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Estereotipos distópicos en el cine latinoamericano a través de El Club (Pablo Larraín, Chile, 2015) y Zama (Lucrecia Martel, Argentina, 2017)

María Dolores de los Ángeles Pérez Murillo

Resúmenes

El Nuevo Cine Latinoamericano desde mediados del siglo XX a la actualidad es muy rico en títulos, contenidos, lugares y personajes distópicos. En este artículo hemos seleccionado dos obras y dos autores de amplio palmarés, totalmente novedosos y rompedores, pues convierten a los lugares periféricos del continente latinoamericano y a personajes excluidos en paradigmas de una narrativa fílmica singular que apuesta por la distopía.

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Introducción: Las distopías en la narrativa fílmica del Nuevo Cine Latinoamericano

1Estamos ante el Nuevo Cine Latinoamericano que, surgido a mediados del siglo XX, posee el carácter de un cine social, realista y de denuncia. Un cine en consonancia con las vanguardias del momento como la nouvelle vague francesa, el neorrealismo italiano, el free cinema inglés, el neuer deutscher filme alemán, y también el nuevo cine español surgido tras las conversaciones de Salamanca en 1955. Así pues, a mediados del siglo XX, en Europa y en América Latina frente al comercialismo hollywoodiense y a la censura surgen nuevas formas de hacer cine, que ponen en evidencia lo que el discurso oficial calla y elude, dando pues cabida a situaciones y arquetipos, que rayan la distopía, muy lejanos del lenguaje de los poderosos y de sus héroes. Es un cine valiente y comprometido que realiza una perfecta simbiosis entre el documental y la ficción.

  • 1 Distopía es el desencanto ilusorio en el que viven países y personas, que están sumidos en la farsa (...)

2El Nuevo Cine Latinoamericano, en la línea de las nuevas tendencias o “nuevas olas”, mencionadas más arriba, es abundante en títulos, contenidos, lugares, estereotipos y situaciones distópicas1 que, a mi modo de ver, se inicia con películas de la etapa mexicana de Luis Buñuel como Los Olvidados (1950), Nazarín (1959), El ángel exterminador (1962), Simón del desierto (1965). Desde el submundo de la marginalidad, pasando por el más puro anacronismo, hasta la cara oscura de la burguesía, todos ellos se hacen patentes en la narrativa del maestro. Si nos centramos en El ángel exterminador, observamos como “los burgueses enclaustrados se van despojando de manera gradual, de todos los atributos asociados tanto a la civilización como a su condición de clase” (Elena y Díaz, 1999, 164). Esta película ha sido definida como la “parábola de la condición burguesa” y considerada como la obra que significó el retorno de Buñuel al más puro surrealismo (Elena y Díaz, 1999, 164), pues queda muy lejos de toda lógica. La cotidianidad en dicho film es una caricatura paradigmática, una distopía y unos estereotipos en el sentido del absurdo fuera de toda lógica previsible.

3El director brasileño, Glauber Rocha fue también un maestro de estereotipos distópicos, sobre todo su tercera película, Terra em transe (1967), es el más puro ejemplo. Se desarrolla en un escenario tropical llamado “Eldorado” donde juegan a la farsa del poder todos los estereotipos políticos y tendencias ideológicas (conservadores, liberales, populistas, de izquierdas) (Pérez, 2014: 129). La obra de Glauber Rocha es rompedora e iconoclasta frente a todo discurso político, que, desde la izquierda a la derecha, no va más allá de falsas promesas, falsas utopías que se transforman en realidad distópica. De este polémico filme su propio director aseveró:

Terra em transe insiste en ir contra las reglas más aceptadas del “buen comportamiento” cinematográfico. Su narrativa es constantemente descarrilada, des-construída, reelaborada, de suerte que los incidentes quedan fragmentados, subordinados a fuerzas diferentes a la continuidad espacio-temporal, a la composición equilibrada, a la dosificación recomendada. Es evidente que existe una intención “anti-dramática”, es un film que se destruye con un montaje de repetición. (Arbeláez, 2011)

4El cineasta cubano Tomás Gutiérrez Alea, influenciado por El ángel exterminador, filmó Los sobrevivientes (1978) en donde a través de una narrativa próxima a la comedia negra, realizó una crítica mordaz y despiadada sobre los efectos negativos de todo aislamiento y de la incapacidad para adaptarse a los cambios. Es una crítica a los estereotipos de una burguesía decadente, aislada, cuyo aislamiento es, paradójicamente, similar en el que ha desembocado la propia Revolución que, instalada en el poder, se hace conservadora para conservarlo, tornando el paradigma utópico de los inicios en un presente dominado por estereotipos distópicos, celosos de sus privilegios hasta llegar a la autofagia.

5Arturo Ripstein, realizador mexicano, ofrece una amplia filmografía plagada de estereotipos y situaciones distópicas. Traemos a colación entre otras El evangelio de las maravillas (1998) y El coronel no tiene quien le escriba (1999). La primera está basada en la secta real fundada en 1973 en la región mexicana de Michoacán por el párroco Nabor Cárdenas y la vidente Gabina Romero (Lapeña, 2013: 219) donde se vive una cotidianidad llena de extrañeza y del todo surrealista. La segunda es una espera anclada en viejas identidades del pasado que lastran el presente y el futuro.

6El cineasta argentino, Fernando Ezequiel Pino Solanas, es un referente esencial en estereotipos distópicos. Solanas se debate entre la utopía del cine liberación y la realidad distópica ante un mundo globalizado (Haase, 2011).

