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LES CAHIERS RECOMMANDENT...

Les Cahiers recommandent…

Anne Kienast, Frank Noulin et Jean-François Wagniart
p. 219-234

Texte intégral

ROMAN GRAPHIQUE

Une histoire belle à partager : Les damnés de la Commune, de Raphaël Meyssan.

1Première partie : À la recherche de Lavalette, éditions Delcourt, novembre 2017, 145 p.

2Deuxième partie : Ceux qui n’étaient rien, éditions Delcourt, mars 2019, 144 p.

3Troisième partie : Les orphelins de l’histoire, éditions Delcourt, novembre 2019, 176 p.

© Éditions Delcourt, 2020 – Raphael Meyssan

4Dans le numéro n° 139 des Cahiers d’histoire consacré aux Images en lutte, nous avions interviewé Raphaël Meyssan. À cette époque, il n’avait encore publié que le premier volume de sa trilogie sur Les Damnés de la Commune. Aujourd’hui, les deux autres tomes sont achevés et l’ensemble forme une somme de travail extraordinaire et une lecture indispensable pour tous les amoureux de la Commune et de l’iconographie de la fin du 19e siècle. Comme l’explique l’auteur, la méthode était très originale : collecter des gravures et illustrations de l’époque parues dans des livres, la presse ou les romans-feuilletons et construire son scénario en les reproduisant sans jamais y rajouter de nouvelles images. Pour mesurer l’ampleur du travail réalisé, on retrouve ces immenses sources minutieusement répertoriées à la fin du troisième tome (p. 174-175).

© Éditions Delcourt, 2020 – Raphael Meyssan

5L’autre choix de Raphaël était, comme pour ses dessins, celui de mélanger le romanesque et l’histoire. Le pari est entièrement tenu : la rigueur historique s’associe parfaitement aux dessins des romans-feuilletons de la fin du 19e siècle.

6Le troisième défi tenu de l’auteur est d’associer trois histoires qui s’entremêlent : la sienne, narrateur guidant le récit et se replongeant personnellement dans l’époque, celle de Lavalette, son voisin, acteur important de la Commune (membre du comité central de la Garde nationale), qui a habité dans son immeuble il y a un siècle et demi, sur lequel il va enquêter, et enfin celle de Victorine (Victorine Brocher, Souvenirs d’une morte vivante, 1909, réédité en 2017), qu’il croise dans cette recherche et qui ne le quittera plus jusqu’aux dernières pages. L’empathie pour ses personnages monte tout au long de l’histoire : « Aujourd’hui mon cœur s’embrase. Aujourd’hui, je vais retrouver des compagnons que ni la distance ni le temps n’ont réussi à effacer » (tome 3, p. 7), sans jamais que Raphaël perde pour autant son sens critique sur les excès du mouvement communaliste. Comme dans tout mouvement révolutionnaire, la Commune a commis des erreurs, des violences, et son héros Lavallette, comme d’autres aussi, des « trahisons ».

7Mais si ces excès ont servi les nombreux ennemis de la Commune, ils ne peuvent pas effacer la barbarie des vainqueurs, largement illustrée dans le troisième tome, et le courage de beaucoup d’accusés – mais pas tous – face aux tribunaux. L’ombre tutélaire de Louise Michel plane dans ce dernier récit de la défaite, sortie, toute droite et digne, du poème de Victor Hugo Viro Major : « Ta bonté, ta fierté de femme populaire ». Les personnages s’entremêlent et ces deux femmes aux accents maternels se retrouvent finalement pour protéger le faible et l’orphelin. Victorine fondera une école à Londres en 1886 avec Louise Michel, avec qui elle partagera jusqu’à la fin non seulement l’idéal libertaire, mais aussi l’abnégation de soi et le don aux autres.

8La dernière qualité de cette trilogie n’est pas la moins méritante : faire vivre la Commune à travers ses personnages dans nos mémoires, donner cette proximité que rien ne remplace, la partager avec tous ceux qui continuent à se battre contre les nouveaux Versaillais admirateurs de Thiers, Ferry et consorts qui hantent notre présent. Et surtout, comme le rappelle l’ultime page de ce magnifique roman graphique, ne pas oublier cette histoire qui est maintenant la nôtre et continuer à transmettre ses valeurs de solidarité et d’autogouvernement.

