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    <title>Images Re-vues</title>
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    <description>Revue consacrée à la recherche autour de l’image, toutes périodes et approches confondues</description>        
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  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/imagesrevues/18321">
    <title>Il tocco di Pigmalione. Rubens e la scultura a Roma. Rome, Galerie Borghèse, du 14 novembre 2023 au 18 février 2024</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="texte">Conçue et organisée par Francesca Cappelletti, directrice de la Galerie Borghèse, et Lucia Simonato, professeure à l’École Normale Supérieure de Pise, l’exposition <em>Il tocco di Pigmalione. Rubens e la scultura a Roma</em> de la Galerie Borghèse de Rome développait l’enjeu majeur du rapport entre le peintre Peter Paul Rubens (Siegen, 1577 – Anvers, 1640) et la sculpture romaine antique et moderne. Cette deuxième étape du projet «<em> RUBENS ! La nascita di una pittura europea </em>», soutenu par la Galerie Borghèse de Rome, la Fondation Palazzo Te et le Palais Ducal de Mantoue, inscrivant le maître flamand à la croisée des échanges artistiques entre l’Italie et le reste de l’Europe, se déployait sur les deux niveaux de la Villa du 14 novembre 2023 au 18 février 2024. Le titre de l’initiative, <em>Il tocco di Pigmalione. Rubens e la scultura</em> <em>a Roma</em>, déclarait déjà en soi l’intention d’approfondir une émulation complexe entre des médiums – la peinture et la sculpture envisagées au-delà du débat du <em>parago...</em></p>]]></description> 
    <dc:creator>Gaia Mazzacane</dc:creator>
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    <dc:date>2026-01-30</dc:date>
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    <title>Dans le ventre du dragon</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="resume">Le culte de sainte Marina, dans le monde orthodoxe, attribue à la sainte un rôle protecteur à l’égard des mères et des femmes désirant un enfant. Toutefois, cette fonction n'est pas immédiatement évidente, car rien dans la <em>vita</em> de la sainte ne légitime formellement ce rôle. Cet article propose d’explorer, à travers l'analyse d'un cycle peint représentant la vie de sainte Marina dans une église crétoise du <span style="font-variant:small-caps;">xiv</span><sup>e </sup>siècle, le motif iconographique du triomphe de la sainte sur le dragon. Le motif de <em>drakontoktonia</em>, également associé à saint Georges, se prête à une analyse genrée : alors que le combat de saint Georges s'inscrit dans un discours valorisant la masculinité guerrière, la représentation de Marina s’intègre dans un ensemble de significations plus complexes, où le dragon peut être interprété comme une incarnation de la matrice ou comme une figure démoniaque menaçant les enfants. Cette polysémie de la figure du monstre incite à une lecture maïeutique de l’épisode, mettant en lumièr...</p>]]></description> 
    <dc:creator>Nicolas Varaine</dc:creator>
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    <dc:date>2026-01-30</dc:date>
  </item>
  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/imagesrevues/16538">
    <title>De la matrice mariale à la matrice du Père</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="resume">Cet article a pour objectif d’analyser la représentation de la matrice par la mandorle et l’adaptation d’une formule iconographique propre à la Vierge à Dieu le Père. En complément du travail de Jérôme Baschet sur le sujet du sein divin, il s’agit d’analyser les Vierges qui portent devant leur ventre un médaillon christique. Cette représentation de la Vierge enceinte rendant visible « le fruit de ses entrailles » est réutilisée pour Dieu le Père portant la Vierge dans son sein, et ce alors même que les représentations du Sein d’Abraham périclitent. La mandorle devient alors une métaphore visuelle de la matrice divine, évoquant à la fois le lieu divin eschatologique que les fidèles chrétiens souhaitent rejoindre après leur mort, et le lieu divin dans lequel la création est formée. Ce lieu d’origine et de fin, mis en place à travers les représentations de l’Assomption et de l’Immaculée Conception usent des tissus et de la mandorle pour manifester différentes définitions du mot « sein ...</p>]]></description> 
    <dc:creator>Clémence Legoux</dc:creator>
    <link>http://journals.openedition.org/imagesrevues/16538</link>
    <dc:date>2026-01-30</dc:date>
  </item>
  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/imagesrevues/17635">