7El siglo XXI inicia la distopía en estereotipos como los de Alfonso Cuarón en Y tu mamá también (México, 2001), una singular road movie que nos lleva por el México olvidado y al mismo tiempo nos introduce en las contradicciones del corazón humano que, desde lo dionisíaco del hedonismo sin límites, penetra en los profundos rincones del alma más allá de los personajes, estereotipos e identidades que representan y creen ser. En este sentido, el cineasta venezolano Lorenzo Vigas en la película Desde Allá (2015) profundiza también en la distopía de las falsas apariencias, de las identidades inventadas.

8Cineastas latinoamericanas como Claudia Llosa en sus películas Madeinusa (2005), La teta asustada (2009) y Lucía Puenzo con XXY (2007), bien distintas entre sí en sus formas narrativas, nos acercan a historias de mujeres, insertadas en unas identidades y estereotipos impuestos por estructuras patriarcales, que generan unas cotidianidades distópicas.

9El Nuevo Cine Latinoamericano del siglo XXI está plagado de estereotipos distópicos, que darían para varias monografías, aunque en este artículo nos hemos centrado solo en dos películas y en sus realizadores, Pablo Larraín (Santiago, Chile, 1976) y Lucrecia Martel (Salta, Argentina, 1966). Creemos que sendos directores son representativos del nuevo cine postdictadura que, ante la utopía perdida, pretenden rescatar del olvido a estereotipos de un presente distópico que las sociedades democráticas neoliberales suelen negar. Martel inaugura en su película La Ciénaga (2001) una manera muy singular de hacer cine, en el que los escenarios y personajes están envueltos en un halo distópico: “Martel es innovadora, rompe con los esquemas de la clásica narrativa fílmica. Algunos críticos ven en ella uno de los pilares de la renovación del Nuevo Cine Latinoamericano” (Pérez, 2020). Igualmente, el realizador chileno, Pablo Larraín, es un representante de ese nuevo cine del siglo XXI, o Novísimo Cine Chileno (Cavallo y Maza, 2011) que, más allá de su anterior filmografía de carácter sociopolítico, a través de El Club (2015) y de Ema (2019) se aventura en temáticas atrevidas y, sobre todo, con estereotipos distópicos que, casi siempre, son villanos, excluidos y aletargados en la desidia.

10Ambos cineastas, Pablo Larraín y Lucrecia Martel, nos conducen a espacios geográficos olvidados, de exilio, auténticos escenarios distópicos cuyos actores responden a estereotipos solitarios, abandonados a su suerte, aletargados, y condenados por frustración personal y desesperanza. Larraín y Martel a través de las dos películas seleccionadas conjugan a la perfección el estereotipo distópico del que se ha nutrido el Nuevo Cine Latinoamericano desde Buñuel y Glauber Rocha hasta nuestros días.

Personajes en las sombras: El Club

  • 2 Pablo Larraín (Santiago de Chile, 1976) a lo largo de su filmografía explora la dictadura de Pinoch (...)
  • 3 Título original, El Club, Año 2015, Duración 98 minutos, País Chile, Director Pablo Larraín, Guion (...)
  • 4 El Nuevo Cine Latinoamericano casi siempre plantea el debate entre “civilización” y “barbarie”. La (...)
  • 5 Sensacine-Películas-El Club. Disponible desde internet en: https://www.sensacine.com/peliculas/peli (...)

11La historia que nos cuenta Pablo Larraín2 en El Club3 es la de cuatro estereotipos de sacerdotes que, recluidos en un no lugar, en un espacio atemporal, cumplen penitencia. Una extraña monja adopta el estereotipo femenino de cuidadora. Los cinco habitan en una sigilosa casa de retiro en la costa sur del país chileno. Un singular océano Pacífico, triste y brumoso, asoma como protagonista periférico y espacio de “barbarie”4. En ese lugar, alejado del mundo, y en “el fin del mundo” conviven cinco estereotipos de los excluidos de la sociedad y de la Iglesia oficial o jerárquica, personajes en sombras, ambiguos y, sobre todo, molestos a la jerarquía eclesiástica y a la sociedad que, ante sus extrañezas, miran para otro lado. En esa hermética casa amarilla o club deambulan personajes que se expresan con “palabra alocada, frenética, balbuciente, incoherente5. Son estereotipos de excluidos, villanos, quizás culpables o quien sabe, que viven aislados, aletargados y hundidos en la tristeza en un lugar periférico y distópico.

12Creemos muy esclarecedoras las palabras de Pablo Larraín de cómo él y su equipo de coguionistas llevaron a cabo una intensa labor de investigación acerca de los fundamentos sociológicos de los estereotipos y de todo lo que se mueve respecto a la temática del filme:

  • 6 CUESTA, Martín : “Entrevista a Pablo Larraín” 10 de octubre 2015. Entrevistas Ad Hoc/La Caja. Dispo (...)

Como la película trata sobre un operativo que la Iglesia Católica lleva a cabo de forma secreta, silenciosa, tuvimos que conseguir los materiales a través de métodos poco habituales, ya que internet y otros métodos clásicos resultaron inútiles. Así que tuvimos que entrevistar a antiguos miembros del clero, a antiguos sacerdotes que nos dieron pistas sobre esas casas de retiro para sacerdotes con problemas, e investigamos detenidamente las razones para recluir a un sacerdote a una vida de retiro y penitencia. También descubrimos que hay una congregación internacional, fundada en Estados Unidos y llamada “los siervos del Paráclito”. En los últimos 60 años se han encargado en exclusiva de sacerdotes que ya no pueden seguir ejerciendo su ministerio por diversas razones, a pesar de que la mayoría no ha cometido ningún delito6.

