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Fred Turner, L’usage de l’art. De Burning Man à Facebook, art, technologie et management dans la Silicon Valley

Nicolas Heimendinger
L'usage de l'art
Fred Turner, L'usage de l'art. De Burning Man à Facebook, art, technologie et management dans la Silicon Valley, Caen, C&F Editions, coll. « Société numérique », 2020, 144 p., ISBN : 978-2-37662-017-4.
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Texte intégral

  • 1 Turner Fred, Aux sources de l’utopie numérique. De la contre-culture à la cyberculture, Stewart Bra (...)

1Cette nouvelle publication de Fred Turner poursuit la veine originale qui l’a conduit à explorer, dans d’autres ouvrages traduits par le même éditeur1, les affinités inattendues entre contre-cultures, nouvelles technologies et capitalisme libéral américain. Plus court et plus modeste que les précédents, L’usage de l’art réunit en fait pour le lecteur français deux articles initialement parus dans des revues anglophones.

2Le premier article rend compte d’une enquête menée en 2006-2007 sur les liens entre Google et le célèbre festival de Burning Man, né en 1986 à San Francisco puis déplacé dans un désert du Nevada, où se croisent artistes-performers, communautés New Age et cadres des industries numériques. Si « rien ne dure longtemps dans la Silicon Valley » – selon le titre de la postface rédigée par l’auteur pour la publication française –, les principales intuitions de ce texte restent pertinentes près de quinze ans plus tard. Turner montre comment, sous l’apparence d’un moment carnavalesque de coupure avec le monde ordinaire, Burning Man constitue aussi un lieu exclusif de socialisation et de promotion de soi pour les ingénieurs et les dirigeants de la nouvelle économie numérique. Non seulement des rencontres professionnelles décisives s’y produisent – Larry Page et Sergey Brin auraient ainsi recruté Eric Schmidt à la tête de Google après l’avoir vu au festival (p. 26) –, mais surtout les participants investissent à cette occasion des énergies (et des sommes) parfois considérables dans la création d’installations multimédia ou de sculptures éphémères, démontrant ainsi une inventivité technique et organisationnelle qui peut faciliter ensuite la réussite de leur carrière. Ces créations communautaires, utopiques, joyeuses et non marchandes, correspondent en effet à l’image qu’entendent projeter d’elles-mêmes des sociétés comme Google : des lieux d’épanouissement personnel et de transformation positive du monde, à rebours des anciennes entreprises de l’ère industrielle, bureaucratisées, routinières et orientées exclusivement vers le profit – à rebours aussi des longues heures de programmation, monotones et subies, qui constituent en fait la réalité quotidienne de bien des travailleurs du secteur (p. 58).

3« Réinterpét[er] le travail technologique comme un mode de créativité artistique » (p. 58) : cette logique est à l’œuvre également dans les programmes artistiques de Facebook qu’étudie le second article de l’ouvrage, plus récent (2018). L’Analog Research Laboratory, tout d’abord, est une initiative spontanée de deux designers de l’entreprise, qui se sont mis en 2008 à produire sur leur temps libre des affiches pour les murs du nouveau siège de Menlo Park. Ces posters aux couleurs chaudes et vives oscillent entre des slogans motivationnels, vantant une forme d’épanouissement dans et par un travail disruptif – « Move fast and break things », « What would you do if you weren’t afraid », etc. – et une esthétique de tracts militants, allant jusqu’à reproduire des figures emblématiques du mouvement des droits civiques ou du syndicalisme agricole. Réduites à l’état d’icônes décontextualisées, ces références sont vidées de leur substance politique et deviennent ainsi de simples images positives d’affirmation personnelle, porteuses de valeurs consensuelles (inclusion, ouverture, liberté, etc.). L’autre structure étudiée, un programme de résidence créé en 2012, fait appel à des artistes (souvent locaux) pour décorer les différents sièges de Facebook à travers le monde. Il s’agit le plus souvent de fresques murales de street artists, colorées et ornementales, qui confèrent aux open spaces une atmosphère jeune et branchée, évoquant les quartiers gentrifiés des grandes métropoles internationales.

