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La parole comme acte de mémoire et dans l'histoire

« Comment cette matière de vie devient autre chose ». Un entretien d’histoire orale autour des débuts de la scène de danse lausannoise

Fabienne Berger et Julia Wehren

Résumés

L’entretien d’histoire orale donne la parole à la danseuse et chorégraphe Fabienne Berger, figure phare des débuts de la danse contemporaine en Suisse, toujours active aujourd’hui. Son parcours dans la danse a suivi un chemin fragmenté. Enfant, elle passe un séjour marquant en Australie, puis, adolescente, se lance dans le militantisme politique de gauche et féministe. Des expériences décisives la mènent aux États-Unis pour étudier la danse et les pratiques somatiques en autodidacte. De retour à Lausanne, elle se lance dans la création et fonde, en 1985, sa propre compagnie. L’entretien met l’accent sur l’autoréflexion de son parcours et de sa position en tant que chorégraphe sur une scène suisse encore en formation. Il fait partie d’une collection d’entretiens d’histoire orale réalisés à l’université de Berne lors d’un projet de recherche sur les sources autobiographiques. Pour la publication, l’entretien a été raccourci et rédigé par les autrices.

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Texte intégral

  • 1 Le projet Telling memories. Oral history methods in dance, mené par Julia Wehren, fait partie du pr (...)

1Dans le cadre du projet de recherche Telling memories. Oral history methods in dance1, l’entretien a lieu en 2020 à Promasens, un village de la campagne fribourgeoise où vit la chorégraphe et danseuse Fabienne Berger (*1953). Son atelier est installé dans les combles d’une ancienne ferme, entourée de forêt et de terres agricoles, à quelques kilomètres de Lausanne, ville où est née la chorégraphe et où sa carrière artistique commence au début des années 1980. Suivant des trajets qui la font voyager sur différents continents et embrasser des préoccupations politiques et sociales, la chorégraphe va finalement diriger une des premières compagnies de danse indépendantes en Suisse à partir de 1985. Ses expériences reflètent le parcours d’une vie de danseuse et chorégraphe singulière qui continue d’évoluer aujourd’hui. Lors de l’entretien, Fabienne Berger laisse ses réflexions faire des méandres dans le temps, les espaces, le quotidien et le chorégraphique, tout en tissant des liens avec des mouvances de vie et des mouvements artistiques. Les thèmes récurrents sont sa relation avec les autres et l’environnement, ainsi que son autonomie en tant qu’artiste.

Fabienne Berger, Vidéostill de l’entretien dans son atelier en 2020

© Université de Berne/SAPA

Julia Wehren : Tu es actuellement en train de réaménager ton atelier tout en préparant une nouvelle pièce, le duo Signes. C’est un bon moment pour jeter un coup d’œil à l’histoire de ta vie d’artiste et à ta façon de travailler et de créer. J’aimerais commencer avec un regard en arrière : comment ton histoire avec la danse a-t-elle commencé ?

Fabienne Berger : En fait, je dois dire qu’avant de danser, j’ai eu une enfance. Et que je suis le résultat d’un drôle d’alliage. Mon père était mécanicien, fils de cheminot syndicaliste, et ma mère juive-hongroise, réfugiée en Suisse et apatride, venant d’une petite bourgeoisie aisée. Je suis née dans cette configuration qui était déjà un paradoxe en soi, si je peux dire. Je suis constituée de ce paradoxe, ma danse y compris.

Julia Wehren : Est-ce un paradoxe entre les cultures, les contextes familiaux ?

Fabienne Berger : Entre les cultures, les différences sociales et les deux façons fondamentalement différentes de voir le monde. En tant qu’enfant, cela m’interpelait, me questionnait. De plus, j’étais souvent en pension dans des familles, pour que ma mère puisse travailler. Ensuite, il y a eu les années en Australie. J’avais six ans, nous sommes partis de Gênes, avec le bateau, via l’Inde, pour Sidney, et j’ai des images très nettes de ce trajet. Là, déjà comme enfant, j’ai appris que le monde n’était pas uniforme, ni égalitaire. L’Australie était une expérience déstabilisante et enrichissante. J’y ai vécu des tensions, des chocs visuels et émotionnels qui m’ont constituée et ont infusé ma danse tout au long de mon parcours. Par exemple, que ce n’est pas parce que quelque chose ne se voit pas que cela n’existe pas. L’Australie existait-elle après que je l’ai quittée ? Je suis aussi habitée depuis longtemps par la notion de corps au sol et corps debout. Tout mon travail se situe entre ces deux pôles de l’état d’être au monde : D’un côté, comment tenir debout sans s’agripper ? Comment évoluer dans l’espace de manière fluide, réactive et intégrée ? Et de l’autre, qu’est-ce qu’un corps au sol dans tout ce qu’il contient comme image inconsciente ? Comme la mort, l’amour, le bien-être : les références sont si vastes ! J’ai pris conscience il y a peu que ces éléments formaient mes fondamentaux comme artiste.

Demain (1996) de Fabienne Berger. La peur confrontée : les danseurs en quête d’un sentiment-expérience

© Mario del Curto

Julia Wehren : As-tu-déjà été en contact avec la danse à cet âge ?