Fuente: DE FEZ, Desiré: “El Club. Para fans del cine que experimenta y arriesga”, 10/02/2015. Disponible desde internet en: https://www.fotogramas.es/​peliculas-criticas/​a5454278/​el-club/​

  • 7 Ibidem.

13De los actores y de los estereotipos que encarnan, nos dice Larraín “son un grupo de actores extraordinarios, y el guion de la película se hizo pensando en los mismos. Por ello, podemos decir que es un filme de personajes, de personalidades profundas, precisas, peligrosas y misteriosas”7. El método que siguió el realizador en la dirección de los actores fue muy original, ya que estos desconocían la biografía y el devenir de los personajes que representaban:

  • 8 Ibidem.

Esto es un acto de presencia y de presente: al no conocer ninguno la biografía de su personaje, al no saber ni siquiera como se llamaban en la película, ni cuál es el devenir de la película, el tipo se pone ante la cámara y la primera toma es ridícula, la segunda también y, como son actores de oficio, en la tercera ya empiezan a instalarse y a darle fuerza a lo que está pasando y ya en la quinta tienes una verdad muy potente y eso es lo que estábamos buscando, que tuviese una verosimilitud que viniera desde ese acto de presente y de presencia. Creo que es una sensación que funciona, he hecho películas de distintas maneras, en algunas está todo muy estudiado y ensayado. No creo que haya un sólo método, pero me gustó hacer esto para esta película8.

14Así pues, vayamos desgranando a los personajes o estereotipos distópicos que conforman el filme:

15El actor, Alfredo Castro tiene mucho misterio en su forma de actuar, él encarna al Padre Vidal, acusado de pederastia, y ahora desde el exilio distópico de “el club”, toda su pasión y energía está dedicada a un galgo al que hace competir en carreras. El Padre Vidal es el estereotipo de un hombre débil que carga con su culpa, vive atormentado por una homosexualidad, asumida pero no consumada, una homosexualidad, sublimada o, quizás reprimida por su fidelidad al ministerio sacerdotal.

16Otro personaje es el Padre Ortega (Alejandro Goic) ejemplo del sacerdote urbano que ejerció su labor pastoral en las denominadas “poblaciones” o barrios periféricos y pobres de la ciudad de Santiago, en donde se involucró en la adopción y/o venta de los recién nacidos pobres. Ortega es el paradigma de esos religiosos que se lucraron del comercio de “niños robados”. El curita de villa-miseria se defiende de la acusación argumentando que esos niños, “entregados” en adopción a los ricos del barrio alto santiagués, hubieran sido abandonados por sus madres, casi niñas, en contenedores de basura. Probablemente el Padre Ortega si hubiera sido rico, no estaría preso en “el club” pues habría comprado su libertad pagando a un buen abogado defensor. Es esa la ambigüedad que, a mi modo de ver, posee el personaje, estereotipo del perdedor, del anti-héroe, condenado a vivir una realidad distópica.

17También vive en esa casa del fin del mundo el Padre Silva (Jaime Vadell), sacerdote castrense durante los crímenes de la dictadura de Augusto Pinochet y, por ende, cómplice y confesor de los milicos, gran conocedor de las atrocidades cometidas. El Padre Silva, el memorioso, puede ser peligroso para el nuevo “orden” democrático, instaurado en Chile, orden que exige la amnesia total, y, quizás, por ello, es amordazado con la reclusión. Silva es el estereotipo del cómplice tornado en traidor, por lo que el poder le teme y se deshace del mismo recluyéndolo a la condena del olvido de una muerte en vida.

18El cuarto sacerdote, que forma parte del club, es el Padre Ramírez (Alejandro Sieveking), anciano que padece el mal de Alzheimer, y nada sabemos de su biografía, es un personaje olvidado de sí, el estereotipo de la sombra.

19Madre Mónica (Antonia Zegers) desempeña la función de cuidadora de los cuatro sacerdotes, es como el ama de llaves de la casa, es la que dirige ese espacio de retiro expiatorio. Mónica es una mujer periférica, distinta a las religiosas convencionales, y por ello expulsada al espacio del fin del mundo. Es un personaje misterioso e inquietante. Mónica vigila y, probablemente, castiga. Mónica es todo lo contrario a la cuidadora ideal, es un personaje en las sombras, es un estereotipo distópico.

20La vida cotidiana de los cuatro sacerdotes reclusos se complica cuando aparece un quinto sacerdote, el Padre Lazcano (José Soza) que, acusado de pederastia, llega a la casa, pero tras él viaja la víctima de sus abusos sexuales, Sandokán (Roberto Farías). Lazcano no podrá soportar los reproches de su víctima, ahora convertida en victimario. Creemos conveniente señalar que el actor Roberto Farias, Sandokán en la ficción de Larraín, desempeña un papel de un gran dramatismo, pues, no en vano, proviene del mundo teatral. Creemos interesante señalar las reflexiones del cineasta respecto a tan dramático estereotipo:

  • 9 Ibidem.

