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Chroniques
Vient de paraître

Vient de paraître

François Albera, Jean A. Gili, Stéphanie Louis et Gaël Peton
p. 202-211

Livres

René Allio, les Carnets tome II, janvier 1976-mai 1981, édition présentée par Annette Guillaumin et Myriam Tsikounas, Préface de Nicolas Philibert, Montpellier, Deuxième Époque, coll. « Une Vie dans l’art », 2019, 472 p.
Voir les Notes de lecture dans ce numéro.

María Elena de las Carreras, Jan-Christopher Horak (dir.), Hollywood Goes Latin. Spanish-Language Cinema in Los Angeles, Los Angeles, FIAF/UCLA 2019, 227 p.
Cet ouvrage réunit une partie des communications du Symposium organisé par la UCLA Film & Television Archive et l’Academy of Motion Picture Arts and Sciences durant le 73e congrès de la Fédération internationale des archives du film à Los Angeles (29 avril-3 mai 2017). La manifestation réunissait des universitaires et des archivistes sud-américains, nord-américains et espagnols, diversité que l’on retrouve dans ce volume. Il souhaite apporter un éclairage nouveau sur la production de cinéma hispanophone durant « l’âge d’or » des studios hollywoodiens. Il s’agit certes d’envisager celle qui émane desdits studios, mais aussi celle de producteurs indépendants mexicains cherchant à conquérir les marchés hispanophones aux États-Unis et en Espagne. Les perspectives de la réflexion ici rassemblée sont donc loin de se cantonner à une histoire locale. L’ouvrage se divise en deux parties d’inégale importance. La première consacrée à l’exploitation, la distribution et le réception, regroupe quatre textes qui dressent un panorama de la circulation et de l’accueil de ces films à travers le monde d’avant la Seconde Guerre mondiale à nos jours. Le contexte est bien posé : de l’exploitation des films hispanophones à Los Angeles avant 1939 (Jan-Christopher Horak) à leur restauration actuelle (Roberto Green Quintana), en passant par Buenos Aires, Lima, Montevideo et Mexico City (Violeta Núñez Gorritti) où circulèrent les films hollywoodiens en langue espagnole, sans oublier les oppositions qu’ils purent susciter dans la presse (cas du magazine Cinelandia traité par Estebe Riambau). La seconde partie offre douze regards sur la production, majoritairement traitée à travers le cas de personnalités marquantes tels Carlos Borcosque, Ramón Peón, Gabriel García Moreno, Romualdo Tirado, Carlos Gardel, Guillermo Calles, José Mojica, Conchita Montenegro, Antonio Morena, Celia Villa. Une bibliographie référençant des textes des années 1930 à nos jours en espagnol et en anglais, ainsi qu’une filmographie de la production hollywoodienne en espagnol entre 1929-1939 clôt ce volume.

Matthew Asprey Gear, Moseby Confidential. Arthur Penns Night Moves and the Rise of Neo-Noir, Portland, Oregon, Jorvik Press, 2019, 165 p.
Sorti sur les écrans en 1975, Night Moves (la Fugue pour sa distribution française) est le neuvième long métrage réalisé par Arthur Penn. Dans cet ouvrage, Matthew Asprey Gear restitue la genèse de ce film considéré comme emblématique de l’atmosphère pesante de la période du Watergate, en mettant tout particulièrement en lumière la collaboration difficile entre le réalisateur et l’écrivain et scénariste Alan Sharp (lequel était déjà à l’écriture derrière le western crépusculaire The Hired Hand de Peter Fonda en 1971).

Jordi Balló, Alain Bergala (dir.), les Motifs au cinéma, Presses universitaires de Rennes-Cinéma, 2019, 348 p.
À travers de courts textes, un grand nombre d’auteurs, provenant essentiellement du milieu universitaire ou de la critique, évoque chacun un motif visuel susceptible de se retrouver dans des films forts variés, dans le but d’en mesurer la diversité de traitement et, en fin de compte, de « susciter l’émergence d’une possible théorie du motif en cinéma ». Le lecteur pourra parcourir tout au long d’une douzaine de « thématiques » (maison, action, corps, etc.) l’usage – singulier ou non – de motifs qui forment les lieux communs du monde fictionnel cinématographique (par exemple, les ruines dans Cabiria ou Allemagne année zéro, le labyrinthe dans Shining ou lAnnée dernière à Marienbad, ou bien encore la chasse dans Delivrance ou Celui par qui le scandale arrive). On notera la proximité de ce type d’approche avec celle de la collection « L’attrait de » chez Yellow Now et l’adoption malheureuse par l’éditeur d’une maquette d’ouvrage d’une laideur consommée.

