la direction d’une nouvelle directrice scientifique, Mariapia Comand, la voie des ensembles de textes soigneusement documentés, la publication propose un large ensemble de réflexions sur ce qu’implique pour le cinéma, mais aussi pour la télévision et le vidéoclip, le passage du montage traditionnel par assemblage de morceaux de pellicule au montage numérique par mise en œuvre des ressources informatiques. Un texte particulièrement éclairant étudie les incidences des nouveaux outils sur le cinéma de Marco Bellocchio. Des entretiens avec des monteurs complètent la description des changements qu’a induit le numérique vis-à-vis d’une étape fondamentale dans l’élaboration du film.

Cinémas. Revue d’études cinématographiques, vol. 26, no 1, 2016, « Revoir Lacan »
Un numéro sous la responsabilité de Louis-Paul Willis revenant sur la référence à Lacan dans la théorie cinématographique qui aurait passé d’un intérêt pour le stade du miroir (Baudry, etc.) à l’objet a (Zizek) à travers des études particulières. Dans la partie hors-dossier du numéro, André Gaudreault et Philippe Gauthier analysent les notions de montage et de formes de l’alternance chez Metz, et Laurent Le Forestier s’intéresse au « cas Roud » dont une anthologie de textes est récemment parue (voir 1895 no 74).

Décadrages, no 32-33, printemps 2016
Un numéro consacré aux séries télévisées contemporaines avec des contributions de David Buxton, Stéphane Bénassi, Mireille Berton (« Technologies numériques et fantasmes panoptiques dans les séries télévisées »), Achille Papakonstantis (sur Deadwood), etc., avec également un glossaire et le point sur les séries télévisées suisses (web-séries) par Sylvain Portmann et Ann-Katrin Weber.

Early Popular Visual Culture, vol. 13, no 2, mai 2015
Numéro spécial dévolu au thème des « Tricks and Effects », reprenant un certain nombre d’interventions prononcées lors du colloque de Montréal consacré à « La Magie des effets spéciaux ». Introduit par Benoît Turquety, il comporte quatre interventions dues respectivement à Ian Christie (« The visible and invisible : From ``tricks’’ to ``effects’’ »), Mirelle Berton (« The ``magism’’ of cinema and imaginary spiritism in France at the beginning of the XXth century »), Maggie Hennefeld (« Miniature women, acrobatics maids, and self-amputating domestics : Comediennes of the trick film ») et Julie Turnock (« Patient research of slapstick lots : From trick men to special effects artists in silent Hollywood »).

Immagine, no 11, 2016
La revue de l’Association italienne pour les recherches d’histoire du cinéma consacre sa dernière livraison à un ensemble monographique : « Sul cinema educativo in Italia : teorie, istituzioni e personnalità dalle origini agli anni Cinquanta ». Les coordinateurs, Silvio Alovisio – connu pour ses travaux sur le cinéma muet italien – et Paolo Bianchini, enseignent à l’université de Turin ; ils ont rassemblé une série d’études très denses qui en plus de 220 pages balisent très largement le territoire de la cinématographie éducative : l’apport du cinéma à l’éducation populaire, le cinéma scolaire, le cinéma pour enfants utilisé par l’Eglise catholique, le cinéma itinérant dans les zones rurales promus par l’Office National d’Assistance aux Travailleurs. Au détour d’une notice biographique, on trouve confirmation qu’exista dans l’Université italienne un cours de filmologie dispensé à Milan de 1949 à 1958. Par ailleurs, alors que cessait de paraître en France la Revue internationale de filmologie, naissait en 1962 la revue Ikon dirigée par le psychologue et médecin franciscain Agostino Gemelli et le psychanalyste Cesare Musatti dans le droit fil de la revue parisienne. On attend la parution d’un ouvrage collectif annoncé aux éditions Carocci pour avoir des informations plus complètes, Dallo schermo alla cattedra. La nascita dell’insegnamento universitario del cinema e dell’audiovisivo in Italia. Si cet ouvrage correspond à notre attente, nous n’aurons plus qu’à mettre en chantier un ouvrage similaire pour l’Université française, ouvrage qui fait cruellement défaut.