Ese personaje viene de una obra de teatro que yo hice con el propio Roberto Farías. Se llama Exceso y es una obra que escribimos juntos y en la que estuvimos trabajando durante un año. Es un monólogo de 50 minutos continuos sobre la escena, en él habla de todos los abusos de los que fue víctima durante su infancia. Es la historia de un niño que habla de cómo fue abusado. Lo que hicimos en la película fue traer a ese personaje de la obra de teatro e integrarlo en el filme, entonces él era el único que tenía realmente un trabajo de preparación previo con el que ya habíamos identificado un habla, un tono. Y hace algo que a ustedes les debe sonar raro, que es su manera de expresarse. En realidad, es una especie de coa, que es un lenguaje carcelario, de la calle, propiamente chileno y que es muy difícil de interpretar para que suene realmente espontáneo y cercano a como en realidad hablan esas personas y Roberto es uno de los pocos capaces de hacerlo. Todo estaba muy escrito, excepto algunas escenas en las que él fue capaz de improvisar porque es alguien que ya tiene mucho domino del personaje. Nosotros habíamos estado ensayando durante seis meses, todos los días de la semana, cuatro o cinco horas diarias, hablamos investigamos, nos entrevistamos con muchas víctimas de abusos, y la obra estuvo tres temporadas seguidas en cartel, así que cuando llegamos a hacer El club el personaje estaba muy desarrollado y muy bien armado9.

21A partir de este momento, todo se enturbia, aún más, en la casa-retiro, pues es adonde llega un apuesto joven sacerdote, el Padre García (Marcelo Alonso), una especie de inquisidor que lleva por consigna de la jerarquía eclesiástica cerrar la casa expiatoria, y que los sacerdotes se las arreglen por su cuenta o recurran a sus familias, pues los ajustes económicos de la Iglesia institución, convierten en antieconómicas estas casas ; pero el Padre García decide que la mejor solución no es cerrar la casa, sino convertirla en una jaula de grillos, introduciendo en ella a Sandokán, el estereotipo de víctima-verdugo o ¿ángel exterminador?

22El paisaje, como ya hemos comentado, forma parte de la distopía, expresa el alma de los personajes, por lo que desde el punto de vista técnico y estético Pablo Larraín introduce unos filtros especiales con predominio de azules y grises, colores de la tristeza e indefinición, que generan una atmósfera ambigua, como de otro mundo, no obstante, de gran carga sensorial. Así lo define el propio realizador:

  • 10 Ibidem.

23Cómo se ve y se siente una película es como te entra esa película por los poros, es un tema más sensorial. Nosotros buscamos una estética, un lugar narrativo que estuviera en sincronía con la película. A veces pasa que una película tiene tonos diferentes en su narrativa y en su visualidad y no siempre hay esta sincronía. Hay algo en el club como vaporoso, poco definido, de penumbra que tiene que ver con el alma de la película y eso era un poco lo que buscábamos10.

24Ese mundo de sombra, ambigüedad, junto a encuadres claustrofóbicos en un lugar de tinieblas envuelven a los personajes, alejados de toda esperanza y salvación, lo que es recreado con gran maestría a través del lenguaje cinematográfico:

  • 11 GAMBA Pablo, « El ocaso del bien », El Espectador imaginario, n°65, septiemebre 2015 http://www.ele (...)

El club comienza con un fragmento del Génesis –“Y vio Dios que la luz era buena, y separó a la luz de las tinieblas” (1:4). Pero la luz suave del filme tiene el efecto contrario, por lo que a las separaciones respecta: difumina los contrastes e integra las figuras a lo que las rodea, haciendo borrosos los contornos. Ese efecto se conjuga con el constante uso del contraluz, que puede hacer del personaje una silueta para expresar visualmente su oscuridad. Los consecuentes destellos distorsionan la visión, lo cual se logra también mediante la deformación óptica. El clímax de la historia ocurre de noche, con una iluminación que llega a ser como la de los filmes de terror, con contrapicados que crean sombras siniestras en los rostros. En síntesis, si el epígrafe se refiere al despuntar de la luz en el origen del mundo, podría decirse que El club está entre el ocaso del bien y el retorno de las tinieblas11.

25Para concluir cabe destacar una interesante reflexión acerca de los recursos técnicos empleados en esta película que, a través de su pausada narrativa y de una puesta en escena minimalista, enfatizan el ambiente enrarecido y distópico por el que deambulan estereotipos que, por sus dramas personales, son rechazados por el orden social y jerárquico:

El club incide visualmente en el carácter opresivo, asfixiante, del universo de los protagonistas; un microcosmos en el que se encarnan todos los dramas personales que padecen unos seres humanos a los que se les niega su condición de tales, ya que, ante todo, no se les considera hombres o mujeres, sino “enviados” de Dios. Al respecto, no deja de ser sintomático que, estando la película repleta de religiosos, carezca empero de cualquier sentimiento espiritual o evangélico (el altruismo o la generosidad brillan por su ausencia); por el contrario, la frialdad de su mirada, así como la dureza de algunos de sus momentos, impregnan su metraje de un materialismo gris y descarnado, en el que la penitencia no lleva al perdón, ni al olvido, ni (posiblemente) a la redención. En este sentido, “El club” se mueve en el mismo universo que La muerte y la doncella (1994) de Roman Polanski o “Funny Games” (1997) de Michael Haneke12.

Personaje en el no lugar (Zama)

  • 13 Título original: Zama Año: 2017 Duración: 115 minutos, País: Argentina. Dirección: Lucrecia Martel (...)
  • 14 Lucrecia Martel (Salta, Argentina, 1966) se formó en la Escuela Nacional de Experimentación y Reali (...)
  • 15 Los corregidores tuvieron como función primordial el cobro del tributo indígena. La mayoría de los (...)
  • 16 CENTENERA, Mar: “Zama, atrapado en la esperanza. La última película de Lucrecia Martel para represe (...)

