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Vient de paraître

p. 224-234

Livres

Adriano Aprà (dir.), Critofilm. Cinema che pensa il cinema, Pesaro, Fondazione Pesaro Nuovo Cinema, 2016, 893 p.
Publié à l'occasion de la 52e Mostra Internazionale del Nuovo Cinema (Pesaro, 2-9 juillet 2016), cet ouvrage est un e-book qui se partage en deux parties, « Histoire » et « Critique », réunissant des textes consacrés à des films sur le cinéma. Aprà reprend le terme de « critofilm » à Ragghianti qui l'avait créé pour désigner un genre de cinéma documentaire développant une démarche de critique d'art et d'histoire de l'art filmées (dans Approches d'un genre hybride : le Film sur l'art récemment paru aux PUR, l'approche de Ragghianti est analysée pour elle-même). En élargissant le champ de ce terme, Aprà parie sur de « nouvelles formes de critique et de connaissance » en matière de cinéma qui utiliseraient le film comme métalangage (privilège jusqu'ici réservé à la langue : le critique littéraire usant du même medium que l'écrivain contrairement au critique d'art, musical, cinématographique, chorégraphique, etc.). Type de film définissant un sous-ensemble du « film-essai », dévolu au seul cinéma. Justement dans la 1ère partie, Chiara Grizzaffi va du « critofilm au video essai » voyant à l'œuvre dans l'un et l'autre « une écriture pour des images en réseau ». Simone Starace livre des « notes pour une histoire du critofilm italien ». Kevin Brownlow s'attache au « Film sur le cinéma dans la période muette » tandis que Céline Gailleurd et Olivier Bohler évoquent le « petit écran » et une « mythologie du cinéma, les programmes sur le cinéma à la télévision française » (en se limitant à la série « Cinéastes de notre temps » cependant). Dans la partie critique on compte des articles de Jonathan Rosenbaum, Michael Baute et Volker Pantenburg, Alain Bergala, Elpidio del Campo Cañizares, Federico Rossin. Tous les textes sont à la fois en italien et dans leurs langues d'origine. Le livre s'achève sur une vaste filmographie de 2800 titres évidemment incapable d'atteindre l'exhaustivité étant donné la dispersion de ces « essais filmés » en particulier sur internet et dans les bonus de DVD.

Michel Arouimi, la Métaphysique au cinéma, Paris, Orizons, « Cinématographies », 2016, 215 p.
Après Métaphysique du cinéma, titre déjà ancien d'Henri Agel, Michel Arouimi – maître de conférence en littérature comparée à l'Université du Littoral Côte d'Opale, auteur auparavant de Jünger et ses dieux et Françoise Hardy chez le même éditeur – propose de cerner la place de la métaphysique au cinéma, ce qui est plus restreint, et vise moins le cinéma comme tel, révélateur du « mystère du monde » par la seule captation qu'il en offre, qu'il ne cherche à repérer, dans un certain nombre de films, des « adaptations » de textes sacrés. Ainsi Enter the void de Gaspar Noé (210) serait une « adaptation très rigoureuse du Livre des morts thibétain », Lost Highway de David Lynch (1995) une « transposition moderniste » du mythe d'Abraham, de même que Pervola : Tracks in the snow d'Orlow Seunke (1985) et Paranoid Park de Gus van Sant (2007), tandis que Ne m'abandonne pas de Xavier Durringer « détourne » le Psaume 119 et que Ni le ciel ni la terre de Clément Cogitore reprend « la sourate de la caverne ». Face à un effondrement du sacré (« la Bourse en guise de Temple » dans l'Eclisse d'Antonioni signe une « débâcle métaphysique » – voir dans une autre perspective, l'approche qu'en donne L'avventura, infra), un « renouveau métaphysique » se ferait jour dans certains films « à travers leur vision critique de la violence humaine – jusqu'au terrorisme contemporain qui hante l'imagination de cinéastes moins connus » (on est étonné de ne point trouver d'analyse de Hadewijch de Bruno Dumont à ce propos), en particulier en retrouvant les mythes judéo-chrétiens et en s'intéressant à l'Orient. Outre les titres et réalisateurs cités plus haut, l'auteur propose des analyses de films de Jean-Jacques Annaud, Arnaud Desplechin, Louis Garrel, Mohamed Benhadj, Angelina Jolie.

Anne-Marie Baron (dir.), la Bible à l'écran, « CinémAction », no 160, Condé-sur-Noireau, Corlet, 2016, 208 p.
Source inépuisable pour les scénaristes et les cinéastes – on vient de le voir avec la proposition de M. Arouimi – la Bible a inspiré des milliers de films. Hervé Dumont qui en a fait une catégorie dans l'Antiquité au cinéma sous le titre « Les Hébreux » en a répertorié une bonne centaine sur les 2200 films antiques de son corpus. Cet ouvrage propose, lui, une synthèse en évoquant quelques passages obligés – Jéhovah, Noé, Moïse, Samson, David, Salomé, Jésus-Christ – et les thèmes, les genres ou les cinéastes (Cecil B. DeMille, Pasolini, Terence Malick) qui y ont puisé leurs fondements. Une place est faite à la télévision avec les documentaires d'Abraham Ségal (Enquête sur Abraham et le Mystère Paul) et les recherches de Gérard Mordillat et Jérôme Prieur pour le petit écran (Corpus Christi, l'Origine du Christianisme, l'Apocalypse, 34 épisodes de 52 minutes). On peut souligner la qualité des textes réunis.