Fabienne Berger : Avant de partir en Australie, je faisais un peu de classique à Lausanne ; comme petite fille, j’aspirais au ballet. Mais déjà à cet âge, il y avait des aspects qui me mettaient mal à l’aise, comme la manière dont on nous forçait dans les positions. Ensuite, à Sydney, c’était compliqué de faire de la danse, à cause des distances et du coût financier ; en outre, les cours classiques étaient très rigides. Je n’y suis pas allée longtemps. Ces années sont marquées par des déracinements constants. L’arrivée à l’école (encore sous le Commonwealth) signifiait apprendre une nouvelle langue, tous les codes, les usages… s’adapter, quoi. Cela m’a incitée à me construire moi-même, à trouver une manière de créer cette personne sur terre que je suis. Puis le retour en Suisse à l’âge de neuf ans a été comme revenir dans un autre pays. Ma sœur et ma mère sont restées en Australie, alors que mon père et moi sommes rentrés pour tout recommencer. La question de reprendre la danse ne se posait tout simplement pas. Au retour de ma mère et de ma sœur plus tard, quelque chose s’est reconstruit, et j’ai pu de nouveau avoir accès à des cours de danse. La danse qui me paraissait la plus ouverte à l’époque, c’était le modern jazz. La danse contemporaine n’existait pas dans mon univers. Aujourd’hui, j’imagine, je demanderais à faire du hip-hop ou du krump !

Julia Wehren : Avais-tu déjà une idée de la danse en tant qu’art de la scène ? Même peut-être en tant que profession ?

Fabienne Berger : Non, j’étais dans l’expérience empirique. Lorsque je suivais les cours du chorégraphe Raoul Lanvin Colombo, j’ai intégré son petit groupe de semi-professionnels qui dansait pour la télévision et dans des galas. À côté de ça, je montais des petites chorégraphies avec une des élèves, Suzanne Reichenbach, et on tournait dans les salles communales. On dansait sur Aretha Franklin, Otis Redding… La musique était déjà très importante. J’avais quinze, seize ans, j’y trouvais de l’aisance, il y avait quelque chose de fort qui se mettait en place. Or dans les cours de jazz, j’avais une difficulté avec le cadre, et Raoul Colombo me disait souvent : « Fabienne, le chorégraphe, ici c’est moi ! » Autour de cet âge, il y a eu une première rupture – ce que j’appelle un clash – puisque mon univers s’est complètement ouvert. J’ai rencontré des gens qui militaient, la plupart vivaient dans des communautés. On était dans les années 1970, dans la mouvance de 1968, le mot « liberté » infusait tous les pores de la peau. L’avenir était devant nous, et à nous. On voulait changer les codes de pensée et de vie. À Lausanne, cela infusait la jeunesse, notamment autour du mouvement CAC, le Comité d’Action Cinéma, qui, au départ, revendiquait des places de cinéma moins chères. C’était une période d’utopie, on pouvait s’imaginer changer le monde, par la politique, par l’économie.

Julia Wehren : À l’époque, tu t’es lancée corps et âme dans l’activisme politique. Quelles étaient tes actions ? Et quel rôle jouait la danse là-dedans ?

Fabienne Berger : La période militante dans ma vie a duré neuf ans, à un âge où d’autres commençaient à se lancer dans leurs études et leurs professions. Cela m’occupait beaucoup, jusqu’au point où il n’y a plus eu de place pour la danse. Je me suis engagée dans une organisation militante de gauche ; cela impliquait des réunions tous les soirs pour organiser des actions et des manifestations, des actions comme distribuer des tracts devant les usines, organiser des marchés libres, des grèves, etc. Bien sûr, il y avait des conflits d’idées autour des modèles et des moyens pour changer le monde. Aujourd’hui, quand je vois la jeunesse se rassembler autour de la grève du climat, cela me fait revivre ces mobilisations. J’y participe d’ailleurs. À cette période, je suivais des études en sciences sociales et politiques à l’université de Lausanne, mais je ne trouvais pas de lien avec la réalité que je percevais autour de moi. Pourtant, j’adore tellement m’instruire. Mais je voulais être plus proche du terrain, avec ceux qui sont exploités. J’ai quitté l’uni pour aller travailler en usine, comme ouvrière. Assez vite, la danse est entrée en conflit avec mes engagements. Je travaillais tard ; j’arrivais aux cours ou aux répétitions les yeux endormis. Raoul Lanvin Colombo m’a dit un jour : « Fabienne, tu choisis entre la politique et la danse. » J’ai choisi la politique. Du coup, la danse, je l’ai mise dans un placard, pour neuf ans. Sauf de temps en temps, dans ma chambre, je dansais.

Julia Wehren : Est-ce qu’il y a eu un élément déclencheur qui a conduit à la décision d’arrêter finalement l’activisme ?

Fabienne Berger : J’ai eu plusieurs moments de questionnement. Lors d’un voyage organisé en Chine, j’ai réalisé que je percevais des choses qui dérangeaient mes convictions, c’étaient des sensations indéfinissables. Un autre moment fort s’est produit avant, lorsque j’étais ouvrière dans une usine de montres. La réalité est entrée en conflit avec mes théories : les ouvrières, moi incluse, ont été licenciées, et une grève était envisagée, mais, pour ces femmes, retrouver un boulot était vital. J’avais à comprendre qu’on ne peut pas parachuter des idées dans une réalité, que les réflexions qui émanent de la vie et les concepts qui s’en détachent sont parfois coupés du réel. Cela a été une expérience hyper forte.

Julia Wehren : Comment la danse est-elle réapparue dans ce contexte ?