26Zama13, escrita y dirigida por la cineasta argentina Lucrecia Martel14, simboliza un viaje a un no lugar. Diego de Zama espera. El antiguo corregidor15 enviado por la Corona española a Paraguay en pleno siglo XVIII, aguarda día tras día un ansiado traslado a un lugar idealizado, llamado Lerma, mientras otea en el horizonte si se aproxima un barco con noticias del rey o de su mujer y de sus hijos16.

  • 17 Hablar de espacios “vacíos” en América Latina tiene la connotación de espacio olvidado por el poder (...)

27Martel nos lleva de viaje por una geografía olvidada, a la zona del “gran pantanal”, un área periférica o fronteriza, un espacio de nadie o vacío17 ubicado entre los actuales países de Argentina, Paraguay y Brasil. Cronológicamente, pese a los anacronismos o licencias fílmicas, nos hallamos en el siglo XVIII, a finales de la colonización hispánica, situados en una zona de barbarie, olvidada de la Colonia y del Virreinato del Río de La Plata al que jurisdiccionalmente pertenecía.

  • 18 Lerma puede ser la ciudad española, provincia de Burgos; o también Lerma (Rosario de Lerma) en la p (...)

28Zama siempre está esperando su traslado a la ciudad de Lerma18, Lerma es como el paraíso imaginario, el lugar “civilizado” en oposición a la “barbarie” del pantanal en el que Zama vive totalmente “empantanado” y olvidado de la administración.

29Zama vive una espera interminable y kafkiana. Esa espera sirve para mostrarnos el paisaje del pantanal, donde todo está empantanado como en una ciénaga, donde nada sucede más allá del letargo, la corrupción y la decadencia que todo lo inundan y devoran para sumergirse en el caos. La obra de Martel es una rigurosa crítica al discurso oficial triunfalista y utópico del colonialismo:

  • 19 | SALVÁ, Nando : “ Lucrecia Martel: Los héroes me parecen lo peor de lo peor” Entrevista realizada (...)

El colonialismo posee un discurso triunfalista, sí. Los que están en el poder son quienes escriben la Historia, y por tanto es muy difícil conocer nada de ella que no pase por la mirada del hombre blanco del siglo XVI. Eso significa que la Historia de las colonias no es más que una mentira, un relato que se mandó hacer para justificar una sucesión de crímenes y saqueos. Por eso, para mí era importante ofrecer una versión de la Historia que estuviera al margen del relato oficial, que es pura falacia19.

30La singular mirada de Lucrecia Martel junto a los sonidos ambientales, fuera de campo visual, nos conducen a un paisaje ardiente, primitivo, surrealista y hostil del que forman parte unos personajes anacrónicos, ataviados con pelucas y casacas, que aman al son de la música de los indios tabajaras y viven en la “locura equinoccial” del Paraná, sin esperanza. Esta película es una magnífica crítica a una colonización dominada por la desidia, el abandono, el olvido y, sobre todo, el caos, como piedra angular de un sistema, nada utópico, que pervivió y pervivirá en América Latina a pesar de las Independencias.

31La obra de Martel tiene muchos guiños a otras películas que han tratado la colonización hispánica como: Aguirre, la cólera de Dios (Werner Herzog, Alemania, 1972); La última cena (Tomás Gutiérrez Alea, Cuba, 1976); Jericó (Luis Alberto Lamata, Venezuela, 1990); La misión (Roland Joffé, Reino Unido, 1986). También la influencia de Glauber Rocha es patente en este film de Lucrecia Martel, lo que le otorga cierto aire fronterizo, de western, del que hablan algunos críticos, pero de western latinoamericano, concretamente brasileño, siendo esta una lengua que se habla en el film para significarnos la geografía fronteriza y periférica de un lugar distópico, de una tierra de nadie hundida en la nada, y en el asfixiante caos de una barbarie real generada por la decadencia de las estructuras colonizadoras, no válidas en los espacios lejanos y periféricos.

32Zama es una obra maestra cinematográfica, a veces difícil de comprender por sus muchas elipsis, es un rompecabezas de los que gustan a Lucrecia Martel:

  • 20 MÁÑEZ, Manu : “Zama de Lucrecia Martel: Algo salvaje”. Festival de Venecia, 31 de agosto de 2017. D (...)

En Zama, como en todos los filmes de Martel, los bordes del encuadre escinden los cuerpos de los personajes, los planos no se reenfocan (dejando en un limbo borroso a los personajes que se atreven a moverse), el fuera de campo sonoro dice tanto o más que las imágenes, y las elipsis narrativas ayudan a poner bajo sospecha el flujo natural de las historias y la Historia20.

33Es conveniente destacar que Zama, el corregidor que espera, es incapaz de adaptarse al cambio de una nueva identidad. Al respecto y sobre ese estereotipo rígido, señala Lucrecia Martel:

  • 21 Entrevista realizada por Nando Salvá 19/01/2018 (| SALVÁ, Nando : 2018)

¿Qué es la espera? Como digo, las ansias por la llegada de algo que creemos merecer. En otras palabras, encarna una idea que uno tiene de sí mismo y, por tanto, es una trampa. Si fuésemos más flexibles respecto a quiénes somos, no seríamos tan proclives al fracaso. El fracaso ocurre cuando tenemos una idea muy concreta de lo que somos y lo que queremos. La identidad genera rigidez, y lo que es rígido tarde o temprano se rompe. Nuestra cultura se ha empeñado en la rigidez. Y la rigidez es toda esa colección de expectativas por las que nos dejamos presionar, y que nos han convertido en una cultura de psicópatas. Estamos permanentemente expuestos a ideales, de belleza o de edad o de sexo, que no dejan de recordarnos todo aquello que jamás lograremos ser o tener. Por eso siento simpatía por mi personaje, Diego de Zama, aunque sea un tarado. Me gustan los personajes débiles y defectuosos, son más reales. Los héroes, en cambio, me parecen lo peor de lo peor21.