Mise au point, Cahiers de l’Afeccav, 2016
Sous la direction de Laurent Jullier et Martin Lefebvre ce numéro de la revue annuelle de l’Afeccav, qui se consulte en ligne, ouvre un débat sur « Chapelles et querelles » en théorie du cinéma. L’introduction des deux directeurs (« Les chiens de faïence. Introduction à ``Chapelles et querelles des théories du cinéma’’ ») est « musclée », elle s’efforce de définir les conditions de scientificité (éventuelle) d’une théorie du cinéma en mobilisant les critères poppériens, kuhniens avant de les relativiser et de se confier plutôt aux principes que l’on peut inférer de la philosophie de Charles Sanders Peirce. Lefebvre revient d’ailleurs sur ces questions dans son article, « De quelques problèmes épistémologiques dans la théorie du cinéma », en discutant Carroll, Bordwell et Tulvey. Le choix des articles qui entrent dans le numéro entendent donner quelques exemples de ces « querelles » entre tenants de telle ou telle « chapelle » théorique avec plusieurs articles anglo-saxons donnés ici cependant en anglais (ce qui ne facilitera pas leur accessibilité ni leur prise en compte dans les débats français : songeons, a contrario, à l’effort de traduction que fait la revue en ligne Périodes et, parfois, 1895), dont celui de Malcolm Turvey sur Epstein où l’auteur polémique avec Wall-Romana sur l’actualité ou non de la « théorie » epsteinienne, celui de Warren Buckland sur la « politique des auteurs » dans les études cinématographiques britanniques, celui de Julien Lapointe, « Etudes cinématographiques et philosophie des sciences : paradigmes bordwelliens et querelles marxistes », de Jullier et Leveratto, « L’Histoire d’un mythe : le ``travelling de Kapo’’ ou la formation de l’idéologie française du film d’auteur ». En français on propose un ensemble autour d’un texte de Metz introduit par Lefebvre, « Théorie de la communication versus structuralisme. Sur la notion de la communication », un article de Hugo Clémot, « Le rêve deleuzien et le réveil analytique ». Retrouvant plusieurs articles tournant autour de la « politique des auteurs », c’est avec celui de Mathias Kusnierz « La haine du renouvellement théorique : enquête sur la querelle théorique de la critique cinéphile et de l’Université française » qu’on semble le plus en prise sur la situation des études de cinéma françaises lesquelles sont nettement en-deçà des exigences de scientificité sur lesquelles réfléchissent les deux directeurs du numéro, précisément en raison de la domination d’une pensée cinéphilique infuse qui déborde le secteur précis des départements de cinéma et règne en toute « naturalité » dans les champs voisins (notamment la philosophie) et chez les éditeurs ou dans les médias, fussent-ils « élitaires » comme France Culture. Le point de départ de Kusnierz est le numéro des Cahiers du cinéma où l’on attaquait massivement et sans précision aucune l’université. C’est dire qu’on est loin de Popper et de Kuhn comme de Carroll et Bordwell... On revient, dans le diagnostic, à la position de Barthélemy Amengual sur la « politique des auteurs » énoncée en... 1956, c’est-à-dire sur une politique critique devenue dominante. Il affirmait déjà clairement que « la raison pour laquelle soustraire les films à l’histoire et l’historiographie, à la sociologie ou à toute autre méthode théorique spécialisée consiste en réalité à s’arroger une position de pouvoir sur eux, à la fois autoritaire, idéaliste et conservatrice à tous les sens du terme. Lorsque les films sont protégés de toute approche scientifique ou matérialiste, ils se tiennent clos sur eux-mêmes, dans le cercle rassurant de l’esthétique, disponibles à la glose comme Dieu et le texte sacré sont disponibles au croyant dans la prière et la méditation. Le croyant est celui qui conserve le sens du texte et le lien à Dieu, dans un rapport d’exclusivité qui lui assure un pouvoir symbolique. C’est ce pouvoir symbolique que, bien souvent, le critique refuse d’abandonner ».
Signalons encore l’intéressant débat électronique entre Martine Beugnet, Maxime Cervulle, Marlène Coulomb-Gully, Geneviève Sellier, Martin Lefebvre et Laurent Jullier autour des « Gender Studies » et de leur difficile statut en France mais aussi de leurs limites « internes » en quelque sorte (ce qui renvoie aux réflexions épistémologiques de Lefebvre), qui peut se lire en écho du « Point de vue » de notre numéro 79. Ajoutons enfin que Mise au point, qui paraît reprendre le flambeau de la défunte revue Iris, propose des comptes rendus d’ouvrages concernant la discipline, ce qui est exceptionnel dans le paysage éditorial français – sinon francophone.

Plaisirs de mémoire et d’avenir, no 5, 2015, Les Cahiers de l’Association André Beucler, « André Beucler et le cinéma »
Une première livraison des Cahiers de l’association André Beucler consacrée à l’écrivain qui fut aussi critique de cinéma, scénariste et dialoguiste. Une première période « de l’apogée du muet à la consécration du parlant » qui sera suivie d’une seconde avec Gueule d’amour, Bar du Sud et Bagarre.
Voir compte rendu dans ce numéro.