Archéologie du visuel
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Yvonne Alexieff participe à la 75e exposition de la Société des Peintres-Graveurs, du 19 novembre au 10 décembre 2025, Mairie du VIe arrondissement.
Texte intégral
Qu’est-ce qui vous a conduite spécifiquement vers la manière noire et comment avez-vous apprivoisé cette technique exigeante ?
Je ne situe pas précisément le début exact de mon intérêt pour la mezzotinte. Pendant les vingt premières années de ma pratique de la gravure, j’ai beaucoup aimé jouer avec l’acide, les lavis, les empreintes et les crayonnés du vernis mou. Toujours ajoutant une touche de roulette, dont le grain rappelle le crayon, et parfois aussi en berçant de petites zones pour trouver de plus beaux noirs.
1Ce fut très progressif, presque inconscient, naturel. Une interview sur France Culture d’un graveur allemand passionné m’a intriguée. J’ai toujours aimé Avati. Finalement, c’est la grande exposition de la BnF « Anatomie de la couleur » qui m’a définitivement mis le pied à l’étrier.
La manière noire est arrivée plus tard, lorsque j’avais fait le tour de l’expérimentation à l’acide, du goût pour l’aléatoire et de l’improvisation. Il me semble que lorsque j’ai commencé la manière noire, j’avais mûri suffisamment pour avoir envie de me mettre au service de l’observation, du regard, de l’envie de dessiner, de faire tout sur la plaque par moi-même, avec ma seule main et mes outils, et mes seules sensations et possibilités. C’est le principe des techniques directes. Des techniques les plus anciennes dont le burin fait aussi partie. L’envie de retourner à l’essentiel.
2Est-ce la technique qui m’a apprivoisée ou bien le contraire ?
Quelles sont les qualités particulières de cette technique au regard de ce que vous souhaitez exprimer ?
Aborder la manière noire avec le bagage d’un artiste pluridisciplinaire permet d’atteindre quelque chose d’intéressant et unique. Cet art permet de s’abandonner à l’exploration de la matière. C’est un sentiment de liberté où on est seul face à la plaque et à son sujet. On se laisse guider.
Dans cette technique, le résultat ne dépend que de moi. J’ai découvert la liberté de n’avoir rien d’autre à exprimer que la beauté ressentie – l’émotion ressentie. Chercher la lumière.
3La richesse des tonalités et de la lumière est comparable à la peinture que je pratique aussi. Le noir et blanc – le monochrome – de la manière noire me conduit à m’abstraire de la réalité pour me déplacer dans une autre dimension du visuel, une certaine abstraction bien que ce n’est pas ce que je recherche. La façon dont je travaille la manière noire ainsi que ma propre nature me conduit vers une certaine transposition de forme. Je n’aimerais pas faire du réalisme photographique.
Fig. 1. Yvonne Alexieff, Apparaître, 2025, manière noire, état final, 50x40 cm (élément d’impression). Avec l’aimable autorisation de l’artiste.
Pouvez-vous nous décrire votre processus de travail ?
Observer, c’est se nourrir en contemplant. L’observation des objets de la nature est une poétique silencieuse.
Ma thématique actuelle, explorer dans le détail d’immenses feuilles de nénuphars, est en fait la continuation ou un retour vers des travaux plus anciens que j’avais fait à l’aquarelle également dans de grands formats. Cela m’a toujours intéressé d’entrer dans le détail et de m’y perdre. À l’époque, les jardiniers me fournissaient des plantes qu’ils coupaient dans le bassin. Aujourd’hui, 20 ans plus tard, ma stratégie a changé, je travaille d’une nouvelle façon. Sans rien détacher du bassin, j’attends juste le moment où la lumière est idéale et commence à dessiner des choses intéressantes, à mettre en valeur des reliefs et des formes. Ces instants uniques, je les glane, parfois en y retournant un jour après pour vérifier certains détails. Je prends des notes photographiques. Puis dans l’atelier, je recompose l’aspect qui parmi toutes les impressions visuelles m’attire le plus avant de me lancer dans cette longue et nouvelle aventure qu’est une nouvelle plaque à venir. Il y a de la méditation sur ce qui m’attend et ce que j’ai envie de vivre et de dire, avant de commencer.
Quelle place occupe le berceau dans votre pratique ?
« Bercer » fait intégralement partie à mon sens de ce rituel préparatoire, permet de prendre la mesure du futur espace de travail, de se l’approprier. En peinture sur panneaux de bois, ce que je pratique aussi, il y a aussi une étape très longue, technique et qui conditionne le résultat final.
Travaillez-vous avec un dessin préparatoire ou vous laissez-vous guider par la matière ?
Le dessin préparatoire est un point de départ, une prise de contact avec le sujet.
