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Christine GUILLEBAUD, Sibylle EMERIT and Julien JUGAND, dir. : Orchestrer le passé. Musiques et politiques de la Mémoire (XXe-XXIe siècles)/Singing the Past. Music and the Politics of Memory (20th-21st centuries)

Paris : Presses Universitaires de Paris Nanterre, 2023
Richard Dumbrill
p. 297-301
Référence(s) :

Christine GUILLEBAUD, Sibylle EMERIT and Julien JUGAND, dir. : Orchestrer le passé. Musiques et politiques de la Mémoire (XXe-XXIe siècles)/Singing the Past. Music and the Politics of Memory (20th-21st centuries), Paris : Presses Universitaires de Paris Nanterre, 2023. 284 pages.

Texte intégral

1Lorsqu’un ouvrage mettant en avant la restitution d’une authenticité originelle ou l’observation de tentatives de restauration de cette authenticité est intitulé « Orchestrer le passé », on pourrait s’attendre à des termes inéquivoques. Ici, le verbe « orchestrer », dérivé de orchestra, le nom du lieu où les danseurs se produisaient ou du siège qui y était réservé aux dignitaires, a finalement acquis, par le principe de la dérivation, sa signification actuelle. Mais, lorsque l’on introduit dans le titre anglais le mot « singing », la confusion règne puisque celui-ci n’a aucun rapport avec « orchestrer ». L’intention des auteurs serait-elle de guider ainsi le lecteur à travers la complexité de la recherche des origines de la musique ?

2Julien Jugand : « An Ambiguous Voice : Elite Attitudes towards the Reformist Celebration of the All India Conference in Varanasi, 1919 »
Cette contribution rend compte des multiples difficultés liées à l’organisation d’une telle conférence à une période ou l’Inde était encore sous le « joug britannique ». Cet excellent article se concentre sur les remarques finales de cette conférence panindienne de 1919. Celle-ci a subi des revers, principalement illustrés par un manque de bonne volonté, le financement ayant abouti à l’idée d’un « mouvement de réforme » de la musique hindoustani conduisant à un « espace discursif d’échanges » avec des moments symboliques et des initiatives souvent déconnectées.

3Jean Lambert : « Le Congrès du Caire de 1932 : formes musicales, mythes fondateurs et “classicisation” de la musique arabe »
Cet article propose un récit objectif de ce congrès dont le contenu est représentatif d’une classicisation épidémique de tout ce qui pouvait être classicisé. C’est ainsi que al-mūsīqā al-’arabiyya a rapidement remplacé la dénomination précédente de « musique orientale ». Cela s’est caractérisé par des tentatives contestées d’intégration d’instruments tels que le violon et le piano dans l’instrumentarium et par l’adoption d’une échelle isotonique de vingt-quatre degrés. Cette démarche a d’ailleurs suscité une forte opposition menée par les défenseurs des micro-intervalles inhérents aux échelles traditionnelles.

4Christophe Corbier (translated by Colin Clement) : « The Distant Past : Perceptions of Greek Music between Archaeology and Ethnology, 19261936 »
L’article de Corbier explore la manière dont la musique grecque était perçue par l’archéologie et l’ethnologie entre les années 1926 et 1936, qui correspondent à la décennie séparant La musique grecque antique de Théodore Reinach et Origine des instruments de musique d’André Schaeffner. Cette période a en effet apporté un nouveau type de perception et de compréhension de la musique grecque antique par rapport au chant folklorique traditionnel, tous deux encore chargés d’une adhésion exclusive à un diatonisme originel, bien que le diatonisme ait été connu beaucoup plus tôt dans le Proche-Orient ancien.

