Lisa Fauchereau : Pourquoi avoir accepté de vous séparer d’une partie de vos archives auprès de la BnF ?

Sébastien Blanquet : Je connaissais l’institution et je sais qu’elle conserve certains de mes livres, avec d’autres publications dans la même veine comme Elles sont de sortie, une série de graphzines ayant débuté en 1976 et issue de la collaboration de Pascal Doury et Bruno Richard. Maintenant que j’ai largement diversifié mes champs de création, il m’a semblé important d’enrichir de mes livres et productions de jeunesse, une collection conservant des artistes qui comptent pour moi. Le livre est le point de départ de mon travail et j’aime l’idée que l’ensemble acquis par la BnF soit consultable. Les bibliothèques sont importantes dans mon parcours. J’ai commencé à dessiner en bibliothèque et je trouve passionnant de pouvoir y découvrir tout un patrimoine et le travail d’artistes animés d’une même passion créatrice, un peu comme sous un même « label ».

LF : Stéphane, pouvez-vous nous retracer votre parcours ? On lit souvent dans des interviews : « Blanquet a créé sa première maison d’édition à 15 ans… »

LF : Avez-vous toujours vécu de votre activité artistique ?

SB : Oui, déjà vers 15-16 ans, j’envoyais des photocopies de mon travail partout et, très tôt, j’ai été publié chez Last Gasp ; ils ont été les premiers. Puis il y a eu la presse avec Nova magazine, je devais avoir 19 ans, et Libération plus tard, avec environ 200 dessins autour de faits divers. Ce qui m’intéressait dans un quotidien, c’était d’abord la rapidité du dessin et moins le sujet. Ce travail en parallèle de mon propre chemin artistique était trop stable, j’ai arrêté assez vite, je ne voulais plus que construire mon propre univers.

LF : Pouvez-vous nous parler de votre « casquette » d’éditeur ?

SB : Mon premier ouvrage collectif Chacal puant, était comme un groupe de punks. Il fallait aller très vite, 68 pages chaque trimestre et garder le rythme. Je suis toujours dans cette démarche avec le journal La Tranchée Racine ; je veux que l’on retrouve non seulement des artistes reconnus mais aussi des personnes qui sont publiées pour la première fois. Le journal permet de nombreuses rencontres. Pour United Dead Artists, la diffusion ne se fait pas qu’en France, elle est internationale, la vente par correspondance marche très bien avec le site internet. Les réseaux sociaux ont beaucoup changé les pratiques, il y a environ 10 000 personnes qui nous suivent sur Facebook. Aujourd’hui, je commence une nouvelle aventure éditoriale avec Les Crocs Electriques. Je vais publier dix livres par mois, tous au même format, avec des images, des photos et des textes d’artistes du monde entier et je n’oublierai pas d’effectuer le dépôt légal.

LF : Dans l’exposition « Goudron Pressage. Sillon Tympan », au centre Georges-Pompidou, au printemps dernier, vous avez présenté une installation visuelle et sonore interactive. On entrait ainsi dans votre univers, je dirais même dans un de vos dessins, comment cela a-t-il été possible ?

SB : J’ai voulu que ce soit un évènement participatif, une fête, qui ouvre de nouveaux horizons aux visiteurs. Ainsi, j’ai collaboré avec des artistes comme John Zorn, The Residents, Mike Patton, John Duncan… pour la musique. J’ai imaginé et fait construire des sculptures sonores que le public pouvait actionner. J’ai conçu une œuvre numérique, une espèce de jeu vidéo, permettant de créer une infinité de mini-films à partir d’éléments graphiques provenant de mes dessins. J’ai également exposé et mis en situation mes œuvres les plus récentes comme les tapisseries, les grands dessins, les pantins… On m’a vraiment donné les moyens et le soutien nécessaire pour faire ce que je voulais au Studio 13/16. On a aussi touché un nouveau public, des jeunes, des personnes qui vont rarement au musée.

AF : L’an dernier, nous avons rencontré Patrice Chazottes, le directeur adjoint des publics, du centre Georges-Pompidou, aux Multiple Art Days, le salon des multiples se déroulant à la Maison rouge ; il y a découvert l’univers de Blanquet. Puis ça s’est fait très vite, quelques jours après, nous étions en rendez-vous pour discuter du projet. Le travail avec les équipes de Pompidou a permis qu’il y ait beaucoup de passage à l’exposition qui se déroulait au sous-sol du centre Georges-Pompidou au Studio 13/16 et une excellente couverture médiatique.

LF : Dans vos créations, on trouve souvent un monde saturé, organique,…

SB : Plus ou moins. À partir du moment où quelque chose est vivant, il y a un peu de matière, d’organes, j’en mets là où il faut. Plus ça va, moins cet univers me semble condensé, ça respire même beaucoup. Si on observe autour de soi avec des focales différentes, ça grouille. Il suffit de ramener tout cela à l’échelle d’un microscope. J’aime aussi qu’on se perde dans l’image. Je ne rends pas volontairement mes œuvres saturées, mais quand je veux être clair, ça devient saturé naturellement. Ça dépend aussi des techniques employées. Le geste au pinceau n’est pas le même qu’à la plume, l’usage de la couleur joue aussi, mais c’est surtout une question de geste et de respiration. Ainsi, les peintres n’ont pas du tout la même approche que les dessinateurs. Le mouvement est beaucoup plus ample, c’est une question de poignet, la crispation n’est pas la même. Quand on utilise des objets pointus, très précis, comme une plume, on a tendance à saturer un peu plus. Pas mal d’artistes passent de la plume au pinceau et on s’aperçoit que le trait est plus fluide même s’il reste tonique.

