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LES CAHIERS RECOMMANDENT...

Les Cahiers recommandent…

Anne Kienast, Frank Noulin, Claude Robinot et Jean-François Wagniart
p. 209-221

Texte intégral

ROMAN

1Virginie Despentes, Vernon Subutex, Éd. Grasset, Tomes 1 à 3, 2015 et 2017.

2« Une vision du monde, un choix. Il ne s’agit pas d’opposer les petits avantages des femmes aux petits acquis des hommes, mais bien de tout foutre en l’air ». Virginie Despentes, King Kong Théorie (2006)

3Le tome 3 de la fameuse trilogie de Virginie Despentes vient de sortir en Livre de Poche, c’est l’occasion de revenir sur cette œuvre marquante.

4L’auteure de Baise-moi (1999) était déjà connue pour ses romans percutants, où des filles qui n’ont plus rien à perdre se lancent dans un règlement de compte sanglant face à une société qui prétend les soumettre. Un style agressif, une volonté de provoquer ont fait de Virginie Despentes une gloire médiatique, marquée par le scandale : c’était sa force et sa limite.

5Avec King Kong Théorie (2006), un essai féministe, son projet devient politique : partant de sa propre expérience du viol, de la prostitution et de la pornographie, elle s’interroge sur la sexualité et l’identité féminines, sur sa place dans une société violemment phallocratique. La première phrase en est restée célèbre : « J’écris de chez les moches, pour les moches, les vieilles, les camionneuses, les frigides, les mal baisées, les imbaisables, les hystériques, les tarées, toutes les exclues du grand marché à la bonne meuf. [...] C’est en tant que prolotte de la féminité que je parle... ».

6C’est avec Apocalypse Bébé (2010) que son écriture prend vraiment de l’ampleur et que sa créativité romanesque s’enrichit pour devenir une vraie satire sociale : une adolescente qui fugue et c’est tout un monde qui s’agite : petits rockeurs de banlieue, squatteurs, toxicos... Au gré de ses rencontres dans les marges de la société, la jeune Valentine va faire son éducation politique, et sexuelle aussi. Sa famille très bourgeoise embauche une jeune détective inexpérimentée, Lucie, qui va demander de l’aide à La Hyène, personnage qui doit son surnom à l’époque où elle « faisait les recouvrements » et où sa violence semait la terreur parmi les créanciers indélicats. Lesbienne revendiquée, devenue détective privée, sa carrière romanesque va se poursuivre dans Vernon Subutex. Ce tandem disparate part à la recherche de l’adolescente entre Paris et Barcelone. Ce qui fait la saveur du roman, ce sont les dialogues entre elles : La Hyène, gentiment ironique, fait découvrir à Lucie, médusée, le monde de la drague lesbienne et les arcanes du métier. « Putain, lui dit-elle, ça doit pas être facile d’être toi ».

7La trilogie Vernon Subutex repose sur les épaules – très fragiles – du héros éponyme, qui n’est rien moins qu’héroïque : dans le premier tome, Vernon est un disquaire en faillite, qui doit quitter son appartement dont il ne paie plus le loyer. Il sera hébergé chez différents amis ou connaissances, la plupart d’anciens clients. Il va se retrouver rapidement à la rue, sans chercher à lutter, dans un lent mouvement dépressif. Dans le deuxième tome, Vernon s’installe dans sa vie de clochard, qu’il préfère finalement. Il se fait de nouveaux amis, vagabonds ou marginaux, qui gravitent autour du parc des Buttes-Chaumont. Grâce à eux, il devient un SDF aguerri. Pourtant, l’ancien disquaire, dont les compétences musicales sont reconnues de tous, est rattrapé par ses anciens amis, qui se regroupent autour de lui. Ils organisent des soirées au Rosa-Bonheur, le bar du parc : on y danse, puis on entre dans une transe extatique, grâce aux playlists envoûtantes de Subutex – « passer des disques, ça a toujours été son truc ». Dans le troisième tome, ces soirées, appelées désormais « convergences », s’organisent à la campagne, à l’écart, et donnent lieu à une vie communautaire utopique autour du DJ, devenu le gourou du groupe. Mais rapidement, c’est la rupture : Vernon quitte le groupe, mal à l’aise dans ce nouveau rôle qui le dépasse et dont il ne veut pas. Le groupe se reconstitue à Paris, à l’occasion des « nuits debout ».