4Bien que Turner ne condamne pas a priori ces programmes artistiques, dont il n’est pas exclu qu’ils finissent par prendre « une réelle tournure civique » (p. 128), le ton de ce second article apparaît plus critique et indique que la perspective a bien changé, depuis quelques années, sur ce qu’il est désormais convenu d’appeler les « Gafam ». Au début des années 2000, certaines de ces multinationales pouvaient encore sembler proches de l’utopie numérique originelle, même réduite à la devise purement négative de Google, « Don’t be evil » (devise d’ailleurs abandonnée en 2015). À présent, elles apparaissent de plus en plus comme des Léviathans monopolistiques, aux relations ambivalentes avec les institutions démocratiques, c’est-à-dire précisément le modèle d’entreprise dont elles cherchaient à se distinguer au moment de leur création (p. 126). Turner s’appuie, en guise de soubassement théorique, sur la notion de capitalisme de surveillance développée par Soshana Zuboff : celle-ci désigne un nouveau mode d’accumulation du capital qui ne reposerait plus tant sur la production de biens et de services que sur la sollicitation, l’analyse et la modification de comportements sociaux à des fins publicitaires (p. 87). Les projets artistiques de Facebook rendent visible cette union improbable entre d’une part un système sophistiqué de surveillance, appuyé sur une gouvernance autocratique et des algorithmes tenus secrets, et d’autre part l’invitation à l’ouverture symbolisée par les affiches « Be Open » placées à l’entrée du siège californien (p. 88). Plus qu’une simple contradiction involontaire, cette image, explique l’auteur, fait signe vers la logique économique profonde de Facebook, fondée sur sur l’asymétrie entre une demande pressante de dévoilement intime, adressée à ses usagers, et le contrôle opaque et sans partage des données ainsi collectées.

5L’autre intérêt de ce texte est de montrer comment ce fonctionnement économique se réfléchit dans les modes de management et comment ceux-ci, à leur tour, s’incarnent dans une esthétique d’entreprise. Peut-être plus encore que les affiches et les fresques sur lesquelles Turner s’attarde, un exemple frappant est donné par le siège de Menlo Park lui-même, conçu en partie par Frank Gehry en bordure de Palo Alto. Celui-ci prend la forme d’un quartier ou d’un village aéré et polyvalent, traversé par une longue allée centrale, bordée de terrasses, de jardins et de bâtiments de plain-pied, où coexistent, de manière peu différenciée, des espaces de travail sans place assignée ni segmentation hiérarchique et divers lieux de récréation ou de consommation. Cette malléabilité et cette porosité internes ont pour corollaire une délimitation externe en revanche bien marquée, qui s’accompagne de l’imposition de normes contraignantes à ceux qui la franchissent. En effet, le siège est aussi un microcosme fermé et autarcique, aux entrées et aux sorties contrôlées, d’où sont proscrites par exemple les communications avec la presse (p. 108) ou l’affiliation syndicale. Ces restrictions des relations externes et la multiplication des possibilités de vie sociale interne apparaissent en fait comme autant de moyens de captation des employés et de réduction de leurs activités et de leurs lieux de vie à l’espace-temps de l’entreprise.

  • 2 Richard Florida, The Rise of the Creative Class, New York, Basic Books, 2002.
  • 3 Richard Lloyd, Neo-Bohemia. Art and Commerce in the Postindustrial City, Londres, Routledge, 2005.
  • 4 Luc Boltanksi, Eve Chiapello, Le Nouvel esprit du capitalisme, Paris, Gallimard, 1999.
  • 5 Pierre-Michel Menger, Portrait de l’artiste en travailleur. Métamorphoses du capitalisme, Paris, Se (...)