5Sibylle Emerit : « Faire résonner la harpe pharaonique : trois exemples récents d’égyptomanie musicale »
Sibylle Emerit, probablement l’égypto-musicologue aujourd’hui la plus compétente, introduit son excellent article en qualifiant la « harpe pharaonique » de symbole unificateur, comme le sont d’ailleurs les lyres d’Ur pour les Irakiens. Certes, les tentatives de déchiffrement de cette musique ancienne ont germé dès le XVIIe siècle, tablant sur le récit biblique comme « source de toute connaissance » ; mais trois siècles n’ont pas suffi à fournir une quelconque preuve de la nature de cette musique ancienne, sur laquelle l’archéologie n’a jamais permis de fournir le moindre texte musicologique. Emerit écrit qu’aujourd’hui, l’égyptomanie musicale se réinvente avec la harpe pharaonique comme étendard emblématique prépondérant. Elle choisit trois exemples récents pour illustrer son propos. Le premier est un concert donné en 1996 par le Chœur copte pontifical orthodoxe du Caire ; le deuxième est un CD intitulé « La musique au temps des Pyramides », qui prétend fournir la première reconstitution de la musique pharaonique ; et le troisième est un panneau exposé aux portes de la Faculté de musicologie de l’Université d’Helwan au Caire, instaurant un diplôme en « musique pharaonique » créé en 2005. La discussion est largement alimentée par des références fiables.

6Britta Sweers : « The Changing Perception of German Folk Song : Some Case Studies ».
À travers trois études, Sweers explique comment, consciemment ou non, la mémoire historique a été utilisée et transformée dans et par la musique au fil des siècles. Elle évoque ses rencontres personnelles les plus intéressantes avec la musique folklorique allemande. Elle propose ensuite une brève histoire de la renaissance du folklore musical allemand, dont l’approche politisée de l’après-Seconde Guerre mondiale a suscité une application consciente du matériel historique, avec des citations telles que : « Les chansons folkloriques sont des chansons qui proviennent du peuple et qui sont également chantées par les peuples. Les chansons folkloriques décrivent les conditions réelles dans la langue populaire. Elles nomment les causes qui ont conduit à ces conditions et critiquent ainsi les pouvoirs, ouvertement ou indirectement ». Un chapitre décrit la façon dont les références historiques sont apparues dans les chansons pour enfants, comme avec le « Maykäfer flieg », suivi d’une évocation de l’impact qu’a eu la période nazie.

7Séverine Gabry-Thienpont : « Chanter l’histoire des saints guerriers et martyrs coptes : la louange (madīḥa) de Saint Théodore l’Oriental (Égypte) ».
Sujet fascinant et jusqu’ici peu discuté de la musique liturgique copte, la madīa de saint Théodore est une narration mélodique issue d’un passé commun. Les nombreux guerriers et martyrs du panthéon des saints coptes incarnent le pouvoir dont ils disposent pour servir Dieu et protéger les pauvres. La madīa de Faraḥ est un grand récit épique aux sources d’inspiration multiples. Le mystère mettant en lumière ses paroles et sa composition contribue à la sanctification d’un territoire à travers le récit chanté d’un passé incertain.

8Christine Guillebaud : « The World of Pulsator. The Automation of Church Bells Tolling in Contemporary Kerala, India ».
Cet article sur l’automatisation du son des cloches au Kerala, en Inde, offre un aperçu fascinant des implications provoquées par une telle avancée technologique, ainsi qu’un parallèle avec l’appel à la prière désormais lancé de manière numérique/analogique dans les mosquées du monde entier. L’article se concentre sur une société connue sous le nom de « Pulsator », fondée et dirigée par Felix Madonna, dont le vrai nom était Felix Silvester. Les activités de l’entreprise sont abordées avec son premier produit, le « Church Bell Ringer » et son « Thuricoal automation » produisant permettant d’allumer électriquement de la fumée d’encens.

9Christophe Vendries (translated by Colin Clement) : « Revisiting the musical past of antiquity : The Music of Ancient Rome in Hollywood epics (1950-1962) ».
Cet article est le bienvenu car il ne traite pas seulement de la manière dont la musique romaine antique était réellement perçue, mais aussi de ce que le public attendait d’elle au cours de la période de 1950 à 1962. La conclusion est que l’on en sait trop peu pour donner une idée pertinente d’une reconstitution de ce qu’elle aurait pu être. L’auteur cite Tarkovski, qui propose de « recréer le monde du XVe siècle pour les yeux du XXe ». Le compositeur est invité à réinventer la musique de l’Antiquité pour les oreilles des spectateurs des XXe et XXIe siècles. Vendries conclut brillamment en écrivant que « L’artiste a accepté l’anachronisme et affirme sa volonté de rompre avec les représentations du monde antique orientées vers la reconstruction historique ».

  • 1 Grégoire Biyogo : Aux sources égyptiennes du savoir. Tome 1 : Généalogie et enjeux de la pensée de (...)