Daniel Biltereyst, Richard Maltby, Philippe Meers (dir.), The Routledge Companion to New Cinema History, Londres, Routledge, 2019, 410 p.
Ce « Routledge Companion to New Cinema History » présente les approches et les méthodes les plus récentes en matière d’étude du cinéma comme expérience sociale, depuis ses origines dans le vaudeville et les expositions itinérantes jusqu’aux multiplexes d’aujourd’hui. La nouvelle histoire du cinéma examine la circulation et la consommation du cinéma, les structures politiques et juridiques sur lesquelles reposent ses activités, la place qu’il occupait dans la vie de ses publics et les traces qu’il laissées dans leurs mémoires. Utilisant un large éventail de méthodes allant des analyses statistiques de l’économie des salles à l’ethnographie, en passant par l’histoire orale et les études mémorielles, cette approche a entraîné un changement incontestable dans la façon dont nous étudions le cinéma et les questions que nous nous posons sur son histoire. Ce « guide » examine les lieux, les espaces et les pratiques d’exposition et de programmation des films ; les questions de genre et d’ethnicité dans l’expérience cinématographique ; les voies par lesquelles les spectateurs ont donné sens aux pratiques cinématographiques, à des films, à des stars et à des lieux spécifiques, et à son fonctionnement en tant que site d’échange social et culturel de Detroit et Laredo à Bandung et Chennai. Les contributeurs montrent comment la numérisation des sources et l’utilisation d’outils de recherche numériques leur ont permis de cartographier des aspects jusqu’alors inexplorés de l’histoire commerciale et sociale du cinéma et d’entreprendre une analyse comparative de la diversité des expériences sociales du cinéma au-delà des frontières régionales, nationales et continentales.

Christa Blümlinger, Mathieu Lavin (dir.), Geste filmé, gestes filmiques, [s.l.], Mimésis, Images, Médiums, 2018, 390 p.
Au fil de l’histoire du cinéma, les gestes filmiques ont contribué à une « réflexion » esthétique qui a su suivre l’évolution des moyens techniques. D’autre part, les gestes filmés ont participé à la figuration d’une humanité prise entre le retour d’une gestualité perdue et le risque d’une dépossession de soi, liée à l’âge des machines. Sur des objets divers, les textes de ce livre explorent cette tension entre techniques et corps qui caractérise notre relation aux images et aux médias. Il associe de la sorte des approches anthropologiques, esthétiques et historiennes, s’interroge sur le déclin ou l’invention de certains gestes, étudie des questions de figuration gestuelle, et montre enfin comment le cinéma a su intégrer des conceptions du geste provenant d’autres domaines, culturels, scientifiques ou techniques. Apparaît ainsi la complexité de l’articulation entre gestes filmés et gestes filmiques – dans des régimes spatio-temporels spécifiques, à l’orée du « deuxième âge des machines ».

Catherine Brun, Jeanyves Guérin, Marie-Madeleine Mervant-Roux (dir.), Genèses des études théâtrales en France. xixexxe siècles, Presses universitaires de Rennes-Le Spectaculaire, 2019, 428 p.
Cette publication collective entend rendre compte de l’évolution des études théâtrales en France depuis l’entre-deux-guerres jusqu’à nos jours en mettant en avant diverses institutions (l’Université de Paris, l’Université du Théâtre des nations, le Centre d’études théâtrales de Nanterre, entre autres) et figures (Gustave Cohen, Henri Gouhier, Etienne Souriau, Denis Bablet, etc.) ayant œuvré à l’approfondissement analytique et théorique du fait scénique. Sur le plan des investissements d’ordre historique, on trouvera une étude de Jeanyves Guérin sur les bulletins préfigurant la future Revue dhistoire du théâtre, une étude d’Eve Mascarau sur l’activité méconnue de Louis Jouvet au sein de la Société d’histoire du théâtre ou encore une réflexion de Marion Denizot sur les difficultés rencontrées aujourd’hui par l’histoire du théâtre à l’université.

Marguerite Chabrol, Katharine Hepburn. Paradoxes de la comédienne, Presses universitaires de Rennes, « Cinéma », 2019, 350 p.
Dans la lignée de sa dernière publication en date, De Broadway à Hollywood (CNRS Éditions, 2016), Marguerite Chabrol entend démontrer dans cette monographie consacrée à Katharine Hepburn combien la carrière de cette dernière à Broadway est essentielle pour appréhender (et apprécier) sa filmographie. Basé sur le dépouillement des archives de l’actrice mais également sur celles de plusieurs cinéastes pour lesquels elle a tourné (Cukor, Huston, Stevens), l’ouvrage livre également des points de vue forts originaux sur les rapports qu’elle entretient avec les idéologies économiques et politiques du moment ou bien sur le processus de patrimonialisation de sa figure de grande vedette de l’âge d’or d’Hollywood. Relevons pour le déplorer le changement de maquette de cette collection cultivant désormais un anti-intellectualisme d’un rare mauvais goût.

Alberto Crespi, Storia dItalia in 15 film, Bari-Rome, Editori Laterza, 2016, 272 p.
Remarquable synthèse sur les rapports entre le cinéma et l’histoire, le livre d’Alberto Crespi passe en revue bien plus de 15 films. En fait, autour des 15 titres retenus pour leur valeur emblématique ou leur signification exemplaire, ce sont des centaines de films qui sont convoqués pour accompagner l’unique film illustrant le sujet retenu. Cela va de 1860 d’Alessandro Blasetti (1934) pour illustrer le Risorgimento à Gomorra la série de Stefano Sollima (2014) pour représenter le temps présent, en passant par 13 moments clefs de l’histoire italienne (en particulier la guerre de Libye, la Première Guerre mondiale, le Fascisme, la Résistance, l’Après-guerre, le boom, 1968, le terrorisme, le berlusconisme, les années 2000). Crespi connaît admirablement son sujet et réussit à bâtir des parallèles entre des films apparemment éloignés les uns des autres mais dont le rapprochement éclaire d’un jour nouveau la période historique abordée.