8On voit bien ce que Virginie Despentes a voulu faire de son personnage, un être attachant, qui se dépouille progressivement de tout, qui renonce à ce que l’argent procure : un toit qui protège, un travail qui asservit. Il adopte une vie en marge de la société, qui le rend finalement heureux.

9Autour de Vernon gravite une galerie foisonnante de personnages, qu’il serait vain d’énumérer. On peut dire toutefois qu’ils sont représentatifs de l’univers de Virginie Despentes : il y a les copains SDF des Buttes-Chaumont, comme Olga, au « caractère farouche », qui a une façon bien à elle de faire la manche ; il y a le monde du rock, avec le chanteur Alex Bleach, personnage trouble mort d’overdose et dont les fans recherchent des vidéos où il raconte sa lamentable histoire ; il y a des stars du porno comme Vodka Satana, qui a donné naissance à une jeune Aïcha, devenue musulmane radicalisée ; des transsexuel(le)s, un trader, des « fafs » qui tabassent les SDF...

10L’auteure donne sa chance à chacun, ne les juge pas, les fait parler, dans un savoureux discours indirect libre : chaque chapitre est vu à travers le point du vue d’un personnage, adoptant son style, son vocabulaire et ses pensées. Le lecteur est amené à les comprendre, à comprendre ce qui les a (dé)formés. Il n’y a ni bons ni méchants chez Virginie Despentes, mais des êtres à la dérive qui se rencontrent et agissent les uns sur les autres.

11Vernon est le personnage pivot et aussi un prétexte : il aspire à la solitude, mais il crée du lien entre les gens ; il est le reflet d’une société individualiste, qui cherche une nouvelle façon de vivre ensemble. Les êtres valent mieux que leur condition sociale étriquée et ont soif de collectif : ils se rassemblent lors de fêtes ou de manifs, ils s’organisent parfois en petites communautés, qui se dissolvent et se recomposent. Virginie Despentes nous parle d’utopie avec humour et sans trop d’illusions. Reste un style, unique : les formules font mouche, les mots percutent, l’écriture est un flot bouillonnant qui charrie des vies. Une expérience de lecture qui laisse une impression profonde et durable.

FILMS

12Carré 35, film franco-allemand d’Éric Caravaca, 2017, 67 min. Disponible en DVD.

13Qui peut mieux résumer son film, et également en expliciter la démarche, que l’auteur lui-même : « Carré 35 est un lieu qui n’a jamais été nommé dans ma famille : c’est là qu’est enterrée ma sœur aînée, morte à l’âge de trois ans, cette sœur dont on ne m’a rien dit, ou presque, et dont mes parents n’avaient curieusement gardé aucune photographie. C’est pour combler cette absence d’image que j’ai entrepris ce film. Croyant simplement dérouler le fil d’une vie oubliée, j’ai ouvert une porte dérobée sur un vécu que j’ignorais, sur cette mémoire inconsciente qui est en chacun de nous et qui fait ce que nous sommes... ».

14Au centre de cette disparition, on trouve, omniprésent dans le film, le personnage de la mère. Son rapport au passé est exemplaire : c’est elle qui détruit toutes les preuves de l’existence de sa fille Christine et qui réinvente l’histoire de cette famille. Elle pourrait paraître monstrueuse, mais Éric Caravaca, rejetant à l’avance les critiques imbéciles sur son film, insiste : « Je ne juge pas cette femme, qui est dans la souffrance. J’ai compris, en réalisant ce film, que ma mère est restée la petite fille de huit ans qui a perdu sa maman et à qui on a dit qu’elle dormait à l’hôpital. J’ai constaté que ma mère est restée aussi dans la souffrance de la perte de son frère Francisco, mort dans un accident de bateau. Quand mon fils Balthazar est né, ma mère a annoncé à tout le monde que François, prénom francisé de Francisco, était né. J’ai compris à quel point elle était restée la petite fille de huit ans en souffrance ».

15C’est aussi cette naissance qui justifie le voyage de Caravaca au pays des morts.

16Cette quête de vérité familiale doit se faire ensemble, même si malheureusement son père décède avant la fin du film. Pour cela, le réalisateur maîtrise sa démonstration et choisit les liens entre ses images : interviews des membres de sa famille, photos et films super 8 de ses parents, archives cinématographiques qui renvoient notamment à cette double tension, familiale et coloniale, propre à leur histoire et à l’histoire collective de la fin des années 1950.