Ensuite je travaille principalement au grattoir, je me laisse guider par l’intuition, par ce que je vois sur la plaque, souvent en reprenant le dessin avec un crayon. Ainsi il arrive qu’au final je suis allée ailleurs, bien loin du point de départ. Il m’est impossible de rester figée pendant la réalisation, je me laisse transporter. C’est intéressant à vivre. C’est comme partir à la découverte d’une vérité intérieure qui prend pour support le motif et dont la seule condition est de faire silence en soi pendant le travail.
Cette alchimie subtile, il en résulte des images hybrides entre ce que j’observe de l’extérieur que je veux raconter et ce que je ressens intérieurement.
Fig. 2. Yvonne Alexieff, Garden of Delights, 2021, manière noire, 60x80 cm. Avec l’aimable autorisation de l’artiste.
Votre série actuelle sur les nénuphars semble suivre une démarche particulière. Pouvez-vous nous en dire davantage ?
Sur la série des Nénuphars, commencée en 2024, j’ai une stratégie de travail qui consiste à décomposer le travail sur la plaque par étapes, afin de faire apparaître la lumière progressivement et d’obtenir quatre images différentes. La plaque pourrait être finie à la fin de chacune des étapes. Je fais faire des tirages à ce moment-là, comme une très petite série. Puis je continue de la même façon, avec en tête l’idée de mettre en évidence pour le spectateur l’avancée du travail, l’aventure intérieure, la prise de risque de savoir s’arrêter à temps, ne pas aller trop loin. Comme une pièce de théâtre en plusieurs actes. Montrer le début, le crescendo, l’aboutissement. Cette série s’appelle « APPARAÎTRE » ou « DISPARAÎTRE » selon le point de vue où je me situe.
Qu’est-ce qui vous attire particulièrement dans les formes végétales que vous choisissez ?
Ce qui m’attire principalement dans les formes végétales, ce sont les reliefs, les volumes, le jeu des ombres qui peuvent déformer ou métamorphoser l’apparence. Le changement d’échelle me permet aussi d’apporter le décalage nécessaire et m’éloigner de la réalité. Dans les Nénuphars, je travaille sur l’aspect organique et même l’aspect topographique de la matière.
L’animal apparaît aussi dans votre travail. Quelle place y occupe-t-il ?
La représentation de l’animal apparaît épisodiquement. C’est une présence tutélaire. J’éprouve un sentiment très fort et protecteur ainsi qu’un immense respect pour l’animal en général et l’oiseau en particulier. C’est pour moi une figure sacrificielle presque mystique. Son regard, son silence, son apparence, le risque de sa disparition, de son effacement de notre réalité hyper-technologique. L’animal fait partie de ces éléments de la nature que je désire explorer dans mon travail pour sa dimension spirituelle et sa ressemblance avec l’homme.
Par la lenteur même et le silence qu’impose la pratique de la manière noire, je pense me relier à ce niveau de la vie élémentaire et essentiel qui est la vie organique, celle des plantes silencieuses et présentes comme l’est l’animal, qui pose son regard sur nous.
Fig. 3. Yvonne Alexieff, Presence, 2021, manière noire, 80x60 cm. Avec l’aimable autorisation de l’artiste.
Vous pratiquez aussi l’aquarelle et la peinture. Comment articulez-vous ces différents médiums avec votre pratique de l’estampe ?
Je pense cela car dans mon travail, je n’établis pas de distinctions. Si je traverse un moment de doute, je n’hésite pas à m’arrêter, à travailler sur autre chose. Peindre, dessiner, c’est sur le même plan. Je retrouve ainsi un autre rythme, une nouvelle énergie. Par conséquent mon approche du dessin et de la peinture sont toujours complémentairement réciproques. Les seules limitations sont dans le temps à ma disposition. J’aimerais pouvoir faire plus.
Vous enseignez la manière noire à Paris-Ateliers. Qui vient vers l’apprentissage de cette technique ?
Il m’est arrivé de rencontrer des détracteurs de la manière noire, heureusement ce n’est plus le cas aujourd’hui. Je me réjouis de l’intérêt actuel pour cette technique. Parmi les artistes sur un plan international que je rencontre à l’étranger. Et parmi les jeunes qui s’initient, en France. Dans l’atelier où j’enseigne (depuis 1990 et Paris-Ateliers 13e depuis 2015), j’ai pu dédier un créneau horaire réservé aux techniques directes et j’ai pu équiper l’atelier du matériel spécifique pour la manière noire.
Des jeunes artistes contemporains se présentent souvent à moi pour trouver dans la manière noire un complément à leur démarche plastique courante. Il n’y a aucune réticence à la longue préparation du perçage et la méticulosité de la technique. J’aime travailler et enseigner à des personnes qui viennent avec un rapport apaisé au temps et qui sont prêts à donner le temps qu’il faut. C’est très satisfaisant de donner accès à cette technique rare, précieuse et intemporelle. Voir à l’atelier, au jour le jour pour ainsi dire, les résultats et les personnalités nouvelles créer dans une manière qui n’est pas forcément dans une esthétique photographique comme certains pensent.