Aymar du Chatenet (dir.), avec Sylvie Buisson, Nathalie Samoïlov, Benoît Noël, Nadia Léger. Lhistoire extraordinaire dune femme de lombre, Paris, Éditions Imav, 616 p.
Un ouvrage monumental consacré à une artiste russe aux multiples identités, proche de Fernand Léger quand elle arrive en France après avoir fréquenté Malévitch et Strzeminski en Russie et en Pologne. Animatrice de l’atelier Léger (où passent nombre d’artistes notamment Nicolas de Staël et William Klein), elle épouse le peintre peu avant sa mort et se voue à sa mémoire en édifiant un musée monographique à Biot. Les auteurs sortent de l’ombre cette femme étonnante, militante communiste, résistante durant l’Occupation, qui a œuvré dans un « format » étranger au marché de l’art de son temps, le monumental, la fresque éphémère et a embrassé un réalisme socialiste à sa façon, travaillant d’après photographie ou film dans des grandes dimensions.

Ilya Ehrenbourg, Et pourtant elle tourne, Dijon, les presses du réel/Centre Pompidou, 2019, 220 p.
Première traduction française d’un livre écrit en 1921 par un écrivain, poète, animateur et agitateur qui fut dès le début du siècle un passeur entre Russie (puis URSS), France, Allemagne essentiellement, pays entre lesquels il se déplaça « à perdre haleine » jusqu’en 1940 – avant de devenir reporter de guerre sur le front russe puis romancier du « Dégel ». En 1921, Ehrenbourg avait publié les Aventures extraordinaires de Julio Jurenito et ses disciples (traduction française chez Gallimard en 1924) – titre qui dut inspirer Kouléchov pour son Mr West – ; l’année suivante sort Et pourtant elle tourne, panorama de l’art moderne et d’avant-garde européen et soviétique, sorte de manifeste se réclamant du constructivisme mais surtout d’inspiration futuriste et Esprit nouveau. Comme le titre précédent, ce livre est traversé dans son écriture comme dans ses thèmes par la référence au cinéma, baptisé dans un chapitre « L’enfant heureux ». « Le cinéma n’a pas besoin de soupirer après la technique ou de courir derrière la belle dame-machine. Il est la technique. IL EST LA MACHINE. C’est pourquoi il peut grandir simplement et non sur ordre. (...) Il est futuriste (...) Il avance en même temps que la modernité. IL EST LA MODERNITÉ. Comme un produit de masse – tasse, pipe, tissu, journal, allumettes, etc. –, le cinématographe est UN BIEN COMMUN (...) il est international », etc., etc. Et au sein du cinéma un privilège absolu est accordé à Charlot sur le modèle de l’engouement qu’eurent Cendrars, Léger, Goll et bien d’autres pour le personnage. Il est « des nôtres, c’est-à-dire qu’il est nouveau, de gauche, FUTURISTE (...) », c’est un « constructeur rigoureux ». Dandy moderniste Ehrenbourg reste à distance d’un positionnement proprement d’avant-garde en raison d’une oblitération du politique qui explique son éclectisme. Jean Epstein, dans le compte rendu qu’il donna de ce livre dans lEsprit nouveau le met bien en évidence : « M. Ehrenbourg a réuni en une dose massive toutes les nouveautés des dernières saisons intellectuelles : vous y voyez la locomotive chasse-neige, dada, les gratte-ciel, Charlot, la critique du traité de Versailles, Farman et Van Dongen, Picasso et Caproni, des paquebots et du théâtre, des ponts et du ciné, l’internationale et les docks. Assurément cette vue à vol d’oiseau du monde actuel n’est point très réfléchie, ni ordonnée. Mais quoi ! Elie Ehrenbourg a tant à dire que, par hâte, il mange des morceaux de mots et mutile ses phrases. » (no16, 1922, pp. 1924-1925). Cette édition française reprend la mise en page et les illustrations (pour bon nombre empruntées à lEsprit nouveau) de l’édition russe publiée en Allemagne et comporte une postface substantielle de Valérie Pozner (co-traductrice par ailleurs), un appareil de notes et un utile glossaire des nombreuses revues européennes évoquées ou utilisées par Ehrenbourg.

