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Frédérique Patureau, Jérémy Sinigaglia, Artistes plasticiens : de l’école au marché

Corinne Delmas
Artistes plasticiens :
Frédérique Patureau, Jérémy Sinigaglia, Artistes plasticiens : de l'école au marché, Paris, Ministère de la Culture - DEPS, Les Presses de Sciences Po, coll. « Questions de culture », 2020, 286 p., ISBN : 9782724625950.
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Texte intégral

  • 1 Eliot Freidson, « Les professions artistiques comme défi à l’analyse sociologique », Revue français (...)
  • 2 Raymonde Moulin, Jean-Claude Passeron, Dominique Pasquier et Fernando Porto-Vasquez, Les Artistes. (...)
  • 3 Pierre Bourdieu, « Mais qui a créé les créateurs », in : Questions de sociologie, Paris, Editions d (...)

1Véritable « défi à l’analyse sociologique »1, les professions artistiques s’avèrent réfractaires tant aux catégories juridiques et officielles qu’au seul recours à une autodéfinition conduisant à un « no man’s land des identités sociales »2. La singularisation des artistes nourrit ce flou des frontières. Les artistes plasticiens incarnent tout particulièrement la figure du créateur, « sorte d’alter deus soustrait aux normes communes »3. Cet ouvrage de Frédérique Patureau et Jérémy Sinigaglia lève le voile sur ce groupe professionnel en exploitant les résultats d’une vaste enquête menée auprès de 6000 plasticiens affiliés à la Maison des artistes. Il en dessine un vaste portrait et rend compte des principaux déterminants des trajectoires professionnelles.

  • 4 La méthodologie de cette étude, qui s’est déroulée en trois phases successives (exploitation statis (...)

2Après une courte mais dense introduction précisant le propos et exposant la méthodologie4, cinq chapitres évoquent respectivement la morphologie du groupe, les voies d’engagement dans le métier, le travail artistique, la pluriactivité et la vie d’artiste.

3La profession est confrontée à un double mouvement de féminisation (37% de femmes inscrites à la Maison des Artistes en 2001, la moitié quinze ans plus tard) et d’un vieillissement qui expliquerait la proportion non négligeable d’artistes résidant en milieu rural (un sur cinq), tenant sans doute également aux conditions matérielles de la création (niveaux de revenus faibles, nécessité d’espaces moins coûteux hors agglomérations). L’identité artistique est plutôt pluridisciplinaire (pour 54% des artistes), surtout chez les plus jeunes et les mieux dotés en ressources scolaires, tendance sans doute explicable moins par l’âge (spécialisation avec le vieillissement) que par l’appartenance générationnelle (avec une revendication des nouvelles générations à diversifier les supports). Les monodisciplinaires sont, pour plus de 40%, des peintres. L’affichage disciplinaire est à relier à la difficulté à définir le métier d’artiste et à se présenter comme « artiste » chez des personnes confrontées à une faible reconnaissance sociale de leur activité. Ces variations sont aussi sociales au sein d’un espace structuré et hiérarchisé de positions professionnelles.

4La complexité de l’engagement dans le métier est bien réelle en l’absence d’obligation de diplôme, de formation ou même de savoir spécifique s’agissant d’une pratique artistique d’abord commencée en amateur dès l’enfance ou l’adolescence. Pour autant, ces « marchés ouverts » ne sont pas dénués de « droits d’entrée » ; l’enquête confirme le rôle d’une formation artistique initiale et, souvent, le cumul de plusieurs formations, notamment chez les plus jeunes. Toutefois, ce trait commun aux autres professions artistiques coexiste ici avec le maintien d’une proportion non négligeable d’artistes formés en marge des écoles ou filières universitaires spécialisées, voire se réclamant de l’autodidaxie. La formation académique apparaît comme l’une des voies par lesquelles passe la progression vers la parité, même si elle ne suffit pas pour rattraper l’avantage masculin pour des plasticiennes à l’intégration dans la carrière plus tardive et à la reconnaissance moindre. Les écoles d’art, relativement élitaires, constituent des lieux de rencontre et, pour certains, de constitution ou de consolidation du capital social spécifique au champ artistique. Ainsi, les artistes autodidactes, qui pour un tiers ont eu recours à de la formation continue, expriment le sentiment d’un manque se situant moins au niveau de l’apprentissage technique que de la socialisation professionnelle, la formation artistique supérieure initiale jouant un rôle d’accélérateur de carrière.

5Le rapport au temps et à la création varie, le travail artistique étant, peu ou prou, concurrencé par des tâches annexes ; il peut s’agir d’activités administratives requises par les montages de projets aux fins d’obtention d’aides et subventions, mais aussi de contraintes familiales ou liées à la polyactivité, pesant singulièrement sur les femmes. L’enquête révèle également le poids de l’économie informelle, un artiste sur trois exerçant son activité grâce au soutien de ses proches. Là encore, plusieurs inégalités sont mises en évidence en termes d’accès aux dispositifs publics de soutien à la création (dont ont bénéficié au moins une fois 37% des artistes interrogés) qui requièrent des connaissances (administratives, gestionnaires…) inégalement distribuées. La diffusion des œuvres ainsi que la fixation des prix varient également dans un espace fortement inégalitaire en termes de rémunérations. Tous les plasticiens sont cependant confrontés à d’importantes variations de revenus et partagent le sentiment d’une baisse du revenu artistique, 55% indiquant ne pas vivre de leur art.