Daniel Bird, Walerian Borowczyk, Paris, Le Chineur-Carlotta-Centre Pompidou, 2017, 4 volumes de 111 p.
Enfin une monographie complète consacrée à un cinéaste que sa carrière finale a quelque peu marginalisé (c'est le mot qu'emploie l'auteur) et dont on a, de ce fait, oublié l'apport prodigieux qui fut le sien au sein du cinéma d'animation polonais puis français ainsi que l'importance de ses premiers films en prise de vue réelle si singuliers (Goto île d'amour, Blanche, Contes immoraux, Histoire d'un péché, la Bête). Daniel Bird œuvre depuis de nombreuses années, en Pologne notamment, à réunir les matériaux biographiques et filmographiques concernant Borowczyk, et son ouvrage, publié à l'occasion de la rétrospective que lui a consacrée le Centre Pompidou, permet de comprendre, sur la longue durée, la formation, les goûts, les engagements de ce cinéaste qui a d'abord été graphiste, affichiste, après une formation à l'école des Beaux-Arts de Cracovie où il côtoie Wajda. S'il tourna très tôt des films en 16mm et en S8mm de manière privée, il s'adonna professionnellement à la caricature (un album de dessins satiriques est primé en 1951), à la gravure (ses lithographies exaltant la construction de Nowa Huta reçoivent un prix en 1953). On voit donc Borowczyk participer de ce mouvement que notre Dossier « Affiches du cinéma » balise quelque peu : en 1954 il se rend en France et visite Fernand Léger qu'il admire et dont il filme l'atelier, puis, installé à Varsovie, il réalise des affiches, notamment de films, participant à cette « école polonaise » de l'affiche dont Wojciech Zamecznik est l'un des fondateurs (Borowczyk s'adresse à lui dès 1949 et Lenica travaille avec lui). Le fait que son passage au film se fasse via ces années de travail artistique et graphique explique la richesse de son œuvre tant d'animation (papiers découpés, collages, dessin à la plume – Dictionnaire de Joachim, Théâtre de M. et Mme Kabal –, photographie, objet, etc.) que de mise en scène (décors, objets, cadrage, rythme), les qualités de « mise en cadre » se retrouvant dans les films avec acteurs, les courts métrages d'abord (comme Gavotte où tout l'enjeu narratif tient aux rapports du champ et des hors-champs ou l'extraordinaire Rosalie adaptant une nouvelle de Maupassant monologue en plan fixe d'une actrice entrecoupé de plans d'objets, de pièces à conviction qui apparaissent et disparaissent, scandent, accompagnent ou contredisent la parole) puis les longs métrages, à commencer par Goto. L'ouvrage, très documenté et puisant à des sources inconnues en France jusqu'ici, éclaire donc l'itinéraire et l'œuvre de Borowczyk et en renouvelle la connaissance. Livre bilingue français-anglais divisé en quatre périodes : « Les Origines (1923-1958) » ; « Apothéose (1959-1969) » ; « Le devant de la scène (1970-1975) » ; « En marge (1976-2006) ».

Nathalie Bittinger (dir.), les Cinémas d'Asie. Nouveaux regards, Strasbourg, Presses Universitaires de Strasbourg, « Formes cinématographiques », 317 p.
L'ensemble des cinémas d'Asie envisagés sous différents angles par un ensemble de spécialistes.
Voir note de lecture dans ce numéro.

Laurence Brogniez, Valérie Dufour (dir.), Entretiens d'artistes. Poétique et pratique, Paris, Vrin, « Musicologie », 2016, 267 p.
L'entretien d'artiste comme genre littéraire.
Voir les notes de lecture dans ce numéro.

Giovani Careri, Bernhard Rüdiger (dir.), le Temps suspendu, Lyon, Presses Universitaires de Lyon, 2016, 334 p.
La référence à l'Atlas de l'artiste allemand Gerhard Richter qui traverse tout le Temps suspendu sert de modèle aux intervenants qui ont procédé à une « exposition expérimentale » homonyme à Lyon, au Réfectoire des Nonnes (2011), en disposant sur des « tables de montage » des photographies d'œuvres.
Voir compte rendu dans ce numéro.

Luigi Comencini, Italia 1945-1948, Milan, Humboldt Books, 2016, 92 p.
Catalogue d'une exposition de photos prises au lendemain de la Deuxième Guerre mondiale par Luigi Comencini, l'ouvrage est commenté par des textes d'Antonio Monda, Cristina Comencini, Giorgio Gosetti, Mario Sesti, Giovanna Calvenzi, Matteo Pavesi. Hésitant entre la photographie et le cinéma, Luigi Comencini prend environ 2000 photographies dont seule une cinquantaine ont été retrouvées et exposées à Milan, Rome, Lugano, Salò, ville natale du cinéaste. Espérons bientôt en France. Ces images anticipent la poétique du réalisateur et annoncent son observation scrupuleuse de la réalité. Beaucoup de ces clichés racontent une histoire d'hommes, de femmes, d'enfants, en laissant une large place à l'imagination.

Christophe Damour (dir.), Jeu d'acteurs. Corps et gestes au cinéma, Strasbourg, Presses Universitaires de Strasbourg, « Formes cinématographiques », 2016, 208 p.
Cet ouvrage collectif (Vincent Amiel, Laurent Guido, Myriam Juan, Michel Cieutat notamment) propose d'aborder le cinéma (parlant) à partir du jeu de l'acteur.
Voir compte rendu dans ce numéro.