34El guion de Zama fue una adaptación de la novela de Antonio di Benedetto, novela dedicada a las víctimas de la espera, y a la obra de Martel le sucedió algo parecido pues necesitó de hasta 16 productores entre los que figuran los hermanos Almodóvar. Una vez completada, la película fue rechazada en los festivales de Cannes, Berlín y San Sebastián. Finalmente vio la luz en la Mostra de Venecia, y desde entonces la crítica se ha rendido sistemáticamente ante ella.

Conclusiones

35A lo largo del presente artículo hemos pretendido realizar un breve recorrido por algunos filmes paradigmáticos del “Nuevo Cine Latinoamericano”, surgido en la segunda mitad del siglo XX y que ininterrumpidamente llega hasta la actualidad. Los autores y títulos reseñados son solo una pequeña muestra, significativa, pero no definitiva. Hemos mostrado películas de temáticas distópicas que revelan un mundo nada ideal, bien por el hiperrealismo o por el surrealismo que existe en las mismas. En este sentido hemos señalado algunas obras representativas de maestros como Luis Buñuel, Glauber Rocha, Tomás Gutiérrez Alea, Fernando Ezequiel Pino Solanas, Arturo Ripstein, pues en el pasado siglo XX no solo crearon escuela en el Nuevo Cine Latinoamericano, sino que utilizaron temáticas distópicas para mostrar estereotipos de villanos, antihéroes, personajes aletargados, marginales, periféricos, desorientados, personajes nada utópicos sino más bien distópicos. En definitiva, se nos revelan estereotipos surrealistas que rayan el esperpento, y son caracterizados a través del humor negro. Todo ello entronca con la más pura tradición ibérica, iniciada en la novela picaresca del siglo XVI o en el género del esperpento a lo Valle-Inclán de la época contemporánea. En definitiva, esa tradición hispánica responde a una especial manera de contemplar la realidad exagerada, vista a través de cristales cóncavos, en consonancia con el humor negro caricaturesco y ambiguo que genera un estereotipo perdido en una nebulosa distópica.

36En el Nuevo Cine Latinoamericano del siglo XXI las temáticas y los estereotipos distópicos gozan de gran éxito a través de cineastas como Alfonso Cuarón, Lucía Puenzo, Lorenzo Vigas, Claudia Llosa, Gabriel Ripstein, Pablo Larraín, Lucrecia Martel, entre otros. En este artículo hemos seleccionado a Larraín y a Martel por ser dos realizadores de novísimas tendencias en el cine de dos países del Cono Sur en las postdictaduras. Lucrecia Martel realizó en 2001 La Ciénaga, considerada por la crítica cinematográfica una obra maestra por su rompedora forma narrativa, por la temática y los extraños estereotipos dentro de la más pura distopía. En 2017 la misma directora nos deleitó con Zama, tratada en este artículo, por la forma singular de percibir el mundo colonial a través de estereotipos desidiosos, sumergidos en el aletargamiento y en el estancamiento de los últimos años de un período colonial en decadencia, tal y como hemos podido evidenciar a través de un personaje “tarado”-como lo define la propia Martel- lastrado y apegado a una identidad pasada que se niega al cambio. Igualmente, Pablo Larraín, representante del “novísimo cine chileno” con El Club evidencia un mundo de sombras, una verdadera distopía, en la que habitan personajes varados, estereotipos grises, molestos e inservibles a la sociedad que un día los generó

37Hemos mostrado en las dos películas analizadas que la distopía está muy vinculada a espacios geográficos concretos como son los lugares olvidados y lejanos de los centros de poder. Lugares periféricos, vacíos donde deambulan como almas en pena estereotipos inservibles al sistema. Hablar de espacios “vacíos” en América Latina tiene la connotación de espacio olvidado por el poder, porque no hay riquezas materiales, no quiere decir que sea un espacio sin población, sino un lugar en el que sus habitantes (indígenas y pobres) no interesan al poder. También el espacio “vacío” es el espacio de frontera, la tierra de nadie y de los nadie, tierras no del todo delimitadas que solo pueden tener atractivo si se descubren en ellas riquezas materiales que, automáticamente, las convertirán en presa de conflicto para el poder expansivo de oligarcas, del imperialismo y de las trasnacionales.

38Las dos películas y autores tratados en este artículo responden a nuevas formas de hacer cine que delatan lo que el discurso oficial calla y elude, dando pues cabida a situaciones y estereotipos, que rayan la distopía, muy lejanos del lenguaje de los poderosos y de sus arquetipos heroicos. Es un cine valiente y comprometido que realiza una perfecta simbiosis entre el documental y la ficción. En definitiva, es un cine libre, crítico e independiente y con el singular sello de autor.

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Bibliografía

ARBELÁEZ, Ramiro, “Análisis de Tierra en Trance (1967) de Glauber Rocha” (En memoria de Glauber Rocha, quien en pocos meses cumplirá 30 años de muerto), Nexus, nº 8, 2011. Disponible desde internet en: <https://nexus.univalle.edu.co/index.php/nexus/article/view/885>.

CAVALO, Ascanio y MAZA, Gonzalo (editores), El novísimo cine chileno, Uqbar Editores en Chile, en el marco del 18º Festival Internacional de Cine de Valdivia, 2011.

