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Gisèle Sapiro, Jérôme Pacouret, Myrtille Picaud (dir.), « La culture entre rationalisation et mondialisation », Actes de la recherche en sciences sociales, n° 206-207, 2015

Bounthavy Suvilay
La culture entre rationalisation et mondialisation
Gisèle Sapiro, Jérôme Pacouret, Myrtille Picaud (dir.), « La culture entre rationalisation et mondialisation », Actes de la recherche en sciences sociales, n° 206-207, mars 2015, 176 p., Paris, Seuil, ISBN : 978-2-02-121944-9.
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Texte intégral

1Ce numéro des Actes de la recherche en sciences sociales consacré à la culture peut s’avérer un peu décevant si l’on y cherche des études comparatives entre pays sur les effets de la mondialisation des industries culturelles. En dehors des deux articles consacrés aux flux symboliques entre la France et le continent africain dans le domaine de la danse contemporaine et de la littérature, la plupart des textes rendent compte d’études renvoyant à un seul pays (France, États-Unis, Allemagne). La revue s’ouvre avec un article envisageant les productions et distributions mondiales à travers les transactions et consécrations attribuées durant le marché-festival de Cannes. Elle se clôt par une comparaison des politiques culturelles dans le monde. Le sous-titre « entre rationalisation et mondialisation » place les études dans une ère contemporaine et les neuf articles évoquent les bouleversements économiques qui entrainent une marchandisation et une médiatisation de la culture. Cette notion renvoie ici à l’ensemble des arts consacrés : littérature (trois articles), musique (deux articles), danse (un article), et le septième art légitimé au siècle dernier (deux articles). Plus que l’impact des flux transnationaux, les articles mettent en lumière l’importance des intermédiaires dans la structuration du champ de production et dans la construction d’une croyance en la culture légitime.

2Dans l’introduction, Gisèle Sapiro, Jérôme Pacouret et Myrtille Picaud rappellent brièvement les phénomènes de concentration autour de grands groupes et la financiarisation des sociétés pour s’attarder sur les types de résistance à la circulation des biens symboliques au nom de l’« exception culturelle » puis de la « diversité culturelle ». En France, les politiques culturelles sont coordonnées par l’État qui intervient au niveau de la protection du marché intérieur (de façon globale pour tous les secteurs) et de l’aide à la création (de manière sélective selon des critères qualitatifs). Cette influence n’empêche pas l’émergence d’une dynamique d’oligopole à frange ni l’augmentation des inégalités économiques.

3Dans « Nouvelles vagues », Romain Leclerc analyse de quelle manière les sociétés françaises cumulent les activités complémentaires de production, de distribution et d’exportation de longs métrages étrangers considérés comme des « films d’auteurs ». Il étudie le Festival et le Marché international du film (MIF) de Cannes en 2011 comme le lieu hybride où les valeurs économiques et symboliques se croisent et se renforcent autour de trois pôles de circulation. Le premier correspond à des films à faible prétention commerciale, souvent soutenus par des institutions publiques (« circulation diplomatique ») mais sans valorisation par le festival. Le deuxième correspond à la circulation des blockbusters et films de genre, essentiellement américains, qui se servent de Cannes comme vitrine médiatique. Enfin, le troisième pôle correspond aux films de festival dont la valeur marchande dépend de la consécration symbolique. Derrière la diversité apparente, le chercheur révèle que la moitié des films sélectionnés sont produits ou coproduits par des entreprises françaises spécialisées dans la création de films d’auteurs étrangers. « De manière tautologique, pour ces sociétés, un film d’auteur, c’est donc in fine un film qu’elles sont en mesure de faire circuler sur les marchés internationaux » (p. 31). Face à puissance économique et symbolique de Hollywood, le festival cannois propose un « cinéma du monde » dont les nombreuses « nouvelles vagues » ont été engendrées par des professionnels français.

4Claire Ducournau montre de quelle manière les auteurs d’Afrique subsaharienne accédant à la scène internationale sont sur-sélectionnés au niveau de leur appartenance sociale et leur capital culturel. Dans le deuxième article de la revue, elle expose les conditions socio-historiques de l’accès à la reconnaissance littéraire et comment l’ordre mondial inégalitaire est reflété à travers les instances de légitimation étrangères (éditeurs et médias français ou internationaux). Ainsi, les médias français ont accéléré les consécrations de Fatou Diome, Alain Mabanckou et Calixthe Beyala qui ont pour point commun de ne plus résider en Afrique. La chercheuse distingue deux vagues de légitimation autour de 1980 et à partir de 1994, ce qui correspond à l’explosion des études postcoloniales dans le monde universitaire anglophone. Elle remarque également que les éditeurs français consacrent des « classiques » qui ne correspondent pas toujours aux auteurs de référence sur le continent africain.

5Dans « Un intérêt artistique à construire », Altaïr Despres s’appuie sur l’étude d’un centre de formation et de création au Mali afin de saisir les investissements inédits qu’a suscité l’extension du champ chorégraphique contemporain en Afrique. Outre le fait que les danseurs s’engagent dans cette pratique sur le mode de la résignation car elle n’est pas valorisée au sein de leur communauté, la réprobation collective les empêche d’adhérer à l’illusio. C’est par le biais de l’accumulation de capital économique et du prestige lié au séjour en Europe que ceux-ci peuvent construire une croyance puis développer un discours vocationnel rétrospectif qui corresponde aux exigences rhétoriques du champ.