17Pour la famille, il s’agit de fuir le destin, cette mort qu’elle n’a pas pu affronter et qui survient en Afrique du Nord, là où le corps délaissé repose. Cette période met également un terme à l’épopée coloniale, retrouvée dans les images de la propagande française, la fin d’un mythe qui a justifié tant d’atrocités, d’inégalités, de tortures, de violences, mais aussi de souvenirs agréables. On entre dans le temps de la séparation et encore de la négation, toujours marqué par la volonté de faire disparaitre les traces de l’autre, des deux côtés de la rive.

  • 1 Tourné en 1941 dans différents asiles et au centre d’extermination de Pirna-Sonnenstein, ce film d’(...)
  • 2 Sian Dave, Looking for Alice, 2015.

18Arrive alors une autre histoire, tout aussi insoutenable, celle de la différence, de la trisomie, celle de la petite héroïne sans visage, que l’on découvre dans le récit, mais surtout celle de son rejet, de son exclusion, encore une raison de la nier. Pour montrer l’indicible, l’auteur se sert de deux références opposées : un extrait du documentaire nazi Dasein ohne Leben (Existence sans vie)1 et les photographies de Sian Davey, dont la fille est atteinte par le syndrome de Down (trisomie 21)2.

19Justifiant le massacre planifié des innocents déclarés trop coûteux et inutiles à la société, Dasein ohne Leben a été produit par les responsables du programme d’euthanasie T4 pour convaincre les individus impliqués dans celui-ci que la mise à mort des malades mentaux constituait une procédure humaine et éthique leur apportant, comme l’affirme la fin du synopsis, « la délivrance et la rédemption ». Malgré la violence voulue volontaire de ces images et l’idéologie de rejet qu‘elles sont censées refléter, malgré elles, la vulnérabilité attendrissante de ces êtres fragiles voués à la mort nous pénètre profondément.

20À l’opposé, Sian Davey, psychothérapeute, a vaincu son inhumanité. Elle a décidé de photographier sa fille chaque jour, pour apaiser ses inquiétudes et apprendre à la regarder au-delà de sa maladie et de son étrangeté. C’est en admettant cette singularité que Sian a réussi à accepter ce « bébé imparfait », à vaincre ses angoisses et ses préjugés, à « faire la lumière sur eux », en la photographiant. La peur s’est alors dissoute et la famille rassemblée.

21C’est sans doute ce qui a manqué à la mère de Caravaca, l’impossibilité d’accepter sa fille malgré son humanité, d’apprivoiser ses peurs. Sa réaction est à l’image d’une société toujours incapable d’accepter l’imperfection, de respecter les êtres marqués par leur maladie ou leur âge, de ne voir que la honte et le coût qu’ils représentent. Cela explique la destruction des photos de sa fille, l’effacement de toute représentation.

22L’enquête de Caravaca nous captive et déroule sa toile infinie, qui nous entraîne dans les recoins d’un passé enfoui. Il retrouve la tombe de Christine dans la partie française du cimetière de Casablanca. En se rendant au Maroc, il retrouve les lieux de cette enfance qui semblent receler une part importante du secret familial. Il recherche inlassablement dans les films de famille, les pièces d’état civil, pour contrecarrer les affirmations abruptes de sa mère, devenues pour elle des certitudes. Il revient à son père, qui semble avoir tout effacé de ce drame, jusqu’à l’âge de la mort de Christine. Comment masquer cette fragilité terrible, la peur d’un vide jamais rempli qui s’accentue face à la mort ? Celle de ce père que le réalisateur filme mort avec beaucoup de pudeur.

23Il trouve enfin la clé pour sortir de ce cet enfer familial. Derrière les images de jeunesse de ses parents, qui s’égrainent en distillant l’atmosphère encore mélancolique et attendrissante du super 8, derrière les jours heureux du mariage, de l’amour, des vacances, les témoins se libèrent et la vérité du drame apparaît enfin. La mort peut alors être directement évoquée avec les terrifiants – et à la fois fascinants – cadavres momifiés des catacombes de Palerme. Ce rappel de la finitude humaine, telle que Francesco Rosi l’avait déjà utilisée dans son film Cadavres exquis (1976), s’oppose magistralement au déni de la mort et à l’oubli des défunts.

24La mère, restée seule, domine encore tout, ou du moins le prétend, dans un déni continuel et saisissant qui se craquelle progressivement sous les arguments d’Éric. À aucun moment il ne la rejette. Il l’accompagne dans ce voyage nécessaire dans le passé, jusqu’au retour ensemble au pays du carré 35, jusqu’à l’apaisement et la réconciliation.