Michel Estève, Bernanos au cinéma, Paris, L’Harmattan, 2019, 174 p.
Spécialiste de Bernanos auquel il a consacré sa thèse de doctorat et différentes publications, Michel Estève a logiquement consacré deux ouvrages à Robert Bresson. Il s’est aussi intéressé à la notion de pouvoir (le Pouvoir en question, Cerf, 1984 ; 25 fictions contre les régimes totalitaires, CinémAction, 2014, sans oublier Un cinéma humaniste, Cerf, 2007). Il a aussi dirigé la remarquable collection « Études cinématographiques » de 1973 à 2010. Il livre aujourd’hui un ouvrage de synthèse qui analyse les relations de Bernanos avec le cinéma. Il présente successivement, allant des films les plus libres à l’égard de leur origine littéraire aux plus fidèles à l’esprit de l’œuvre de l’écrivain, le Dialogue des Carmélites de Philippe Agostini et R. L. Bruckberger, Sous le soleil de Satan de Maurice Pialat, Mouchette de Robert Bresson, Madame Dargent de Yves Bernanos, Journal dun curé de campagne de Robert Bresson. Témoignant d’une connaissance très fine des œuvres écrites et des transpositions en images, Estève décrit le genèse du passage à l’écran et les correspondances entre les livres et les films avec une précision et surtout une empathie remarquables. Il écrit dans sa conclusion : « Dans l’œuvre de fiction de Bernanos, l’invisible s’explore et se révèle à partir du visible. Cette perspective recoupe la vocation même du cinéma où l’image donne sens aux thèmes du scénario ». Ainsi, dans cette question sans cesse rebattue de l’adaptation des romans au cinéma, Estève apporte une contribution décisive et clôt son analyse par une citation d’André Bazin. Le critique spiritualiste (comme Bernanos, comme Bresson) indique qu’il s’agit de « construire sur le roman, par le cinéma, une œuvre à l’état second. Non point un film “comparable” au roman ou “digne” de lui, mais un être esthétique nouveau qui est, comme le roman, multiplié par le cinéma ».

Stephan Etcharry, Jérôme Rossi (dir.), Du concert à lécran. La musique classique au cinéma, Presses universitaires de Rennes-Cinéma, 2019, 464 p.
Cet ouvrage collectif relatif aux liens unissant musique et cinéma est l’initiative d’universitaires spécialisés en musicologie qui entendent interroger les manières dont la musique classique « préexistante » a pu être intégrée et relue à travers la production cinématographique contemporaine d’après-guerre (à l’exception d’une étude sur la musique de la renaissance dans The Private life of Henry VIII d’Alexander Korda et d’une réflexion sur l’emploi de l’orgue et la musique de Bach depuis les années 1930). L’intention des équipes de réalisation tient dans ces analyses une grande place, tant les questions de cohérence historique et de recréation apparaissent comme centrales.

Pedro Guimarães, Sandro de Oliveira, Helena Ignez. Actrice expérimentale, Accra / Université de Strasbourg, 2018, 170 p.
Cette étude souhaite démontrer l’important apport de l’actrice Helena Ignez, connue notamment pour ses rôles dans le Prêtre et la jeune fille (Joaquim Pedro de Andrade, 1966) et la femme de tous (Rogério Sganzerla, 1969), à la production brésilienne dite marginale. Son jeu anti-naturaliste pour le moins singulier est tout d’abord appréhendé dans le livre à partir de fondements théoriques sur l’acteur et l’actrice dans le cinéma expérimental, puis est ensuite questionné au prisme des films kitsch de la Belair Filmes, société qu’elle a fondée avec son mari Rogério Sganzerla.

Joséphine Jiboki, Objets de Cinéma. De Marienbad à Fantômas, Paris, CTHS/INHA, 2019, 343 p.
Cet ouvrage est tiré d’une thèse ayant bénéficié de la Bourse Jean-Baptiste Siegel puis du statut de chercheur associé à la Cinémathèque française. Joséphine Jiboki propose une étude sur lobjet de cinéma – c’est-à-dire fabriqué pour le cinéma – centrée sur les années 1960, mais de portée beaucoup plus vaste. Le corpus ne se cantonne pas aux œuvres les plus célèbres de la cinéphilie classique, mais laisse aussi la part belle à des films plus marginaux ou populaires. L’auteure exploite des sources écrites, iconographiques et orales selon une approche mêlant histoire de l’art, théorie et esthétique. Elle démontre en quoi les objets fabriqués pour les films de fictions reflètent l’histoire des films dans lesquels ils s’intègrent et la culture visuelle de ceux qui les créent. Depuis l’espace du film, cependant, ces objets participent dans le même temps aux débats artistiques qui leurs sont contemporains. Pour reprendre les mots de l’auteure : « S’il est question d’une histoire dans cet ouvrage, ce sera celle de l’imaginaire que construisent conjointement ceux qui fabriquent les représentations, ceux qui les regardent et ceux qui les commentent » (p.15).

Ivone Margulies, Jeremi Szaniawski (dir.), On Womens Films : Moving Thought Across Worlds and Generations, Bloomsbury Academic, 2019, 397 p.
Ce recueil d’articles est consacré à des films de réalisatrices et a pour ambition d’interroger les rôles et les fonctions assignés au cinéma par ces femmes de différents pays, de différentes cultures et de différentes générations. Parmi les contributions traitant des périodes les plus anciennes, on notera une étude sur Essere donne, documentaire de Cecilia Mangini de 1965 sur la condition féminine en Italie, un essai sur le rapport entretenu par Agnès Varda avec le Los Angeles hippie à travers Lions Love ainsi qu’une étude sur le documentaire Soft fiction de Chick Strand et sa façon bien particulière de concevoir le témoignage féminin à la fin des années 1970.