René Daumal, Chroniques cinématographiques. 1934 (Aujourd'hui), Clermont-Ferrand, Au signe de la licorne, 2004, 107 p.
Le livre ne nous parvient qu'avec retard, mais il vaut de le signaler car son retentissement est resté modeste alors qu'il anticipait l'engouement actuel pour les écrits de poètes sur le cinéma (comme l'une de nos archives en témoignent dans ce numéro). En outre Daumal, venu du groupe para-surréaliste le Grand Jeu (avec Roger Vailland notamment) avant de devenir `pataphysicien', se livre dans Aujourd'hui et dans la NRF à une série de critiques de films mal connues et qui gagnent à le devenir. Il salue la Madame Bovary de Renoir ou Contre-plan de Ioutkévitch, présente le Dernier Milliardaire de René Clair alors en tournage, interroge Benjamin Fondane sur son rôle dans Rapt de Kirsanoff, s'indigne de l'assassinat du film d'André Sauvage, la Croisière jaune enlevé à son réalisateur par Citroën et Pathé-Nathan (il fait la comparaison avec Upton Sinclair « volant et violant l'œuvre d'Eisenstein au Mexique »), il exalte enfin « un nouvel art de l'écran » avec les travaux d'Alexéieff et Parker.

Georges Didi-Huberman (dir.), Soulèvements, Paris, Gallimard-Jeu de Paume, 2016, 418 p.
Catalogue de l'exposition du même nom comportant une série d'essais de réflexion sur le phénomène du soulèvement social et esthétique – Judith Butler, Antonio Negri, Marie-José Mondzain, Jacques Rancière, Nicole Brenez – qui peut être lu indépendamment d'elle, à l'exception des contributions de Georges Didi-Huberman qui explicite les choix et la logique de son exposition.
Voir compte rendu dans ce numéro.

Giovanni Dotoli, Cinéma, rythme et modernité Abel Gance et Ricciotto Canudo ou l'Art de la lumière, Paris, Hermann, « Vertige de la langue », 2016, 292 p.
Le Professeur Giovanni Dotoli (de l'Université de Bari) est un spécialiste de Ricciotto Canudo – dont il a édité les écrits sur le cinéma en Italie. Il a récemment consacré une étude à son livre les Libérés. Mémoires d'un aliéniste, histoire de fous (1911), édité chez Plon (« Terres humaines », 2014) qu'il considère comme pré-surréaliste et précurseur de Bataille et Foucault : Art, folie, éros, psychiatrie et liberté (Hermann, 2016). Dans le présent ouvrage, préfacé par Nelly Kaplan (qui a publié son autobiographie il y a quelques mois à L'Âge d'Homme sous le titre Entrez, c'est ouvert !), il revient au Canudo apôtre du Septième art et du cinématisme ainsi qu'à Abel Gance, autour de la Roue – dont il est par ailleurs question dans ce numéro via les projets d'affiches de Fernand Léger. Le film lui-même et le ciné-roman qu'en tire Canudo ont déjà fait l'objet d'études comparées pour en marquer les différences. Dotoli reprend le dossier et y voit « deux chefs-d'œuvre de la nouvelle avant-garde et de l'avenir ». « Hommes de la modernité et missionnaires du cinéma », le cinéaste et l'écrivain « fixent à jamais les règles pratiques et esthétiques de ce nouvel art. Prophètes du rythme et maîtres de leur époque et de la nôtre, il y a un siècle, ils savent déjà que le temps de l'image est arrivé. Leur leçon, dit l'auteur, est aujourd'hui de grande actualité ».
Voir le Dossier « L'Affiche de cinéma » dans la partie « Archives » de ce numéro.

Sergueï Eisenstein, Que viva Mexico !, [s.l.], Casimiro, 2016, 78 p.
Introduite par Santos Zunzunegui (de l'Université du Pays Basque), ce livre reprend une présentation de son film par Eisenstein datée de 1947, où il fait état des problèmes de censure qu'il rencontra au Mexique et de la part de Sinclair, expliquant les lacunes ou les évocations atténuées des luttes sociales dans son scénario de l'époque en raison de la surveillance dont il faisait l'objet de la part des autorités mexicaines (les rushes développés aux États-Unis étaient visionnés par le consul du Mexique). Puis le scénario de 1931. Ce mince ouvrage, traduit (de quelle langue ? il semble que l'original espagnol soit en castillan) par Evelyne Tocut dans un français souvent approximatif – en particulier l'introduction (« Prologue en deux mouvements ») de Zunzunegui –, est assez étrange par son caractère partiel, dénué de tout appareil critique et historique. En outre les matériaux qu'il édite se trouvaient déjà dans le recueil de Steven Bernas à L'Harmattan, les Écrits mexicains de S. M. Eisenstein (L'Harmattan, 2001), qui, en dépit d'une approche discutable et confuse, offrait un dossier assez fourni autour du film et à propos de ses versions.

Roland Fischer-Briand, Farbiges Leuchten. Transparente Filmstandfotos der 1920er- und 1930er Jahre/Colorful Lucency. Transparent Stills of the 1920s and 1930s, Salzbourg, Fotohof, 2016, 117 p.
Contribution à une histoire de la photographie en Autriche de la part du directeur de la cinémathèque de Vienne qui montre comment le cinéma a eu recours à la photographie pour sa diffusion en s'attachant à la photographie de film comme support commercial et de diffusion.

