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Comité de lecture

Comité de Lecture

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Mathilde Arnoux est directrice de recherche et responsable des éditions françaises au Centre allemand d’histoire de l’art (DFK Paris). Elle a soutenu sa thèse de doctorat en 2003 à l’Université Paris IV (La Réception de la peinture germanique par les musées français entre 1871 et 1981, publiée en 2007) et habilité en 2017 à l’Université Paris Ouest Nanterre (La Réalité en partage : pour une histoire des relations artistiques pendant la guerre froide, publiée en 2018, traduite en allemand en 2021). De 2011 à 2016, elle a dirigé le projet « OwnReality – A chacun son réel. La notion de réel dans les arts plastiques en France, RFA, RDA et Pologne, 1960-1989 », financé par un Starting Grant du Conseil européen de la recherche (ERC). Ses travaux portent sur les relations artistiques européennes, l’historiographie et l’enjeu du réel dans les pratiques artistiques.

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Paula Barreiro López a soutenu une thèse de Doctorat à l´Université Complutense de Madrid. Elle travaille au Centro de Ciencias Humanas y Sociales (Madrid). Ses recherches portent sur la critique d´art, les politiques culturelles, les tendances artistiques des années 1950, 60 et 70 en Espagne et sur les échanges culturels européens pendant la Guerre Froide. Ses dernières publications concernent l´Abstraction géométrique en Espagne (La Abstracción geométrica en España, CSIC, 2009), la critique d´art en Europe (“La Biennale di San Marino et le convegno di Rimini de 1963: Argan, Restany et Aguilera Cerni vers un art engagé”, in Le Demi-siècle de Pierre Restany, 2009) et les politiques culturelles sous le Franquisme (“La invención de la vanguardia en la España franquista: estrategias políticas y realidades aparentes”, In Verdades cansadas, 2009). Elle termine actuellement un livre sur la critique d´art espanole dans les années 1960 et 1970,  ainsi qu´un livre collectif sur les discours critiques de la Guerre Froide à la globalisation.

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Nathalie Boulouch est maîtresse de conférences en Histoire de l'art contemporain et photographie à l’Université Rennes 2. Ses travaux portent sur les problématiques liées à la couleur (théories, esthétique, réception), en particulier dans le domaine de la photographie (XIX-XXe siècle), ainsi que sur les rapports entre art contemporain et photographie. Elle a publié différents textes sur ses questions dont, récemment, Le Ciel est bleu (2011). Elle est membre du comité de rédaction des revues Etudes photographiques et Critique d’art (qu’elle a rejoint en 1999). Vice-présidente de la Société française de photographie, elle est également membre du bureau et du conseil scientifique des Archives de la critique d’art.

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Baptiste Brun est enseignant-chercheur en Histoire de l’art contemporain et commissaire d’expositions. Il codirige le Master Métiers et arts de l’exposition, formation curatoriale de l’université Rennes 2. Ses travaux portent sur les interactions entre création artistique, histoire de l’art,  anthropologie et psychiatrie dans la seconde moitié du XXe siècle et sur l’épistémologie de l’histoire de l’art pensée en regard du primitivisme. Il a contribué à différentes publications comme l’édition de l’Almanach de l’Art Brut (5 Continents, 2016) et est l’auteur de Jean Dubuffet et la besogne de l’Art Brut : critique du primitivisme (Presses du réel, 2019).

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Sophie Cras est maîtresse de conférences en Histoire de l’art contemporain à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Formée en économie et en histoire de l’art, elle s’intéresse à de nouvelles approches à l’intersection de ces deux disciplines. Son récent ouvrage L’économie à l’épreuve de l’art : art et capitalisme dans les années 1960 (Les presses du réel, en coédition avec le Centre allemand d’histoire de l’art, 2018 ; traduit chez Yale University Press en 2019) explore le regard créatif et critique que les artistes contemporains ont porté sur l’économie. Elle prépare une anthologie de textes d’artistes sur l’économie qui paraîtra en 2022 chez B42, et anime un projet intitulé Economic knowledge on display / Exposer les savoirs économiques.

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Jean-Marie Dallet est artiste, commissaire d’expositions et Professeur des universités à l’Ecole des arts de la Sorbonne, Paris 1. Il est codirecteur du Master pro en alternance Industrie Management Art & Industries Créatives. Il a exposé ses œuvres et ses recherches en France (Biennale Artifices, Villette Numérique, Cité des Sciences et de l’industrie, Le Fresnoy, Le Confort Moderne, Faux mouvement, Le LAIT, etc.), en Belgique (Biennale Update), en Autriche (festival Ars Electronica), au Canada (ISEA), ou encore au Japon (biennale ICC). Son travail théorique et plastique interroge les notions d’interactivité et les figures qui en organisent les interactions, questionne l’archéologie des médias et s’intéresse aujourd’hui aux questions politiques, artistiques, pédagogiques liés aux réseaux internet et aux plateformes. Il a récemment dirigé la publication de l’ouvrage Cinéma, interactivité et société (Université de Poitiers et CNRS, 2013), Architectures de mémoire (Les presses du réel, 2019), ainsi que le catalogue de l’exposition dont il était le commissaire, Mémoires vives. From Nam June Paik to SLIDERS_lab (Lannoo, 2019). Jean-Marie Dallet est membre du collectif d’artistes SLIDERS_lab qui prend en compte un territoire esthétique émergeant autour des images animées, de la mémoire, de l’archivage et du numérique. Une démarche qui s’étend actuellement aux formes contemporaines de représentations et de navigations dans les collections audiovisuelles.