9- Pour l’actualité de l’auteur, voir le site : <https://www.meyssan.com/​>.

10- Raphaël Meyssan est également en train de réaliser une adaptation audiovisuelle des Damnés de la Commune : un film animé, toujours avec les gravures, d’une durée d’une heure et demie, qui sera diffusé sur Arte pour les 150 ans de la Commune.

FILMS

White Riot, film britannique de Rubika Shah, 2020, 84 min., DVD en 2021.

11Avec jubilation et une certaine verve, White Riot revient sur un épisode maintenant un peu oublié de l’Angleterre préthatchérienne : la création en 1976 par trois activistes venus de la « contre-culture » – Red Saunders, Roger Huddle et Kate Webb – du mouvement Rock Against Racism (RAR), qui entendait faire barrage à la montée du sinistre National Front (NF). Celui-ci, en effet, développait une rhétorique xénophobe et raciste, sur fond de crise économique et de vacillement d’un Royaume-Uni obsédé par son déclin depuis la perte de son empire colonial et l’entrée résignée dans la Communauté économique européenne, et menait une virulente campagne contre les « migrants ». Le film rappelle les propos glaçants de haine de politiciens comme Enoch Powell (conservateur) ou Martin Webster (frontiste), qui annoncent la thématique contemporaine du « grand remplacement », ainsi que ceux tenus un soir de concert par Eric Clapton, immense guitariste de rock surnommé « God » par ses fidèles, pérorant tout à coup sur sa crainte que la Grande-Bretagne ne devînt une « colonie noire », tirade proprement hallucinante quand on sait à quel point la musique jouée avec maestria par Eric Clapton puise ses racines dans divers genres musicaux afro-américains, et notamment le blues…

12Nos activistes décident de mener le combat contre le NF sur le terrain de la culture. Depuis Gramsci, nous savons combien la lutte politique est tout d’abord un affrontement entre systèmes de valeurs, une « guerre culturelle ». Ils fondent un fanzine remarquable d’inventivité, le « TempoRARy Hoarding » (littéralement le « Panneau d’affichage temporaire ») et constituent un réseau informel se livrant à un minutieux travail de contre-propagande, en liaison avec l’Anti Nazi League, par des tracts ou la participation à des contre-manifestations quand le NF investit la rue. Bien vite, les membres de RAR comprennent que, pour toucher cette jeunesse inquiète et sensible aux sirènes du NF et susciter une dynamique inverse, il faut recourir à un médium qui a alors une forte influence, en pleine effervescence punk : la musique populaire. Ils organisent alors divers concerts à l’occasion desquels ils dénoncent le péril fasciste ; ils obtiennent notamment le soutien du groupe punk The Clash, un des plus importants de l’histoire du rock, dont les membres montrent une réelle conscience politique (en particulier leur « leader », le regretté Joe Strummer), ce qui n’était pas le cas de tous leurs congénères affublés de rats et d’épingles à nourrice. White Riot, « l’émeute blanche », est le titre d’une des plus célèbres chansons des Clash, appel vibrant à la révolte et à l’union des Blancs et des Noirs contre le racisme et les violences policières (de sévères affrontements avec la police avaient eu lieu en 1976 lors du carnaval de Notting Hill, quartier noir de Londres). D’autres groupes et artistes se rallient à cette cause, et l’action de RAR culmine dans un festival géant à Londres en 1978, auxquels participent The Clash et d’autres punks comme X-Ray Spex, le groupe de reggae Steel Pulse, le chanteur engagé Tom Robinson.

