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Pratiques et réflexivités

La création artistique au centre des projets d’éducation artistique et culturelle

Brigitte Hyon et Claire Jenny

Résumés

C’est à partir d’un dialogue sous forme d’interview que Brigitte Hyon a mené auprès de la chorégraphe Claire Jenny, que celle-ci présente le fruit de son cheminement pour la transmission de son art. Son approche de différents publics permet de tirer des lignes de forces du travail de transmission et met en valeur la nécessité, pour que l’éducation artistique et culturelle soit porteuse de danse pour les participants, d’un travail de fond et au long court entre les différents acteurs de ces projets. La formation des partenaires est aussi un point essentiel de sa démarche. Ce n’est qu’au prix de cette collaboration que l’éducation artistique et culturelle ne sera plus seulement une caution, mais un réel enjeu de transmission de cet art.

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Texte intégral

1Claire Jenny et moi-même nous sommes rencontrées dans les années 2000 au sein de l’association des Rencontres internationales de danse contemporaine (RIDC), que je dirigeais. Ce centre de formation, toujours très actif, permet aux étudiants de côtoyer des artistes. C’est dans ce cadre que j’ai demandé à Claire Jenny d’effectuer un travail de création avec des jeunes étudiants danseurs en formation pour le diplôme d’État de professeur de danse. Ces étudiants étaient dans l’année de passage de l’unité de valeur (UV) de pédagogie, ils avaient une appétence à apprendre que Claire Jenny a su solliciter au fur et à mesure, pour qu’ils se posent, tant corporellement qu’intellectuellement, les questions incontournables de la transmission en prenant en compte les contextes et les espaces/temps singuliers de chaque projet. Très vite nos diverses collaborations nous ont réunies sur les mêmes enjeux de l’éducation artistique. Nos échanges réguliers nous ont amenées à construire une pensée commune qui interroge la nécessité et les valeurs des projets, leurs temporalités, la formation des acteurs qui les conçoivent et les mènent pour que l’éducation artistique et culturelle en danse ne soit pas seulement une caution, mais un réel enjeu de transmission de cet art.

C’est cette réflexion partagée que nous vous proposons dans ce texte issu de nos nombreuses discussions.

Brigitte Hyon : Il me semblerait intéressant, pour commencer cet échange, que tu situes un peu ton parcours artistique.

  • 1 Cf. JENNY Claire, « Danses partagées », conférence dansée numérique, 2021, [en ligne], https://vime (...)

Claire Jenny : J’ai découvert la danse contemporaine avec fascination au cours de mon adolescence lors de son développement dans les années 1980, j’en suis depuis tout autant actrice que spectatrice. Après des études chorégraphiques à la Schola Cantorum (1984-1987), alors centre de formation professionnelle, et une courte carrière d’interprète, j’ai fondé la Compagnie Point Virgule avec Paule Groleau en 1989 et depuis 1998, je bâtis seule la démarche artistique de cette structure dédiée à la création et à la transmission de l’art de la danse1.

Avide de projets protéiformes et de rencontres humaines de tous horizons, je déploie une écriture chorégraphique à l’adresse du tout public comme du jeune public. Depuis ma première pièce jeune public Touche à tout (1999), saluée par un large réseau de scènes dédiées à l’enfance et mes premiers projets de création partagée en détention, les allers-retours permanents entre mes créations professionnelles et les projets d’éducation artistique et culturelle conçus et menés par la Compagnie Point Virgule fondent ma démarche artistique. Ils alimentent un questionnement sur les vécus et les représentations de l’humain, sur les enjeux de la construction/reconstruction de l’individu, sur le devenir des êtres au travers du mouvement. Dans l’échange permanent avec l’équipe des fidèles interprètes et collaborateurs artistiques qui m’accompagnent, je crée des dispositifs chorégraphiques inexplorés qui bâtissent des chemins singuliers de dépôts sereins, d’équilibres vibrants, de projections amplifiées de soi, de soi par l’Autre, avec l’Autre. J’aime souvent nommer ce concept pour définir mon socle artistique : l’issue, c’est l’Autre. Les phénomènes du dialogisme nourrissent mes projets : comment rejouer le processus de création, le format, les adresses et le sens de l’œuvre, quelque part entre ce que l’artiste propose et ce que le spectateur éprouve ?

Personne-ressource pour l’éducation artistique et culturelle, je suis portée par la transmission de la saveur, des valeurs, de la pensée, de la pratique et des œuvres de l’art de la danse quels que soient les contextes de mes projets.

Brigitte Hyon : Tu parles de construction, voire de reconstruction de l’individu, pourrais-tu développer ce concept au regard des différents contextes où tu diffuses ton travail de création et les actions d’éducation artistique connexes. Y a-t-il des points communs que tu as pu observer suivant les lieux où tu interviens ?

Claire Jenny : Comme le nomme si justement le sociologue David Le Breton :

  • 2 LE BRETON David, L'adieu au corps, Paris, Métailié, « Suite essais », 1999, p. 21.

« Le corps est le lieu où est questionné le monde, il est scannérisé, purifié, géré, remanié, renaturé, artificialisé, recodé génétiquement, décomposé, reconstruit ou éliminé, stigmatisé au nom de l’esprit ou du mauvais “gène”. Sa fragmentation est la conséquence de celle du sujet. Le corps est aujourd’hui un enjeu politique majeur, il est l’analyseur fondamental de nos sociétés contemporaines2 ».