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Fabienne Berger : Aujourd’hui, je réalise que tout changement dans la vie ne se produit pas de façon linéaire. Ce qui est nouveau, monte en surface, redescend, puis remonte, etc. Et soudain, « paf », il se passe un truc qui fait que l’on change, c’est insidieux. Avec la distance, on prend conscience du processus. J’étais encore militante lorsque j’ai repris des cours de danse. Elle était en train de revenir par la petite porte. Ma deuxième époque de danse commençait en coulisse si je peux dire. J’avais vingt-quatre ans. J’ai voulu recommencer à zéro. Je suis allée prendre des cours de danse pour débutants à la Migros2, ce qui m’a fait remonter sur scène comme élève. Plus tard, j’ai rencontré Dominique Genton, une chorégraphe, qui faisait alors référence à Lausanne. Elle avait développé son propre langage, menant de front production et tournées, recherche et pédagogie, ce qui était tout à fait singulier en ce temps-là. Or, déjà à l’époque, je me questionnais sur la pratique de la danse contemporaine. Venant du jazz à l’origine, où le rapport au rythme et à l’espace est très différent, la démarche de Dominique Genton me fascinait tout en me déconcertant, par certains aspects que je trouvais contraignants. Trois ans plus tard, au retour de mon séjour à San Francisco, j’ai commencé à donner des cours et à monter mes « essais » chorégraphiques avec mes élèves, ce qui a intéressé la programmatrice danse du Festival de la Cité de Lausanne, Gyslaine Delaunay. Soudain, mes pieds foulaient le plateau, embarquant toute ma vie dans la création.

Julia Wehren : La scène indépendante en Suisse était en train de naître ; il n’y avait pas encore de structures ni de réseaux, encore moins de soutien financier dans ces années 1980. Comment s’est construite cette vie d’artiste pour toi ?

Fabienne Berger : Tout d’abord, il faut situer les choses. Après ma période militante, j’ai ressenti le besoin immense de quitter la ville. Avec mon compagnon, Xavier Munger, nous avons déménagé dans une vieille ferme au confort rudimentaire. J’ai appris à faire du tissage, j’achetais de la laine, je la cardais et j’en faisais des vêtements. Cependant, la danse continuait doucement de remonter. Un événement personnel a précipité mes choix, la mort de mon père. J’ai alors décidé de consacrer ma vie à ce qui est devenu essentiel : faire de la danse mon métier. J’ai quitté mon emploi au service informatique de l’École Polytechnique Fédérale de Lausanne et j’ai réalisé que j’avais toute une formation en danse à rattraper. En Suisse, il n’existait rien. Alors, avec le petit héritage légué par mon père (par la vente des machines de son atelier mécanique), j’ai décidé de partir pour San Francisco et Berkeley, là où était née la révolution musicale et intellectuelle du mouvement hippie, pour voir ce qu’il restait de cette mouvance. Là-bas, comme je n’avais pas trouvé d’école qui me correspondait, parce que soit trop monolithique, soit trop chère, j’ai organisé ma formation un peu à la carte et me suis concentrée sur certains cours. À côté de cela, j’avais de petits jobs pour renflouer ma somme d’héritage. J’aime bien me dire qu’en fait le métier de danseuse et chorégraphe, je me le suis offert. J’ai approché les techniques Limòn et Horton, avec de grands professeurs, mais ceux qui m’ont le mieux accompagnée n’étaient pas très connus, comme Louis Gonzalès ou Paul Scardina. Ils étaient généreux, ils incitaient à l’écoute du corps. J’ai hésité à rester aux États-Unis, je m’y sentais libre, mais il y avait quelque chose qui me manquait : les racines que l’on ressent en Europe. Je suis rentrée en Suisse, avec le but, vraiment déterminée, de faire de la chorégraphie.

Julia Wehren : Quand tu es retournée à Lausanne, pouvais-tu compter sur des liens dans le milieu de l’art pour démarrer ton parcours ? Existait-il déjà une sorte de scène de la danse ?

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Fabienne Berger : À l’époque, Dominique Genton, toujours sans soutien, était en train de s’essouffler. Mais il y avait le Collectif Danse qui se battait pour avoir des possibilités de production3. C’est dans ce contexte que la danse contemporaine débutait à Lausanne. Aujourd’hui, il ne reste que Philippe Saire et moi. On se côtoyait, mais on avançait chacun sur son chemin. Je donnais des cours, je construisais des esquisses de pièces avec mes élèves, et c’est comme ça que les choses ont commencé. Le Festival de la Cité jouait un rôle essentiel en offrant une plateforme aux artistes émergents, un terme qui n’existait pas encore. Ce concept ne faisait même pas partie de notre identité. Tout était beaucoup moins marqué, moins professionnalisé, mais en contrepartie, tout était plus ouvert, il y avait moins de contraintes, de critères, de courants esthétiques dominants aussi. On travaillait d’une manière plus insouciante qu’aujourd’hui. Actuellement, je me demande comment on peut être libre quand on se lance dans le métier puisque les orientations esthétiques sont plus cadrées. Il y a peu d’espace hors influence en solitaire, de recul. Alors qu’une forme de solitude, je pense, est nécessaire pour se construire. Moi, j’ai beaucoup cherché seule. Quand je suis revenue de San Francisco, j’ai réalisé que c’était bien d’être passée par là, mais ce que j’avais appris ne me constituait pas. J’avais besoin de trouver un mouvement qui me soit propre, une gestuelle qui n’existait pas. Peut-être que c’est une forme d’orgueil… Mais j’avais vraiment cette ambition d’inventer un langage. J’ai cherché dans le mouvement régénérateur d’Itsuo Tsuda4, le qi gong, l’aïkido, le yoga, dans ces disciplines qui proposaient un rapport au corps plus holistique. La danse contemporaine que je connaissais de l’époque était plus attachée à la maîtrise de telle ou telle technique. Je trouvais aussi que le corps était trop malmené, c’est ce qui m’a motivée à chercher ailleurs et autour. C’est bien plus tard que j’ai découvert Anna Halprin et le Body-Mind Centering de Bonnie Bainbridge Cohen, par exemple. Et là, franchement, je me suis dit : « Si j’avais su ! Si j’avais eu accès à ça à l’époque ! »