    <title>Utérus, impressions et empreintes</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="resume">À l’époque moderne, les femmes trouvaient un certain réconfort face aux dangers et aux incertitudes de la grossesse et de l’accouchement dans l’étrange pouvoir de l’imagination maternelle. Tandis que la plupart des études historiques sur ce sujet se sont concentrées sur ses effets involontaires et souvent néfastes – visions terrifiantes et envies inassouvies engendrant des enfants difformes ou « monstrueux » – cet article explore une autre facette de cette imagination : son usage conscient par les femmes pour maîtriser leur grossesse et donner naissance à des enfants en bonne santé et bien formés. En s’intéressant plus particulièrement aux « figures de naissance » – ces images médicales illustrant les différentes positions du fœtus dans l’utérus – cet article examine non seulement la façon dont elles pouvaient être perçues comme des représentations positives de l’enfance et des modèles pour l’imagination maternelle, mais aussi le rôle du médium imprimé dans leur capacité à marquer à...</p>]]></description> 
    <dc:creator>Rebecca Whiteley</dc:creator>
    <link>http://journals.openedition.org/imagesrevues/17635</link>
    <dc:date>2026-01-30</dc:date>
  </item>
  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/imagesrevues/17455">
    <title>La garance et la matrice</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="resume">Cet article se concentre sur deux statuettes en ivoire du <span style="font-variant:small-caps;">xiv</span><sup>e</sup> siècle représentant la Vierge à l’Enfant, teintées d’un rouge sombre. Il suggère d’abord que cette coloration pourrait remonter à l’époque médiévale, en s’appuyant sur des témoignages relatifs aux pratiques de teinture de l’ivoire et de matériaux analogues. L’analyse se concentre ensuite sur la garance, utilisée à la fois comme pigment pour ces objets et comme remède dans les soins féminins, notamment pour stimuler les menstruations, favoriser la conception ou provoquer l’avortement. Ce rouge, obtenu grâce à la garance, serait une métaphore matérielle des fonctions de la matrice et de l’utérus. Enfin, l’article explore l’hypothèse selon laquelle des femmes médiévales, propriétaires de ces statuettes, auraient teint ces objets avec leur garance médicinale, exprimant ainsi des préoccupations liées à leur fécondité ou marquant des étapes essentielles de leur vie reproductive.</p>]]></description> 
    <dc:creator>Marian Bleeke</dc:creator>
    <link>http://journals.openedition.org/imagesrevues/17455</link>
    <dc:date>2026-01-30</dc:date>
  </item>
  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/imagesrevues/18628">
    <title>Dessiner l’invisible, défier le visible</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="resume">L’essor de l’anatomie à la Renaissance a permis aux médecins de mettre à découvert les structures cachées du corps féminin. Dans les années 1580, les médecins et anatomistes Felix Platter et Caspar Bauhin affichent les structures internes de la matrice en accord avec les découvertes anatomiques les plus récentes. Les représentations modernes de l’utérus perpétuent cependant l’usage métaphorique médiéval du langage de l’architecture et de l’urbanisme qui affiche l’utérus comme un « cloaque » ou la vulve comme une « porte ». Ce sont en particulier les <em>pudenda</em> externes de l’appareil génital féminin qui éveillent l’attention de Platter et Bauhin, dans la recherche d’une représentation visuelle permettant de compléter la description par les mots. La présence de l’hymen questionne ces médecins, qui sont confrontés aux spécificités du corps féminin.</p>]]></description> 
    <dc:creator>Concetta Pennuto</dc:creator>
    <link>http://journals.openedition.org/imagesrevues/18628</link>
    <dc:date>2026-01-30</dc:date>
  </item>
  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/imagesrevues/18419">
    <title>La Trinité triandrique de l’église abbatiale de Viboldone</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="resume">Dans l’église abbatiale de Viboldone, près de Milan, sur la voûte de la chapelle d’axe, derrière la <em>Maestà</em> du « Maître de 1349 », se trouve une représentation singulière de la Trinité. Cette image, qui ne subsiste aujourd’hui que sous la forme d’une <em>sinopia</em>, n’a fait l’objet que d’une seule analyse détaillée proposée en 2016 par Nancy Mandeville Caciola. Rejetant son interprétation qui liait cette image à l’hérésie guillelmite, cet article utilise des arguments historiques et iconographiques pour souligner le lien profond entretenu par cette image de la Trinité triandrique avec la dévotion eucharistique, qui semble liée à l’instauration à Milan, en 1336 de la fête du <em>Corpus Domini</em>, commémorant la présence réelle du Christ dans l’Eucharistie. Outre le groupe trinitaire lui-même, cette étude se concentre également sur l’identification des deux figures, féminine et masculine, qui encadrent la Trinité. Que ces figures soient identifiées à la Vierge Marie et saint Pierre ou au couple for...</p>]]></description> 