Cette citation qui m’inspire depuis de nombreuses années, rejoint mes perceptions des atteintes similaires faites au corps dans de multiples contextes, certes à des degrés différents.

Depuis plus de trente ans, je voyage dans toutes sortes de contrées où la quiétude et la mobilité humaines sont malmenées pour mener des projets de création dansée partagée. Et malheureusement je constate que les capacités propres et intrinsèques du corps à ressentir, concevoir, s’exprimer et rebondir sont de plus en plus souvent brimées. La relation au monde par le corps s’altère. La transformation de nos existences, la manière dont elles sollicitent autrement les actes du corps s’accélère. Mes expériences impliquant toutes les personnes d’un groupe dans une aventure commune (groupe de personnes détenues, enfants et enseignants d’une classe à l’école, enfants d’un camp de réfugiés en Palestine…) ont amplement façonné ma démarche artistique et mes fondamentaux sur le corps dansant. Par l’art de la danse, découvrir, connaître et reconnaître, composer ensemble le sens de nos failles, fêlures, affaissements, immobilisations, chocs, instabilités, chemins escarpés, obsessions, chutes… colmatages, pansements, redressements, élans, étreintes, aplombs, horizons apaisés, changements de cap, perspectives… quels que soient les projets (création professionnelle ou projets d’éducation artistique). Car mon corps est ma personne, il n’est pas mon objet mais mon sujet, il n’est pas accessoire, sous-employé, encombrant, inutile. Au fur et à mesure, j’ai déployé des enjeux transversaux de création et de transmission singuliers. Concrètement, ils explorent :

  • des corps sensibles qui se nourrissent de leurs perceptions plurielles, virtuoses par une acuité déployée à soi, à l’environnement, à l’autre et par la multiplicité de modulations d’états qu’ils sont en capacité d’éprouver, à l’extrême opposé des Corps/surfaces/images, barrières à la porosité au monde,

  • des phénomènes de l’équilibre : notre capacité à construire un axe serein de l’appui des pieds à la projection du regard dans l’horizontalité et dans l’alignement respiré et vibrant des volumes du bassin, du torse et de la tête,

  • des nuances d’appuis et de transferts d’appuis des pieds et de différentes surfaces du corps avec le sol ou avec d’autres supports de l’espace, proposant une variété de quantités de poids déposés

  • des espaces du corps et des corps dans l’espace : ouvrir les interstices internes entre diverses qualités de dépôts et de déploiements, cheminer au-delà de l’équilibre, dans un déplacement propulsé par des voyages simples de la colonne axée et mobile dans l’espace, impulsés par les prémisses d’un déséquilibre,

  • des temporalités poétiques, libérant une musicalité du mouvement incluant des patiences (nom que nous avons donné pour des temps de durées variables d’interruption des mouvements du corps durant lesquels la perception des fonctions vitales est toujours active et l’écoute sensible de soi et des autres se joue),

  • des rencontres avec le poids de l’Autre insolites mais allégoriques de nos rapports usuels à l’Autre : expérimenter les ajustements perpétuels qu’impliquent les relations de poids avec l’Autre : le lâcher prise, l’abandon, le soutien, l’accompagnement, la confiance voire la résistance…

  • des fondamentaux du corps, de l’espace, du temps et de la relation qui travaillent une construction/reconstruction de soi, une pensée du corps qui touchent tous les publics rencontrés.

Brigitte Hyon : Cette pensée est fondamentale au regard du développement de l’Enfant. Quel projet fort as-tu mené à l’École ? Comment la démarche de transmission artistique de la Compagnie Point Virgule s’est-elle alors jouée ?

Claire Jenny : De novembre 2012 à octobre 2013, nous avons mené une résidence territoriale artistique et culturelle en milieu scolaire à l’école élémentaire Jean de la Fontaine à Élancourt. Cette résidence, comme celles qui ont été menées par la compagnie Point Virgule sur le territoire de Saint-Quentin-en-Yvelines de 2012 à 2018, ont toutes été soutenues par la DRAC Ile-de-France et conçues dans le partenariat entre l’Éducation Nationale, le Service du développement artistique du Prisme, alors Centre de développement artistique de l’Agglomération de Saint-Quentin-en-Yvelines et les artistes de la compagnie Point Virgule. Grâce à l’irrigation de la « danse à l’école » développée par le Prisme au sein de ce territoire depuis de nombreuses années, ces résidences ont insufflé des enjeux de transmissions artistiques ambitieux.

La résidence à l’école élémentaire Jean de la Fontaine à Élancourt s’est déroulée en quatre périodes de huit jours et a concerné l’ensemble des six classes de l’école (du CP au CM2). Les contenus artistiques ont été conçus en partenariat avec l’équipe enseignante entre les enjeux de leurs projets de classe et les explorations artistiques de la compagnie dans le cadre de la future création de la pièce jeune public Tiens-toi droit ! ! ! (novembre 2013). Ainsi, la composition chorégraphique de cette pièce s’est nourrie de l’expérience de la résidence. À la manière d’ethnologues, les danseurs ont traqué des comportements enfantins pour les incorporer à leur gestuelle dansée. Dans cet échange, élèves, enseignants, parents et artistes ont questionné les vécus du corps de l’enfant dans le contexte de l’école et au-delà. Comment les adultes éducateurs véhiculent ou non des normes liées aux postures et aux mobilités de l’enfant ? Comment impliquer les savoirs du corps en mouvement dans les apprentissages ? À titre d’exemple, voici le déroulement d’une des journées lors de notre premier temps de résidence en novembre 2012 :

  • À huit heures trente, chaque artiste « entre en classe » avec les élèves et propose, à tous, un court temps de « mise en corps » in situ utilisant les espaces et le mobilier de la classe. Ce temps fut rapidement appelé par les élèves : « l’entrement en classe ». Après avoir constaté un grand nombre de postures et de mobilités « hors sol » au sein des classes, en apnée et en déséquilibre, les artistes ont imaginé cette « mise en corps » pour redonner une perception sensible des appuis tranquilles du corps aux enfants et aux enseignants. Constatant à quel point un corps apaisé permettait une écoute et une disponibilité accrues de l’élève, les enseignants ont continué à mener cet « entrement en classe » au-delà de la présence des artistes.