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Elitza Dulguerova est maîtresse de conférences en histoire et théorie de l’art contemporain à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne. De 2016 à 2020, elle a été conseillère scientifique en histoire de l’art contemporain à l’Institut national d’histoire de l’art. Elle a effectué un doctorat conjointement à l’Ecole des hautes études en sciences sociales (Paris) et à l’Université de Montréal, puis un post-doctorat à Stanford University. Son champ de recherche principal est l’histoire et la théorie des expositions : l’exposition comme matériau pour certains artistes (et commissaires) aux XXe et XXIe siècles ; exposition, avant-gardes et espace public, en particulier dans le contexte russe et soviétique ; pensée de l’histoire et de la temporalité dans les pratiques artistiques et muséales de réexposition. De 2017 à 2021, elle a dirigé le programme de recherche « 1959-1985, au prisme de la Biennale de Paris » qui comprend la tenue d’un séminaire international (2017-2019), la publication d’un ouvrage collectif (à paraître), l’exposition Un Espace pour autre chose : la Biennale de Paris (1959-1985), Musée national d’art moderne – Centre Georges-Pompidou, ainsi que le traitement des fonds d’archives de la Biennale et la conception d’un portail de recherche numérique.

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Diplômée d’un Master en arts politiques (SPEAP) à Sciences Po Paris, Simone Fehlinger développe une méthodologie de recherche à la croisée de l’art, du design et des sciences sociales. Elle explore des réalités fondées sur des fictions en questionnant la performativité du design et sa capacité à créer des idéologies à travers la forme. Avec un intérêt particulier pour les imaginaires de l’Anthropocène, les fictions politiques et la culture visuelle et matérielle contemporaine, elle interroge le design en tant que discipline définissant les interactions entre l’homme et ses environnements naturels et artificiels. En 2019, à l’initiative d’Olivier Peyricot (directeur de la recherche Cité du design) et Michel Lussault (directeur de l’Ecole urbaine de Lyon), elle cofonde le « Deep Design Lab ― Explorations profondes des matérialités et des représentations visuelles de l’Anthropocène » à la Cité du design. Au sein du « Deep Design Lab », Simone Fehlinger mène actuellement le projet de recherche-design « New Weather TV » qui s’intéresse aux images du bulletin météorologique et les fictions modernes qu’il incruste dans nos réalités (occidentales) quotidiennes.

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Alexis Vaillant est responsable du département des Projets du capcMusée d'art contemporain de Bordeaux, qui regroupe la programmation des expositions temporaires et des expositions de la collection, la programmation culturelle et les archives du musée. Il est diplômé en Histoire de l’art et en Philosophie. Il a récemment organisé les expositions de groupe BigMinis : fétiches de crise, Dystopia, Sociétés Secrètes, L'Œuvre et ses archives ainsi que les expositions monographiques de Robert Breer, Johan Furaker, Michael Krebber, Jonathan Binet notamment. Il prépare les expositions One-Shots, L'Espèce de chose conceptuelle et travaille avec les artistes Markus Schinwald, Apitchatpong Weerasetsakul, Hayan Kam Nakache, David Lieske, Raphael Hefti sur des projets solos ainsi qu'à une rétrospective de Sylvia Sleigh. Il a édité les écrits de Peter Hutchinson et de Marc Camille Chaimowicz (2013), rédigé de nombreux textes publiés dans des catalogues monographiques et dirigé des ouvrages collectifs. Il contribue régulièrement aux magazines Frieze et Mousse.

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Erik Verhagen est professeur d’Histoire de l’art contemporain à l’Université Polytechnique Hauts-de-France, critique d’art et commissaire d’expositions. Il a copublié Praticable (MIT Press, 2016) et Franz Erhard Walther: Dialogues (Reina Sofia, 2017). Il est membre du conseil scientifique du LaM, Villeneuve d’Ascq, de la Fondation Franz Erhard Walther et du comité de rédaction de la Revue de l’Art.

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Tania Vladova est docteur de l’EHESS (Centre de recherches sur les arts et le langage) et professeur d’esthétique à l’Ecole supérieure d’art et design le Havre/Rouen (ESADHaR). Membre co-fondateur de la revue en ligne Images Re-vues, Tania Vladova est co-directrice du laboratoire ESADHaR Recherche, campus Rouen où elle fait partie de l'équipe « Voir ». Ses recherches et publications portent sur la théorie des images et sur la science de l’art allemande. Auteur de nombreux articles, elle a notamment édité les volumes « Après le tournant iconique » (Images Re-vues, hors-série 5, 2016), « Esthétique et science de l’art » (Trivium, 6, 2010), « Paysages sonores » (Images Re-vues, 7, 2009), et contribué à l’édition et à la rédaction du Dictionnaire d’esthétique et de philosophie de l’art (Armand Colin, 2007).

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David Zerbib enseigne la Philosophie de l’art à la HEAD – Haute Ecole d’Art de Design de Genève et coordonne l’Unité de Recherche de l’Ecole Supérieure d’Art d’Annecy. Rattaché au centre Culture Esthétique et Philosophie de l’Art (CEPA) de l’Université de Paris 1 Panthéon-Sorbonne, ses recherches portent sur la philosophie contemporaine de l’art, la question de la performance, de l’expérimentation ou encore du format. Membre de l’AICA, il collabore à différentes revues et intervient dans des contextes artistiques et académiques très divers, en France et à l’étranger. Il a dirigé récemment la publication In octavo : des formats de l’art (Presses du réel /ESAAA, 2015) et a co-édité Performance Studies in Motion, International perspectives and practices (Bloomsbury, 2014).

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