Julia Wehren : C’est un chemin assez solitaire que tu décris. Mais il y avait quand même d’autres chorégraphes à Lausanne à l’époque qui devaient être confrontés à des problèmes similaires. Il n’y pas eu d’échanges ou des rencontres, des collaborations ?

Fabienne Berger : À l’époque, je ne connaissais pas les personnes qui avaient les mêmes questionnements que moi. En tout cas, je ne les ai pas trouvées ou pas cherchées. Il y avait bien les livres, les journaux, les revues, mais pas de web, du coup, les livres ont été essentiels pour moi. Mais pourquoi n’ai-je pas fait le pas de chercher ? Je me trouvais un peu en dehors des références esthétiques, en autodidacte, même si je ne me considérais pas comme telle. Mon chemin était solitaire, mais je ne crois pas que j’en souffrais. Ça fait un peu partie de ma personnalité. J’étais déjà une enfant solitaire, parce que baladée de-ci de-là, en réadaptation constante. Alors je crois que c’est un mécanisme qui est resté. Chercher avec mes outils propres, chercher en moi, avec la limite que ça implique aussi.

Julia Wehren : Comment étaient les rapports au niveau de la politique culturelle ?

Fabienne Berger : J’ai toujours soutenu les engagements associatifs et j’ai été membre du conseil d’administration de la SSA (Société suisse des auteurs) et de sa commission culturelle durant vingt ans. Mais je manquais de disponibilité pour m’engager dans la politique culturelle. Développer la compagnie, qui avait peu de moyens, prenait tout mon temps. Il faut dire aussi, pour être honnête, que j’estimais avoir déjà donné ! Après neuf ans passés dans les mouvements politiques pour améliorer la vie des hommes et des femmes en société, j’avais besoin de rattraper le temps « perdu » pour construire mon travail de chorégraphe en compagnie. Je n’aurais pas su où trouver la force.

Julia Wehren : Y avait-il d’autres structures qui t’ont encouragée et soutenue au début ? Tu as mentionné l’importance des festivals pour démarrer en tant que chorégraphe.

Fabienne Berger : Comme tout le monde, j’avais besoin d’une forme de reconnaissance, ou de légitimité, pour faire le pas vers le métier de chorégraphe, sachant tout ce que ça signifie. Parce que franchement, la création, ce n’est pas simple ! Car on est constamment confronté au choix, et dans un contexte autodidacte, les outils sont à inventer, pour ne parler que de l’aspect artistique. Aujourd’hui, il y a des écoles comme P.A.R.T.S. ou le Centre national de danse contemporaine (CNDC) ou encore la Manufacture à Lausanne, et rares sont les chorégraphes autodidactes. À part Nacera Belaza, par exemple, dont la démarche me touche beaucoup. Pour m’aider à persévérer dans mon choix, il y a eu une confirmation déterminante : je me suis présentée au Concours international de chorégraphies de Nyon avec le solo Et l’autre (1983) pour avoir une sorte d’évaluation de mon travail, savoir si je courais après une chimère. Des chorégraphes comme Catherine Diverrès et Bernardo Montet s’y présentaient. Alors quand nous avons reçu le prix ex æquo en solo, le chorégraphe bernois Christian Mattis et moi, cela m’a donné un sacré coup de pouce pour oser faire le pas. Par la suite, il y eu le Symposium national de danse à Boswil (1986). J’y étais invitée en tant que jeune chorégraphe, avec la pièce Trop petite (1986). Le débat qui a suivi la représentation a été très violent. Des gens disaient : « Mais ce n’est pas de la danse ! » D’autres, au contraire, défendaient la pièce et prenaient fait et cause pour nous. Or, cette pièce a peut-être été l’une de mes pièces les plus personnelles. On la tenait dans notre cœur, sans aucune intention de provoquer, ni aucune revendication esthétique. C’est après cet évènement que l’on m’a attribué l’étiquette d’enfant terrible de la danse suisse. Ceci m’a collé à la peau pendant longtemps. Et Trop petite est devenue l’une de mes pièces fondatrices, avec Les Figurants (1988). Et puis, il y a eu les sélections de Bagnolet qui ont impulsé notre rayonnement international. Par deux fois, la compagnie a été finaliste aux Rencontres chorégraphiques internationales de Bagnolet-Paris, avec Instemps passe en 1985 et Les Figurants en 1988.

Trop petite (1986) de Fabienne Berger. Un trio pour persifler l’érotisme enfantin et pubertaire : ici Joelle Hediger et Fabienne Berger

© Mario del Curto

Julia Wehren : Tu as décrit la manière dont les déracinements t’ont forcée très tôt à trouver un équilibre, une stabilité en toi. Cette recherche se retrouve-t-elle dans les thématiques que tu as abordées ?