  • De huit heure quarante-cinq à onze heures trente : recherches et expérimentations des artistes dans le cadre de leur processus de création professionnel en cours. Durant les récréations ou des temps banalisés certains groupes d’enfants assistent ou participent en autonomie aux recherches de la compagnie. Munis de leur « Pass danse », ils tentent de deviner « le mode d’emploi de la danse », selon leurs propres mots, voire le transforment puis s’engagent dans la recherche dansée en cours avec les danseurs. Les allers-retours constants entre danse et paroles initiés par la création de la compagnie en cours ont grandement favorisé l’acquisition d’un vocabulaire parlé riche.

  • Durant le temps du repas, les artistes déjeunent et échangent de façon informelle avec les enseignantes de l’école. Ensemble, ils évoquent quotidiennement les aspects positifs ou questionnants de la résidence et réajustent le projet en fonction (aussi bien dans ses contenus que dans ses modalités de mises en œuvre).

  • De treize heures trente jusqu’à la récréation : les artistes de la compagnie et une classe de l’école partagent un atelier d’exploration artistique. En fonction des entrées artistiques proposées par les enseignantes de l’école, les classes approfondissent d’autres vécus et appréhensions du corps en mouvement : le corps dansant, le corps musicien, le corps dans les arts visuels, le corps dans la littérature.

  • Durant le dernier temps de la journée d’école, les artistes de la compagnie observent les enfants au sein des classes. Dans ce cadre, ils participent régulièrement aux apprentissages menés avec leur langage dansé professionnel : danse de « t » et de « k » lors d’une séance d’apprentissage de la lecture, improvisation en duo sur la notion de solide et liquide en cours de sciences, improvisation pendant la lecture d’un album jeunesse… Convoquant le sensible du corps, les artistes ouvrent d’autres possibles dans l’appréhension et la conception des apprentissages.

La résidence a été conçue pour que chaque classe et chaque élève puisse bénéficier des mêmes contenus et explorations chorégraphiques partagées avec les artistes à chaque session. Elle a aussi ouvert quelques espaces/temps extraordinaires comme :

  • « La plus petite tournée du monde » : lors d’une matinée banalisée ayant pour thème « Traits, points, lignes », nous avons improvisé environ cinq minutes dans chacune des classes sur ce thème, au milieu des enfants en train de dessiner, peindre, colorier…

  • « La journée de la perspective » : en début de journée l’enseignante de la classe de CM2 a mené une séance sur les volumes en mathématiques. Anna Guland, stagiaire de la Compagnie Point Virgule dans le cadre de ses études aux Beaux-Arts de Bourges, a donné un cours sur la perspective. L’après-midi, les élèves de cette classe ont été invités dans l’espace de danse situé au centre de l’école. Dans un premier temps ils l’ont dessiné en perspective en choisissant leur point de vue. Puis ils ont placé les danseurs de la compagnie dans l’espace de danse en leur proposant une forme du corps axée, une architecture des corps les uns par rapport aux autres. Enfin, ils ont dessiné les danseurs dans les formes choisies au sein de leurs dessins de l’espace.

  • Les temps partagés avec les familles : à l’issue de chaque session, les enseignantes de l’école et les artistes de la compagnie ont mis en œuvre des parcours dansés à destination des familles au sein de l’école, hors temps scolaire. Ensemble, ils ont imaginé différents temps mêlant des ateliers de pratique (danse, musique, arts visuels) et des restitutions des cheminements artistiques, interprétées par des enfants de l’école et les artistes de la compagnie.

  • Cette résidence chorégraphique a permis d’aborder un grand nombre de notions au travers du corps sensible. La danse sollicite l’être dans sa globalité, travaille voire réhabilite la place du corps dans l’existence de chacun. Elle est éminemment pluridisciplinaire, transdisciplinaire. Et quand elle rencontre le « Socle commun de connaissances, de compétences et de culture » de l’École, elle en propose une autre appréhension/compréhension, elle l’étaye, le ravive, le questionne. La danse offre un autre chemin que celui du vécu parcellaire des apprentissages. Elle s’oppose à l’éclatement de la notion du corps dans un grand nombre de nos sociétés.

Brigitte Hyon : Si les piliers de la danse à l’école mis en œuvre depuis de nombreuses années impulsent des expérimentations de projets telles que la résidence menée au sein de l’école Jean de la Fontaine, qu’en est-il avec d’autres publics ? Tu mènes des projets de création partagée en milieu carcéral depuis plus de vingt-cinq ans. Dans le contexte spécifique de la détention, comment déploies-tu ta pensée du corps en mouvement, de la danse ? Comment les personnes en situation si particulière se permettent l’accès à l’improvisation et à la construction de vécus du corps si différente du quotidien, de leurs quotidiens ? Comment as-tu favorisé l’implication des détenus pour aller jusqu’à leur présence sur scène, partagée avec la compagnie et des amateurs éclairés ?