13Le film se termine alors par une sorte de happy end annonçant triomphalement que la progression du NF a été enrayée lors des élections générales de 1979, ce qui laisse quand même un peu pantois. En effet, ce n’est pas faire injure aux membres de RAR de penser que leur action, toute louable et déterminée qu’elle fût, n’a eu qu’un rôle mineur dans ce résultat. De même on peut regretter qu’au début du film le contexte d’émergence du NF ne soit guère approfondi, le recours au concept fourre-tout de « crise » permettant d’évacuer la responsabilité du Labour (Parti travailliste), au pouvoir depuis 1974, dans les tensions sociales et politiques de l’époque ; Labour contre lequel le Parti conservateur instrumentalise, voire suscite, l’angoisse collective du déclin, dont procède le mouvement punk, expression radicale d’une jeunesse prolétaire sans illusions ni espérances.

14Car la réalité de 1979, qu’omet le film, ce n’est pas tant la défaite du NF que la victoire de Margaret Thatcher, qui sut capitaliser sur les craintes et les peurs. À l’aune de ce qui s’ensuivit – impitoyable mise à genoux des mineurs en 1983-1984, destruction d’une classe ouvrière fière de ses traditions et de ses combats, mue brutale de l’Angleterre en « paradis financier » –, la victoire de RAR doit être relativisée, même s’il faut bien évidemment saluer l’implication de ses membres et la justesse de la cause.

15Peut-être étaient-ce les prophètes de malheur qui avaient, hélas, une fois de plus raison : No future in England streamin’ (« Pas de futur dans une Angleterre à la dérive ») vociféraient à la même époque les nihilistes Sex Pistols. Vigoureuses paroles qui résonnent encore aujourd’hui, en ces temps où les mêmes vents mauvais, rejet de l’autre et nostalgie mortifère d’un passé révolu, poussent le Royaume-Uni sur les voies périlleuses du Brexit.

Be Natural : l’histoire cachée d’Alice Guy-Blaché, film documentaire américain de Pamela B. Green, 2018, 113 min., disponible en DVD.

« L’histoire d’Alice est une histoire universelle, celle de l’effacement des femmes. Il faut redire combien le cinéma n’a pas seulement et uniquement été inventé par des hommes, mais aussi par des femmes, ensemble et au même moment. Que ce soit aux États-Unis, en France, ou partout dans le monde. Quelques mois avant de mourir, en 2013, ma grand-mère m’a dit : “Pamela, imagine le nombre d’Alice Guy qu’il y a dans le monde…” Je lui ai répondu sans hésiter : “Oui, je peux l’imaginer sans problème !” » (Entretien avec Pamela B. Green, <https://www.bande-a-part.fr/​cinema/​entretiens/​entretien-pamela-b-green-l-histoire-cachee-d-alice-guy-blache/​>).

16Produit par Robert Redford et Jodie Foster, qui en est aussi la narratrice, ce premier documentaire de Pamela Green est d’abord un très beau film, construit comme une enquête policière. C’est aussi un film engagé au sens noble du terme, qui défend la cause des femmes et leur place dans l’histoire du cinéma.

17Tout part de la question posée par la documentariste à de jeunes réalisateur·trice·s et acteur·trice·s : qui connaît encore Alice Guy ? Presque personne. Et pourtant, Alice Guy fut tout à la fois scénariste, productrice et directrice de studios. Née en 1873 à Saint-Mandé dans le Val-de-Marne, elle est décédée en 1968, dans le New Jersey aux États-Unis, dans l’indifférence la plus totale, seulement citée dans de rares revues spécialisées.

18Pour la réalisatrice comme pour Jodie Foster, le doute n’existe pas, il y a une part de bigoterie, de sexisme, qui explique cette ignorance malgré les efforts qu’elle a faits jusqu’à la fin de sa vie pour témoigner et réhabiliter ses films. Peine perdue, son Autobiographie d’une pionnière du cinéma, Alice Guy (1873-1968), ne sera finalement publiée qu’après sa mort en 1976.

