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Bande dessinée et culture matérielle : dossier complémentaire

Entretien avec Nicole Rousmaniere, curatrice de l’exposition « The Citi Exhibition Manga マンガ »

Bounthavy Suvilay

Résumé

Le British Museum a accueilli la plus grande exposition de manga en dehors du Japon du 23 mai au 26 août 2019. L’une des trois curatrices, Nicole Rousmaniere, a accepté de répondre à nos nombreuses questions sur la mise en scène du manga, de la planche et des dessins originaux dans un contexte particulier où il faut à la fois poursuivre la politique de préservation des œuvres et attirer un nouveau public avide d’images « instagramable ». Elle nous explique comment son équipe a tenté d’exposer des objets initialement destinés à être lus, des dessins destinés à n’être qu’une étape intermédiaire avant l’impression de la planche, des productions culturelles originalement destinées à un public local.

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Notes de la rédaction

Propos recueillis le 8 mai 2019 à Londres. Traduits de l’anglais par Bounthavy Suvilay. Le présent entretien fait partie du dossier documentaire de la thématique « Bande dessinée et culture matérielle » et, à ce titre, n’a pas fait l’objet d’une relecture par les pairs.

Texte intégral

1Le British Museum a accueilli la plus grande exposition de manga en dehors du Japon du 23 mai au 26 août 2019. Plus de 50 auteurs, 70 séries et 160 œuvres sont présentés dans l’enceinte du prestigieux musée. La scénographie adoptée permet de montrer la grande diversité matérielle de la bande dessinée : planches originales (genga), copies digitales agrandies, magazines, livres de poche, éditions numériques. Les projections murales (permettant de donner l’illusion d’être dans une librairie japonaise) ou la possibilité de faire un selfie (avec des filtres transformant la photo en case de manga) côtoient des dessins originaux placées sous une épaisse protection, des sculptures contemporaines et un gigantesque rideau de théâtre kabuki datant du XIXe siècle. L’exposition vise explicitement un public de 15 à 25 ans sans toutefois s’aliéner le public habituel du musée. Enfin, de nombreuses vidéos présentent les artistes en plein travail, donnent la parole à divers employés des maisons d’édition, exhibent les différents aspects économiques et sociaux liés au manga.

2L’une des trois curatrices, Nicole Rousmaniere, a accepté de répondre à nos nombreuses questions sur la mise en scène du manga, de la planche et des dessins originaux dans un contexte particulier où il faut à la fois poursuivre la politique de préservation des œuvres et attirer un nouveau public avide d’images « instagramable ». Elle nous explique comment son équipe a tenté d’exposer des objets initialement destinés à être lus, des dessins destinés à n’être qu’une étape intermédiaire avant l’impression de la planche, des productions culturelles originalement destinées à un public local.

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Couverture du catalogue de l’exposition. Illustration : Noda Satoru, Golden Kamuy, 2014-

© Satoru Noda /SHUEISHA

Exposer le manga au British Museum

Dans quelle mesure avez-vous rencontré des difficultés à mettre en place une exposition sur un objet artistique peu reconnu dans une grande institution comme le British Museum ?

Cela n’allait pas de soi mais le British Museum est un musée des civilisations et nous collectionnons des mangas quoi qu’il arrive car il s’agit d’objets témoignant d’une culture. Du coup, les enjeux sont différents d’un musée comme le Louvre qui est avant tout un musée des Beaux-Arts. Ici, l’accent est mis sur les aspects archéologiques et anthropologiques, même si, évidemment, la plupart des gens préfère que l’on expose de « beaux » objets d’art.

Toutefois, la plupart des gens du British comprennent l’importance du manga. Bien sûr, certains collègues se demandent sans doute encore pourquoi nous présentons des bandes dessinées. Mais les directeurs du musée nous soutiennent et ils ont lancé des études de marketing qui se sont révélées très positives. Ce que nous essayons de faire c’est de ramener la génération Z au musée. Nous souhaitons attirer un public plus jeune que celui qui vient habituellement. C’est aussi pourquoi cette exposition ne ressemble pas tout à fait aux manifestations habituelles du British.