Claire Jenny : L’enfermement et ses nombreuses conséquences portent atteinte à l’équilibre de l’être. Comment impulser une vitalité malmenée, l’expression d’une intimité et d’une sensibilité censurée voire autocensurée, une humanité ? Qu’est-ce qui peut subsister quand l’espace de vie est rétréci, quand il n’y a plus d’horizons, quand les perceptions sensibles, l’ouïe mise à part, s’atrophient, quand l’instabilité permanente scandée par l’organisation extrême du quotidien prédominent ? Comment se poser, souffler, trouver appui, se déployer, s’élancer, donner et recevoir le poids du corps de l’autre en confiance ?

  • 3 Extraits de la présentation du projet :
    « Respirations / Histoires digitales mettent en lumière l’in (...)

Dans ce contexte, peut-être là plus qu’ailleurs, il est alors fondamental de mettre en jeu des phénomènes de bien-être et de bienveillance, de porosité et de circulation entre soi et les autres, avec les autres, autant de phénomènes aujourd’hui essentiels dans mon cheminement, dans les contenus artistiques comme dans les diverses modalités de leurs mises en œuvre. Ces espaces/temps de mouvements et de relations se déclinent dans nos enjeux transversaux de création et de transmission. Ils explorent des situations chorégraphiques délicates et attentionnées envers soi-même, envers les autres, et des dispositifs d’accueil de l’autre, de jeu avec lui, avec eux, avec le poids de leurs corps, de confiance et de respect. Ainsi, voici les enjeux artistiques de Respirations3, projet mêlant des personnes détenues (hommes et femmes), des amateurs de danse et des artistes professionnels, que nous avons explorés de juin 2019 à janvier 2020 au Centre Pénitentiaire Sud Francilien de Réau :

  • Déployer des mobilités qui voyagent entre des états de repos, d’apaisement et d’ouverture, de déploiement. Des mobilités qui mettent en jeu des qualités de mouvement flexibles et fluides. Des cheminements de mouvement que rien ne contraint et n’entrave.

  • Explorer des appréhensions renouvelées des phénomènes respiratoires, du support de la respiration, de ses modulations, vers la découverte d’autres perceptions de soi, de l’environnement, des autres, dans la porosité.

  • Goûter des états de présence modulés par différents regards : les yeux fermés, le regard intime, focal et adressé, périphérique, projeté.

  • Expérimenter des espaces/temps de circulations simples, continus, impulsés par la sensation d’une verticalité vibrante et mobile et par l’écoute des autres.

  • Traverser des relations dansées qui s’amusent avec l’autre, avec ses mouvements, son poids (accepter de donner le poids de son corps et recevoir celui de l’autre, au sens propre comme au sens figuré), qui cheminent dans la bienveillance.

Les enjeux de rencontre et de partage avec le « dehors », avec l’Autre :

  • Partager la composition et l’interprétation dansées avec des hommes et des femmes détenus, des danseurs amateurs et des artistes professionnels,

  • Se rencontrer, découvrir la diversité, l’altérité. Ensemble, échanger sur la création partagée en cours, sur les envies artistiques de chacun, sur ce qui nous relie ou nous différencie dans le projet pour que la composition chorégraphique permette à chacun d’exister et de s’exprimer singulièrement au sein du groupe, par le groupe. Beaucoup de personnes détenues se trouvent désemparées lorsque nous leur offrons la liberté de choix et l’autonomie dans un contexte où quasiment tout est décidé pour elles. Elles se positionnent en premier lieu comme des exécutantes de notre projet et non comme des auteures au même titre que tous les acteurs impliqués. Dans ce cheminement vers une autonomie retrouvée, elles sont régulièrement encouragées par l’équipe des artistes professionnels et les amateurs danseurs.

Les enjeux de restitution en dehors de la détention sont :

  • Ensemble concevoir et interpréter des écritures chorégraphiques pour la scène mais aussi pour l’image, composer une pièce chorégraphique qui joue de l’aller-retour entre la danse « en live » et la danse filmée.

  • Présenter cette pièce chorégraphique au sein du Centre Pénitentiaire Sud Francilien et au Théâtre Paris-Villette dans le cadre du Festival Vis-à-Vis, « en live » avec les personnes incarcérées qui peuvent bénéficier d’une autorisation de sortie, et par l’image pour les autres, les danseurs amateurs et les artistes.

    • 4 FRIGON Sylvie, JENNY Claire, Chairs incarcérées, une exploration de la danse en prison, Montréal, L (...)
    • 5 Liens vers les quatre vignettes vidéos réalisées : FRIGON Sylvie, JENNY Claire, LARGE-BESSETTE Ludi (...)

    Mettre en œuvre un projet de recherche Respirations/Histoires Digitales, mené par Sylvie Frigon (Professeure titulaire, Département de criminologie, Université d’Ottawa, Canada), Ludivine Large-Bessette (créatrice d’images) et moi-même dans la continuité de ma collaboration avec Sylvie Frigon et notamment de notre co-écriture du livre : Chairs incarcérées, une exploration de la danse en prison4. Cet ouvrage porte sur la danse en prison en France et au Canada. Ce nouveau projet de recherche prend sa source sur le projet de création chorégraphique partagée Respirations. À la lisière entre la danse, l’image et la recherche scientifique, il mêle des images du processus de création partagée et des extraits d’entretiens menés par Sylvie Frigon avec l’ensemble des personnes impliquées (personnes détenues, danseurs amateurs et artistes professionnels). Il est constitué de quatre vignettes vidéo de dix à douze minutes5 qui mettent en relief l’intensité, l’intimité et la pertinence de l’expérience de danse vécue pour tous.