Alain Fleischer, Retour au noir. Le cinéma et la Shoah : quand ça tourne autour, [s.l.], Leo Scheer, « Variations XXX », 2016, 85 p.
Auteur de Faire le noir (Marval, 1996), le directeur du Fresnoy livre ici un court texte d'humeur faisant pièce au livre de Georges Didi-Huberman, Sortir du noir (Minuit). Son point de départ est une réaction au film de Laszlo Nemes, le Fils de Saul, dont l'accueil « unanimement enthousiaste » le scandalise, notamment eu égard aux rejets dont des films comme Kapo, la Liste de Schindler ou La vie est belle ont pu faire l'objet de la part de la critique « esthète ». Fleischer reprend donc la question de l'« irreprésentable » et s'attache, en particulier, à démystifier les arguments techniques de Nemes et de ses commentateurs concernant le 35mm, le choix des objectifs, le flou, etc. qui lui paraissent un habillage à l'esthétisation d'Auschwitz à laquelle il se livre. Si le Fils de Saul est un chef d'œuvre, conclut-il, cela signifie-t-il « qu'il est temps de s'intéresser à d'autres sujets et que la Shoah est enfin passée de l'Histoire à l'histoire de l'art ? » « Je réponds non, bien sûr, et je m'inquiète de toute œuvre, quels qu'en soient la discipline, le langage, l'esthétique, la technique, qui serait, d'un tel penchant de la conscience historique collective, le prétexte, l'occasion espérée, et d'un tel mal de la mémoire, le symptôme. »

Camille Gendrault, Voir Naples ? Le cinéma et la ville. Mutations de fin de siècle (1980-1998), Paris, L'Harmattan, 2017, 304 p.
Issu d'une thèse soutenue en 2003 et largement remaniée, l'ouvrage aborde un des lieux emblématiques de la cinématographie italienne – et cela depuis le muet – et cerne la dimension métaphorique d'une ville qui a servi de cadre à d'innombrables films. De Francesco Rosi à Paolo Sorrentino, Naples a fourni un répertoire iconographique et une caractérisation dramatique constamment renouvelés. L'ouvrage de Camille Gendrault en fixe les contours grâce à une connaissance intime des films et des sources qui les ont inspirés.

Andrea Grunert (dir.), Et les jeunes..., « CinémAction », no 161, Condé-sur-Noireau, Corlet, 2016, 188 p.
Vaste sujet que celui de la représentation des jeunes à l'écran dans un ensemble qui ratisse large, aussi bien du point de vue géographique que du point de vue thématique et qui de surcroît ne se borne pas à la situation actuelle. Edgar Morin dans les années 1950-1960 avait à plusieurs reprises traités du sujet ou dirigé des enquêtes dans la Revue de filmologie puis dans Communications. Quelques études retiennent l'attention notamment les deux textes d'Andrea Grunert sur les jeunes Turcs dans le cinéma germano-turc ou sur les jeunes immigrés en Allemagne.

Anne Kerlan, Hollywood à Shangaï. L'épopée des studios Lianhua 1930-1948, Rennes, Presses Universitaires de Rennes, 2016, 456 p.
Voir note de lecture dans ce numéro.

Laurent Mannoni, la Machine cinéma. De Méliès à la 3 D, Paris, Cinémathèque française-Lienart, 2016, 304 p.
Cet ouvrage richement illustré accompagne l'exposition du même nom de la Cinémathèque française. Complément indispensable de cette dernière, il lui apporte d'utiles développements et précisions.
Voir compte rendu dans ce numéro.

Vincent Roblin (dir.), le Cinéma dans l'est parisien, Nogent sur Marne, Territoire ParisEstMarneBois, 2016, 73 p.
Actes du 13e colloque historique des bords de Marne qui eut lieu en 2015, cet ouvrage réunit les contributions de Joël Daire (« Cinéma sur Marne »), François Albera (« Le studio Albatros de Montreuil, une réussite de l'immigration »), Morgan Lefeuvre (« 1930-1937 : les studios de Joinville et Saint-Maurice »), Michael Andrieu (« De l'orchestre à l'orgue. L'exemple du ``Christie'' au Gaumont Palace »), Christiane Graziani (« L'INA : émissions de télévision conservées à Bry-sur-Marne »), Thierry Pacot (« Les banlieues du cinéma »).

Jörg Schweinitz, Margrit Tröhler (dir.), Die Zeit des Bildes ist angebrochen ! Französische Intellektuelle Künstler und Filmkritiker über das Kino. Eine historische Anthologie 1906-1929, Berlin, Alexander, 2016, 768 p.
L'exclamation gancienne, « le temps de l'image est venu ! » sert de titre à cette anthologie de textes d'artistes, d'écrivains et de critiques français sur le cinéma – d'Aragon à Vuillermoz – traduits en allemand, présentée par Margrit Tröhler et Jörg Schweinitz de l'Université de Zurich.