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Couverture de Hoshino Yukinobu, Professor Munakata’s British Museum Adventure, British Museum Press, 2011

© YUKINOBU HOSHINO/SHOGAKUKAN INC.

L’exposition se décompose en 6 zones. Comment les avez-vous conçues et quel type de trajectoire avez-vous prévu pour le public ?

Les zones sont toutes au centre de l’espace d’exposition et la zone 5 correspond à l’espace liminaire qui les entoure. Dès le début, nous souhaitions une zone pour montrer comment lire, créer et éditer un manga. Il s’agit de donner aux visiteurs les outils pour apprécier le médium. Puis, la zone 2 est consacrée à l’histoire et aux différents formats. La zone 1 correspond en quelque sorte à l’école primaire et la zone 2 équivaut au secondaire. Après ces deux espaces, le visiteur est beaucoup plus libre d’aller où il veut. Mais il était vraiment important de commencer par ces deux zones pour capter l’attention dès le début.

Ensuite, nous avons tenu à ce qu’il ait un espace de lecture car beaucoup de gens nous ont dit que le manga est quelque chose qui se lit et non un objet qui se regarde. C’est pourquoi il y a non seulement de vrais mangas sur des étagères mais aussi la projection murale d’une véritable librairie japonaise pour que les visiteurs se rendent compte du lieu où le manga est acheté et lu dans son pays d’origine. Il était important que l’on puisse au moins tenir l’objet entre les mains. Et comme aujourd’hui le manga est numérique, nous avons demandé aux éditeurs (Viz Europe, Kodansha et Shogakukan) de fournir des QR codes à scanner avec le téléphone portable afin de guider les visiteurs vers des applications et des portails où lire des mangas en ligne. De cette manière vous pouvez voir toutes les formes matérielles du manga.

La zone 3 est consacrée aux différents genres du manga avec une présentation de différents thèmes. Puis la zone 4 présente les liens entre le manga et la société japonaise pour que le public comprenne ce qui alimente la passion pour ces bandes dessinées et comment elle se manifeste : Comiket, dôjinshi, etc. La zone 5 est située autour de ces zones et la zone 6 correspond à la fin de l’exposition. Nous avons ainsi élaboré un parcours progressif qui correspond à peu près au trajet du visiteur dans l’exposition.

Vous êtes-vous inspiré des mises en scène d’autres expositions ?

Nous avons effectivement regardé ce qui a déjà été fait ailleurs, que ce soit l’exposition « Hokusai x Manga » de Hambourg, la « Cool Japan exhibition » de Leyde, ou les expositions japonaises pour les 30 ans de Jump. Nous en avons vu beaucoup et nous avons retenu certaines idées. Toutefois le British Museum possède sa propre manière de scénographier les manifestations. Nous collaborons aussi avec de multiples équipes de designers 2D et 3D qui sont extérieurs au musée. Ils ont également apporté leurs idées et nous avons ainsi mélangé nos envies et sélectionné les meilleures idées par rapport aux possibilités offertes. Par exemple, la manière de montrer les genga (planches originales) en les fixant avec des aimants est une idée des designers et les Japonais semblent l’apprécier.

Il faut aussi rappeler que le British Museum est responsable de toute potentielle détérioration et nous prenons donc toujours soin de ne pas faire quoi que ce soit qui puisse endommager les objets prêtés. Par exemple pour les céramiques, même si l’artiste nous demande de les poser, nous ne pouvons pas les placer simplement sur une étagère peinte. Quand bien même la peinture est sèche depuis longtemps, nous ne pouvons pas prendre le risque que celle-ci adhère à l’objet. Nous devons ajouter un élément pour le protéger. De plus, même si l’artiste nous demande d’empiler les objets directement les uns sur les autres, nous ne pouvons pas le faire sans ajouter de petites protections entre eux. Nous devons toujours penser à la protection des œuvres et c’est pour cela que les genga restent intacts et sont seulement maintenus par des aimants pour ne pas modifier l’objet.

Importance des dispositifs vidéo

Plusieurs films sont diffusés dans l’exposition. Comment avez-vous conçu leur contenu documentaire ?