Fabienne Berger : Oui, elle s’est retrouvée au cœur de mes thématiques et dans ma pratique qui est obsédée par le principe du transfert de poids permanent. Dès le début, il y a eu cette question de comment être ensemble dans un contexte qui ne le permet pas ou ne le favorise pas. Mon esthétique se cherchait entre le figuratif et l’abstrait. Dans Et l’autre (1983), j’étais engloutie, au début, dans un grand manteau suspendu à un cintre, avec sur le visage un masque blanc. J’avais élaboré une gestuelle millimétrée et je sentais que je faisais quelque chose qui commençait à m’appartenir. Avec Les Figurants (1988), il y avait dans la gestuelle cette obstination d’avancer toujours et encore, dans un rapport au sol très puissant. Les liens entre les cinq interprètes que nous étions étaient intenses, un peu comme dans une bande de rockers, on travaillait tard le soir et on se levait tard. Cette énergie de tribu, à la détermination puissante, était très prégnante dans la pièce. Ce spectacle a tourné deux ans, avec la même équipe, sans moyens, on était payés à la représentation uniquement. Ce qui est inimaginable aujourd’hui.

Julia Wehren : Comment as-tu procédé pour développer tes créations ? Tu as créé des solos, des duos et des pièces pour des groupes assez grands, au sein d’une compagnie particulièrement constante.

Fabienne Berger : Cela se passait chaque fois un peu autrement. Dans le processus de Trop petite (1986), nous étions trois femmes d’âges différents. J’avais une forte connivence avec l’une d’elle, Lorette Schnewly-Curti, nos univers résonnaient. On cherchait ensemble des expériences sur l’état d’enfant à partir de quelques clés gestuelles que je leur proposais pour expérimenter des corps et des mémoires différents. Dans Les Figurants (1988), la première partie était très écrite, pas après pas et chronologiquement, comme cela se faisait beaucoup à l’époque. Tandis que la pièce Les Cavernes du ciel (1991) était exactement à l’opposé : l’écriture était plus diffuse, basée sur des images mentales et psychologiques que je mettais en scène. Les précisions chorégraphiques se dessinaient et s’inscrivaient progressivement dans les scènes. Le titre évoquait l’idée ou la sensation que, dans la lumière, il y a aussi du noir. D’immenses panneaux en alu reflétaient nos ombres. Ce n’est que plus tard que j’ai compris la référence à la philosophie de Platon et son questionnement sur la réalité. La pièce marquait le début d’une manière de composer qui faisait confiance à ce que l’on reçoit dans le champ de l’intuition, lorsque les corps sont ensemble et que toutes les gestuelles résonnent entre des corporéités différentes.

Julia Wehren : Peux-tu développer un peu ces différentes conceptions de l’écriture ? Ce sont des écritures corporelles ?

  • 5 Utilisé en Suisse pour pochoir, ici dans le sens d’un module pour l’improvisation.

Fabienne Berger : La chorégraphie, pour moi, au début du moins, était toujours une écriture corporelle, mais qui se développait dans un long processus. J’ai envie de dire que je travaillais sur des impressions des corps dessinés de l’extérieur vers l’intérieur, et l’inverse. C’est-à-dire que j’essayais de décrire des mouvements, des gestes de torse par exemple, qui progressivement devenaient très écrits, au sens de définis, en cours de création. Le développement de la gestuelle était un processus en commun, en répétition comme sur scène. Je proposais des sortes de « chablons5 » que les danseurs et danseuses investissaient, puis j’apportais des consignes ou des précisions qu’ils intégraient à leur tour, et on reprenait le tout à la fin. C’était un peu comme tricoter ! Puis, au fil de mon parcours, j’ai commencé à intégrer des plages d’improvisation comme processus de recherche, avec Les Figurants (1988) déjà. Plus j’avançais, moins j’écrivais le mouvement aussi précisément. Je développais des modules que j’ai commencé par la suite à transposer en dessins sur de petits cartons. Je traitais ces cartons comme un lexique que j’assemblais puis décomposais dans des puzzles éphémères. Cette pratique est devenue un outil de composition dont la base est toujours là pour l’instant. Comment la matière arrive au studio, comment elle se transmet et comment elle est travaillée ensuite pour devenir ce qu’elle sera, ce processus est un questionnement sans fin pour moi.

Les Figurants (1988) de Fabienne Berger. Cinq danseurs rendent hommage aux peuples affectés par la guerre

© Mario del Curto

Julia Wehren : Qu’entends-tu par « modules » ? Est-ce que ce sont des propositions gestuelles que tu apportes au studio ? Est-ce une manière de travailler et de faire passer tes idées à un groupe ?