François Thomas, Alain Resnais. Les coulisses de la création. Entretiens avec ses proches collaborateurs, Paris, Armand Colin, 2016, 512 p.
Cet ouvrage, couronné par le Syndicat de la Critique française, réunit un ensemble d'entretiens avec des collaborateurs de Resnais dans la dernière partie de sa filmographie, poursuivant les douze entretiens du même type que comportait l'Atelier d'Alain Resnais (Flammarion, 1989). Peut-on appliquer aux techniciens, scénaristes, acteurs, quand ils s'expriment sur le travail qu'ils ont effectué sous la direction d'un metteur en scène, les mêmes interrogations que celles que Laurence Brogniez et Valérie Dufour appliquent à l'entretien d'artiste (voir supra et note de lecture) ? En dehors de la dimension documentaire, des informations que l'on peut glaner dans ces entretiens avec Renato Berta (opérateur), Agnès Jaoui et Jean-Pierre Bacri (scénaristes) ou Sabine Azéma, André Dussollier, Pierre Arditi (acteurs), Hervé de Luze (monteur), Mark Snow (musicien), entre autres, quel statut leur accorder ? Cet ensemble cerne en quelque sorte un centre absent qui est la place du réalisateur-auteur de ses films. Le cas Resnais est évidemment doublement complexe : d'une part il est par excellence ce qu'on a appelé depuis les années 1920 un metteur en scène-auteur, il a une vision du monde qui traverse toute son œuvre et qui a donné lieu et donnera lieu à des analyses d'ensemble tant de ses thèmes (la mort par exemple) que de ses procédés stylistiques (ce furent les travellings avant, l'entrelacement de segments narratifs disjoints temporellement ou spatialement) ; d'autre part, il est aussi un réalisateur qui admet tenir beaucoup de ses scénaristes – dont il s'est efforcé de changer pour chaque film ou presque jusqu'à une date récente –, souvent scénaristes « d'occasion » ou novices (Duras remplaçant Chris Marker sur Hiroshima), de ses musiciens, de ses comédiens et techniciens, voire de les tenir pour « les véritables auteurs » de ses films. Pour autant l'œuvre de Resnais n'est en rien « collective » et elle ne travaille en rien à faire disparaître la figure de l'auteur, au contraire, même si cet auteur s'est diverti, sans doute, à beaucoup se déplacer, du cadre intellectuel des premiers longs métrages aux comédies de la fin. Dans cette mosaïque dessinant pourtant fermement un tout cohérent quoique disparate, quelle place accorder aux apports des autres ? Comme l'écrit Thomas dans son introduction, « avec tous ses collaborateurs, Resnais cherchait à faire le même film ». Aux principes de départ consistant à ne jamais re-travailler avec le même scénariste, le même acteur, le même musicien, etc. s'est substituée « l'équipe » qui a assuré la longévité créatrice de Resnais. Au terme de la lecture de cette série d'entretiens, la question reste posée. A-t-on vraiment visité les « coulisses de la création » ou, comme Resnais nous y a habitués, n'a-t-on pas été victimes de trompe l'œil ?

Revues

Archives no 108, juin 2016
« La vie dans les studios Gaumont en 1912 racontée par Armand Tallier ».
Voir note de lecture dans ce numéro.

Bianco e Nero, no 585, mai-août 2016 ; no 586, septembre-décembre 2016.
Ayant désormais adopté le principe de numéros monographiques, la revue du Centro Sperimentale di Cinematografia consacre ses deux dernières livraisons au cinéma italien des années 1980 (Images, corps, histoires) et à une des icônes les plus emblématiques de la cinématographie transalpine, l'interprète unique de Senso de Visconti mais aussi du Procès Paradine d'Hitchcock et du Troisième Homme de Carol Reed, Alida Valli. A noter que, sacrifiant à une mode qui est aussi une forme de dépendance culturelle devenue commune en Italie, la revue est désormais bilingue italien-anglais.

Bref, no 120, automne 2016-hiver 2017
Nouveau format, nouvelle présentation, nouvelle ambition, la revue de l'Agence du court métrage fait peau neuve. Toujours dirigée par Jacques Kermabon, elle offre en 150 pages à la présentation inventive des textes sur l'exposition Soulèvements due à Georges Didi-Huberman, le cinéma d'animation de Sébastien Laudenbach, la troupe des Chiens de Navarre, l'histoire de Partie de campagne de Jean Renoir (remarquable étude signée Kermabon), le festival de Clermont-Ferrand, et encore beaucoup d'autres sujets...

Cahiers Recherche Etudes actorales no 1 et no 2, 2016
Une nouvelle publication issue de l'Université de Strasbourg sous la direction de Daniel Payot, dévolue à des études sur les acteurs. Le premier numéro, signé Jacques Demange, est consacré à Leonardo di Caprio, le second, dû à Christophe Damour, est voué à Montgomery Clift. Une revue qui se relie à un nouveau champ d'études ouvert par Christophe Damour notamment et dont l'ouvrage collectif Jeu d'acteurs. Corps et gestes au cinéma témoigne également (voir, sur ce dernier titre, note de lecture dans ce numéro).