Georges Meyer, Censure dEtat. Cinéma, moeurs et politique autour de 1968, Saint-Denis, Presses universitaires de Vincennes, 2018, 264 p.
Cette enquête porte sur la censure du cinéma autour de 1968. Son enjeu principal est de saisir la fabrication d’un ordre étatique du cinéma, à la fois moral, politique et artistique, et sa recomposition dans une conjoncture critique. L’intérêt de l’ouvrage est d’abord empirique : il apporte de nouvelles connaissances historiques sur la censure du cinéma dans les années 1960-1970 : ses discours, pratiques, représentations et les conflits dont elle est l’enjeu (par exemple, l’affaire de la Religieuse). À cette dimension empirique s’ajoute son outillage théorique qui lui permet de questionner à nouveau frais de grandes questions des sciences humaines relatives à l’État, à l’art et à la dynamique des mœurs contemporaines.

Priska Morrissey, Éric Thouvenel (dir.), les Arts et la télévision. Discours et pratiques, Presses universitaires de Rennes-Cinéma, 2019, 390 p.
Fondé sur plusieurs journées d’études organisées au sein de l’université Rennes 2 ces dernières années ainsi que sur une collaboration avec l’Institut national de l’audiovisuel, cet ouvrage collectif interroge les façons dont la télévision française a pu, depuis la période de la RTF jusqu’à aujourd’hui, servir de support de promotion aux autres secteurs culturels, mais également comment elle a pu envisager sa propre production comme un art à part entière. Cette publication est en quelque sorte le prolongement scientifique au recueil d’entretiens réalisés auprès de personnalités du monde télévisuel et publié dans la collection « Le Spectaculaire - Cinéma » en 2014.
Compte-rendu dans un prochain numéro.

Carol OSullivan, Jean-François Cornu (dir.), The translation of films. 1900-1950, Oxford, Oxford University Press, 2019, 321 p.
Dans cet ouvrage collectif, chercheurs, acteurs du patrimoine cinématographique et spécialistes de la traduction envisagent les opérations de doublage et de sous-titrage comme des axes de recherche féconds pour appréhender non seulement les objets cinématographiques – les différentes versions d’un film – dans leurs contextes de production et de réception mais également les enjeux de la « culture planétaire » engendré par le marché cinématographique. Soucieux de livrer une somme importante sur la première moitié du xxe siècle, les deux orchestrateurs de cette riche publication ont pris soin d’évoquer un grand nombre de situations nationales en mettant tout particulièrement l’accent sur les répercussions du passage au film parlant.
Compte-rendu dans un prochain numéro.

Alberto Pallotta, Giovanni Aloisio, Universo Dario Argento, Rome, Ultra/Lit Edizioni, 2017, 416 p.
Ce très gros ouvrage comblera les amateurs du cinéaste. Il est composé de trois parties, une « Enciclopedia argentiana » sous forme de dictionnaire analytique (198 p.), une « Filmografia argentiana » particulièrement détaillée (184 p.), une « Intervista a Dario Argento » (21 p.). Les deux premières sont signées Alberto Pallotta, la troisième Giovanni Aloisio. Parallèlement aux travaux de Jean-Baptiste Thoret (Dario Argento, magicien de la peur, aux éditions des Cahiers du cinéma, et documentaire de long métrage, Soupirs dans un corridor lointain ; sans oublier l’autobiographie d’Argento aux éditions Rouge profond), cet ensemble permet de mesurer la complexité et la richesse de l’univers du « maître du frisson italien ».

Natacha Pfeiffer, Laurent Van Eynde, Anthony Mann. Arpenter limage, Presses universitaires du Septentrion, 2019, 290 p.
L’ambition des deux auteurs est d’offrir une analyse couvrant l’ensemble de la carrière d’Anthony Mann – une chose jusque-là rarement tentée dans la bibliographie relative au réalisateur – en vue de contribuer à ce qu’ils nomment une « philosophie des images ». Tout en offrant au lecteur une progression chronologique de ladite filmographie, ils découpent cette dernière en fonction de films qui fondent, à leurs yeux, l’évolution sensible de l’exploration de l’image cinématographique par Mann, ceci en gardant une attention aux spécificités des genres vers lesquels ce dernier se tourne (le film noir puis le western, tout particulièrement).
Compte-rendu dans un prochain numéro.

Thomas Pillard, le Quai des brumes de Marcel Carné, Paris, Vendemiaire, « Contrechamp », 2019, 144 p.
L’auteur revisite ce classique des années 1930 élevé au pinacle par les uns et considéré comme surfait par les autres mais quoi qu’il en soit devenu inoubliable en raison du couple Gabin-Morgan et d’un certain nombre de répliques mythiques. Il s’appuie à cette fin sur une analyse des différentes versions du scénario comme de la correspondance entre Carné et Prévert. Thomas Pillard apporte ainsi un nouvel éclairage sur la réalisation, la richesse et les complexités esthétiques, sociales et politiques de ce film « culte », qui troubla la censure autant qu’il divisa la critique.