En fait, nous avons une formidable équipe vidéo ! J’avais déjà travaillé avec eux pour une exposition consacrée à la porcelaine japonaise Kakiemon. Nous nous étions rendus dans la province d’Arita pour tourner un documentaire immersif sur le processus de création. Je me suis alors rendu compte de leur grande compétence et nous les avons mis à contribution pour cette exposition sur le manga. Nous étions d’accord pour filmer un maximum de choses à Tokyo et au Comiket. Nous avons également obtenu l’autorisation de filmer les maisons d’édition avec des responsables en plein travail, des artistes en train de dessiner, et même notre traducteur.

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Higashimura Akiko Princess Jellyfish (Kuragehime),2008-2017

© Akiko Higashimura / Kodansha Ltd.

Pourquoi était-il important de filmer le Comiket et les cosplayeurs ?

  • 1 https://hyperjapan.co.uk

Nous pensons effectivement qu’il était nécessaire d’intégrer le Comiket dans une exposition sur le manga. Uchida Hiromi a réalisé la plupart des films en décembre 2018. Elle s’est rendue au salon où il y a eu une affluence de plus de 600 000 personnes en trois jours. Pour moi, un rassemblement de plus d’un demi-million de personne pour acheter des bandes dessinées amateurs est un véritable événement. Bien sûr, il y a des manifestations du même type dans d’autres pays, mais elles n’ont ni la même ampleur ni la même atmosphère. La plupart du temps il s’agit surtout de salons très commerciaux et vous ne pouvez pas ressentir la passion des artistes ou dialoguer avec eux. Nous voulions présenter le Comiket pour montrer qu’il s’agit d’un rassemblement de la jeunesse, qu’il concerne non seulement les mangas, mais aussi les anime, les jeux vidéo. Nous voulons montrer les effets de convergences de ces pratiques de loisirs. Ici à Londres, les gens ne connaissent que le salon Hyper Japan1. Mais cela n’est vraiment pas comparable avec le Comiket. Nous sommes très heureux d’avoir pu intégrer les propos de l’un des responsables de la manifestation dans le court métrage.

D’autre part, le cosplay est vraiment un phénomène avec lequel les gens entrent en résonance. Nous avons même rencontré le créateur du World Cosplay Summit à Nagoya qui réunit des cosplayers venus du monde entier. Il est vraiment incroyable ! Nous nous sommes dit que c’était un aspect vraiment divertissant et qu’il était important de l’inclure dans cette exposition. En fait, nous demandons aux visiteurs de vraiment s’investir dans la visite, de lire et écouter les différents éléments que nous proposons. Ils doivent vraiment faire une grosse partie du travail pour apprécier le manga. Du coup, mettre ces éléments plus légers après les zones plus sérieuses où l’attention est très sollicitée constitue une forme de récompense. Ensuite si les gens n’aiment pas le cosplay, ce n’est pas grave. Ils ne sont pas obligés de regarder le film. La seule chose à laquelle nous tenons vraiment est qu’ils soient attentifs aux deux premières zones. Après cela, ils ont un parcours plus libre et peuvent aller s’attarder sur ce qui les intéresse le plus.

Vers la fin du parcours, nous présentons également les films de Ghibli dans une sorte de fausse sortie. Initialement, vous voulions proposer les 22 films à voir sur des tablettes mais après de longues négociations avec Ghibli nous nous sommes mis d’accord sur un autre dispositif et nous avons à disposition un documentaire qui s’intègre vraiment bien à l’exposition. Nous tenions à finir avec Ghibli car ici en Angleterre, les gens découvrent la culture japonaise par ces films. Ils en voient un et sont intéressés pour en voir d’autres, puis des anime et des mangas. Il était donc intéressant de finir l’exposition par une zone qui correspond à ce que les gens connaissent le plus avant de repartir dans leur quotidien. Ce retour au début est similaire à ce qui se produit dans Alice au pays des merveilles. Mais comme dans la nouvelle, le lapin vous guide ailleurs. En faisant le tour vous arrivez au véritable épilogue de l’exposition avec des dessins réalisés spécifiquement pour cette manifestation. Puis, sur le trajet de sortie, il y a le dispositif « manga me » où vous devenez un élément d’une case de manga, vous repassez dans un couloir et vous arrivez devant la librairie du British où vous pouvez acheter des mangas. Nous avons acheté beaucoup de séries et il y a même des mangas en japonais.