Chimères, no 89, 2017
La revue quadrimestrielle créée par Félix Guattari et Gilles Deleuze consacre sa dernière livraison aux « Potentialités du cinéma » sous la direction de Jean-Philippe Cazier, Luca Sagradini et Christiane Vollaire. Ce numéro veut s'intéresser aux conditions de ce que Deleuze a appelé une pensée du cinéma, à ce qu'elle affronte pour penser. Question posée au cinéma qui reçoit ici des réponses multiples explorant de diverses manières certaines conditions de cette « pensée-cinéma » ? : affronter la matérialité brute, l'Histoire, l'horreur ou la beauté, les devenirs, les subjectivités, ?etc. Le cinéma apparaît comme une pensée plurielle, mobile, réinventée – comme une façon d'être au monde. Le cinéma devient porteur d'une éthique où le monde est un ensemble disjoint d'événements à affronter, avec lesquels produire des agencements créateurs et qui peuvent être les conditions pour une célébration de ce qui arrive autant que de son détournement, sa transformation en autre chose ? : un cinéma de résistance face à un monde intolérable, destructeur. Articles de François Albera, Claire Angelini, Daniel Angelucci, Cathy Bernheim, Fabrice Bourlez, Vanessa Brito, Marco Candore, Jean-Philippe Cazier, Patrice Chagnard, Muriel Combes, Elena del Rio, Marceline Delbecq, Joachim Dupuis, Judit Karacsonyi, Sarah Klingemann, David Martin-Jones, Joshua Oppenheimer, Ange Pieraggi, Jean-Claude Polack, Alex Pou, Lucia Sagradini et Guy Trastour.

Cinema e Storia, 5e année, no 1, 2016
Après avoir notamment abordé le thème de la Shoah dans le cinéma italien ou « Cinema e antifascismo », la livraison annuelle de la revue éditée par Rubbettino est consacrée à « Anni Cinquanta. Il decennio più lungo del secolo breve » (Années 1950. La décennie la plus longue d'un court siècle). L'ensemble de textes qui la compose, sous la direction d'Elena Dagrada qui l'ouvre par une préface dans laquelle elle pose les bornes d'une décennie qu'elle fait commencer en 1948 et les débuts de la République italienne (année de La terre tremble, du Voleur de bicyclette, d'Allemagne année zéro) et qu'elle fait se terminer en 1962 avec le Fanfaron de Dino Risi, film de rupture par excellence, aborde les sujets les plus divers, des œuvres sur le Risorgimento à Zavattini et le projet de film sur les sept frères Cervi fusillés par les nazis, de Don Camillo à l'influence du cinéma américain, à la censure (par exemple à l'égard de l'homosexualité), au boom du tourisme, au documentaire, au divisme féminin, au spectacle cinématographique et au public.... Un ensemble particulièrement dense sur une des périodes les plus fécondes du cinéma italien.

Décadrages, no 34-36, 2017
La revue lausannoise consacre ce numéro triple à un sujet qui vient croiser celui d'une publication dont il est rendu compte par ailleurs (l'Image d'archives, une image en devenir. Voir compte rendu dans ce numéro) et des problématiques étudiées de nos jours sous le nom de réemploi ou found footage : le cinéma de re-montage (on a rendu compte ici même d'un ouvrage de Christa Blümlinger sur le sujet : Cinéma de seconde main. Esthétique du remploi dans l'art du cinéma et des nouveaux médias, no 73, 2014). L'origine de ce type de cinéma remonte au cinéma soviétique des années 1920 (comme Sadoul le rappelait dans sa critique de Paris 1900 de Nicole Vedrès, en 1948) (article de F. Albera). Il s'est ensuite répandu dans le cinéma militant et le cinéma ouvrier, notamment chez Ivens et Storck (article de B. Hogenkamp), en Allemagne avec Viktor Blum (ce qui a donné lieu à une controverse avec Vertov [voir 1895 no 62, 2010]), avant de gagner, d'une part, la sphère du cinéma de propagande (ainsi les montages réalisés sous l'autorité de l'armée américain par Frank Capra durant la Deuxième Guerre mondiale) et, d'autre part, la sphère artistique avec les pratiques surréalistes, expérimentales (articles de Loïc Millot sur le cinéma lettriste et situationniste, de François Bovier sur Joseph Cornell, d'Enrico Camposeri et Jonathan Pouthier sur Ken Jacobs et Duchamp notamment). Les études sur des sujets contemporains examinent le réemploi chez Christian Marclay (Jean-Michel Baconnier), le piratage (Abigail Child), le collage (Cécile Fontaine), le found footage (Claude Closky), l'image « dissensuelle » dans les Histoire(s) du cinéma de Godard (Sonia Bertucci), l'usage d'images d'archives et les ambiguïtés du montage qu'en fait Jean-Gabriel Périot dans Une jeunesse allemande (F. Albera). Dans la partie de la revue dévolue au cinéma suisse, Pierre-Emmanuel Jaques revient sur l'ouvrage d'Alexandra Walther – mentionné ici dans un numéro précédent –, La Suisse s'interroge ou l'exercice de l'audace (sur les films d'Henry Brandt), Chloé Hofmann s'attache à Ma vie de courgette, Raphaël Österlé et Sylvain Portmann à la rétrospective du festival de Locarno 2016 (le cinéma de RFA avant le « nouveau cinéma allemand »), Laure Cordonier et Faye Corthésy s'entretiennent avec Pierre-François Sauter sur Calabria. En outre Caroline Zéau livre des notes sur le cinéma du réalisateur lithuanien Audrius Stonys dont le festival « Visions du Réel », à Nyon, avait présenté des films.

Immagine, no 13, 2016
Poursuivant dans la veine des numéros monographiques, la revue de l'association italienne pour les recherches en histoire du cinéma consacre sa dernière livraison à « Immagine in trincea » (Images dans les tranchées), soit une série d'études sur la représentation de la Première Guerre mondiale par le cinéma italien. L'ensemble s'ouvre sur une longue étude signée Alessandro Faccioli qui pose la question du matériel de répertoire (les documents filmés par les opérateurs de l'armée) et sa réutilisation dans des films de montage, ici le film Guerra nostra sorti en 1927 et qui va durablement fixer l'iconographie du conflit. L'ensemble se clôt sur deux articles consacrés au film de fiction de référence, Maciste alpino (Luigi Maggi, Luigi Romano Borgnetto, 1916).