19Longtemps oubliée par les grands classiques de l’histoire du cinéma (notamment par George Sadoul, qui ne la mentionne pas dans son incontournable Histoire générale du cinéma), Alice a eu pourtant une carrière prolifique en France (de 1896 à 1907) et aux États-Unis (jusqu’en 1920). Dans ce dernier pays, en 1910, Alice Guy monte même sa propre société, la Solax Film Co, dont elle est présidente et directrice de production. Le titre du film reprend d’ailleurs l’injonction Be Natural ! (« Soyez naturels ! »), affichée sur un grand panneau placé au-dessus des plateaux de tournage de son studio Solax Film Co de Ford Lee dans le New Jersey. Contrairement aux pratiques de son temps, les comédiens, selon Alice Guy, devaient savoir jouer avec sobriété, alors que leur jeu était souvent exagérément appuyé.

20Une fois Alice Guy redécouverte par la documentariste, tout un travail d’enquête commence pour retrouver témoignages, archives et bobines, souvent égarés ou déclarés disparus. Elle se rend partout à Paris et aux États-Unis, retrouve des membres de sa famille… Durant les huit ans que dure le tournage, elle retrouve douze de ses films et est persuadée qu’elle en dénichera d’autres. Elle se passionne pour cette héroïne hors-norme, au point de créer une fondation pour entretenir son héritage, continuer à restaurer ses films et aider les archives à les rendre accessibles au public.

21Aujourd’hui heureusement, une partie de son œuvre est disponible en DVD ou même accessible sur le Net. On y voit tout le talent d’une réalisatrice touche-à-tout, du fantastique à la comédie et au drame. Ces films intelligents et techniquement originaux montrent toutes ses préoccupations critiques et politiques, comme le magnifique hommage à la Commune : L’Enfant sur la barricade (<https://www.youtube.com/​watch?v=0KmrfWErFZc>), daté de 1907, inspiré de Victor Hugo et faisant référence à la Semaine sanglante. Son combat pour l’égalité des sexes se retrouve également dans Les Résultats du féminisme (1906, <https://www.youtube.com/​watch?v=_MO-LgdE7hE>), dans lequel les femmes et les hommes échangent leurs rôles. Même si ce film n’est pas considéré comme féministe au sens contemporain du terme, il nous donne à voir un point de vue féminin si rare au début du 20e siècle.

22Finalement, l’histoire d’Alice est à la fois une histoire universelle et intemporelle, une histoire qui a trop souvent été écrite par et pour les hommes, qui occupent d’ailleurs dans ce documentaire un rôle secondaire, de façon consciente ou inconsciente, en les minorant ou, pire encore, en les effaçant tout simplement.

23Ce film attachant, qui doit beaucoup au personnage extraordinaire d’Alice, qui crève l’écran, nous rappelle le combat long et difficile qu’il faut encore mener pour changer les mentalités, au cinéma et ailleurs.

Trois Etés, (« Três Veroes »), film franco-brésilien de Sandra Kogut, 2019, 94 min., disponible en DVD.

24Sans avoir l’air d’y toucher, Sandra Kogut mène dans Trois Étés une satire assez féroce du Brésil contemporain, dénonçant avec subtilité les maux qui rongent celui-ci : corruption et perte du sens de l’État, clivages socio-ethniques et mépris de classe, cupidité et perte des valeurs.

25Le film se présente comme une sorte de fable dont l’héroïne, Mada, est majordome au service d’une riche famille blanche au paternalisme souriant. Elle pilote une équipe de domestiques à la peau foncée, avec un dynamisme et une bonne humeur inextinguibles, veillant à ce que les fêtes de fin d’année se passent au mieux pour ses employeurs et leurs invités, tout autant argentés et superficiels qu’eux, dans une luxueuse villa de bord de mer. C’est l’été, puisque nous sommes dans l’hémisphère sud, mais c’est surtout la saison des pluies, ce qui permet à Sandra Kogut de montrer un Brésil humide et houleux, aux couleurs verdâtres, loin des clichés paradisiaques. Nous assistons alors à la chute du père de famille, pris la main dans le sac et arrêté pour détournement d’argent public (allusion sans doute à l’opération Lava Jato, « Mains propres », qui eut lieu en 2017 et fit le lit de Jair Bolsonaro) ; la femme et le fils s’enfuient à l’étranger, où quelques avoirs sont cachés, abandonnant sur place non seulement leur mari et père, mais aussi son propre père, un vieux monsieur laissé aux bons soins de Mada.