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Notas

1 Distopía es el desencanto ilusorio en el que viven países y personas, que están sumidos en la farsa de las dictaduras y de las posteriores democracias neoliberales, atrapados en lugares y personajes sin sentido. El Nuevo Cine Latinoamericano hace una crítica de la realidad de una doble manera que va desde el género documental neorrealista a la narrativa de ficción cercana al esperpento, al humor negro, al antihéroe. Esto último enlaza perfectamente con una tradición artística hispánica, ya iniciada en La Celestina de Fernando de Rojas y en la novela picaresca en donde se conjugan la realidad y la distopía al unísono. La realidad de los “nadie y de los desheredados no es ideal ni utópica sino más bien distópica (Nota de la autora)

2 Pablo Larraín (Santiago de Chile, 1976) a lo largo de su filmografía explora la dictadura de Pinochet en películas como Tony Manero (2008), Post Mortem (2010), No (2012), Neruda (2016) El club (2015), Ema (2019), Spencer (2021). Además de director y guionista de la mayoría de sus películas, ha sido y es productor de obras del nuevo cine chileno del siglo XX, películas que han cosechado abundantes premios como Gloria (2012) y Una mujer fantástica (2017) de Sebastián Leilo. Aconsejamos que para profundizar en el cine de la post dictadura de Pablo Larraín hacemos referencia / https: // doi.org/ 10.4000/ nuevomundo.62884 Tzvi Tal: “Memoria y muerte” (Nota de la autora)

3 Título original, El Club, Año 2015, Duración 98 minutos, País Chile, Director Pablo Larraín, Guion Guillermo Calderón, Daniel Villalobos y Pablo Larraín, Música Carlos Cabezas, Fotografía Sergio Armstrong, Productora: Fábula (Pablo Larraín). Intérpretes: Roberto Farias, Antonia Zegers, Alfredo Castro, Alejandro Goic, Alejandro Sieveking, Jaime Vadell, Marcelo Alonso, Gonzalo Valenzuela, Diego Muñoz, Catalina Pulido, Francisco Reyes, José Soza. Premios : 2015: Festival de Berlín: Gran Premio del Jurado/2015: Globos de Oro: Nominada a Mejor película de habla no inglesa /2015: Festival de San Sebastián: Sección oficial competitiva ("Horizontes Latinos")/2015: Festival de Mar del Plata: Mejor guion y actor (Castro, Farías, Vadell, Goic)/2015: Festival de La Habana: Premio Coral - Mejor película/2015: Premios Ariel: Nominada a Mejor película iberoamericana/2015: 4 Premios Fénix: Mejor película, director, guion y actor (Alfredo Castro)/2016: Premios Platino: Mejor guión https://www.filmaffinity.com/es/film148436.html/ 18/05/2022

4 El Nuevo Cine Latinoamericano casi siempre plantea el debate entre “civilización” y “barbarie”. La “barbarie” son los espacios y personas periféricas que quedaron excluidos en la construcción del Estado-Nación del siglo XIX. La “barbarie” es lo rural, atrasado técnicamente y lejano geográficamente, en oposición a lo urbano y evolucionado técnicamente. Los espacios de barbarie son lugares y geografías apartadas, barrios periféricos. Y en la película de Larraín a los sacerdotes excluidos por la jerarquía eclesiástica se los envía a un lugar excluido también, por su lejanía de los núcleos de poder. Un lugar apartado en donde se esconde aquello que no se quiere ver, lo que responde claramente al concepto de barbarie como espacio de exclusión y escenario de distopías que son fruto de la exclusión (Nota de la autora)

5 Sensacine-Películas-El Club. Disponible desde internet en: https://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-234798/ ( Consultado el 17/05/2022)

6 CUESTA, Martín : “Entrevista a Pablo Larraín” 10 de octubre 2015. Entrevistas Ad Hoc/La Caja. Disponible desde internet en: https://cinemaadhoc.com/2015/10/entrevistas-pablo-larrain/ (Consultado el 10 de mayo de 2022)

7 Ibidem.

8 Ibidem.

9 Ibidem.

10 Ibidem.

11 GAMBA Pablo, « El ocaso del bien », El Espectador imaginario, n°65, septiemebre 2015 http://www.elespectadorimaginario.com/el-club/ (Consultado el 17/05/2022)

12 FRISACH Elisenda N., « El Club (2015), de Pablo Larraín », El Cine en la Sombra, https://www.elcineenlasombra.com/el-club-critica / (Consultado el 12/05/2022

13 Título original: Zama Año: 2017 Duración: 115 minutos, País: Argentina. Dirección: Lucrecia Martel Guion: Lucrecia Martel (Novela de Antonio di Benedetto) Fotografía: Raúl Poças Género: Drama. Siglo XVIII. Coproducción de Argentina-España-Francia-México-Brasil-Estados Unidos-Países Bajos (Holanda); Rei Cine / El Deseo S.A / Canana Films / KNM / Bananeira Filmes / Louverture Films / Netherland Filmfund / Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) Reparto :Daniel Giménez Cacho, Matheus Nachtergaele, Juan Minujín, Lola Dueñas, Rafael Spregelburd, Daniel Veronese, Vando Villamil Premios : 2017: Festival de Sevilla: Premio Especial del Jurado (Mención especial). (filmaffinity, « Zama » https://www.filmaffinity.com/es/film417998.html ( Consultado el 18/05/2022