Fabienne Berger : Ma démarche a évolué avec le temps, et cela se poursuit aujourd’hui. Le module est avant tout une grammaire, dont les règles peuvent changer, que le danseur s’approprie et restitue. Quand on improvise autour de thématiques, d’états, de données, de principes et de consignes, il se produit des choses subtiles dans le processus. Elles sont de l’ordre de la pensée mentale qui devient pensée physique. Comme des molécules qui circulent dans l’espace, dans les corps et les têtes. Je me rends compte que ma façon de faire s’est beaucoup basée là-dessus. Le travail se fait comme ça ! Cela demande une profonde attention de la part du danseur comme de moi-même. Ensuite, c’est devenu une pratique assez élaborée : je lance quelque chose en m’appuyant, disons, sur la capillarité de la matière qui circule parmi nous. Et j’orchestre les choses sur le moment, dans un mouvement d’allers et retours constants. Cette approche permet d’être dans l’instant, dans une sorte de lâcher prise à partir d’une matière donnée. C’est une forme d’obsession dans mon travail, parce je trouve qu’il y a une clé de liberté dans la présence. Cela me met tellement en joie lorsque je vois quelqu’un devenir plus qu’un danseur et prendre cette liberté d’être ! Voilà ce que je recherche. Cela va au-delà de la présence. Du coup, lorsque je propose un module, je lui donne en général un principe, des consignes et une trajectoire qui priment sur la forme. Le mouvement n’est pas dessiné précisément. Mais sa trajectoire intérieure est guidée. Tout module intègre cette constante au cœur de ma pratique : le principe du transfert de poids permanent. C’est ce qui donne cette liberté des pieds, cette détente des jambes, des articulations et ouvre la réceptivité et la motricité du torse dans tous ses espaces. Du coup, le mouvement naît sous la peau, dans les tissus profonds. C’est une sorte de dialectique constante du in and out, une hypermobilité du corps construit.

Julia Wehren : Quel est le rôle du dehors, des spectateurs dans ta démarche ?

Fabienne Berger : Lorsque l’on danse, il y a, selon moi, trois paramètres : d’abord soi, puis les danseurs avec qui l’on partage le plateau, et enfin ceux pour qui on est là – les spectateurs. C’est une triangulation qui devient de plus en plus importante dans mon travail. Je danse pour être en présence du spectateur, certes, mais comment l’approcher vraiment ? Un mot qui revient toujours plus souvent en moi ces temps, c’est l’empathie. Comment développer une conscience et des outils pour ça ? Autour de la respiration et de l’orientation de l’attention. Cela touche à la porosité du corps à son environnement, donc aux autres aussi. Sans valorisation narcissique. C’est ce qui m’intéresse plus précisément aujourd’hui. Et c’est dans cet esprit que la transmission m’occupe aussi maintenant. Comment transmettre aux autres des outils qui leur donnent accès à des clés de présence et de danse partagée ? Aujourd’hui, je suis en train de scruter mes mécanismes de travail et de cerner comment j’ai envie d’avancer : dans l’inspiration, dans la formulation et dans la manière de transmettre.

Signes (2021) de Fabienne Berger. Caroline de Cornière et Fabienne Berger interrogent le geste empathique

© Mario del Curto

Julia Wehren : On a parlé du processus, de la manière dont tu fais ressortir la gestuelle, le rapport aux spectateurs. Comment décrirais-tu ton langage chorégraphique au niveau esthétique ?

Fabienne Berger : Il évolue, forcément. Mais je suis toujours dans la quête de créer une danse à figure humaine. Sans référence académique. Ces temps-ci, je cherche à resserrer drastiquement ma matière pour faire ressortir ce qui fait écho à tout le monde : à partir de postures et de gestes extraits de la vie humaine, qui s’assemblent dans un enchaînement de figures pour devenir mouvement et dont les formes se complexifient toujours plus dans un rythme donné changeant sur la durée. Après, comment cette matière qui, au départ, ressemble à un geste de vie devient-elle autre chose ? C’est un peu mon leitmotiv : partir de l’ordinaire vers l’extraordinaire, du figuratif vers une forme d’abstraction, incarnée. Chaque création est un chemin vers cela. De là, il y a le désir de réunir une forme gestuelle investie par des corps différents, de manière dissemblable, et d’observer ce que ça génère au niveau émotionnel, au niveau de la perception du spectateur et, je dirais même, au niveau philosophique. Je suis fascinée par le fait de rassembler des danseurs faisant des choses qui sont reconnaissables et semblables, mais qui se manifestent de façon singulière chez chacun et chacune. Parfois, cela s’accorde et crée une masse, un chorus, presque un unisson, mais la singularité reste visible. C’est ce qui fonde ma démarche : comment le singulier se construit dans et avec le pluriel. Après, la formulation scénique peut beaucoup varier selon le propos. J’ai notamment longtemps associé de la vidéo live et enregistrée au mouvement sur scène. Or, dans cette période suspendue du Covid-19, je sens que quelque chose dans l’approche et la formulation est en train de changer en moi. Derrière ça, il y a la question du sens. Pourquoi faire spectacle aujourd’hui ? Qu’est ce qui nous motive, quelle est notre responsabilité vis-à-vis des spectateurs. Et pourquoi on est danseuse, pourquoi on est chorégraphe, pourquoi on mène une vie pareille !

Julia Wehren : Tu as souvent travaillé avec les mêmes danseurs pendant de longues périodes. Est-ce qu’il y a des aspects spécifiques qui expliquent ces collaborations étroites ?

Fabienne Berger : C’est une richesse de travailler avec des danseuses et danseurs matures, non pas au sens de l’âge uniquement, mais matures parce qu’ils connaissent leurs défauts, leurs qualités et qu’ils ne se sentent pas remis en question tout le temps. J’aime collaborer avec la même personne sur plusieurs spectacles, dans la continuité ou pas. Par exemple, pour Floating Tone (2011), il y avait Caroline de Cornière, Corinne Rochet et Anna Röthlisberger. J’avais déjà fait un petit parcours avec chacune. Toutes avaient une forte personnalité sur scène. La matière était propre à chacune, mais le principe et les consignes étaient les mêmes. Cela donnait une construction commune faite de matières singulières. On était dans le partage, très concrètement. C’est un peu boyscout dit ainsi, mais je trouve que c’est essentiel de le valoriser considérant ce qui nous arrive aujourd’hui. Tout au long de mon parcours, je me suis intéressée au mélange des êtres qui fourmillent tous ensemble. Or, pour fonctionner ensemble, il faut entrer dans une conscience commune. Cela permet d’évoluer ensemble dans une proximité extrême, dans la vitesse, mais le danger est transcendé, parce que l’on délègue sa physicalité à un cerveau qui appartient au groupe. En tant qu’interprète, vivre cette expérience est extraordinaire, presque spirituelle. Cela donne des ailes et de l’audace.