26Les employés se retrouvent livrés à eux-mêmes dans la villa et, en attendant qu’elle soit saisie, décident d’y rester, inventant différentes façons d’en tirer parti pour continuer à en vivre. De fait, elle reste plus que jamais leur outil de travail. Cela va jusqu’à louer la villa à une équipe de télévision venant tourner un jeu assez abject où l’on exploite et met en scène la pauvreté et la frustration. Recrutée de manière impromptue pour participer au jeu, malgré son aspect un peu trop « typé », Mada avoue alors sa part de vérité d’enfant du Nordeste, région la plus déshéritée du pays, qui porte en elle la mémoire d’un drame terrible. La scène, pathétique, permet à Sandra Kogut de rappeler avec force à quel point le Brésil est clivé et ne se limite pas aux plages de Copacabana ou aux grigris des artistes du ballon rond.

27On peut peut-être reprocher au film un certain manque de rythme, qui découle en fait d’une temporalité étrange, un temps suspendu avant le retour à la normalité quand il faut quitter la villa. Peut-être aussi peut-on regretter que l’autrice n’aille pas complètement jusqu’au bout de son propos, par peur sans doute d’être trop didactique.

28Pour autant, le message est clair, quand, dans des scènes touchantes, le grand-père, un ancien professeur et fin lettré, se confie à Mada et se demande comment il a pu engendrer un fils aussi inculte et immoral. Belle métaphore d’un Brésil qui non seulement n’en a pas fini avec son passé colonial, mais encore s’est transformé, sous l’impulsion du néolibéralisme sévissant depuis les années 1980, en enfant dénaturé n’ayant plus guère de valeurs.

29La dernière scène, très belle, livre la « morale » de la fable. Mada et ses compagnons de galère fêtent une dernière fois le Premier de l’an ensemble dans le modeste appartement du grand-père. Celui-ci ne donne évidemment pas sur la plage où est tiré le rituel feu d’artifice. Pour en apercevoir quelques bribes, il leur faut se hisser tant bien que mal jusqu’à une lucarne. Au Brésil, comme ailleurs, les gens de peu ont le droit d’admirer les feux d’artifice, de loin.

EXPOSITIONS

Exposition Nuits électriques au MuMa, Le Havre, du 3 juillet au 1er novembre 2020.

30Cette année, le musée des Beaux-Arts du Havre a eu la bonne idée de décaler son habituelle exposition estivale jusqu’en novembre. Nuits électriques rassemble, sur le thème des éclairages publics, des pièces datant des années 1860 à 1914, et montre la façon dont les artistes se sont emparés de cette nouvelle technique pour l’intégrer à leurs paysages et en exprimer le potentiel visuel et artistique.

31Si l’éclairage des rues est une pratique très ancienne, il reste privé jusqu’au début du 19e siècle. C’est grâce à l’invention des becs de gaz que l’éclairage public commence à se propager dans les villes d’Europe. Puis, dans les années 1880, l’électricité prend peu à peu le relais. À Paris, les travaux haussmanniens favorisent cette nouveauté, longtemps réservée aux quartiers bourgeois ou commerçants. Pour valoriser cette amélioration du confort urbain, la ville de Paris commande au photographe Marville un recensement des réverbères, du plus simple à une seule lanterne, se dressant solitaire au coin d’une rue, aux plus ouvragés à cinq branches, décorant les places du Champ de Mars ou de la Concorde.

32On retrouve rapidement ces réverbères dans les tableaux de paysages urbains – Caillebotte le place au centre de la toile, dans sa Rue de Paris, temps de pluie (1877) –, mais aussi dans les paysages ruraux, comme dans le charmant tableau d’Anders Zorn, Pêcheurs de Saint-Ives (1888), où un jeune couple, adossé à un réverbère, contemple la mer. Le graveur Steinlen l’intègre dans ses lithographies : ses scènes de genre des quartiers populaires sont rendues inquiétantes par le chiche éclairage d’une maigre lanterne (Le Bouge, 1902).