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Hoshino Yukinobu, Alice,1985

© YUKINOBU HOSHINO/SHOGAKUKAN.INC

Il y a des entretiens vidéo avec des auteurs et des éditeurs mais pourquoi ne pas être allé plus loin en présentant les autres intermédiaires dans la chaîne de production d’une œuvre ?

Nous avons essayé de présenter quatre éditeurs différents et les personnes filmées occupent des postes différents : le juriste, le responsable éditorial, l’éditeur principal et le président d’une maison d’édition. Mais nous avons également filmé la société s’occupant du lettrage des mangas pour Shogakukan. Bien sûr, selon les éditeurs, les méthodes de lettrage sont différentes mais nous étions très intéressées par le lettrage et les trames. D’ailleurs suspendues au plafond, il y a plusieurs panneaux qui représentent des onomatopées, des trames, des éléments expressifs que l’on trouve dans les mangas. Leur conception a été confiée à un jeune artiste londonien, Shangomola Edunjobi. Il vient de remporter le deuxième prix de création de manga lors du Japan International MANGA Award organisé par la Japan Foundation. Il est notre curateur pour les trames. Il les a dessinées et nous les exposons ainsi au-dessus des œuvres japonaises. De cette façon nous ajoutons une autre forme de dialogue entre les générations et les cultures.

Vous montrez la convergence des médias par le biais des anime diffusés sur les écrans et les jeux vidéo. Pouvez-vous nous parler de leur sélection ?

Je pense que nous avons énormément d’anime diffusés dans l’exposition. Nous débutons bien sûr avec Osamu Tezuka et Tetsuwan Atom. Nous avons de vieux épisodes de Dragon Ball et de plus récents. Il y a du Pokémon, Naruto, Sailor Moon. Mais j’avoue que celui que j’aime vraiment est Posessions (Tsukumo 九十九) de Shuhei Morita.

En fait, nous voulions baser l’exposition sur cette idée de convergence mais mettre ensemble le manga, l’anime et le jeu vidéo nous demandait vraiment un travail colossal et nous n’avions pas assez de temps pour concevoir et finaliser un tel projet. De plus, notre public ne connaît pas très bien le manga. Au Japon, la progression habituelle va du manga aux anime puis au jeu tandis qu’ici la plupart des jeunes jouent d’abord aux jeux vidéo, puis parfois ils se mettent à regarder des anime voire dans des cas plus rares à lire des mangas. La progression est totalement inversée. Du coup, nous avons pensé que l’impact d’une exposition serait amoindri si nous mélangions les trois médias. Nous ne voulions pas risquer de diluer le message autour du manga. Malgré tout nous avons beaucoup d’anime pour rendre l’exposition plus vivante et pour être honnête beaucoup de gens connaissent le manga par ce média. Nous aurions voulu montrer plus d’extraits et de séries. Par exemple, nous n’avons pas pu inclure Saint Seiya par manque d’espace.

Mise en valeur des différents formats japonais

Le manga étant un récit sériel se développant sur plusieurs dizaines de tomes, comment avez-vous sélectionné les planches ?

Nous avons beaucoup réfléchi à ce problème et nous avons essayé de faire en sorte que les images sélectionnées soient vraiment représentatives pour chaque titre. Bien sûr, il y a une brève description de l’œuvre à côté des dessins et une description plus longue dans le catalogue. D’ailleurs nous avons organisé les choses un peu différemment dans le livre par rapport à l’exposition. Nous pensons que si le descriptif donne un minimum de contexte et si l’image est bien choisie vous aurez envie à lire la suite. Nous cherchons à vous donner l’habileté de lire un manga, à vous présenter des histoires et à vous aider à trouver celles que vous pourriez aimer pour qu’ensuite vous alliez lire la série.

En parlant de format, allez-vous présenter les différentes catégories ?