25C’est la force transgressive et heuristique de Carré 35 que de voyager dans le temps et l’espace, à travers les événements familiaux et la mémoire collective. En mettant en parallèle les expériences, les rejetés de l’histoire (les colonisés, les malades mentaux), il nous incite à l’optimisme, à la reconquête d’une véritable humanité dans le partage de cette histoire commune et universelle. Merci à Caravaca de nous permettre enfin d’affronter nos propres démons et de ne pas oublier les morts et les vivants.

26La guerre civile n’aura pas lieu : Pour le réconfort, un film français de Vincent Macaigne, 2017, 91 min. Disponible en DVD.

27Vincent Macaigne ne nous ménage guère dans ce film, inabouti à certains égards mais très stimulant et, à rebours de son titre trompeur, ironique, grandement inconfortable. En effet, il trace ici le portrait saisissant d’une France que rongent la haine entre les classes, la frustration, le vieillissement et la mort. La mise en scène est abrupte mais prenante, même si l’on peut critiquer une théâtralité parfois outrancière, qui peut nuire à la force du propos. Les cadrages audacieux s’emparent des personnages dans leur âpre vérité de corps parlants ; la lumière hivernale, granuleuse, un peu « sale », dans laquelle baigne tout le film, nous donne à voir un pays décoloré, délavé, où les relations humaines s’épuisent dans un jeu mécanique et vain, où les rêves ne sont plus que des songes dérisoires.

28L’intrigue s’inspire librement de La Cerisaie de Tchékhov. Pascal et sa sœur Pauline reviennent en Orléanais pour vendre le domaine familial après avoir dilapidé l’héritage de par le vaste monde. Nos cigales, pas très chagrinées, retrouvent avec ennui, voire un léger dégoût, leurs « amis » d’autrefois. La bourgeoisie mondialisée n’a que faire de ses racines, voire méprise le terroir auquel elle doit sa fortune et son bien-être. Pauline conserve cependant une certaine sensibilité à l’égard d’autrui, par sentimentalisme effrayé plus que par véritable empathie sans doute, et ne manque pas de lucidité quand, dans un magnifique monologue en regard-caméra, elle exprime sa tristesse profonde face à ce qu’ils sont tous deux devenus, aux promesses non tenues, notamment par Pascal. Celui-ci se révèle profondément arrogant et égoïste, et aussi, comme le craint Pauline, creux, desséché, intérieurement déjà mort.

29Les retrouvailles entre nos deux bourgeois égocentriques et leurs « amis » d’antan donnent vite lieu à une confrontation intense et tournent même au pugilat. Le ressentiment de ceux qui, moins fortunés, sont restés trimer dans ce bout de province blafard s’exprime avec une rage par moments inouïe, en particulier chez Emmanuel, prolétaire mué en entrepreneur acharné qui exploite l’ultime richesse, l’« or gris » des « petits vieux », de plus en plus nombreux dans une société vieillissante, et manifeste une jouissance sans bornes quand il évoque le saccage du domaine qu’il entend racheter. Ce « retour du refoulé » sauvage – un flot d’imprécations, d’invectives, de gestes furieux – ne suscite en réaction qu’un surcroît d’arrogance stupide, de mépris de classe. Pascal réaffirme son appartenance à une aristocratie « de naissance », depuis des générations, alors que cet Emmanuel pétri de rancœur, qui s’évertue à lui rappeler que les richesses sont produites par des travailleurs comme lui, restera à jamais un « pauvre » sous ses oripeaux de parvenu. La bourgeoisie, soulignait Barthes dans Mythologies, présente comme « naturel » et « ancestral » cet « ordre des choses » qui lui est tant favorable.

30Le constat semble amer. Les logorrhées tournent à vide, l’affrontement ne se produit que par bourrasques de violence entrecoupées d’accalmies forcées, le conflit n’est pas résolu. Les « amis » se séparent, chacun restant englué dans ses positions sans avoir la force ni la volonté de crever définitivement l’abcès. La guerre civile pointe – dans les esprits, les paroles, les gesticulations – mais, pour parodier Giraudoux, pas plus que la guerre de Troie, elle n’aura lieu.