6Turner rejoint ici le thème bien balisé des rapports paradoxaux entre les nouvelles formes de capitalisme et les aspirations et modes de vie issus des mondes artistiques, étudiés au tournant des années 2000 par Richard Florida2 ou Richard Lloyd3 aux États-Unis, par Luc Boltanski et Eve Chiapello4 ou Pierre-Michel Menger5 en France. Son apport est peut-être plus original vu du côté de l’histoire de l’art, où le mécénat d’entreprise demeure un thème peu traité (et difficile à documenter). L’auteur met ainsi en lumière, de manière particulièrement intéressante, un basculement historique entre les orientations, par exemple, de la Chase Manhattan Bank, décorant dans les années 1960 le hall de son siège new-yorkais de grandes toiles abstraites, selon une stratégie de communication publique prestigieuse et avant-gardiste (p. 89), et les interventions artistiques des entreprises de la Silicon Valley, plus éloignées du marché de l’art contemporain (p. 6), pour lesquelles cet investissement est surtout le moyen de créer des atmosphères de travail internes motivantes. Ces « usage[s] de l’art » distincts recoupent aussi une différence de culture professionnelle. Le premier modèle, reproduisant la logique de la collection muséale, renvoie à la constitution de portefeuilles d’actifs hautement valorisés, compétence caractéristique du secteur financier. Par contraste, le second modèle, qui privilégie à la traditionnelle contemplation distante d’une œuvre achevée les expériences d’immersion dans des installations souvent éphémères, correspond mieux à la maker culture collaborative et transitoire, que valorisent les ingénieurs des industries numériques, à l’opposé du cadre d’entreprise classique, thésaurisateur et comptable.

7Si les thèses de Turner semblent parfois reposer sur des analogies quelque peu forcées entre art et idéologie, plutôt que sur des démonstrations documentées, c’est la contrepartie d’un effort stimulant pour lier des disciplines, media studies, histoire de l’art et sociologie du travail, qui communiquent habituellement peu. Le choix d’une approche sous l’angle de l’art d’entreprise permet de comprendre le pouvoir d’attraction que ces multinationales continuent d’exercer sur leurs employés comme sur leurs utilisateurs, malgré des critiques croissantes : leurs promesses de réalisation de soi ne se nourrissent pas seulement « aux sources de l’utopie numérique », mais aussi à celles de la bohème artistique.

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Notes

1 Turner Fred, Aux sources de l’utopie numérique. De la contre-culture à la cyberculture, Stewart Brand un homme d’influence [2006], trad. Laurent Vannini, Caen, C&F Éditions, 2012 ; Turner Fred, Le cercle démocratique. Le design multimédia, de la Seconde Guerre mondiale aux années psychédéliques [2013], trad. Anne Lemoine, Caen, C&F Éditions, 2016.

2 Richard Florida, The Rise of the Creative Class, New York, Basic Books, 2002.

3 Richard Lloyd, Neo-Bohemia. Art and Commerce in the Postindustrial City, Londres, Routledge, 2005.

4 Luc Boltanksi, Eve Chiapello, Le Nouvel esprit du capitalisme, Paris, Gallimard, 1999.

5 Pierre-Michel Menger, Portrait de l’artiste en travailleur. Métamorphoses du capitalisme, Paris, Seuil, 2002.

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Pour citer cet article

Référence électronique

Nicolas Heimendinger, « Fred Turner, L’usage de l’art. De Burning Man à Facebook, art, technologie et management dans la Silicon Valley », Lectures [En ligne], Les comptes rendus, mis en ligne le 10 février 2020, consulté le 28 janvier 2022. URL : http://journals.openedition.org/lectures/47453 ; DOI : https://doi.org/10.4000/lectures.47453

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Rédacteur

Nicolas Heimendinger

Enseignant et doctorant en esthétique, sciences et technologie des arts à l’université Paris 8 Vincennes-Saint-Denis.

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