14 Lucrecia Martel (Salta, Argentina, 1966) se formó en la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica de Buenos Aires. A los 22 años dirigió su primer corto titulado El 56; después Piso 24 (1989); Besos Rojos (1991) y Rey Muerto” (1995). Su primer largometraje es La Ciénaga (2001) con un extenso palmarés en festivales como Sundance, Toulouse, La Habana y Berlín. El segundo largometraje La niña santa (2004) fue nominado a Palma de Oro en Cannes. La tercera película La mujer sin cabeza / La mujer rubia (2008) igualmente seleccionada en Cannes. El cuarto largometraje Zama (2017) fue galardonado en el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Pedro Almodóvar es un admirador de Lucrecia Martel, habiendo tenido un papel muy importante la productora “El Deseo” en las películas de Martel de las que dice Pedro Almodóvar: "La textura sórdida de su cine me gusta muchísimo", o "su manera de dirigir a los actores es increíble” (Nota de la autora)

15 Los corregidores tuvieron como función primordial el cobro del tributo indígena. La mayoría de los corregidores se enriquecieron a base de especular con el tributo, convertido en objeto de comercio. Además, cometieron arbitrariedades y abusos con las comunidades indígenas. El abuso de los corregidores fue la causa de rebeliones indígenas a fines del período colonial, como la rebelión de Túpac Amaru en Perú en 1780, y la de Túpac Katari en Bolivia en 1781 (Nota aclaratoria de la autora)

16 CENTENERA, Mar: “Zama, atrapado en la esperanza. La última película de Lucrecia Martel para representar a Argentina en los Oscar, brillante relato ambientado en la época colonia”, 08/10/2017. Disponible desde internet en: https://elpais.com/cultura/2017/10/07/actualidad/1507401583_261239.html/ (Consultado el 13 de diciembre de 2021)

17 Hablar de espacios “vacíos” en América Latina tiene la connotación de espacio olvidado por el poder, porque no existen las riquezas apreciadas en ese momento histórico, lo que no significa que sea un espacio despoblado, sino más bien una zona cuyos habitantes (indígenas y pobres) no interesan al poder en ese momento. También el espacio “vacío” es el espacio de frontera, la tierra de nadie y de los nadie, tierras no del todo delimitadas, para nada lugares utópicos. Así sucede en la cronología histórica que abarca la película de Martel (Nota de la autora)

18 Lerma puede ser la ciudad española, provincia de Burgos; o también Lerma (Rosario de Lerma) en la provincia de Salta (Argentina), lo cual no es de extrañar que sea esta última ubicación por ser Lucrecia Martel originaria de Salta. (Nota aclaratoria de la autora)

19 | SALVÁ, Nando : “ Lucrecia Martel: Los héroes me parecen lo peor de lo peor” Entrevista realizada el 19 de enero de 2018. Disponible desde internet en: https://www.elperiodico.com/es/ocio-y-cultura/20180119/entrevista-lucrecia-martel-estreno-zama-6564362/ (Consultado el 21 de diciembre de 2021)

20 MÁÑEZ, Manu : “Zama de Lucrecia Martel: Algo salvaje”. Festival de Venecia, 31 de agosto de 2017. Disponible desde internet en: https://www.fotogramas.es/festival-de-venecia/a19358420/zama-lucrecia-martel/ (Consultado el 12 de diciembre de 2021)

21 Entrevista realizada por Nando Salvá 19/01/2018 (| SALVÁ, Nando : 2018)

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Índice de ilustraciones

Leyenda Fuente: DE FEZ, Desiré: “El Club. Para fans del cine que experimenta y arriesga”, 10/02/2015. Disponible desde internet en: https://www.fotogramas.es/​peliculas-criticas/​a5454278/​el-club/​
URL http://journals.openedition.org/alhim/docannexe/image/11834/img-1.jpg
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Leyenda Fuente: CiudadMagazine: https://www.ciudad.com.ar/​espectaculos/​zama-pelicula-argentina-elegida-representar-pais premios-oscar-goya_88314
URL http://journals.openedition.org/alhim/docannexe/image/11834/img-2.jpg
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Para citar este artículo

Referencia electrónica

María Dolores de los Ángeles Pérez Murillo, «Estereotipos distópicos en el cine latinoamericano a través de El Club (Pablo Larraín, Chile, 2015) y Zama (Lucrecia Martel, Argentina, 2017)»Amérique Latine Histoire et Mémoire. Les Cahiers ALHIM [En línea], 45 | 2023, Publicado el 28 junio 2023, consultado el 27 septiembre 2023. URL: http://journals.openedition.org/alhim/11834; DOI: https://doi.org/10.4000/alhim.11834

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Autor

María Dolores de los Ángeles Pérez Murillo

Universidad de Cádiz (España)
María Dolores de los Ángeles Pérez Murillo. Universidad de Cádiz. Doctora en Historia de América por la Universidad de Sevilla, Profesora Titular de Universidad y Colaboradora Honoraria de la Universidad de Cádiz. Miembro del Grupo de Investigación “Intrahistoria, Oralidad y Cultura en Andalucía y América Latina (HUM 313). Ha dirigido 20 Trabajos Fin de Máster (TFM) y 9 Tesis Doctorales. Ha asistido a más de 100 Congresos Internacionales. Ha viajado por toda América Latina y enseñado en Universidades de Argentina, Brasil, Cuba, Ecuador y Venezuela. Cuenta con más de 80 publicaciones en forma de artículos, colaboraciones en obras colectivas, reseñas y libros. Actualmente imparte docencia en Másteres de las Universidades de Cádiz y de Granada sobre Migraciones y Cine Latinoamericano. mariadpmurillo@gmail.com

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