6Diverses, les activités annexes s’apparentent parfois à un véritable « second métier » contraignant. Certaines, comme l’enseignement, sont le plus souvent choisies par défaut et peuvent, lorsqu’elles sont envahissantes, contribuer « à freiner la pratique artistique et à enfermer les artistes concernés dans des portions dominées du camp artistique » (p. 171). En même temps, l’enseignement, rarement vécu comme un déclassement, « peut être investi, dans certaines situations, d’un sens qui le rapproche de l’activité artistique elle-même. Un peu sur le modèle humboldtien de l’enseignant-chercheur à l’université, dans lequel enseignement et recherche se nourrissent mutuellement, une partie des artistes justifient leur engagement dans la transmission de l’art par l’enrichissement réciproque de l’enseignement et de la création artistique » (p. 172). La pluriactivité présente finalement des enjeux tant identitaires qu’économiques. Pour certains, elle peut même se justifier par une volonté d’autonomie artistique par rapport aux institutions culturelles ; une telle liberté a toutefois un coût, ces dernières distribuant non seulement des moyens financiers mais aussi une reconnaissance contribuant à la constitution de carrières dès lors inégalitaires, notamment en termes de genre.

7Les témoignages recueillis rendent compte des multiples facettes de « la vie d’artiste ». En réaction à la professionnalisation du champ artistique, les enquêtés développent un discours qui, sans utiliser le terme de « vocation », s’inscrit « dans l’histoire longue des représentations attachées à la figure de l’artiste en ce que son activité relève d’abord de la « nécessité vitale » » (p. 188). Liée au caractère non routinier du travail artistique, la nature fusionnelle entre l’artiste et sa création est largement mise en scène, la réalisation de soi à travers le travail semblant constituer l’une des clés de la forte attractivité des métiers de la création et, plus largement, des conditions d’un rapport heureux au travail. Ce plaisir de créer est ici indissociable de celui de se présenter comme un « créateur », même si le registre varie selon l’âge et la formation, technique chez certains, intellectuel chez les jeunes passés par les écoles supérieures d’art. Ces derniers se présentent davantage comme « plasticiens » et insistent sur la dimension de recherche, la quête du renouvellement et l’originalité. Le sentiment de liberté est, pour sa part, exprimé par plus de quatre artistes sur dix, majoritairement par ceux bénéficiant de conditions de vie relativement favorables et d’une autonomie d’organisation en matière de création artistique. Les rencontres avec d’autres artistes et les publics sont également une source importante de satisfaction et de plaisir.

8Mais plusieurs ombres au tableau demeurent : difficultés à vivre de son art et sentiment du risque – cette imprévisibilité étant source d’angoisse –, lourdeur administrative des tâches annexes, rapports difficiles aux milieux de l’art. Ces derniers, notamment celui de l’art contemporain, sont perçus comme concurrentiels et dénués de solidarité ou d’entraide, sentiment particulièrement exprimé par des artistes ne maîtrisant pas les codes pour y évoluer avec aisance. Le soutien public suscite en outre des discours méfiants à l’égard de choix perçus comme conformistes et sources d’un nouvel académisme. L’articulation entre la création et les tâches domestiques constitue aussi une difficulté, à l’instar des autres activités non salariées impliquant des arrangements au sein du couple. L’avenir est pourtant perçu de manière optimiste par près de la moitié des enquêtés et plusieurs propositions permettraient d’unifier et stabiliser la profession : mise à disposition de lieux d’exposition publique, reconnaissance d’un droit de présentation, encadrement plus strict des droits d’auteur, établissement d’un statut garantissant mieux les risques de la création… Ces aspirations se heurtent toutefois à une faible organisation d’artistes se tenant à distance de toute forme de participation politique directe : ceux qui revendiquent un engagement politique déclarent le plus souvent le faire à travers leur art.

9Au-delà des traits communs, l’enquête met finalement en lumière l’hétérogénéité du groupe, la diversité des parcours de vie, mais aussi quelques tendances lourdes dont l’importance croissante de la formation dans une école supérieure d’art et une faiblesse des revenus artistiques conduisant la moitié des artistes à la polyactivité. En la matière, les inégalités sociales et de genre persistent, malgré un mouvement continu et remarquable de féminisation. Clair, riche et documenté, cet ouvrage ouvre plusieurs pistes et invite à prolonger l’analyse, en poursuivant la comparaison, par exemple sur les logiques de professionnalisation, la persistance des inégalités de genre et la montée en force des formations, ou encore le rapport au politique et la syndicalisation des artistes.

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Notes

1 Eliot Freidson, « Les professions artistiques comme défi à l’analyse sociologique », Revue française de sociologie, XXVII, 1986, p. 431-443.

2 Raymonde Moulin, Jean-Claude Passeron, Dominique Pasquier et Fernando Porto-Vasquez, Les Artistes. Essai de morphologie sociale, Paris, La Documentation française, 1985, p  8-12.

3 Pierre Bourdieu, « Mais qui a créé les créateurs », in : Questions de sociologie, Paris, Editions de Minuit, 1984, p. 207.

4 La méthodologie de cette étude, qui s’est déroulée en trois phases successives (exploitation statistique approfondie des fichiers de gestion anonymisée de la Maison des artistes entre 1979 et 2016, enquête quantitative auprès d’un échantillon de 6000 artistes plasticiens et enquête qualitative par entretiens) est par ailleurs restituée par les annexes de l’ouvrage.

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Pour citer cet article

Référence électronique

Corinne Delmas, « Frédérique Patureau, Jérémy Sinigaglia, Artistes plasticiens : de l’école au marché », Lectures [En ligne], Les comptes rendus, mis en ligne le 15 décembre 2020, consulté le 24 janvier 2022. URL : http://journals.openedition.org/lectures/45883 ; DOI : https://doi.org/10.4000/lectures.45883

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Rédacteur

Corinne Delmas

Professeure de sociologie à l’Université de Nantes, membre du Centre nantais de sociologie (CENS, UMR 6025).

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