Très souvent nous avons pu constater que nos propositions artistiques rencontrent rapidement une adhésion sensible des personnes détenues. Leur implication et le lâcher-prise qu’elles supposent sont fréquemment intenses. Outre les matières artistiques fondatrices de notre démarche chorégraphique et leur potentiel soulagement des maux de la situation carcérale, nous veillons aussi à mettre en œuvre notre démarche de création partagée de façon rassurante. Ainsi, nous démarrons chaque temps de création par ce que nous appelons une « Mise en danse exploratoire » : il s’agit d’un temps de préparation à l’acte de danser mais aussi de transmission d’un vocabulaire chorégraphique. L’enjeu est double : permettre une appréhension directe et physique des essentiels de notre langage artistique méconnu mais aussi outiller les détenus d’une gamme de gestes dansés à éventuellement réinvestir lors des temps de recherche et de composition chorégraphique. De la même façon, nous cadrons très strictement les phases d’explorations et d’écritures dansées par des consignes qui définissent les possibles en termes de gestes dansés, d’occupation de l’espace, de qualités temporelles et de modalités relationnelles, ouvrant ainsi une créativité insoupçonnée. À termes, ces règles du jeu se transforment, s’affinent et se restreignent dans l’échange et le dialogue, au fur et à mesure du déroulement du projet. Elles constituent ensuite l’écriture dansée du projet de création partagée restituée en public. Ensemble, nous questionnons également la notion d’exposition de soi, de certains aspects de soi, plus ténus, bien souvent inconnus pour beaucoup de membres de la « communauté carcérale », jusqu’à choisir ensemble de restreindre le public à des personnes choisies et invitées.

Mais pour aboutir à un cheminement de tous, de l’imprégnation à l’appropriation jusqu’à ce temps de restitution, il est essentiel de poser des modalités de projet ambitieuses et spécifiques. Ainsi, pour permettre à chacun de se décaler de vécus carcéraux fluctuant et instables et ainsi s’impliquer pleinement dans l’acte de création et accéder à des enjeux d’expressions inhabituels voire insolites, intimes, la Compagnie Point Virgule propose des formats de projets intensifs et resserrés dans le temps (de cinq à dix semaines d’ateliers de création quotidiens de trois heures, consécutives en Maisons d’Arrêt et réparties sur une période de dix mois maximum en Centre de détention). Il est également essentiel que chaque projet mette en jeu une notion de troupe importante réunissant des personnes du dedans et du dehors (interprètes professionnels et amateurs). Cette grande diversité de parcours permet d’intégrer d’autant plus aisément les qualités propres de chacun jusqu’à créer des affinités interpersonnelles, d’humains danseurs/créateurs à humains danseurs/créateurs quels que soient leurs « statuts ». Ainsi chaque projet ambitionne la constitution d’une « nouvelle compagnie » réunie par les enjeux artistiques du projet de création chorégraphique commun, partagé et non au service d’objectifs thérapeutiques. Enfin, pour que chaque projet puisse trouver sa juste place au sein du parcours des personnes détenues comme au sein de la vie de la détention jusqu’à son aboutissement dans une écriture artistique partagée avec un public, il est indispensable qu’il soit accompagné et soutenu par le coordinateur culturel de la détention. En effet ce dernier, du fait de sa fine connaissance du fonctionnement de la détention, des impératifs liés aux règles pénitentiaires et des personnes détenues susceptibles de s’impliquer dans une démarche de création chorégraphique est le partenaire incontournable de tout projet artistique en milieu carcéral.

Brigitte Hyon : Tu nommes très souvent la règle des « 4C ». Pourrais-tu développer cet acronyme afin qu’il soit plus facile pour nous de comprendre tes fondamentaux ?

Claire Jenny : Cette règle de conduite que j’ai établie au fur et à mesure des projets que j’ai conçus et menés cadre mes enjeux fondamentaux dans la conception et la mise en œuvre de projets d’éducation artistique et culturelle. Voici comment je la définis aujourd’hui :

Corps : Car la danse l’implique évidemment, totalement. Ce que j’ai largement développé lors de la question numéro 2 de cet entretien.

Contexte : prendre en compte le contexte du projet (école, conservatoire, hôpital, prison…). Le connaître finement pour mieux l’appréhender, le travailler, le détourner, le nier, s’y opposer… en conscience ou y adhérer en dehors de toute instrumentalisation. Déployer l’enjeu partenarial.