Floating Tone (2011) de Fabienne Berger. Corinne Rochet, Fabienne Berger et Anna Röthlisberger plongent dans la mémoire collective

© Mario del Curto

Julia Wehren : Comment as-tu travaillé avec les autres collaborateurs scéniques tout au long de ton parcours ?

Fabienne Berger : Dans les fidélités, j’ai aussi un parcours avec Dominique Dardant, qui crée la lumière de presque tous nos spectacles depuis 2005, et avec Mario Del Curto, qui photographie nos spectacles depuis Les Figurants en 1988. Et je n’oublie pas que ma compagnie, je l’ai portée avec le soutien de Xavier Munger. Des collaborations étroites se sont aussi tissées avec des compositeurs, comme Malena Sardi et Christian Garcia Gaucher. La musique joue un rôle très important dans ma vie et mon travail. Le processus de recherche s’est fait la plupart du temps en échange étroit avec elle. Dans le travail, développer la bienveillance et la franchise est quelque chose de fort et d’essentiel. Lorsque l’on est en création, tout est à vif, on voit nos défauts, nos travers, nos comportements. Cela demande un travail sur soi qui bouscule parfois. Créer implique de se remettre en question à un moment ou un autre. Cela rend fragile mais offre aussi des disponibilités à évoluer, à faire une des plus grandes expériences de soi. Tu m’as parlé de ma voie singulière : oui, j’adore travailler seule. Ce sont mes racines d’enfant. J’ai l’impression de pouvoir rester enfant. Dans l’atelier, je sens cette vastitude à la fois dans la liberté de recherche et dans l’exigence. Je peux avancer à mon rythme. Alors que, dans le même temps, je ressens la nécessité d’aller vers les autres. Le processus ne peut grandir qu’avec eux. Je suis individualiste, or j’ai besoin des autres.

Les arbres pleurent-ils aussi ? (2015) de Fabienne Berger. Margaux Monetti et Marie-Elodie Greco dans la scénographie de Sven Kreter

©stemutz

Julia Wehren : Tu vis à la campagne assez à l’écart de la vie culturelle, urbaine. Est-ce que cela affecte tes relations aux autres ? Et cela se reflète-t-il dans tes créations ?

Fabienne Berger : Longtemps, j’ai eu l’impression de devoir séparer mon rapport à la nature, mes questionnements, la manière dont je vivais ma vie ici dans la campagne, de ma vie de chorégraphe, de mon rapport au milieu, au métier. Peut-être que cela vient de mon ancienne vie de militante, qui était clandestine. J’ai toujours eu ce sentiment de cacher une des deux vies selon où j’étais. Le monde de la scène était très urbain, ses valeurs et ses esthétiques aussi. Je réalise que je menais comme deux vies en parallèle. Ma sphère d’inspiration oscillait entre ces deux mondes. Quand je vais marcher dans la forêt, ce que je vis avec les arbres, la faune, l’énergie qui circule, fait partie de mon intimité, de mon quotidien, et c’est absorbé là. La nature fait tellement partie de moi que j’ai dû petit à petit prendre de la distance pour la considérer comme un sujet de spectacle et l’intégrer consciemment dans ma vision du monde de la danse. J’observe que les jeunes chorégraphes d’aujourd’hui absorbent et abordent beaucoup plus naturellement les environnements non urbains, vu l’évolution du monde et la prise de conscience du dérèglement climatique. Récemment, depuis la mort de ma mère, j’ai remarqué des phénomènes dont je n’étais pas vraiment consciente avant. C’est assez impressionnant à découvrir. Je prends conscience des mémoires et des sensations qui sont inscrites dans nos cellules et traversent les générations. Y compris dans l’art, dans notre danse. Notre parcours, notre culture sont en nous. La danse que l’on produit est constituée de tout ce qui te traverses, même si tu ne le vois pas au début – ou jamais ! C’est comme un dessin qui se révèle au fil du temps. Lorsque l’on a fêté les 30 ans de la compagnie en 2015, j’ai réalisé la chance extraordinaire d’avoir pu nous développer sur une longue période : celle d’avoir le temps d’essayer, de se planter, d’essayer encore, de réussir, de se planter à nouveau, de sortir des pièces bien reçues, mal reçues, qui tournent, ne tournent pas. Et de traverser les courants. Il est rare de pouvoir faire ce chemin. J’aime l’idée que le métier de chorégraphe se construit sur la durée.

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Notes

1 Le projet Telling memories. Oral history methods in dance, mené par Julia Wehren, fait partie du projet de recherche du FNS Auto_Bio_Grafie as Performance. A field of dance historiographic innovation sous la direction de Christina Thurner, université de Berne, soutenu par le Fonds national suisse (durée 2020-2024). Plus d’informations : https://www.theaterwissenschaft.unibe.ch/research/projects/ongoing_projects/auto_bio_graphy_as_performance/index_eng.html, page consultée le consultée le 31 août 2023.