Parfaitement ! Nous avons aussi bien des volumes reliés (tankōbon) que des magazines disponibles dans la bibliothèque : Flowers, Shōnen Jump, Big comic Nous les avons à disposition pour que le public puisse les lire et se rendre compte de l’objet. Nous avons même des exemplaires originaux du magazine alternatif Garo. Mais vous ne pouvez pas les prendre en main.

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Couverture du magazine Flowers, mai 2018. Illustration : Hagio Moto, The Poe Clan, 1972-1976

© MOTO HAGIOSHOGAKUKA INC.

Les magazines étant hebdomadaires, allez-vous les changer régulièrement ?

Nous avons des exemplaires récents mais nous n’aurons pas les derniers numéros à disposition. En revanche, en utilisant le QR code vous pouvez lire les nouveaux chapitres sous forme numérique.

Problèmes juridiques et techniques de la planche de bande dessinée

Je suis vraiment très impressionnée par le fait que vous ayez eu l’autorisation de montrer les planches originales. Même au Japon, la plupart des expositions ne présente que des copies.

Nous avons beaucoup discuté avec les éditeurs et les artistes japonais pour y parvenir et nous sommes très fières du résultat. Initialement, ils se sont tous montrés très réticents à l’idée de nous prêter les originaux. Ils nous ont expliqué qu’ils avaient déjà eu de mauvaises surprises avec des organismes européens qui n’ont pas pris soin de leur genga et les ont renvoyés avec de profondes détériorations. Ils ne connaissent pas les méthodes du British Museum et ne savent pas que nous prenons un soin extrême des objets qui nous sont confiés. Peut-être ont-ils prêté des dessins à des expositions dans des galeries ou des manifestations plus commerciales. Même si les gens étaient de bonne foi et s’ils avaient les meilleures intentions au monde, ils ne sont pas des spécialistes et ils n’ont sans doute pas pris en compte l’impact de la lumière sur les dessins. De même que les estampes traditionnelles japonaises, les genga n’ont jamais été conçus pour être exposés : ce sont des matériaux extrêmement fragiles et la lumière dégrade les encres de manière irréversible. C’est pourquoi nous sommes extrêmement prudents avec ces œuvres. Seuls les ayants droits de Tezuka nous ont demandé d’alterner les dessins pour éviter une exposition prolongée à la lumière. Nous sommes donc vraiment extrêmement chanceuses !

Par ailleurs, seule Naoko Takeuchi, créatrice de Sailor Moon a finalement refusé de nous prêter ses dessins. En fait, elle ne les expose jamais, même dans les manifestations qui lui sont consacrées. Elle a choisi certaines planches et elle a fait faire des copies que nous devons traiter comme s’il s’agissait d’originaux et lui retourner à la fin de l’exposition. Cela peut paraître surprenant mais je pense que c’est une attitude assez compréhensible. Elle tient à protéger son œuvre et elle est en position de le faire. Par contraste, je suis toujours aussi surprise qu’Akira Toriyama nous ait laissé ses planches originales. Nous ne pensions pas pouvoir les obtenir.

Comment s’est déroulée la sélection des artistes représentés ?

La sélection s’est faite à plusieurs. Nous sommes trois curatrices : Uchida Hiromi, Matsuda Riyoko et moi. Matsuda-san s’est plus particulièrement occupée de la création du catalogue tandis que je me suis concentrée sur la mise en place de l’exposition en elle-même. Au début j’avais beaucoup d’idées et je me suis tournée vers l’OPMA (Organisation for the Promotion of Manga and Anime) qui est un regroupement de professionnels qui reçoivent des aides du gouvernement pour promouvoir le manga. Ils organisent notamment des conférences et des groupes d’études. Lorsque je suis allée les voir la première fois ils m’ont fait comprendre que j’avais une représentation erronée des médias et chaque rencontre était une sorte de challenge pour leur montrer que je m’intéressais vraiment à ce domaine. Nous avons progressé lentement au début et beaucoup dialogué. Mais à présent je pense qu’ils sont vraiment ravis par l’organisation de l’exposition et le fait qu’elle reflète la réalité du manga au Japon.