Ceux qui viennent chez moi pour la manière noire sont prêts pour tout ce que cela implique. Ils cherchent un apprentissage du regard, de la patience, un respect de l’outil.
Avec les autres qui viennent pour les techniques à l’acide, je continue de vivre mon goût premier pour les approches indirectes, qui sont très belles aussi à mes yeux.
Quelle place tient l’enseignement dans votre vie ?
L’enseignement de la gravure prend une grande partie de mon temps et de mon énergie. Le dialogue que j’établis avec mes élèves (dont certains sont devenus d’illustres graveurs depuis une trentaine d’années) me remplit de joie et de fierté.
Dans l’enseignement j’ai tissé de belles rencontres, un dialogue artistique qui se reflète aussi dans mon travail, le goût du partage.
Comment percevez-vous la place de la manière noire et de l’estampe en général dans le champ de l’art contemporain ?
On réduit souvent cette création à une estampe, c’est-à-dire à un peu moins qu’une œuvre unique. C’est réducteur et discriminant. La plupart d’entre nous faisons des gravures parce que le résultat que nous recherchons ne peut être obtenu d’aucune autre manière. Et parce que ce processus même est une façon de réfléchir et d’obtenir. On a besoin de cette technique pour créer. On est bien loin de l’IA. Ce sera sûrement une valeur-refuge dans le futur.
Entretenir des distinctions entre le statut des créations artistiques en fonction de la technique est très discriminatoire et réducteur. Cela nuit aussi à l’image des artistes qui se consacrent à ce travail en les réduisant à des techniciens. On a l’impression d’évoluer dans un monde parallèle de l’art contemporain, spécialisé à un certain marché.
Quelles évolutions souhaiteriez-vous voir ?
Il faudrait briser le cloisonnement actuel. J’aspire à présenter mon travail dans d’autres cadres que ceux strictement réservés à l’estampe. Je voudrais exposer plus librement que dans les conditions présentes. À l’étranger je n’éprouve pas le même cloisonnement. J’ai exposé en Belgique à la Boverie, dans l’exposition liégeoise « En piste » où je remercie la galerie l’Inventaire d’avoir montré mes gravures face à une céramiste et à un travail d’image imprimée en août 2023, par exemple.
Je vois de l’espoir dans l’intérêt soutenu et renouvelé des jeunes artistes. Mais il faudrait aussi qu’à d’autres niveaux, plus institutionnels ainsi que dans plus de galeries, les œuvres gravées aient une plus grande visibilité, soient revalorisées et recueillent un plus grand soutien.
En Angleterre, en Allemagne, en Belgique et en Italie je ressens plus d’ouverture. Il serait bon de confronter plus souvent dans les expositions les artistes qui se répondent et non pas uniquement les artistes qui pratiquent la même technique.
Table des illustrations
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| Légende | Yvonne Alexieff dans son atelier, mars 2025. Photographie de l’auteur. |
| URL | http://journals.openedition.org/estampe/docannexe/image/6720/img-1.jpg |
| Fichier | image/jpeg, 632k |
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| Légende | Fig. 1. Yvonne Alexieff, Apparaître, 2025, manière noire, état final, 50x40 cm (élément d’impression). Avec l’aimable autorisation de l’artiste. |
| URL | http://journals.openedition.org/estampe/docannexe/image/6720/img-2.jpg |
| Fichier | image/jpeg, 1,2M |
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| Légende | Fig. 2. Yvonne Alexieff, Garden of Delights, 2021, manière noire, 60x80 cm. Avec l’aimable autorisation de l’artiste. |
| URL | http://journals.openedition.org/estampe/docannexe/image/6720/img-3.jpg |
| Fichier | image/jpeg, 1,7M |
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| Légende | Fig. 3. Yvonne Alexieff, Presence, 2021, manière noire, 80x60 cm. Avec l’aimable autorisation de l’artiste. |
| URL | http://journals.openedition.org/estampe/docannexe/image/6720/img-4.jpg |
| Fichier | image/jpeg, 2,0M |
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| Légende | Fig. 4. Yvonne Alexieff dans son atelier d’enseignement. Avec l’aimable autorisation de l’artiste. |
| URL | http://journals.openedition.org/estampe/docannexe/image/6720/img-5.jpg |
| Fichier | image/jpeg, 3,8M |
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| Légende | Fig. 5. Yvonne Alexieff, Petite branche d’hortensia, 2024, aquarelle, 21x28 com. Avec l’aimable autorisation de l’artiste. |
| URL | http://journals.openedition.org/estampe/docannexe/image/6720/img-6.jpg |
| Fichier | image/jpeg, 2,6M |
Pour citer cet article
Référence électronique
Chloé Perrot, « Archéologie du visuel », Nouvelles de l’estampe [En ligne], 274 | 2025, mis en ligne le 15 novembre 2025, consulté le 18 février 2026. URL : http://journals.openedition.org/estampe/6720 ; DOI : https://doi.org/10.4000/156rz
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