2 L’École-club Migros est la plus grande institution de formation continue et de loisirs en Suisse. Elle appartient à la Migros, un conglomérat d’entreprises coopératives suisses de la grande distribution.

3 Le Collectif danse était le premier regroupement de danseurs et de chorégraphes indépendants à Lausanne. Il a été fondé en 1982 par les chorégraphes Marie-Jane Otth, Dominique Genton, Joselle Noverraz, Viveca Nielsen et Diane Decker. Fabienne Berger ainsi que Philippe Saire, Anne Grin et Myriam Jaccard en ont fait partie. L’objectif était d’obtenir, en tant que collectif, une plus grande considération de la part des autorités. Les subventions et les structures obtenues pour la première fois, comme par exemple un studio, ont été utilisées en commun. Le collectif a été dissous en 2002.

4 Philosophe et maître d’aïkido japonais qui avait développé une pratique d’enseignement basée sur la respiration sous le nom de « mouvement régénérateur » en France.

5 Utilisé en Suisse pour pochoir, ici dans le sens d’un module pour l’improvisation.

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Table des illustrations

Légende Fabienne Berger, Vidéostill de l’entretien dans son atelier en 2020
Crédits © Université de Berne/SAPA
URL http://journals.openedition.org/danse/docannexe/image/6721/img-1.png
Fichier image/png, 1,6M
Légende Demain (1996) de Fabienne Berger. La peur confrontée : les danseurs en quête d’un sentiment-expérience
Crédits © Mario del Curto
URL http://journals.openedition.org/danse/docannexe/image/6721/img-2.jpg
Fichier image/jpeg, 112k
Légende Trop petite (1986) de Fabienne Berger. Un trio pour persifler l’érotisme enfantin et pubertaire : ici Joelle Hediger et Fabienne Berger
Crédits © Mario del Curto
URL http://journals.openedition.org/danse/docannexe/image/6721/img-3.jpg
Fichier image/jpeg, 47k
Légende Les Figurants (1988) de Fabienne Berger. Cinq danseurs rendent hommage aux peuples affectés par la guerre
Crédits © Mario del Curto
URL http://journals.openedition.org/danse/docannexe/image/6721/img-4.jpg
Fichier image/jpeg, 161k
Légende Signes (2021) de Fabienne Berger. Caroline de Cornière et Fabienne Berger interrogent le geste empathique
Crédits © Mario del Curto
URL http://journals.openedition.org/danse/docannexe/image/6721/img-5.png
Fichier image/png, 1,6M
Légende Floating Tone (2011) de Fabienne Berger. Corinne Rochet, Fabienne Berger et Anna Röthlisberger plongent dans la mémoire collective
Crédits © Mario del Curto
URL http://journals.openedition.org/danse/docannexe/image/6721/img-6.jpg
Fichier image/jpeg, 31k
Légende Les arbres pleurent-ils aussi ? (2015) de Fabienne Berger. Margaux Monetti et Marie-Elodie Greco dans la scénographie de Sven Kreter
Crédits ©stemutz
URL http://journals.openedition.org/danse/docannexe/image/6721/img-7.jpg
Fichier image/jpeg, 109k
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Pour citer cet article

Référence électronique

Fabienne Berger et Julia Wehren, « « Comment cette matière de vie devient autre chose ». Un entretien d’histoire orale autour des débuts de la scène de danse lausannoise »Recherches en danse [En ligne], 12 | 2023, mis en ligne le 25 novembre 2023, consulté le 27 avril 2025. URL : http://journals.openedition.org/danse/6721 ; DOI : https://doi.org/10.4000/danse.6721

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Auteurs

Fabienne Berger

Fabienne Berger est chorégraphe, danseuse et performeuse à Lausanne et Fribourg. Formée en danse classique, modern jazz à Lausanne et Sydney, elle suit également des études supérieures de sciences sociales et politiques à Lausanne. Huit ans d’engagement politique et militant l’éloigneront de la danse pour être successivement ouvrière d’usine et assistante d’accueil auprès de réfugiés. Son retour à la danse passe par San Francisco au début des années 1980. Au retour, elle se concentre sur une recherche en pratiques énergétiques et développe un langage singulier. En 1985, elle crée la Compagnie Fabienne Berger et suivront une quarantaine de créations, en coproduction avec des partenaires suisses et internationaux (entre autres Festival d’Automne, Trafo centre d’art contemporain/Budapest, Centre culturel suisse/Paris, Festival Eurodanse/Mulhouse, Festival Gestes/Bruxelles, The Swiss Institute/New York).

Julia Wehren

Julia Wehren est spécialiste en danse à l’université de Berne et chargée de mission aux Archives suisse des arts de la scène (SAPA). Elle enseigne également à La Manufacture, Haute école des arts de la scène de Lausanne. Ses recherches portent sur l’histoire orale en danse, les pratiques de la documentation, et les aspects esthétiques et sociaux de l’art chorégraphique contemporaine. Elle a publié la monographie Körper als Archiv in Bewegung (transcript, 2016) ainsi que la biographie Ursula Pellaton – Tanz verstehen (rüffer & rub, 2020), basée sur l’histoire orale. Elle a également participé au développement d’une application numérique pour l’histoire orale et est co-éditrice, entre autres, de Original und Revival (Chronos, 2010), et Handbuch Theater und Tanz (Rombach, 2023).

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Droits d’auteur

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