Laurent Véray, Avènement dune culture visuelle de guerre. Le cinéma en France de 1914 à 1918, Paris, Nouvelle éditions Place / ministère des Armées, 544 p.
Après la guerre civile américaine (dite de « Sécession ») qui vit l’avènement de la photographie de guerre, et la guerre civile française (1871) où les vainqueurs de la Commune fixèrent les images photographiques des massacres de masse qu’ils perpétrèrent dans la capitale, la guerre de 1914-1918 porta plus loin encore la « médiatisation » des événements par les images fixes et animées. L’étendue de cette guerre (dite mondiale) et le rôle du cinéma dans la société moderne donnent une nouvelle dimension à la production visuelle et engage son institutionnalisation. Son objectif est autant d’informer et de divertir les contemporains que de constituer des archives pour le futur, y compris en usant de procédés de mise en scène ou d’occultation (voir 1895 revue dhistoire du cinéma no 74, 2014 « Images de guerre »). Aujourd’hui encore, ce sont ces archives qu’utilisent les réalisateurs de films historiques, sans toujours les interroger. Aux côtés des images prises sur le vif, les fictions patriotiques sont elles aussi nombreuses et mettent en scène l’héroïsme des combattants et le soutien sans faille des femmes. Ces films restent influencés par des représentations culturelles plus anciennes alors que les actualités paraissent plus véridiques. Or, la vérité documentaire est mise en tension par la violence extrême des affrontements. Au-delà des interdictions et des reconstitutions, c’est aussi par leur suggestivité que des images audacieuses, décalées ou insolites traduisent autrement la réalité des faits, la souffrance des hommes et les désastres de la guerre. En s’appuyant sur un corpus riche et varié, ce livre retrace les usages du cinéma entre 1914 et 1928. Il analyse la place de la presse filmée, des documentaires et des fictions de guerre en France. En les situant dans leur contexte social, il permet de saisir leurs spécificités et leur évolution. On peut alors parler de l’avènement d’une culture visuelle de guerre. L’auteur avait publié un Point de vue dans 1895 revue dhistoire du cinéma no 64 (2011) introduisant à ces problématiques.

Revues

Crítica marxista, no48, 2019
Cette revue brésilienne publie deux études ayant trait au cinéma. « O triste fim do Welfare State : a parábola de Kubrick » de Luis Renato Martins s’attache à analyser Clockwork Orange comme laboratoire pour étudier l’avènement d’un libéral-fascisme sur les ruines du Welfare State et des soi-disant « trente glorieuses » imaginées par Fourastié. L’après 1968 comme défaite révolutionnaire suscite la mise en place d’un état criminel et omniscient, en symbiose avec les médias et au service de l’absolutisme du marché. « A revolução permanente de Vertov » de François Albera est la traduction lusitanienne de l’introduction aux écrits de Vertov récemment publiés aux presses du réel (le Ciné-Œil de la révolution). Par ailleurs la revue consacre un dossier à « marxisme, féminisme, queer et sexualités »

Immagine. Note di storia del cinema, no 17, 1er semestre 2018
La revue de l’Associazione italiana per le ricerche di storia del cinema, revue dont la parution devient plus régulière depuis qu’elle est éditée par Paolo Emilio Persiani, présente un sommaire varié dans une livraison de 214 pages.
Deux articles analysent le cinéma amateur en Italie et aux Etats Unis, deux autres se penchent sur les revues, Mercurio « mensuel de politique, art, sciences » fondée par l’écrivaine Alba de Céspedes en septembre 1944 et que celle-ci dirige jusqu’à sa cessation de parution en juin 1948 (on y trouve de nombreux articles sur le cinéma) ; l’autre présente le débat sur les risques d’incendie dans les salles de cinéma tels qu’ils sont évoqués dans les revues italiennes de 1907 à 1915 ; enfin un article étudie l’hebdomadaire du parti communiste Rinascità en examinant dans les années d’après-guerre la critique cinématographique du PCI sur le thème « Morale communiste, néoréalisme et cinéma soviétique ». Assez surprenant, un article examine les films dans lesquels Marcello Mastroianni est doublé par Alberto Sordi, selon une pratique courante en Italie qui consistait à faire doubler un acteur par un autre. Nino Manfredi prêta également sa voix à Mastroianni.

Immagine. Note di storia del cinema, no 18, 2e semestre 2018
Copieuse livraison de 288 pages, ce numéro, dirigé par Mireille Berton et Silvio Alovisio, est de nature monographique. Toutes les études (également en français et en anglais) portent sur le thème « Cinéma, rêve et hallucination, des origines aux années vingt ». Les articles évoquent les figures de Méliès, Emile Cohl, Germaine Dulac, Man Ray, et proposent des études transversales sur le rêve, l’onirisme, le subconscient, l’hallucination, sujets qui ont profondément irrigués le cinéma des premiers temps. En appendice, hors dossier, un beau texte se penche sur Jean Epstein et la culture visuelle dans les années 1920 « entre la littérature et le cinéma ».