Chaque projet exige des actions pensées, discutées, conçues et partagées par les différents acteurs. Et dans les phases de co-construction partenariales, les potentielles discordances, voire les tensions entre les points de vue et objectifs de chacun paraissent même être des garants de projets au cœur du sensible et du vivant. Car les discussions qu’elles engendrent et les « pas vers l’Autre » qu’elles opèrent sont sources d’actes créatifs qui n’appartiennent à personne en particulier mais au projet partagé. Par exemple, dans le cadre de projets d’éducation artistique et culturelle à l’École, il serait naïf de considérer que les objectifs des artistes, des enseignants et des partenaires culturels vont aisément se rencontrer. Nos univers respectifs ne nous invitent pas forcément à l’intime connaissance des enjeux propres à nos pratiques professionnelles différentes. C’est pourquoi nous avons besoin de nous rencontrer, de nous éduquer aux impératifs de l’autre afin d’aiguiser notre identité et de définir nos rôles dans l’ajustement du projet commun. Dans cette démarche de co-construction partenariale, nous tentons d’apporter un soin particulier à la façon dont nous nous immisçons dans chaque contexte, à la manière dont nous rencontrons les personnes, à nos échanges avec elles :

  • Jusqu’où nous autorisons-nous à réaménager, transformer les espaces/temps, les activités,

  • Jusqu’où le temps de la rencontre ou du projet partagé s’étire ou se resserre : de la surprise d’un unique impromptu dansé professionnel à vivre ensemble un processus de création ambitieux sur le long terme,

  • Jusqu’où les liens entre notre démarche de création artistique professionnelle occurrente et le projet de création partagée s’opèrent.

Concept : contribuer à clarifier la différence entre la danse d’auteur et la danse à vivre. Être le passeur des œuvres de l’art et de l’actualité de la danse et des autres arts, participer à la construction d’une culture chorégraphique et artistique éclairée. Aujourd’hui, il est essentiel que chaque projet d’éducation artistique et culturelle opère des rencontres avec la culture de l’art de la danse et des œuvres « vivantes » de l’art chorégraphique. Pourtant, ce n’est pas toujours le cas. Comme s’il suffisait d’éprouver le « faire » de la danse. Cela n’a aucun sens, les différents acteurs impliqués dans un projet doivent relier et situer leur démarche dans l’histoire et l’actualité de l’art. La danse est un langage. Elle n’existerait pas en dehors de l’ambition de s’adresser à… et d’être reçue par… Dans ce sens, la Compagnie Point Virgule étaye ses projets d’éducation artistique et culturelle par des ateliers du regard : iconographies, sources sonores et/ou vidéos d’extraits d’œuvres de la danse et des autres arts. Nous les concevons en lien avec les enjeux de chaque projet, les fondamentaux de notre démarche artistique et les contenus de l’activité des personnes impliquées dans le projet. Nos actes de transmission des expériences dansées professionnelles que nous avons traversées au cours de nos parcours (elles-mêmes empruntes de celles qui les ont précédées) s’appuient sur une culture chorégraphique éclairée, recherchée, travaillée et partagée par l’ensemble des artistes qui m’accompagnent. Pour ma part, baignant dans la danse contemporaine depuis de nombreuses années, j’éprouve inlassablement la nécessité de partager mon vécu d’un pan important de l’histoire de cet art en perpétuelle évolution.

Créativité : éviter toute réitération de projet, de processus. Inventer et questionner aussi souvent que possible les contenus et leur mise en œuvre, outre les temps essentiels de pratique artistique, créer une multitude d’autres modalités de rencontre entre l’art de la danse et les publics. Pour moi, chaque projet défini dans ses enjeux et ses contenus doit aussi penser son organisation spatio-temporelle en cohérence. N’importe quel contenu ne peut s’accomplir dans une organisation figée du type : tout projet se déroule sur l’ensemble de l’année scolaire ou de la saison culturelle, avec « x » heures d’intervention artistique, réparties régulièrement (comme le propose beaucoup de cahiers des charges des dispositifs de soutien financier des projets d’éducation artistique et culturelle…). Et dans les phases de co-construction partenariales comme de réajustements voire de réinventions du projet, chaque acteur impliqué doit avoir la latitude de proposer toutes sortes d’organisations et de modalités pour servir le déploiement de contenus artistiques singuliers.

Brigitte Hyon : Nous avons eu l’occasion de nous croiser sur des formations au regard de l’éducation artistique. Je pense que le contexte a évolué, depuis le moment des formations interministérielles jusqu’à ce qui se passe actuellement. Pourrais-tu parler de ce que tu mets en place en collaboration avec l’Atelier de Paris / Centre de Développement Chorégraphique National, sur le plan des formations, de leur philosophie et des acteurs que vous cherchez à réunir autour de ce projet ?

Claire Jenny : Je ne reviendrai pas ici sur les origines et la philosophie de la danse à l’école impulsées par le Pôle national de ressources Danse au Cœur (Chartres) notamment dans le cadre des formations interministérielles qu’il organisait. J’ai d’ailleurs participé à trois d’entre elles. Siégeant au Conseil d’administration de cette structure, j’ai alors collaboré à la réflexion sur les enjeux en construction de ce que l’on nomme aujourd’hui l’éducation artistique et culturelle en danse. Et malheureusement, aucun autre établissement ne porte aujourd’hui cette dynamique nationale.

Depuis quelques années, je collabore avec des structures culturelles attentives à la qualité et à l’ambition des projets d’éducation artistique et culturelle qu’elles pilotent. C’est ainsi que j’ai coordonné les axes artistiques du projet danse à l’école du Prisme à Saint-Quentin-en-Yvelines de 2010 à 2017 (réunissant environ vingt-cinq projets danse à l’école de la maternelle au lycée et une, voire deux résidences territoriales artistiques et culturelles en milieu scolaire par saison). Depuis 2017, je conseille artistiquement le projet d’éducation artistique et culturelle de l’Atelier de Paris / CDCN en milieu scolaire et au-delà (détentions, hôpitaux psychiatriques, Esat…).