    <dc:creator>Pauline Vasile</dc:creator>
    <link>http://journals.openedition.org/imagesrevues/18419</link>
    <dc:date>2026-01-30</dc:date>
  </item>
  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/imagesrevues/15963">
    <title>Voir ou voiler ?</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="resume">Cet article part de l’étude de l’une des illustrations de l’utérus du <em>Cum Deo</em> ou <em>Catoptrum microcosmicum</em> de Johann Ludwig Remmelin (1619) dans laquelle apparaît une figure mythologique représentée avec une tête aux cheveux de serpents. En adoptant une perspective d’histoire de l’art occidental, il s’agira de retracer l’évolution de ce motif iconographique ambivalent, qui s’inscrit à la croisée de l’illustration anatomique du sexe féminin, des symboles du sang dans les arts et des figures de Gorgone et autres créatures monstrueuses de l’Antiquité à la période moderne. Cette analyse permettra d’interroger l’association entre le sexe féminin et cette iconographie inquiétante : s’agit-il d’un moyen de dévoiler une partie anatomique ou, au contraire, de la masquer en la chargeant d’une dimension symbolique destinée à inspirer crainte et fascination ?</p>]]></description> 
    <dc:creator>Sara Petrella</dc:creator>
    <link>http://journals.openedition.org/imagesrevues/15963</link>
    <dc:date>2026-01-30</dc:date>
  </item>
  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/imagesrevues/18304">
    <title>Introduction ou « la matrice vive »</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="texte">En 1975, dans <em>La métaphore vive</em>, Paul Ricœur explore la puissance du langage métaphorique et sa capacité à renouveler notre perception du monde. Il y décrit la métaphore comme un processus dynamique au cours duquel un mot, en étant porté au-delà de son usage habituel, engendre un nouveau sens et ouvre un espace de reconfiguration du réel. Cet « écart sémantique » engage le lecteur dans un travail herméneutique mobilisant son imagination. Le déplacement et l’accroissement du sens en résultant sont précisément ce qui rend la métaphore « vive » : grâce au réseau polysémique qu’elle active, la métaphore transfigure notre manière d’appréhender une réalité jusqu’alors insaisissable. Ricœur souligne d’ailleurs que de nombreux mots acquièrent plusieurs significations en raison de leur origine métaphorique bien que leur usage se soit figé au fil du temps. Car pour qu’une métaphore reste « vive », elle doit demeurer capable de générer de nouveaux sens. </p>
      <p class="texte">La métaphore constitue en tant que tel u...</p>]]></description> 
    <dc:creator>Fiammetta Campagnoli</dc:creator> 
    <dc:creator>Florence Larcher</dc:creator>
    <link>http://journals.openedition.org/imagesrevues/18304</link>
    <dc:date>2026-01-30</dc:date>
  </item>
  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/imagesrevues/15946">
    <title>Compte-rendu de l’ouvrage de Guillaume Le Gall, Aquariorama, Histoire d’un dispositif, Milan, Mimésis, coll. « Images, médiums », 2022, 332 p.</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="texte">Qu’est ce qui a bien pu pousser Guillaume Le Gall à écrire sur l’aquarium ? Spécialiste de la photographie ancienne, connaisseur et commentateur d’Eugène Atget et coordinateur de deux cycles de séminaires au Bal consacrés à la persistance des images et aux dispositifs pour voir, l’aquarium semble à priori éloigné de ses préoccupations. Pourtant, dans ce nouvel ouvrage issu de son habilitation à diriger des recherches, Le Gall le place dans la lignée des appareillages optiques du <span style="font-variant:small-caps;">xix</span><sup>e</sup> siècle. Il s’agit de penser l’aquarium comme un dispositif singulier de vision – dans son histoire et dans ses pratiques, un appareillage qui aurait participé à l’élaboration d’une culture visuelle singulière. Faisant un pas de côté, l’auteur veut « considérer l’aquarium comme un média », mais un média hybride. L’aquarium est à la fois un espace de projection de l’image, au même titre que le panorama ou plus tard l’écran de cinéma, et un idéal de transparence démontrant la pureté du liquide par les prou...</p>]]></description> 
    <dc:creator>Tanguy Gatay</dc:creator>
    <link>http://journals.openedition.org/imagesrevues/15946</link>
    <dc:date>2025-05-26</dc:date>
  </item>
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