Journal of Film Preservation, no 95, octobre 2016
Dans ce numéro relevons l'article de Rommy Albers faisant état de l'intéressante exhumation archivistique d'un film de 82 minutes dû à un couple de photographes et cinéastes amateurs (Alex et Marie Roosdorp) sur la reconstruction des Pays-Bas après la libération de l'occupation nazie, tourné en août 1945 : Herwinnen door werken : hoe wij Nederland zagen (la reconquête par la travail : comment nous avons vu les Pays-Bas). Contrechamp utile et important au cinéma de guerre tourné par les opérateurs militaires, consacré aux seules opérations armées, la population jouant un rôle de figurant acclamant les vainqueurs, il s'agit là de mesurer l'ampleur des dégâts causés par la guerre, l'occupation et aussi les bombardements alliés, et la volonté du peuple néerlandais de reconstruire son pays. C'est en un sens un film proche du Six juin à l'aube de Grémillon qui lui est contemporain. Signalons également un article de Béatrice de Pastre et Laurent Veray posant la question : « Faut-il manipuler les images du passé pour les transmettre ? », une contribution de Cécile Petit-Vallaud et Gaël Naizet, « 30 ans de mémoire filmée de la Bretagne », une réflexion de Nico de Klerk sur le rôle du public des institutions patrimoniales, Spencer Christiano évoque les questions de préservation et restauration du cinéma en Inde, parmi d'autres articles (nécrologies, comptes rendus de livres et de DVD).

L'avventura International Journal of Italian Film and Media Landscape, no 1, 2016
Cette nouvelle revue qui a fait l'objet d'une présentation dans notre précédent numéro distingue cinq rubriques : Formes, Styles, Figures ; Archives ; Différences ; Récit contemporain ; Caméra. On relèvera dans cette riche livraison une étude d'Achille Castaldo sur « Filmer la peinture. La Madonna del Parto de Piero della Francesca filmée par Zurlini et Tarkovski ». Dans la même veine plastique, Matteo Billeri s'attache aux sources visuelles de L'eclisse d'Antonioni envisagé comme le représentant d'une « (Neo-) Avant-Garde ». Puis Andrea Baldi examine la trame intertextuelle de Renzo e Luciana de Calvino et Monicelli. Dans la partie « Archives » Andrea Mariani parle de « La politisation du film expérimental. Le Cineguf et la ``Dolomiti film'' de Lucianno Emmer dans la production de Il Covo (1941) ». Sous la rubrique « Différences » il faut entendre les études de « genres », deux articles y sont consacrés. Signalons enfin un article sur Un paese du photographe et cinéaste américain Paul Strand – qui participa au cinéma documentaire militant des années 1930 (Film Frontier notamment) – réalisé en collaboration avec Zavattini, et un autre sur les films de Moretti (« Du néo au New Realism »). La revue publie des articles en italien et en anglais.