Il y a évidemment toujours des manques. On me demande souvent pourquoi nous mettons en avant tels auteurs et non tels autres. Je dois alors défendre nos choix éditoriaux, le fait que nous ayons décidé de montrer un large panel d’artistes femmes, des œuvres destinées à différentes classes d’âge et la variété des genres. D’autre part, nous avons tenu compte des autres manifestations autour du manga et de l’anime durant la période de l’exposition. Si un artiste a été mis en avant à Angoulême en janvier, nous lui accordons moins de place dans notre exposition. Par exemple, Naoki Urasawa fait l’objet d’une rétrospective au Japan House cet été. Nous avons donc peu de ses travaux parmi les œuvres présentées. De cette manière, nous avons essayé de présenter le manga de la manière la plus complète possible en restant complémentaire avec d’autres événements.

D’autre part, le British Museum possède sa propre méthodologie pour exposer des objets. Nous présentons toujours les œuvres dans leur contexte en lien avec d’autres objets contemporains. C’est pourquoi nous avons aussi des céramiques et une sculpture en lien avec le manga. Par exemple, nous exposons un gigantesque rideau d’un théâtre kabuki daté de la fin du XIXe siècle. Cette œuvre de Kawanabe Kyōsai n’est pas un manga à proprement parler mais l’artiste a dessiné des mangas et les images du rideau rappellent les thèmes employés dans la bande dessinée. Ces formes artistiques sont liées et c’est pourquoi nous pensons qu’il est important de les mettre en relation dans l’exposition.

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Kawanabe Kyōsai (1831-1889), Shintomiza Kabuki Theatre Curtain, 1880

©Tsubouchi Memorial Theatre Museum, Waseda Universityyu

Et en ce qui concerne les planches et les genga (dessins originaux), comment se sont déroulées les négociations ?

  • 2 Il s’agit de l’exposition « Manga - Tokyo » qui s’est déroulé dans le cadre de la manifestation « J (...)

Après avoir sélectionné les artistes, nous avons choisi certaines œuvres pour ensuite négocier les droits auprès des maisons d’édition. Il faut savoir qu’il y a un tarif fixe par série, que l’on prenne une planche ou une vingtaine. Nous avons choisi de reprendre le système de collaboration avec l’OPMA, mis en place lors de l’exposition « Manga <-> Tokyo » à Paris2. Ce cadre de négociation nous convenait et nous avons pu faire en sorte que tous les artistes soit payé au même tarif que ce soit des débutants ou des auteurs reconnus. Les éditeurs qui n’ont pas souhaité se conformer à cette règle n’ont pas été retenu pour l’exposition.

En général, nous avons choisi certains dessins et nous avons demandé au responsable éditorial, qui en réfère à l’éditeur et aux juristes. Ensuite, le processus de validation dépend de chaque maison d’édition. Par exemple, Shueisha est l’éditeur le plus rigoureux dans cette chaîne de décision. Vous devez vous adresser aux juristes qui ensuite consultent les différentes personnes concernées même lorsque vous êtes déjà en contact avec l’artiste ou quand vous êtes en relation avec l’éditeur. Cela peut paraître un peu procédurier mais a le mérite d’être un processus transparent : vous savez à quoi vous attendre et lorsque vous avez du temps pour bien organiser les choses, cela est très rassurant.

Dans certains cas, notre sélection peut être remise en question par les éditeurs ou les artistes. Ils estiment que d’autres dessins conviennent mieux. Nous dialoguons alors avec eux pour voir si leurs suggestions sont plus adéquates pour l’événement. Par exemple, dans le cas de Dragon Ball, nous souhaitions explicitement montrer des planches des premiers volumes. Mais comme vous le savez, il y a eu de nombreux éditeurs sur la série et ils n’étaient pas tous du même avis. Au final, certaines planches correspondent à notre sélection initiale tandis que d’autres images nous ont été recommandées. Il s’agit d’un long processus de négociation. Et lorsqu’il y a une demande expresse de l’auteur ou de l’éditeur principal nous avons eu tendance à adopter leur choix car ils sont sans doute de meilleurs juges de leurs œuvres.