Ce rôle singulier, quasi inexistant aujourd’hui dans le long terme au sein des organigrammes des structures culturelles, me tient à cœur. Il ouvre des espaces/temps de réflexion et d’invention de transmission artistique essentiels, menés dans la cohérence des enjeux que tout projet d’éducation artistique et culturelle devrait activer. Il permet que les dimensions artistiques et culturelles de chaque projet soient prises en compte au même titre que les aspects éducatifs ou sociaux ou de soins. Ce rôle consiste à impulser des expérimentations partenariales qui prennent en compte les postures, compétences, objectifs et prérogatives propres aux artistes (chorégraphes et danseurs), aux enseignants, aux travailleurs sociaux ou soignants, aux structures culturelles et leurs services des relations publiques ou de médiation. Chacun croisant ses savoirs, ses savoir-faire et ses savoir-être au service d’une pensée partagée et de tous les fondamentaux du projet : la pratique artistique, la pratique culturelle, la relation aux œuvres et des temps réflexifs.

Outre ma collaboration artistique à la réflexion et la conception partenariale de chaque action, ma mission de conseil au sein du projet global de l’Atelier de Paris / CDCN consiste à inventer des formats visant à ce que l’ensemble des projets conduits se rencontrent et se relient autour d’une perspective commune en lien direct avec le projet artistique de la structure, plus vaste et ambitieuse que le simple feuilletage des divers projets (souvent définis par leur format, lui-même induit par le cahier des charges des divers financeurs). Comment mettre en relation les projets les missions premières de l’Atelier de Paris / CDCN : lieu de formation et de fabrique de la création professionnelles et de l’art chorégraphique ? Comment créer des espaces/temps de rencontres et de pratiques partagées entre tous les groupes concernés et activer/animer des temps réflexifs réunissant tous les acteurs impliqués dans les projets d’éducation artistique et culturelle de ce CDCN ? Misant sur le long terme, je m’efforce de faire cheminer chaque participant de l’imprégnation à l’appropriation, à la transmission à différents niveaux, celui du projet, celui de la structure culturelle, jusqu’à l’inscription dans le territoire.

Enfin, dans le cadre de ma mission au sein de l’Atelier de Paris / CDCN, je conçois et dirige une formation depuis trois ans, intitulée De l’art chorégraphique à l’innovation de projet d’éducation artistique et culturelle. Elle est ouverte à toute personne désirant mener des projets d’éducation artistique et culturelle en danse : artistes chorégraphiques professionnels, professeurs de conservatoire, enseignants, professionnels des métiers de la culture – chargés des relations publiques et médiateurs –, de l’éducation et du champ social, élus et autres professionnels susceptibles d’être prescripteurs d’action culturelle. Cette formation aborde différents aspects comme ceux de la conception et de la méthodologie de projet de transmission de l’art chorégraphique dans le cadre de projets d’éducation artistique et culturelle au sein de l’école et de milieux spécifiques. Au travers de temps pratiques et réflexifs se nourrissant de la rencontre des expériences et des vécus de chacun, cette formation fonde un savoir partagé, actif et évolutif et apporte des clés de compréhension pour se positionner, penser, construire, élaborer et mener des projets d’éducation artistique et culturelle. En lien direct avec le projet de l’Atelier de Paris / CDCN, cette formation invite des créateurs reconnus pour leur expertise dans le champ de la transmission de la danse et/ou soutenus par cette structure dédiée à la création chorégraphique à partager leurs expériences de projets de rencontres et de pratique artistique avec les publics. En dehors de toute « recette » ou outils pré formatés, elle invite chaque participant à :

  • développer une posture d’accueil et de respect de l’altérité,

  • identifier et cerner les contours de sa fonction spécifique dans le projet pour éprouver les notions essentielles de partenariat, évitant ainsi la confusion des rôles,

  • se questionner sur les contenus à transmettre avant de se poser la question de comment transmettre,

  • s’autoriser toute latitude à proposer et innover dans les contenus comme dans les formats et modalités de projet,

  • s’appuyer sur la philosophie de la danse à l’école pour déployer les questionnements que peuvent engendrer d’autres contextes de projets. Par exemple, quels partenariats imaginer en détention en regard des objectifs explicites ou tacites de l’institution carcérale, de ses lieux de privation de liberté… ?

L’ensemble de mon parcours et particulièrement ces missions plus récentes de conseil voire de coordination artistique et de formation de formateurs m’amène à rencontrer divers acteurs de l’éducation artistique et culturelle en danse. Ensemble, nous croisons nos enjeux, nos expériences, nos réflexions et nos expertises. Une potentielle dérive, souvent impulsée par la confusion des rôles de chacun dans le projet et par une institutionnalisation de leurs formats, s’intensifie. Ainsi, les contenus artistiques ne semblent plus toujours être la prérogative des artistes ni être au cœur des projets. L’invention/innovation de leurs modalités spatio-temporelles ne constitue pas fréquemment un aspect essentiel du projet. Bien souvent les danseurs sont instrumentalisés. Ils peinent alors à trouver les espaces/temps pour être entendus, pour que leurs démarches artistiques singulières portées par leurs expériences sensibles d’interprètes et/ou d’auteurs soient discutées. Par exemple, ils peuvent être sollicités pour mener des projets dont la thématique et les modalités ont déjà été décidées par d’autres (par des structures culturelles elles-mêmes contraintes par des dispositifs de financement comme par des enseignants, soignants, travailleurs sociaux…). Or, seuls ces derniers sont à même de proposer un territoire d’actes artistiques, poétiques voire philosophiques dans lequel l’être se construit, par lequel l’être se construit. Ces nombreux créateurs de la danse qui travaillent et activent aujourd’hui une démarche artistique professionnelle emprunte d’écoute, d’empathie, d’ouverture et de déplacements déploient pourtant des processus de création qui peuvent constituer des actes de transmission en eux-mêmes, par eux-mêmes…

