1Rassemblés lors d’un séminaire portant sur le thème d’un hypothétique Art sans sujet, les huit auteurs dont les textes sont présentés ici relèvent le défi de l’interdisciplinarité : ils abordent, aux croisements de la philosophie, de la littérature et de la sémiotique, la poésie, le cinéma ou les arts plastiques. De ces points de vue multiples, nous proposons de restituer la commune logique ; objectif rendu complexe en regard de la polysémie du terme sujet dont l’usage non spécifié varie au gré des contributions. La démarche qui s’impose sera dès lors d’identifier d’emblée les différents types de sujets sollicités par l’œuvre puis de démontrer qu’au-delà d’un Art sans sujet, c’est une mise en question du concept même de « sujet » qui se manifeste à travers le prisme de l’art.

Quels sujets pour l’art ?

2Seuls Pierre Sorlin dans « L’œuvre a-t-elle un sujet ? » et Michel Costantini dans « Un sujet sans images ? » attribuent à leur « sujet » plusieurs sens : Pierre Sorlin aborde surtout les rôles complémentaires d’émetteur et de récepteur tandis que Michel Costantini examine les tensions existant entre émetteur et référent. Trois sujets donc pour l’art, dont la confrontation des profils se répartit entre ces deux auteurs.

L’émetteur et le récepteur

3Dans une perspective presque sociologique, Pierre Sorlin évoque la relation entre l’émetteur et le récepteur dans l’attribution de la valeur d’une œuvre d’art : il montre qu’elle dépend tout autant de celui qui la regarde et la perçoit comme telle que de celui qui la produit : « Un objet, éventuellement, devient une œuvre à travers la convergence d’un désir de créer et d’une reconnaissance du fait créatif » (p. 12). Cependant, c’est essentiellement sur le processus commun de constitution du sens qu’il insiste et plus précisément sur la tension existant entre les deux pôles d’émetteur et de récepteur. Il part du constat que les œuvres existent en dehors du sens attribué par leur auteur (« l’auteur les a produites, mais une fois achevées elles lui sont devenues extérieures, n’ont plus besoin de lui et poursuivent leur carrière en pleine indépendance » p. 18) pour postuler l’existence d’un « art sans sujet » créateur. C’est dans ce cadre qu’émerge en définitive la figure d’un récepteur se constituant en sujet par son interprétation, chaque fois singulière, de l’œuvre : « […] si l’art est sans sujet, le sujet devient quand il affronte la résistance de l’œuvre » (p. 23).

Le référent et l’émetteur

4Michel Costantini identifie quant à lui deux types de sujets : le référent, le « ce-de-quoi-parle-l’œuvre » (p. 112), et l’énonciateur qui en est l’origine. À travers des exemples empruntés à l’histoire de l’art, il analyse la façon dont les artistes les ont, tour à tour, privilégiés en indiquant les tensions qui naissent de l’opposition entre les fonctions dites émotives ou expressives (celles qui sont liées à l’émetteur) et le pôle référentiel. Ainsi, le cas de l’artiste Donald Judd qui, jugeant le « sujet » trop présent dans les œuvres expressionnistes abstraites — en d’autres termes : sans référent — de ses contemporains (tels Rothko ou Motherwell), a tenté d’effacer toute trace du créateur dans ses productions en travaillant sur le matériau et le contact avec le spectateur. L’analyse de ces différents discours se clôt cependant sur une critique : celle de l’illusion d’un impossible art sans sujet, qu’il soit référent ou créateur : « La grande coupure est là, non dans l’abolition de l’art, de son référent ou de son énonciateur, mais dans sa dissémination. […] Du point de vue qui nous occupe, on dira que ce qui compte fondamentalement est moins le refus ponctuel ou progressif […] du thème, moins l’affirmation individuelle et un certain culte du moi […], que la façon dont tout cela se noue, se corrèle, s’imbrique » (p. 125).

Art et subjectivité

5Les propos des six autres textes se concentrent autour d’un seul sujet : pour cinq d’entre eux, il s’agit du récepteur ; pour un seul, de l’émetteur. C’est la question des conséquences d’une prise en compte de la subjectivité (émettrice ou réceptrice) qui se pose ici. Les différents auteurs étudient tantôt ce que le sujet fait à l’art — les traces de la subjectivité du créateur dans l’œuvre —, tantôt, et principalement, ce que l’art fait au sujet, au récepteur, à la notion même de « sujet » qu’il, selon eux, remet en cause.