Revus et corrigés, no 4, été 2019, « Il était une fois 1969 »
Poursuivant son immersion dans le cinéma patrimonial et proposant la sanctuarisation des films anciens de quelque nature qu’ils soient, Revus et corrigés trouve l’occasion dans cette quatrième livraison d’explorer la production cinématographique au lendemain de 68, « Revoir : il était une fois 1969 ». Les différentes études mettent en perspective les profondes mutations qui marquent l’année, à commencer par Cannes qui se refonde après le traumatisme de 1968 et qui voit apparaître la Quinzaine des réalisateurs. Dans ce numéro de 192 pages, des titres importants sont au rendez-vous. Cela va de Guerre et paix de Serge Bondartchouk, qui date de 1966 mais qui obtient l’oscar du meilleur film étranger en 1969, à la Horde sauvage de Sam Peckinpah, récemment ressorti en salles, de Z de Costa-Gravas à lArmée des ombres de Jean-Pierre Melville. Il y a aussi, dans cette année charnière, la naissance d’American Zoetrope de Francis Ford Coppola et George Lucas, l’affirmation du Tiers Monde et la révélation de nouvelles cinématographies. 1969, c’est l’année de Woodstock. En somme, une ébullition dont le dossier rend bien compte. Citons encore des pages consacrées à Charlie Chaplin, Mario Bava, Henri Decoin, Kenji Mizoguchi – l’éclectisme le plus total pour évoquer les ressorties de films. Une longue rubrique est consacrée aux DVD patrimoniaux. De quoi satisfaire l’appétit des cinéphiles et la possibilité de s’y retrouver dans une édition pléthorique, même si on parle de crise, voire de disparition du DVD !

DVD

Charlie Chaplin, la Ruée vers lor, Potemkin, 2019
Complément nécessaire pour tout lecteur de l’étude de Francis Bordat publiée ici même, une nouvelle édition (restaurée) de ce classique de Chaplin dans sa version sonorisée par l’auteur en 1942 (69 min.) et – pour l’édition Blu-ray la version muette de 1925 avec une musique additionnelle interprétée par Neil Brand (88 min.). Dans les suppléments : « Chaplin retrouvé » : la Ruée vers lor ; une interview d’Annick Foucrier, historienne de l’Amérique du Nord. Dans les suppléments du Blu Ray : outre la version muette de la Ruée vers lor un livret de 108 pages. On sait que Chaplin s’entoura de vétérans de la ruée vers le Klondike en guise de conseillers scientifiques et qu’il commença à vouloir tourner son film en extérieur, dans la neige et dans des conditions difficiles pour l’équipe comme pour les 1100 figurants qu’il engagea. Après des semaines de travail, il se résolut à recommencer le film en studio, ne conservant des prises de vues en plein air que les premiers plans du film où une interminable file de prospecteurs grimpe en direction du col de la montagne, laissant les plus faibles mourir dans la neige.
Voir dans la partie Études du présent numéro l’article de Francis Bordat.

Lausanne. Des Lumière à Godard 1896-1982, Cinémathèque suisse, 2019
Un coffret contenant deux DVD qui collationnent des vues cinématographiques concernant Lausanne et alentours. Dès 1896 des opérateurs Lumière venus prendre des vues en Suisse filment Lausanne : arrivée d’un bateau sur le lac, scieurs de bois dans les rues, défilé de soldats... Puis ce sont plusieurs extraits du Ciné-Journal suisse de 1923-1934 (Chaliapine, un incendie), les « Actualités » Cinéac (1938-1968), le Ciné-Journal suisse et la cinémathèque avec l’exposition sur le cinéma de Bâle en 1943 et les dix jours du film, la Semaine du film de 1945 dans cette même ville puis l’exposition « Images du cinéma français » à Lausanne, la semaine du cinéma américain, le cinéma à l’Exposition nationale de 1964. D’un autre ensemble centré sur la promotion touristique de la ville, se détache le film de Godard, Lettre à Freddy Buache, commande passée au cinéaste et à Yves Yersin qui proposa un « inventaire lausannois ». Un livret de 128 pages consacre une notice à chaque film sous la signature de Roland Cosandey.

Marcel Hanoun, Une histoire simple, Re : Voir, 2019
Ce film de 1958, tourné en 16mm n/b pour la télévision française, a représenté dans la période une démarche audacieuse, radicale et neuve à la fois sur les plans économique et esthétique. Le « modèle » de la production télé ne fit pas école en France ; quant au film sur pellicule les difficultés de distribution qu’il rencontra ne permirent pas la reconnaissance qu’il eût méritée. Son importance n’échappa cependant pas à Jean-Luc Godard qui en fit l’éloge dans les Cahiers du cinéma ainsi qu’à Noël Burch qui lui consacra plusieurs pages dans Praxis du cinéma. Le sujet du film – l’errance dans Paris d’une jeune femme sans travail, venue de province avec sa petite fille et l’épuisement du mince pécule qu’elle avait en arrivant – est traité avec une économie de moyens qui rend le film isomorphe à son personnage. Le travail du son, un commentaire de voix intérieure redisant les phrases de dialogues par-dessus elles, marque le film d’un indice de déjà-accompli qui instille sans emphase un tragique quotidien désespérant. Un livret d’une trentaine de pages reprend la critique de Godard, celle de Burch et leur ajoute une contribution de Raphaël Bassan.