LF : Vous faites actuellement de la lithographie chez Idem, comment se passe cette nouvelle aventure artistique en atelier ?

LF : En juin 2015, lors de votre première venue à la BnF, vous nous avez parlé d’un projet de livre de trois mille pages, tout en images, pouvez-vous nous parler de cette entreprise ambitieuse ?

SB : L’idée n’est pas de faire un bilan mais de regrouper trois mille artistes, de faire un livre de trois mille pages entièrement en images. Le projet serait similaire au livre que je viens de faire en deux mois autour du thème de la danse macabre, réunissant trois cent cinquante artistes, de l’art contemporain, de l’art brut, de mon réseau éditorial, finalement trois mille pages, cela me semble un peu juste. Si on ne reste pas figé dans un domaine, il y a de quoi faire. Les parallèles entre les univers sont assez évidents car lorsque je rencontre des artistes confirmés ou tout juste sorti de l’école, le lien et la dynamique sont donnés par le dessin. Je pense ainsi à Damien Deroubaix. Je ne mets pas de hiérarchie. La parenté repose sur l’impulsivité de la personne, la vigueur du trait. Quand je regarde une gravure de David Lynch, je trouve que c’est proche de ce que je publie. Je ne vois pas une ressemblance mais une filiation. L’interconnexion entre les artistes est donc facile à créer. J’imagine ce livre de trois mille pages, démesuré dans la quantité de pages et dans la taille, pour qu’on se sente happé par l’image. J’aimerais aussi ne pas le vendre cher, qu’il soit accessible, en tirer un grand nombre, faire tourner les œuvres originales dans des expositions etc. Le projet semble fou mais avec Antoine, nous avons demandé des devis, ce ne serait pas une folie furieuse. On étudie différentes pistes de financement dont certaines à l’étranger car il y aura des artistes du monde entier.

LF : Antoine, comment s’est faite la rencontre avec Stéphane Blanquet ?

AF : J’ai découvert l’œuvre de Blanquet, par hasard, en 2004 aux États-Unis, dans un numéro du magazine Blab acheté en solde. À l’intérieur, des dessins en ombres chinoises d’un certain Stéphane Blanquet m’ont attiré l’œil. À ce moment-là, j’avais une tout autre activité professionnelle mais j’étais déjà amateur et collectionneur d’œuvres qui sortent des sentiers battus, parlant de la chair, de Dieu et de la bête en l’homme. J’ai mis un certain temps à saisir la richesse et la force de l’ambition artistique de Blanquet. Aujourd’hui, j’ai compris que rares sont les artistes animés d’une telle puissance créatrice. Quand j’ai quitté la France pour le Japon, on s’est trouvé en phase avec l’envie de faire des projets ensemble, d’où les expositions au Japon puis à Singapour où il y a eu cent mille visiteurs à l’exposition Glossy Dreams in Depths. Aujourd’hui, je travaille pour Blanquet et j’œuvre à la réalisation de ses nombreux rêves et projets.

LF : Stéphane, en lisant des textes relatifs à votre travail, on parle souvent de culture underground, alternative, de contre-culture…

LF : Et que pensez-vous alors des festivals d’édition indépendante ?

SB : Je vais me faire fusiller mais je considère qu’à partir du moment où des gens se cultivent entre eux, ça ne peut pas exploser, c’est comme s’ils se mettaient un sac plastique sur la tête, sur leur propre production, c’est confiné. Il faut arroser, sortir. Maintenant je comprends par exemple Pascal Doury. Il s’intéressait à l’art contemporain, à Picasso, à Miró, il était très ouvert. Son œil était curieux et s’enrichissait en permanence. Je me souviens d’avoir lu une de ses interviews où il parlait d’art minimal, je ricanais car je ne n’avais pas encore le bagage nécessaire pour comprendre. Le manque d’ouverture étouffe. Je rentre d’un festival à Londres, on y voit la même chose qu’à Bruxelles ou qu’en Pologne, par exemple. C’est le même type de livres, de dessins, d’impressions, il n’y a pas de grands mouvements, de surprises ; je le regrette un peu. Je souhaite toucher un large public et l’intéresser au dessin contemporain. Avec l’édition du journal La tranchée racine, tiré entre trois mille et quatre mille exemplaires, dont certains titres sont épuisés, je m’aperçois que faire un tabloïd de très grand format, pour pas cher, permet de toucher d’autres personnes qui n’ont pas forcément cette culture de l’image. Ils vont justement se prendre une claque en regardant une image ; j’ai même vu certaines personnes ne garder qu’une partie du journal et je trouve ça intéressant. Mes éditions sont distribuées par Les Presses du réel, cela permet une meilleure diffusion notamment dans les librairies. Je travaille aussi avec des gens qui font du colportage, j’aime l’idée d’une personne qui vend dans son propre réseau, dans des festivals de musique par exemple, comme Hara-Kiri le faisait, et ça marche plutôt bien.

Évènements en 2017 :

Lancement d’une nouvelle maison d’édition, Les Crocs Electriques

Exposition à la librairie Artcurial à Paris, de multiples dont les lithographies et les éditions United Dead Artists (Mars/Avril)

Exposition collective, « Hors Norme ou la bande dessinée hors limite(s) », Maison de la Culture d’Amiens, 3 juin au 15 octobre

Exposition « New Lung Seeded Inside », à Munich, au Furstenfeldbrück Museum, avec le Zentralinstitut für Kunstgeschichte, du 29 juin 2017 au 24 septembre