Je dois dire que cette phase m’a vraiment permis de comprendre la divergence des démarches entre les musées qui exposent l’art et les éditeurs qui vendent de l’art. Même si je pense que sur le long terme nous les aidons à construire une meilleure réputation, sur le moment nous étions surtout une source de sollicitations impromptues et inopportunes. Ils devaient nous consacrer beaucoup de temps et d’attention. Je pense même que ce processus n’a pas été très rentable au niveau économique. Mais je reste étonnée par leur implication dans l’exposition et par le fait qu’ils tiennent vraiment aux œuvres, ils les traitent avec beaucoup de soin et veulent être sûrs que nous faisons de même. Par exemple, ils voulaient savoir comment nous allions mettre en place les genga. Ils ont envoyé des gens pour voir le résultat final et s’assurer que tout était conforme à ce que nous avions annoncé. Shueisha envoie d’ailleurs des personnes pour visiter l’exposition une fois ouverte au public. Ils ne cherchent pas à contrôler nos décisions ou ce que nous faisons. Ils veulent juste s’assurer que tout est fait pour protéger les œuvres et que l’ensemble soit d’une excellente qualité. Dans tous les cas, ce fut un processus long et difficile pour tout le monde.

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Notes

1 https://hyperjapan.co.uk

2 Il s’agit de l’exposition « Manga <-> Tokyo » qui s’est déroulé dans le cadre de la manifestation « Japonismes 2018 : les âmes en résonance », à la Grande Halle de la Villette entre le 29 novembre et le 30 décembre 2018. Voir https://lavillette.com/programmation/manga-tokyo_e32

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Table des illustrations

Titre Image 1
Légende Couverture du catalogue de l’exposition. Illustration : Noda Satoru, Golden Kamuy, 2014-
URL http://journals.openedition.org/comicalites/docannexe/image/3722/img-1.png
Fichier image/png, 311k
Titre Image 2
Légende Couverture de Hoshino Yukinobu, Professor Munakata’s British Museum Adventure, British Museum Press, 2011
URL http://journals.openedition.org/comicalites/docannexe/image/3722/img-2.png
Fichier image/png, 390k
Titre Image 3
Légende Higashimura Akiko Princess Jellyfish (Kuragehime),2008-2017
URL http://journals.openedition.org/comicalites/docannexe/image/3722/img-3.jpg
Fichier image/jpeg, 744k
Titre Image 4
Légende Hoshino Yukinobu, Alice,1985
URL http://journals.openedition.org/comicalites/docannexe/image/3722/img-4.jpg
Fichier image/jpeg, 272k
Titre Image 5
Légende Couverture du magazine Flowers, mai 2018. Illustration : Hagio Moto, The Poe Clan, 1972-1976
URL http://journals.openedition.org/comicalites/docannexe/image/3722/img-5.jpg
Fichier image/jpeg, 380k
Titre Image 6
Légende Kawanabe Kyōsai (1831-1889), Shintomiza Kabuki Theatre Curtain, 1880
Crédits ©Tsubouchi Memorial Theatre Museum, Waseda Universityyu
URL http://journals.openedition.org/comicalites/docannexe/image/3722/img-6.jpg
Fichier image/jpeg, 159k
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Pour citer cet article

Référence électronique

Bounthavy Suvilay, « Entretien avec Nicole Rousmaniere, curatrice de l’exposition « The Citi Exhibition Manga マンガ » », Comicalités [En ligne], Bande dessinée et culture matérielle, mis en ligne le 21 décembre 2019, consulté le 29 février 2020. URL : http://journals.openedition.org/comicalites/3722

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Auteur

Bounthavy Suvilay

Après une thèse sous la direction de Marie-Ève Thérenty (RIRRA21, Montpellier 3) et de Matthieu Letourneux (PHisTeM-CSLF, Paris-Ouest), Bounthavy Suvilay s’intéresse aux adaptations transmédiatiques, leur circulation globale et les phénomènes de (re)création et/ou resémantisation au niveau local (traduction, adaptation, réception distincte selon les publics).

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