EXPOSITIONS

31Gustave Courbet et la Fédération des artistes sous la Commune

32Le musée d’Ornans, ville natale de Courbet, organise régulièrement des expositions thématiques autour du peintre. Celle qui s’est tenue du 23 décembre 2017 au 23 avril 2018 s’intitulait : Gustave Courbet et la Fédération des artistes sous la Commune. La presse versaillaise, poursuivant la tradition de caricatures des journaux conservateurs hostiles au naturalisme, tout autant caricaturale que les journaux conservateurs lorsque ceux-ci s’attaquaient au naturalisme, a imposé dans la mémoire l’image de Courbet destructeur de la colonne Vendôme. L’exposition est une excellente occasion de dépasser ce cliché réducteur.

33L’action de Gustave Courbet commence dès la proclamation de la République, le 4 septembre 1870. Jules Simon, pour le compte du gouvernement de la Défense nationale, confie au peintre la présidence d’une « Commission pour la protection des musées nationaux ». L’objectif est de protéger les musées et les œuvres d’art des bombardements et des pillages. Courbet intervient pour éviter que le château de Versailles soit utilisé comme hôpital militaire. L’évolution du conflit interrompt l’action de la commission, qui cesse de se réunir en janvier 1871.

34La proclamation de la Commune, deux mois plus tard, crée un tout autre contexte. Courbet, membre de la Commune et délégué à l’Instruction publique, organise les artistes parisiens en fédération autonome : « Tous les corps d’état se sont établis en fédération et s’appartiennent. C’est moi qui ai donné le modèle avec des artistes de toutes sortes ». À côté des peintres et des sculpteurs siègent aussi des architectes, des caricaturistes, graveurs et décorateurs (Daumier, Gill, Dalou et Corot en seront membres). Cette ouverture à l’ensemble des arts marque la volonté de rompre avec la hiérarchie des genres et le mépris des « arts mineurs ». L’égalité entre artistes est un principe affirmé, comme la volonté d’assurer leur indépendance vis-à-vis de l’État. Dans cet esprit, Courbet et ses amis proposent la suppression des académies, de l’école de Rome et des prix. Les musées et le patrimoine sont sous leur protection. Enfin, Courbet souhaite que les arts soient enseignés et contribuent à la régénération de la nation. Ce programme, balayé par Versailles, demeure comme un manifeste.

35Les œuvres d’Édouard Manet, Henri-Alfred Darjou, Léopold Flameng et Armand-Désiré Gautier racontent avec émotion, sans grandiloquence, avec les simples moyens du dessin et de l’aquarelle, ce que furent la Semaine sanglante, les exécutions sommaires – dont celle de Varlin – et les emprisonnements. Quel contraste avec l’emphase haineuse de la mise en scène des pétroleuses et incendiaires ! À Sainte-Pélagie, où il est emprisonné, Courbet peint un autoportrait. Il y revendique son statut d’enfermé. L’œuvre, jugée provocatrice, est refusée par le salon.

36La Commune trouve un écho persistant dans la peinture. Maximilien Luce, trente ans après, en évoque la tragédie. Pissarro et Seurat en sont aussi les héritiers, par leur attachement aux idées anarchistes.

37Un catalogue portant le titre de l’exposition a été édité par www.SilvanaEditoriale.it (12€).

38Le musée d’Orsay a consacré en 2000 une exposition à Courbet et la Commune. Un catalogue avait aussi été édité.

39Voir également Bertrand Tillier, Thomas Schlesser, Courbet face à la caricature, le chahut par l’image, Kimé, Paris, 2007.

40Mai 68 est un langage : Images en lutte, la culture visuelle de l’extrême gauche en France (1968-1974).

41Une exposition tenue au Palais des Beaux-Arts de Paris, du 21 février au 20 mai 2018.

42En ces temps de tourisme mémoriel, nouvelle manie des médias de masse, efforçons-nous de dépasser la vision trop souvent ressassée qui réduit la contestation jaillie en mai 1968 à une explosion de violence, juvénile et irrationnelle : pavés, barricades, empoignades furieuses au Quartier latin… Ces événements, malgré leur importance incontestable, ne résument pas à eux seuls, loin s’en faut, le « joli mois de mai », souvent plus fantasmé que réellement compris. Car Mai 68 (comprendre le mouvement, l’époque qu’on subsume sous cette appellation commode) fut surtout une prise de parole torrentielle, par laquelle frustrations, aspirations, espérances pouvaient enfin s’exprimer, dans leur plénitude revendicative et utopique, par tous les moyens possibles : débats et meetings passionnés, tracts et journaux à profusion, affiches fleurissant sur les murs… Dans les rues comme dans les amphithéâtres, les usines comme les bureaux, à la Sorbonne et à l’Odéon, les Français se rappelèrent qu’ils étaient des animaux doués de parole. Après dix ans de gaullisme triomphant, il était temps. Allons plus loin : le « moment 68 », dans son ensemble, constitua un langage nouveau, plein de bruit et de fureur, que ni le reste de la société ni le pouvoir ne pouvaient comprendre, tant ceux-ci parlaient encore un idiome archaïque.

