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UN CERTAIN REGARD

Ni chaînes ni maîtres

Film de Simon Moutaïrou, 2024, 1 h 38.
Anne-Marie BIDAUD
p. 229-232

Texte intégral

1Les représentations de l’esclavage colonial ont, dès les origines du cinéma, figé des clichés indélébiles dans l’imaginaire des spectateurs, surtout aux États-Unis, au point de substituer à la réalité une vision gravement stéréotypée valorisant le monde des esclavagistes. Les images romanesques des grandes plantations, en même temps que celles, brutales et paternalistes, des esclaves noirs, devenues des référents incontournables, ont durablement altéré notre connaissance de « l’institution particulière », selon l’euphémisme de Thomas Jefferson. Beaucoup moins fréquents restent les films s’intéressant aux formes de résistance collective qui ont pourtant accompagné l’histoire de la servitude et transmettent une image moins caricaturale des esclaves : au lieu d’être d’éternelles victimes passives, ils deviennent alors actifs, déterminés à prendre leur vie en main. Amistad (1997, Steven Spielberg) par exemple, rappelle les incessantes mutineries à bord des navires transatlantiques, comme The Birth of a Nation (2016, Nate Parker), les nombreux soulèvements d’esclaves. Mais très peu de cinéastes se sont risqués à évoquer une forme d’action encore plus radicale, le marronnage, apparu dès le 16e siècle dans la colonie d’Hispaniola, quand des groupes d’esclaves fugitifs – cimarrones (sauvages, indomptés, en espagnol) – partirent s’installer dans des régions inaccessibles pour former des sociétés autonomes. Le terme se transforma en « marrons » dans les territoires français, et maroons chez les Anglo-Saxons.

2Aucun film grand public n’avait encore abordé ce sujet dans le cadre de la colonisation française avant le premier long-métrage de Simon Moutaïrou, réalisateur et scénariste franco-béninois. Son choix remonte à 2009, lorsqu’à l’occasion d’un voyage à l’île Maurice, il apprit l’histoire poignante du morne Brabant, masse rocheuse de 500 m. surplombant la mer, d’où se seraient jetés plusieurs dizaines de marrons préférant la mort à la soumission. S’ensuivirent alors deux années de recherches sur le marronnage auprès de spécialistes de ces récits de survie mal connus, qui confèrent une réelle légitimité historique au film. Ni chaînes ni maîtres s’inspire en effet d’événements qui seraient survenus vers 1750 dans ce qu’on appelait alors Isle de France, baptisée ensuite île Maurice (Mauritius) sous la domination britannique. Colonie française depuis 1715, elle fut rapidement absorbée dans le système de l’esclavage et des plantations sucrières, les plus rentables, mais aussi les plus harassantes pour les esclaves : le sucre, « une malédiction », murmure une jeune femme noire dans le film, renversant un sucrier d’argent d’un geste vengeur. Les séquences d’ouverture, brutales mais nécessaires, illustrent ce qu’était alors l’ordre colonial, son cortège de violences et d’humiliations respectant scrupuleusement la proportionnalité des sévices prévus dans les articles du Code noir (mentionné pour la première fois dans un film français). Les plans rapprochés sur les peaux luisantes, la sueur et le sang rappellent visuellement que l’esclavage dépossède les humains de leur corps, réduit à un simple outil de travail ou de jouissance. Le réalisateur délaisse vite ces aspects spectaculaires mais connus de l’esclavage pour insister sur la résistance silencieuse des victimes, qui conservent clandestinement leurs noms coutumiers, la connaissance de leurs origines géographiques et de leurs langues ; la plupart des dialogues sont d’ailleurs en langue wolof. Puis le point de vue narratif se déplace soudain, lorsque le héros s’enfuit de la plantation pour rejoindre sa fille, menacée de viol par le propriétaire blanc. Les prises de vue rapides et tremblées, caméra à l’épaule, épousent désormais la subjectivité des esclaves, suggèrent leur peur dans le monde inhospitalier de la forêt et de la nuit, en empruntant délibérément le registre esthétique des films de survie. Leur fuite se transforme en traque et eux-mêmes en gibier, avec l’apparition mortifère d’une chasseuse d’esclaves mercenaire, Madame La Victoire (inspirée d’un personnage réel), accompagnée de ses fils et de ses molosses, silhouette noire et glaçante, telle Hécate et ses chiens.

3Simon Moutaïrou s’aventure ici dans un univers pratiquement jamais vu au cinéma : celui des communautés de marrons que les fugitifs vont finalement rencontrer. Car les documents manquent sur ces isolats qui n’ont pu survivre qu’en restant invisibles et retranchés dans des zones impénétrables. On les mentionne parfois dans des récits de voyage ou des fictions, comme dans Paul et Virginie, roman également situé en Isle de France à la même époque, quand la jeune héroïne sauve une marronne famélique, pauvresse esseulée dont on ignore tout. Le réalisateur, lui, pallie ce manque de références par des séquences plausibles construites à partir de sources alternatives. Mais c’est surtout la séquence finale qui confirme la dimension pionnière du cinéaste lorsque, acculés par l’armée lancée à leur recherche, les fugitifs choisissent la mort par suicide collectif, dernier acte de liberté en même temps que réappropriation ultime de leur corps. Pratiquement inédites dans les réalisations consacrées à l’esclavage, ces images sans pathos, s’apparentant au dénouement d’une tragédie antique, dessinent des silhouettes sombres se détachant sur le ciel, progressant avec la lenteur d’un rituel sacrificiel pour se jeter en silence dans le vide et disparaître.

4On l’aura compris, cette œuvre novatrice réoriente foncièrement les représentations de l’esclavagisme dans le cinéma. Contemporain du renouveau de l’historiographie française sur ce sujet, Simon Moutaïrou contribue à l’émergence de pans entiers de la colonisation qui étaient restés l’angle mort de l’histoire. À l’instar des chercheurs qui s’intéressent dorénavant à « la voix des esclaves », il invente des images transmettant le ressenti des oubliés, redonne aux esclavagisés la dignité des rebelles et l’honneur des guerriers, tels des rôles-modèles pour tous les insoumis de la terre, comme le suggère le titre du film. Soutenu officiellement par la Fondation pour la mémoire de l’esclavage, ce film s’inscrit aussi dans une démarche mémorielle délibérée, qui a fait renaître un sentiment de fierté partagée dans tous les anciens territoires colonisés, aussi éloignés géographiquement soient-ils. Quelques recherches personnelles dans la presse ultramarine à la sortie du film le confirment : « hommage au marronnage » (Portail des Outremers), « film puissant au service de l’Histoire » (revue France-Antilles)… Par le prisme de la fiction cinématographique, cette œuvre majeure donne formes et contours neufs à une période encore brûlante de l’histoire et permet même d’ajouter un rectificatif substantiel au roman national.

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Pour citer cet article

Référence papier

Anne-Marie BIDAUD, « Ni chaînes ni maîtres »Cahiers d’histoire. Revue d’histoire critique, 162 | 2025, 229-232.

Référence électronique

Anne-Marie BIDAUD, « Ni chaînes ni maîtres »Cahiers d’histoire. Revue d’histoire critique [En ligne], 162 | 2025, mis en ligne le 24 avril 2025, consulté le 24 juin 2025. URL : http://journals.openedition.org/chrhc/25272 ; DOI : https://doi.org/10.4000/13wns

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Auteur

Anne-Marie BIDAUD

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