La subjectivité de l’émetteur

6C’est à travers la problématique de ce qu’il appelle la « manière » que Gérard Desson envisage, dans son texte intitulé « L’art, l’esthétique et la manière », la subjectivité du créateur. Parce que l’œuvre une fois achevée est dissociée de celui qui l’a produite, elle présente la possibilité de mettre en scène un paradoxe : liée à l’individu unique et singulier qu’est son auteur, elle peut toutefois devenir objet d’appropriation collective. C’est cela qui force à penser, selon Gérard Dessons, « l’art comme sujet », c’est-à-dire comme « manière de dire », comme « vision du monde » (p. 32) : « […] que signifie le geste qui identifie une manière : c’est un Matisse, c’est du Wagner ? Il désigne tout à la fois un individu (un tableau, une symphonie) et son appropriation potentielle comme individuation artistique : écrire, peindre, composer à la manière de Flaubert, Van Gogh, Debussy. Ce sont les deux faces subjectives, les deux « moments » de la manière » (p. 34).

7Le concept de « manière » permettrait donc de penser un autre type de subjectivité, une autre manifestation de son processus.

La subjectivité du récepteur

8« L’œuf et la poule. Remarque sur le supposé hypokeimenon de l’expérience esthétique » de Thierry De Duve, « Proust aux limites de la philosophie » de Mauro Carbone, « Le sujet de l’art chez Deleuze » de Réda Bensmaïa, « Précarité du sujet poétique » de Jérome Game et « Hors sujet ou : d’un objet enfin sans sujet… » de Marie-Claire Ropars sont les cinq textes dont il convient à présent d’examiner les convergences. Remettre en cause le sujet à travers l’art, et plus particulièrement à travers l’expérience esthétique — puisque l’on parle ici du récepteur —, est une volonté commune à chacun. Par ce biais, il s’agit de critiquer la notion de sujet telle qu’elle a été héritée de la philosophie classique dualiste. Ainsi, pour Marie-Claire Ropars, « le sujet est mis en cause dans le rapport à l’art parce que l’expérience esthétique le rend impossible […] » (p. 151) ; pour Jérome Game, l’art est un processus de « dé-subjectivation » (p. 138). Des textes comme ceux de Mauro Carbone ou de Réda Bensmaïa le démontrent : Mauro Carbonne fait référence à Walter Benjamin pour décrire l’expérience esthétique comme un véritable « choc » pour le sujet ; Réda Bensmaïa quant à lui s’appuie sur la pensée de Gilles Deleuze afin de définir cet « autre » sujet, cette nouvelle pensée du moi. C’est face à l’objet d’art que s’opère « […] la rupture avec l’idée d’un sujet comme moi figé, d’un moi centre ou pôle » (p. 106) et que se révèle une nouvelle façon de penser les subjectivités : « […] <pré-individuelles et anonymes> et, dans cette mesure, <collectives bien que toujours singulières> » (p. 108). En définitive, l’expérience esthétique aboutit à une réflexion sur la question de l’articulation entre le singulier et le collectif. C’est dans cette perspective que Thierry de Duve fait référence à la pensée du sensus communis kantien : « Kant permet de penser le sujet esthétique, le sujet de l’art, comme le lieu de la responsabilité à l’égard du sensus communis, c’est-à-dire à l’égard de l’idée de communauté humaine fondée dans le partage du sentiment. Cette responsabilité est irresponsable devant toute autre instance qu’elle-même […], car rien n’est plus faux et plus dangereux que de vouloir fonder réellement la communauté humaine dans le partage du sentiment. Mais c’est une responsabilité. Le sujet esthétique est un sujet quasi éthique » (p. 55-56).

Conclusion : un sujet sans art

9L’étude des différents sens que revêt le concept de sujet dans cet ouvrage a démontré tout l’intérêt des différentes prises de position. Mais au fil des contributions, le jeu sur la polysémie du terme devient vite, pour le lecteur, problématique : cette polysémie apparaît comme une ambiguïté de vocabulaire, voire une source de confusion. Pris dans un sens trop général, le « sujet » aboutit finalement à une déformation du sens : il aurait été utile de le distinguer, par exemple, de la notion d’« individu » dans certaines contributions.

10Avec plus de la moitié des textes consacrés à la remise en cause du sujet à travers l’expérience esthétique, on serait tenté de parler de ce livre davantage comme une réflexion de nature philosophique à partir de l’art sur ce qu’est le sujet ; une proposition afin de le penser autrement, plutôt que comme un « art sans sujet ». Finalement, et l’on peut exprimer cela comme un regret, la réflexion sur l’art est peu présente dans cet ouvrage : tout se passe comme si cet « objet » artistique n’avait d’autres propriétés que celle d’être appréhendé par le sujet. Ce qui est manqué dès lors, c’est la question de l’altérité que cet objet constitue. Marie-Claire Ropars conclut l’ouvrage sur cette phrase : « L’étrangeté est le dernier mot de l’art » (p. 168), comme une ouverture ou comme un aveu. On sort de ce livre sans savoir ni pourquoi ni comment l’art nous bouleverse autant.