43C’est là le grand mérite de cette riche exposition : nous restituer la langue de Mai 68 et des années contestataires qui suivirent, à travers son aspect « visuel ». En effet, une des caractéristiques fortes de ce langage était de ne pas se satisfaire des usages banals de la parole et de recourir à l’image sous toutes ses formes, pour mieux se dire et se faire entendre. Artistes et créateurs vinrent se mettre au service des luttes, donnant naissance à cette étonnante floraison graphique que l’exposition nous invite à (re)découvrir.

44Au départ du voyage se trouvent sur trois hauts murs les fameuses affiches dues à l’« Atelier populaire » des Beaux-Arts, dont les slogans claquent toujours fièrement malgré le vent mauvais de l’histoire. Le visiteur reste confondu par leur inventivité et leur efficacité redoutable, ainsi que par leur intemporalité assez sinistre, quand elles brocardent les médias (La voix de son maître) ou dénoncent le mépris envers la jeunesse (Sois jeune et tais-toi). Une belle entrée en matière, même si on peut critiquer le choix de ne commencer le parcours qu’en 1968, car, quelle que soit sa force singulière, ce mai colérique n’est qu’une étape, certes majeure, de la décennie contestataire (1965-1975).

45Puis la section « L’ailleurs fantasmé » évoque l’influence, voire la fascination exercée sur les activistes français par divers mouvements révolutionnaires (ou perçus comme tels) du monde entier, de Cuba à la Chine, des Black Panthers au Chili. Partie de l’exposition pleine d’intérêt mais, de même que dans la partie suivante, certains documents assez peu explicites et l’absence de cartels explicatifs rendent peu intelligibles les phénomènes évoqués pour le visiteur qui ne dispose pas de la culture historique nécessaire.

46Enfin, la dernière section s’attache aux nombreuses et fécondes luttes menées en France à l’orée des années 70. Si on retrouve avec bonheur (sinon nostalgie) les combats exemplaires des Lip et du Larzac, présentés trop succinctement, ou l’effervescence féministe, encouragements pour notre temps, l’effroi vient aussi de constater à quel point notre société souffre toujours des mêmes maux irrésolus : inégalités et injustice, mépris de classe, ressentiment.

47C’est la leçon finale de cette exposition stimulante : souligner combien les luttes du présent s’enracinent dans celles du passé. Sans la joie ni la vigueur de Mai 68.

48Catalogue : Philippe Artières, Éric de Chassey (dir.), Images en lutte, préface de Jean-Marc Bustamante, Flammarion, Paris, 2018, 800 p., 49 €.

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Notes

1 Tourné en 1941 dans différents asiles et au centre d’extermination de Pirna-Sonnenstein, ce film d’Hermann Schweninger, directeur de la GEKRAT (transports des malades), est inachevé. Il fut montré en décembre 1942 à un petit groupe de médecins militaires, mais finalement abandonné et stocké secrètement. Toutes les copies furent détruites à l'exception d'une, découverte en 1990 dans les archives des anciens services de sécurité est-allemands à Potsdam. Voir Michaël Tregenza, Aktion T4, le secret d'État des nazis : l'extermination des handicapés physiques et mentaux, Calmann-Lévy, 2011.

2 Sian Dave, Looking for Alice, 2015.

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Pour citer cet article

Référence papier

Anne Kienast, Frank Noulin, Claude Robinot et Jean-François Wagniart, « Les Cahiers recommandent… », Cahiers d’histoire. Revue d’histoire critique, 138 | 2018, 209-221.

Référence électronique

Anne Kienast, Frank Noulin, Claude Robinot et Jean-François Wagniart, « Les Cahiers recommandent… », Cahiers d’histoire. Revue d’histoire critique [En ligne], 138 | 2018, mis en ligne le 01 juin 2018, consulté le 25 septembre 2018. URL : http://journals.openedition.org/chrhc/6760

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