6Myrtille Picaud s’intéresse plus particulièrement au rôle des salles de musique à Paris dans la création et la délimitation des genres musicaux. Elle souligne l’importance de ces intermédiaires qui mettent en rapport les œuvres et les consommateurs et montre de quelle manière le caractère matériel et géographique de l’espace de consommation joue sur son placement dans la hiérarchie des légitimités. Les salles se distinguent par leur mode de financement et leur statut juridique, la reconnaissance institutionnelle étant une condition essentielle dans la captation de financements extérieurs. La renommée et le tarif des places sont aussi des critères structurant la scène musicale. Enfin, l’ancienneté des salles polarise également le type de musique diffusé. L’auteure note la position similaire des salles de musique classique et certaines boîtes de nuit. Leurs publics partagent le même capital économique ; seul l’âge les distingue. Plus encore, « l’apport en termes d’image sociale et les sociabilités engagées paraissent parfois rapprocher la sortie de ces boîtes de nuit particulières des certains rituels sociaux du concert de musiques classiques » (p. 85). Néanmoins, la légitimité resterait un élément clivant pour structurer l’espace des salles et la formation de leurs publics.

7Les analyses de Laurent Denave et Heribert Tommek ne concernent plus les arts sur le territoire français mais la musique aux États-Unis et la littérature allemande. Elles ont pour point commun de décrire des artistes qui ne se réclament plus d’une avant-garde esthétique mais affichent leur volonté de tirer profit de leur art. Ils occupent d’ailleurs des positions économiques enviables sur le marché des biens symboliques de consommation. Ainsi John Adams trouve « absurde de jouer une musique “ennuyeuse” pour un public très restreint » et Philip Glass veut s’adresser à un « public le plus large possible » (p. 97). En Allemagne, le découplage entre le champ littéraire et la politique aboutit à la création de ce que Heribert Tommek nomme une « littérature moyenne » composée de « grands livres » faciles d’accès, qui témoigne d’une conception de l’écriture littéraire comme un artisanat que l’on peut apprendre par le biais de séminaires. Pour Denave, ces phénomènes correspondent à une « révolution conservatrice » tandis que Tommek estime qu’il s’agit d’une extension de la sphère de « légitimité potentielle ».

  • 1 Dans son article « The Matthew Effect », Robert K. Merton montre comment les universitaires les plu (...)

8Dans « Amour de la littérature : le festival, nouvelle instance de la production de la croyance », Sapiro, Picaud, Pacouret et Seiler s’intéressent à la médiation de la littérature à travers les Correspondances de Manosque. Ils montrent le rôle des intermédiaires dans la création ou le renforcement de l’illusio spécifique au champ pour un public de profanes. Bien que le festival mette en scène les auteurs dans un cadre qui se veut différent et plus convivial, il renforce la centralisation parisienne du champ littéraire par sa sélection et « l’effet Matthieu »1 dont bénéficient les écrivains participant à l’événement médiatique. Pour le public à fort capital culturel (qui est aussi le plus investi dans les différentes activités proposées), le festival est l’occasion d’augmenter son capital littéraire, « capital spécifique des lectores, en tant qu’exégètes autorisés des œuvres légitimes » (p. 111).

9Jérôme Pacouret revient sur les polémiques liées à l’adoption de la loi Hadopi pour montrer l’opposition entre une logique de corps (réalisateurs pro-Hadopi) et une logique de champ (les anti-Hadopi). Le premier groupe correspond à des cinéastes consacrés, ayant un fort capital symbolique ou économique, souvent impliqués dans des sociétés de gestion des droits d’auteurs. Le second réunit les réalisateurs de films d’auteur, économiquement dominés, dont l’action collective est rendue possible grâce aux liens générés lors des coopérations cinématographiques.

10Le dernier article analyse les résultats de l’enquête de l’Unesco produite pour la conférence mondiale sur les politiques culturelles de 1982. À partir de l’analyse des correspondances multiples (ACM) des données recueillies à cette époque, Mauricio Bustamante distingue quatre types idéaux. Le premier et le quatrième correspondent à une forte participation de l’État bien que les motivations diffèrent (contrôle idéologique dans le cas des États socialistes, satisfaction d’un besoin social dans les pays émergents). Le deuxième et le troisième distinguent les secteurs public et privé, l’intervention de État étant perçue comme positive (facilitant l’accès à la culture légitime) ou négative (dans les pays libéraux, perturbant le marché). La culture devient ainsi un domaine d’intervention publique par le biais des initiatives de l’Unesco et, dans le nouveau marché de l’expertise sur l’administration culturelle, la France et l’Angleterre servent de modèle. Il serait intéressant de refaire cette étude à une période pus récente pour voir en quoi les changements politiques (fin de la guerre froide), économiques ou technologique (convergence des médias, web 2.0) modifient les politiques culturelles des différents pays.

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Notes

1 Dans son article « The Matthew Effect », Robert K. Merton montre comment les universitaires les plus reconnus tendent à garder leur position de force. Le concept a ensuite été appliqué à d’autres domaines pour désigner les avantages cumulatifs du capital symbolique ou économique.

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Pour citer cet article

Référence électronique

Bounthavy Suvilay, « Gisèle Sapiro, Jérôme Pacouret, Myrtille Picaud (dir.), « La culture entre rationalisation et mondialisation », Actes de la recherche en sciences sociales, n° 206-207, 2015 », Lectures [En ligne], Les comptes rendus, 2016, mis en ligne le 09 juin 2016, consulté le 25 juin 2019. URL : http://journals.openedition.org/lectures/20945

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Rédacteur

Bounthavy Suvilay

Doctorante en lettres modernes à l’université de Montpellier 3 sous la direction de Marie-Ève Thérenty et Matthieu Letourneux (Paris Ouest), Bounthavy Suvilay étudie l'histoire de la réception de la licence media mix Dragon Ball (manga, anime, jeux vidéo) en France en travaillant sur les processus de recréation, réappropriation et légitimation d’un objet transculturel.

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