33Dans la peinture, l’éclairage artificiel crée des effets de lumières et d’ombres : pour représenter la nuit, les peintres ont recours à toutes les nuances du bleu et privilégient les paysages au bord de l’eau où les lumières se reflètent, comme dans le superbe Nocturne de Jansson (1900) ; les quais de Seine, à Paris comme à Rouen, sont nombreux dans cette exposition, et plusieurs toiles sont consacrées à la représentation nocturne du port du Havre, comme cette toile de Claude Monet, Le Port du Havre, effet de nuit (1872).

34Car, bien sûr, la « fée électricité » permet à la vie nocturne de s’intensifier, à Paris comme ailleurs : Le Moulin rouge (1896) brille de tous ses feux artificiels sous le pinceau de Pierre Bonnard. L’Exposition universelle de 1900, en particulier, sera l’occasion d’une débauche d’effets spéciaux lumineux sur la tour Eiffel et sur les autres pavillons, comme le montre une collection de photos et de petits films consacrés à cet événement.

35Sur un thème à la fois technique et historique aussi précis, cette exposition réussit à donner un éventail riche et divers : on va de Paris à Berlin, en passant par Londres, Stockholm, New York ; les peintres pointillistes se font la part belle, mais aussi tous les procédés de reproduction de l’image, eaux-fortes et lithographies ; la photographie est très présente également, car elle est contemporaine de l’usage de l’électricité. On peut s’étonner toutefois que les organisateurs de cette exposition aient cru nécessaire de l’inscrire dans le cadre de « Normandie impressionniste 2020 » : d’impressionnistes, il y en a peu, et pour cause : un cartel précise qu’ils ne s’intéressaient guère à la nuit...

36Pour accompagner cet événement, un catalogue a été publié par le MoMa : toutes les pièces présentes au musée s’y retrouvent, dans des reproductions très acceptables. Mais le parcours de l’exposition n’est pas respecté, alors que sa scénographie est pourtant excellente. S’y ajoutent en revanche de nombreuses reproductions d’œuvres qui ne figurent pas dans l’exposition, ainsi qu’un chapitre littéraire contenant des extraits de poèmes et de romans : peut-on encore parler de catalogue ? Il s’agit néanmoins d’un très beau livre d’art.

37- Annette Haudiquet (dir.), Nuits électriques, Octopus/MuMA, 2020, 320 p., 200 ill.

Léopold Chauveau. Au pays des monstres, Musée d’Orsay, du 10 mars au 13 septembre 2020, et à La Piscine de Roubaix, du 7 novembre 2020 au 21 février 2021.

38On redécouvre peu à peu Léopold Chauveau (1870-1940), artiste et écrivain qui a laissé une trace sans doute modeste, mais singulière et faisant entendre une voix à nulle autre pareille.

39Chauveau mène d’abord une carrière de chirurgien, embrassée sans réelle vocation sous la pression de son père, qui fort heureusement n’étouffe pas sa fibre artistique. Malgré une vie familiale en apparence épanouie (sa femme Madeleine lui donne quatre fils), il se montre assez instable et insatisfait, et cherche un exutoire dans l’art, qu’il pratique en autodidacte (dessins, aquarelles et sculptures) à partir de 1905, guidé par son ami, le peintre nabi Georges Lacombe. Du profond d’une psyché inquiète naît alors tout un peuple de « monstres », créatures difformes, hybrides entre l’animal et l’homme, grotesques et émouvantes à la fois, d’une présence déconcertante.

40Chauveau expose, se fait peu à peu connaître de la scène culturelle parisienne et noue des amitiés durables avec de grands écrivains comme Roger Martin du Gard. Peut-être est-il en train de trouver une forme de paix ou d’accomplissement quand éclate la Première Guerre mondiale ?

  • 1 Cité dans : Marie-Pierre Litaudon, « Léopold Chauveau et ses “ histoires du petit père Renaud ” : C (...)