Philippe Haudiquet, Les paysans ne sont pas à vendre, coffret de 13 documentaires, Les Documents Cinématographiques EDV 347 « Crucial Films », 2018
Assorti d’un livret de 72 pages ce coffret jette une lumière bienvenue sur l’œuvre d’un homme que l’on connaît avant tout comme un critique de cinéma et auteur de monographies de cinéastes (Epstein, Féjos, Ford), pionnier en France de l’étude sur le nouveau cinéma polonais des années 1950-1960. C’est une tout autre facette de son activité qui est ici mise en lumière, fruit de vingt années d’observation de l’évolution catastrophique de la vie rurale en France qui l’amena à participer aux luttes paysannes à partir des années 1970. Ces 13 documentaires – qui vont de Transhumance dans le Luberon, Moulins du Nord à Gardarem lo Larzac, Réponse à un attentat – témoignent à la fois d’une actualité brûlante et d’un troublant éloignement. En effet tout ce qu’enregistrent et documentent la caméra et le magnétophone d’Haudiquet annonce ce dont on ne prend conscience de manière presque unanime que quarante ans plus tard, à savoir le saccage des espaces ruraux, la liquidation des traditions, des savoir-faire, des socialités paysannes et l’empoisonnement des terres et des cours d’eau, la destruction de la faune (hommes et animaux), devant l’industrialisation de l’agriculture voulue par M. Pisani, ministre du général de Gaulle, relayant les préceptes économiques élaborés dans le cadre du Marché commun. Mais en même temps, ces films témoignent des luttes des paysans à cette époque, d’une combativité aujourd’hui érodée. On se rappelle peut-être que le film de Jean-Marie Straub et Danièle Huillet, Trop tôt/trop tard (1980) achevait sa première partie sur un slogan peint sur un mur dans la campagne française : « Les paysans se révolteront ». Au même moment, Johan van der Keuken dans les Vacances du cinéaste filmait de semblables appels à la lutte dans les ruines de fermes abandonnées en Ardèche. Laissés à eux-mêmes, les paysans ont perdu la partie, ils sont aujourd’hui réduits à quelques milliers et voués aux intoxications phyto-financières. Les luttes ont migré du côté de ceux qui prendront peut-être leur relève et se battent ponctuellement pour préserver des espaces ou inventer de nouvelles formes de vie et de culture – comme à Notre-Dame des Landes – selon une démarche éclatée, hétérotopique comme on aime à dire, qui laisse le cours général poursuivre sa marche à l’abîme, élargissant encore l’espace économique de production et d’échange au plan mondial. Haudiquet, parti d’événements parfois anecdotiques quoique éminemment révélateurs – comme dans Bibi (1976) où l’on fait un procès à un cheval de trait dont le bruit des sabots dérange quelques habitants d’une bourgade, procès qu’il remporte (comme récemment le coq Maurice sur l’île d’Oléron) – radicalise son point de vue progressivement en participant aux luttes contre l’emprise militaire sur le Larzac puis traverse les océans pour s’intéresser à l’alphabétisation en Haïti.
Georges Rouquier, retournant au Farrebique qu’il avait filmé en 1943-1945 dans Biquefarre (1983), tout en observant cette dégradation des conditions de vie et de travail, la destruction des insectes et des hommes et l’endettement obligé, enregistrait déjà la défaite de ce monde rural. Haudiquet lui rend hommage en lui consacrant un portrait (Georges Rouquier ou la belle ouvrage, 1993) qui est aussi une manière de témoignage sur le tournage de Biquefarre et sur les effets que ce film, critique de l’évolution de l’agriculture, produisit sur l’un des paysans à qui l’on avait jouer une scène d’intoxication avec des persticides : lui et sa femme, en se voyant sur l’écran, décidèrent de passer à la culture bio-dynamique.

Alexandre Sokourov, lArche russe, Carlotta Films, 2019
Ce film co-produit par l’Allemagne et la Russie en 2002 est resté fameux pour la prouesse technique de faire tenir 95 minutes de filmage en un seul plan (ou presque), l’opérateur portant la caméra (steadicam) emboîtant le pas des personnages dans le Palais de l’Ermitage à Pétersbourg, de la cour aux escaliers, des salles d’expositions du musée aux salles de restauration. Le marquis Astolphe de Custine est le go-between vire-voltant du film, commentant et portant un regard d’Européen condescendant sur la Russie, passant d’une salle à l’autre du musée de l’Ermitage et y rencontrant toute une série de personnes étagées sur 400 ans, de Catherine II à un menuisier confectionnant des cercueils pendant le siège de Leningrad. Mille figurants et plusieurs centaines d’acteurs participèrent à ces 96 minutes de tournage non-strop (trois essais échouèrent cependant) de 2001.
En supplément un documentaire sur le tournage.

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