Revue d'études proustiennes, 2016-2, no 4, 2017
Ce numéro des Cahiers des Classiques Garnier – qui semble inaugurer une articulation entre littérature et cinéma –, « Proust au temps du cinématographe : un écrivain face aux medias », sous la direction de Thomas Carrier-Lafleur et de Jean-Pierre Sirois-Trahan a connu un retentissement médiatique soudain et nourri en raison du « scoop » qu'il présente et qui orne en demi-teinte sa couverture : un film privé anonyme de 34 mètres réalisé en novembre 1904, retrouvé et catalogué au CNC (no 41453), enregistrant un épisode du mariage du duc Armand de Guiche et d'Elaine Greffulhe, fille du comte et de la comtesse Greffuhle, la sortie de l'église de la Madeleine et la descente des marches. Ami de la famille – dont le comte inspira le personnage de De Guermantes dans la Recherche –, Marcel Proust avait assisté à la cérémonie, et on se plaît à voir l'écrivain brièvement, descendant l'escalier à la suite des mariés et des Messieurs en gibus et dames en grande tenue. Est-ce lui ? Sirois-Trahan en est persuadé et argumente en onze pages sa conviction (« Un spectre passe... ») qui bute tout de même sur un certain nombre d'obstacles. Pourquoi cet homme en chapeau melon et redingote dépasse-t-il le cortège solennel de cette noce aristocratique en descendant les marches sans respecter le tempo qu'adoptent les invités comme les acteurs de cette cérémonie ? Il se « faufile » dit Sirois-Trahan. Il faut donc l'imaginer « pressé » et dès lors se demander pourquoi (gêne, agacement, asthme, volonté de « glisser un mot » à la comtesse...). On peut tout aussi bien faire l'hypothèse que, comme les photographes qui vont et viennent entre les spectateurs et le défilé, il s'agit là d'un journaliste ou d'un inspecteur de police en bourgeois... L'article d'investigation de Sirois-Trahan, comme les matériaux qu'il avance, révèlent en outre combien cette brève bande filmée est tributaire de sources écrites contemporaines pour être commentée et a fortiori interprétée, combien aussi la vue qu'elle propose est partielle et réduite (le défilé nuptial dura plus d'une heure) et combien – telle la « Vue » de Raymond Roussel –, on peut la déplier à l'infini. Mais aussi combien elle vient « démystifier » l'article du Gaulois par exemple (« Jamais peut-être, de mémoire de Parisien, l'église de la Madeleine... ») qui voit beautés, magnificences et élégances « suprêmes » où nous voyons désuétude, corps empesés, accoutrements et comportements ridicules, faisant échos au Paris 1900 de Nicole Vedrès, cité ailleurs dans la revue. Sans parler de « la foule énorme et populaire » admirative et « sympathique à ce luxe » qui « favorise le commerce parisien et se traduit en bienfaits pour la classe ouvrière » (Raoul Chéron, « Mondanités. Un grand mariage », le Gaulois, 15 novembre 1904). Si, le même jour, le Temps rend compte de l'événement en évoquant une assemblée « du monde artistique et scientifique et de la haute société de Paris » (et nous apprend que le jeune marié « prépare son doctorat »), et le Figaro trois-quart de sa deuxième page (énumérant tous les cadeaux précieux offerts aux mariés par les rois, princes, ducs et comtes, sans compter « Mme Alexandre Dumas, œuvres choisies de son illustre mari », la « comtesse M. de Noailles, ses œuvres en quatre volumes », « M. Gabriel Fauré, Tantum Ergo, composé spécialement pour Mlle Greffuhle », etc.), L'Humanité n'en souffle mot, plus préoccupée par le procès de Cluses jugeant les patrons de l'usine d'horlogerie Crettiez d'Annecy qui tirèrent au fusil sur des grévistes protestant contre le renvoi de sept d'entre eux en raison de leur affiliation syndicale (trois morts et quarante blessés), déclenchant une émeute et le pillage de l'usine.
Bien que le forum de l'association Domitor a résonné quelques jours durant d'échanges entre ses membres à propos de cette énigme proustienne, ce numéro vaut mieux que cet épineux et futile problème d'identification de l'auteur des Pastiches et mélanges en proie aux mondanités début de siècle. En effet le cinéma comme reflet du « temps de Proust » – topos encore relancé dans les commentaires de Thierry Frémaux pour l'anthologie Lumière ! après de semblables considérations de Langlois interrogé sur les mêmes vues par Rohmer –, ou Proust et les images [Jean Cléder et Jean-Pierre Montier (dir.), PUR, 2003)], ou « Proust face au cinéma » (récemment : Luc Lagarde, Proust à l'orée du cinéma, L'Âge d'Homme, 2016) sont prétextes, dans ce cahier, à des études passionnantes sur « ``Cinéphobie'' et ``cinéphilie'' dans les milieux littéraires de la Belle Époque » (Carou), « Le ``demi-monde'' des actrices de Marcel Proust (Tralongo), « Proust et la féérie. Changements à vue » (Kessler), « Bruits, sons et voix dans le roman proustien » (Pisano), « Figures, figurants, figurines » (sur le diorama « la Grande Semaine » des dessinateurs Sem et Roubille) (Désile), ainsi qu'un certain nombre de textes de Robert de Montesquiou, Georges Dureau, Michel Georges-Michel, etc.

Studies in Russian and Soviet Cinema, vol. 10, no 3, novembre 2016
Coordonné par Lioudmila Parts, ce numéro de la revue vouée aux cinémas russe et soviétique est consacré à la province russe à l'écran à partir d'un colloque qui s'est tenu à l'Université McGill de Montréal en 2015. La coordinatrice introduit le dossier en envisageant la dimension de « mythe culturel » de la représentation des provinces russes au cinéma, l'imaginaire de la provintsialnost' et des provintsii, lequel se forme sur le long terme : Pierre le Grand, Catherine la Grande écartent le terme de « province » ce qui lui donne d'autres fonctions qu'administratives dans l'imaginaire, en particulier dans l'opposition centre vs provinces et, au sein de l'espace « provincial », entre village et province. Le cinéma russe de l'époque tsariste résonnait bien de ces polarités ville/campagne en opposant les demeures d'été de la Crimée et les rues mal famées de Moscou. C'est un mythologème que l'avènement du régime soviétique va compliquer en introduisant les termes de périphéries et de régions sans pour autant abolir le terme de province, provincialisme connotés négativement et que le retour au capitalisme va voir renaître avec le mythe culturel des provinces connoté cette fois positivement, associé aux valeurs d'authenticité et de spiritualité censément perpétuées dans le village, ensemble idéologique devenu important dans le discours sur l'identité nationale. Suit une étude de cas due à Tatiana Filimonova, concernant le documentaire de 2007 Chastlivye lioudi (Des gens heureux de Dimitri Vassioukov), consacré au village sibérien de Bakhta, d'après des textes de Mikhaïl Tarkovski, et une nouvelle version de ce film à laquelle Werner Herzog est associé (Des gens heureux. Une année dans la taïga, 2010). Natalia Maïsova s'intéresse au « chronotope de la province post-soviétique dans le cinéma russe contemporain », Ioulia Sorokina à l'art video en Asie centrale. Le numéro se clôt sur des recensions d'ouvrages anglo-saxons sur le cinéma soviétique ou russe contemporain ou sur l'image de l'Amérique dans le cinéma russe et vice-versa.

Transbordeur : Photographie Histoire Société, no 1, 2017
Une nouvelle revue vouée à l'histoire de la photographie et à la photographie dans l'histoire, centrée dans ce premier numéro thématique sur les musées et collections de photographies documentaires.
Voir compte rendu dans ce numéro.