41Mobilisé comme médecin, Chauveau doit inlassablement recoudre et rapiécer, réparer l’irréparable, affronter quotidiennement la monstruosité de cette guerre. Il a de plus la douleur de perdre durant le conflit plusieurs êtres chers, dont son épouse et deux de ses fils (les deux autres mourront jeunes eux aussi). Son journal intime donne à entendre l’amertume et la révolte qu’il ressent face à « l’immense amoncellement des morts » qui « sont morts pour rien1 » (12 décembre 1918) ; il éprouve culpabilité et horreur face au scandale absolu de ces pères survivant à leurs fils envoyés au carnage. La guerre finie, il abandonne la chirurgie pour se consacrer à nouveau à l’art (il crée en particulier d’étonnants paysages fantastiques, désertiques, où évoluent d’étranges monstres biomorphes), mais surtout à l’écriture, afin de reprendre le dialogue avec ses fils disparus, notamment son préféré, le « petit Renaud », mort dans ses bras d’une septicémie alors qu’il venait de l’opérer. C’est ainsi que, durant les années 1920-1930, outre plusieurs romans, Chauveau publie des « histoires » pour la jeunesse, dont il assure le texte et les illustrations, qui lui valent la notoriété avant d’être oubliées. Il est vrai que, si Chauveau respecte les convenances du genre en mettant en scène des animaux, ceux-ci sont dotés de tous les travers monstrueux de l’humanité et que la fantaisie se mêle d’un féroce humour noir, par lequel les apparentes solidité et rationalité du monde des adultes sont mises en pièces. Nulle morale, guère de réconfort à l’issue de ces contes, où sous la cocasserie perce constamment l’effroi face à un univers cruel qui voit le fort manger le faible, l’enfant menacé sans cesse par de nombreux dangers. Chauveau assume pleinement la posture du conteur qui enchante son auditoire enfantin, mais aussi le prépare à la dure réalité d’une existence impitoyable, sinon tragique. Cependant, le rapport père/fils finit par s’inverser quand, dans l’ultime recueil, Les Deux font la paire (1937), le petit Renaud devient à son tour « raconteur » d’histoires pleines de malice et d’une vérité enfantine dont les parents devraient s’inspirer : ce sont eux qui ont tout à apprendre de leurs enfants. De fait, dans L’Histoire à l’envers, Renaud incarne le vœu de mort inconscient de Chauveau, quand il lui suggère une histoire commençant par la fin et s’achevant avant la naissance du héros. La boucle est bouclée : retour au néant dont on ne devrait pas sortir, eu égard à la laideur et à la brutalité du monde.

42Léopold Chauveau meurt en juin 1940, pendant l’exode, quand la monstruosité qui l’aura hanté toute sa vie déferle à nouveau. Il nous laisse une œuvre poignante et singulière, qui interroge notre (in)humanité.

43- Catalogue : Léopold Chauveau. Au pays des monstres, RMN/Grand Palais/Musée d’Orsay, 2020, 256 p., 200 ill., 40  €.

44- Léopold Chauveau, Paysages monstrueux, RMN, 2020, 304 p., 150 ill., 29 €.

45- Les œuvres pour la jeunesse sont peu à peu rééditées, notamment aux éditions La Farandole et La Joie de lire.

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Notes

1 Cité dans : Marie-Pierre Litaudon, « Léopold Chauveau et ses “ histoires du petit père Renaud ” : Cronos au cœur de l’invention », dans Strenae. Recherches sur les livres et objets culturels de l’enfance, n° 6, 2013, paragraphe 10. En ligne : <https://journals.openedition.org/strenae/1307>.

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Pour citer cet article

Référence papier

Anne Kienast, Frank Noulin et Jean-François Wagniart, « Les Cahiers recommandent… »Cahiers d’histoire. Revue d’histoire critique, 147 | 2020, 219-234.

Référence électronique

Anne Kienast, Frank Noulin et Jean-François Wagniart, « Les Cahiers recommandent… »Cahiers d’histoire. Revue d’histoire critique [En ligne], 147 | 2020, mis en ligne le 01 décembre 2020, consulté le 21 janvier 2021. URL : http://journals.openedition.org/chrhc/15398 ; DOI : https://doi.org/10.4000/chrhc.15398

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