10Alice Aterianus-Owanga : « Rapping Egyptian Origins : Fang Nationalism and Afrocentrism in Gabonese Hip-Hop Music ».
Avec sa traduction d’une citation de Grégoire Biyogo (2000)1, l’auteur reprend l’essentiel de son approche du nationalisme Fang et de l’afrocentrisme dans le hip-hop gabonais. « Dans ce livre, qui prolonge et renouvelle la théorie de l’intelligibilité des relations entre l’Égypte et l’Afrique noire, notre principale contribution est d’établir que les peuples s’appelaient ‘‘Pahouins’’ou ‘‘Fang’’. Ceux qui vivent actuellement au Gabon, en Guinée équatoriale, au Cameroun et au Congo, s’appelaient à l’origine ‘‘Ekang’’. Ils étaient liés aux populations d’Akhet-Aton, contraintes par le Grand Vizir Aï d’abandonner la ville sainte d’Akhenaton où ils vivaient vers 1350 avant J.-C. Ce vizir était un fervent opposant au monothéisme et, en tant qu’Amonien, il détruisit l’héritage d’Akhenaton et rejeta ses contributions les plus précieuses. Plus tard, ces populations vécurent dans le Haut Nil, c’est-à-dire dans la région du Soudan, incluant la région du Bahr-el-Ghazal, pendant mille ans, avant d’abandonner ces terres en 661 et en 525 av. J.-C., après la double conquête de Thèbes et de l’Égypte par Cambyse II, roi de Perse » (p. 269). La manière dont ces rappeurs revendiquent leur origine égyptienne antique s’oppose à une vision de l’Afrique colonisée en nous rappelant la contribution conséquente de cette civilisation à l’humanité.

 

11La manière dont on perçoit la musique dans ses étapes chronologiques multiples et complexes est une recherche passionnante qui se fonde sur les paramètres socioculturels comparatifs des différentes périodes concernées. À titre d’exemple, l’enregistrement en 1933 des variations Goldberg par Wanda Landowska, sur un clavecin spécialement construit par Pleyel, écorche nos oreilles aujourd’hui habituées à des répliques généralement satisfaisantes, ou que nous percevons comme telles. En réponse à une critique de Pablo Casals, Wanda Landowska aurait dit : « Vous jouez Bach à votre manière et moi, je le joue à sa manière ». Aujourd’hui nous pouvons dire qu’aucun des deux n’avait raison.

12Les articles réunis dans cet excellent volume explorent ainsi les quêtes de perception de l’authenticité ou du besoin d’une classicisation de la musique et de ses formes, telles qu’elles se sont manifestées notamment lors de la conférence de Varanasi de 1919 ou du congrès du Caire de 1932. Cette perspective se prolonge avec la musique de la Grèce antique ou la pharaonisation musicale dans l’Égypte moderne, pour éclairer ensuite des considérations sur la perception de chansons populaires en Allemagne d’après-guerre, sur les louanges des guerriers martyrs coptes, sur la mécanisation et la numérisation de la campanologie dans l’Inde contemporaine, sur la reconstitution hollywoodienne de musiques romaines, ou encore sur les origines égyptiennes de la musique hip-hop du Gabon.

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Notes

1 Grégoire Biyogo : Aux sources égyptiennes du savoir. Tome 1 : Généalogie et enjeux de la pensée de Cheikh Anta Diop. Paris : Éditions Menaibuc, 2000.

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Pour citer cet article

Référence papier

Richard Dumbrill, « Christine GUILLEBAUD, Sibylle EMERIT and Julien JUGAND, dir. : Orchestrer le passé. Musiques et politiques de la Mémoire (XXe-XXIe siècles)/Singing the Past. Music and the Politics of Memory (20th-21st centuries) »Cahiers d’ethnomusicologie, 37 | 2024, 297-301.

Référence électronique

Richard Dumbrill, « Christine GUILLEBAUD, Sibylle EMERIT and Julien JUGAND, dir. : Orchestrer le passé. Musiques et politiques de la Mémoire (XXe-XXIe siècles)/Singing the Past. Music and the Politics of Memory (20th-21st centuries) »Cahiers d’ethnomusicologie [En ligne], 37 | 2024, mis en ligne le 01 novembre 2024, consulté le 11 juillet 2025. URL : http://journals.openedition.org/ethnomusicologie/5513

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