Il paraît donc essentiel que les enjeux artistiques, les processus de création sans cesse renouvelés qu’ils déploient et les créateurs qui les portent restent le cœur des projets d’éducation artistique et culturelle voire qu’ils le redeviennent. Fort de son parcours, de son identité singulière et des perspectives qu’il trace, l’artiste chorégraphique doit trouver voire retrouver toute latitude à réinventer et à questionner régulièrement sa pratique dans la réflexivité avec l’ensemble des acteurs impliqués. La pérennité de cette collaboration inscrite sur le long terme, à l’instar de ce que m’offre l’Atelier de Paris / CDCN dans le cadre de mes missions de conseils, de coordination et de formation, devrait exister dans chaque lieu développant un projet de transmission de l’art chorégraphique. Ce partenariat réflexif ancré sur les projets de terrain constituant le garant de l’émergence de démarches d’éducation artistique et culturelle ou l’ensemble des personnes concernées s’approprie la globalité de la démarche, la travaille, la transforme, la déplace.

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Notes

1 Cf. JENNY Claire, « Danses partagées », conférence dansée numérique, 2021, [en ligne], https://vimeo.com/user6221950, page consultée le 22 novembre 2022.

2 LE BRETON David, L'adieu au corps, Paris, Métailié, « Suite essais », 1999, p. 21.

3 Extraits de la présentation du projet :
« Respirations / Histoires digitales mettent en lumière l’intensité des expériences humaines et artistiques éprouvées au cours de ce processus de création partagé. Comment chaque personne impliquée, qu’elle soit détenue ou non, chemine vers des enjeux d’expression artistique, vers la liberté de concevoir, expérimenter et innover de façon collaborative.
Respirations / Histoires digitales retracent les fondamentaux de la démarche artistique de la Cie Point Virgule qui garantit des actes de création pensés, inventés, discutés, conçus et partagés par les différentes personnes impliquées dans la coopération, chacun croisant ses savoirs, ses savoir-faire et ses savoirs être au service du projet. Elles relatent les enjeux de rencontre et de partage avec l’Autre, celui du "dedans" et celui du "dehors", qui propulsent les corps de tous les acteurs impliqués dans des déplacements, au sens propre comme au sens figuré et construisent d’autres perceptions et vécus de soi, des autres.
Respirations / Histoires digitales constituent le dernier opus de la recherche menée par Sylvie Frigon et Claire Jenny depuis plus de dix ans sur l’impact de la création chorégraphique en milieu carcéral, à la lisière de la science et de l’art. »

4 FRIGON Sylvie, JENNY Claire, Chairs incarcérées, une exploration de la danse en prison, Montréal, Les éditions du remue-ménage, 2009.

5 Liens vers les quatre vignettes vidéos réalisées : FRIGON Sylvie, JENNY Claire, LARGE-BESSETTE Ludivine, « La découverte », 2021, [en ligne], https://vimeo.com/670832720, « Vers l’apaisement », 2021, [en ligne], https://vimeo.com/670806936, « Le groupe entre Bienveillance et célébration », 2021, [en ligne], https://vimeo.com/673944338, « Accomplissement, dépassements et résonnances », 2021, [en ligne],https://vimeo.com/675499748, page consultée les 22 novembre 2022.

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Pour citer cet article

Référence électronique

Brigitte Hyon et Claire Jenny, « La création artistique au centre des projets d’éducation artistique et culturelle »Recherches en danse [En ligne], 11 | 2022, mis en ligne le 01 décembre 2022, consulté le 29 février 2024. URL : http://journals.openedition.org/danse/5460 ; DOI : https://doi.org/10.4000/danse.5460

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Auteurs

Brigitte Hyon

C’est en tant que danseuse et chorégraphe que Brigitte Hyon a fait partie des Ballets modernes de Paris dirigés par Françoise et Dominique Dupuy. Elle a créé la compagnie « Libre Parcours » en 1982. Personne-ressource pour la danse à l’école, elle a dirigé de nombreux projets de danse à l’école et danse au collège. Directrice artistique et pédagogique des Rencontres internationales de danse contemporaine de Paris (RIDC) de 1986 à 2009 puis directrice du département Formation et pédagogie/éducation artistique et culturelle du Centre national de la danse (CN D) de Pantin de 2009 à 2016. Depuis 2017, elle continue à collaborer en France et en Colombie à des projets de formations de formateurs tant pour l’éducation artistique et culturelle, que pour le diplôme d’État de professeur de danse.

Articles du même auteur

Claire Jenny

Claire Jenny crée des pièces pour le tout public comme à destination du jeune public. Elle déploie un questionnement sensible sur le devenir de l’humain au travers du mouvement. Depuis 1995, elle mène des projets de créations partagées en milieu carcéral au sein de prisons françaises et québécoises et co-écrit Chairs incarcérées : une exploration de la danse en prison avec Sylvie Frigon (2009). Personne-ressource pour la danse à l’école, elle pilote des projets d’éducation artistique et culturelle dans divers contextes. Elle transmet son expertise empreinte de son riche parcours dans le cadre de ses missions de conseil, coordination et formation de formateurs qu’elle conçoit et qu’elle dirige.

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