• 1 cf Benoît Melançon, Réaliser un film en animation 3D, Les 400 coups cinéma, 2006, p. 209-210.
• 2 Ed Hooks, Acting for Animators, Routledge, 2011, p 60-61.
• 3 Joël Augros, « Le toon c'est de l'argent », dans CinémAction 123, « CinémAnimations », dirigé par P (...)

1Le doublage joue un rôle particulièrement important dans le cinéma d’animation, permettant de donner une voix au personnage. Il ne s’agit d’ailleurs pas à proprement parler de doublage (en tout cas pour la VO), puisque c’est la voix originale du personnage que l’on enregistre à ce moment-là deux cas de figure sont possibles. Le plus souvent, depuis Disney, la voix est enregistrée avant le début de l’animation, pour servir au lipsync (la synchronisation des labiales sur le son) et parfois il s’agit effectivement de doublage, une voix provisoire ayant servi pour le lipsync. La bande-son, dans un film d’animation, peut être travaillée en présynchronisation ou en postsynchronisation1. Il ne s’agit pas seulement d’une question technique puisque cela indique l’importance donnée à la star et s’il s’agit d’un processus de caractérisation vocale. Cette voix participe pleinement de la création du personnage et il est fréquent que le comédien soit « casté » au tout début de la production. Le personnage et sa voix peuvent donc être intimement entremêlés. Ed Hooks situe le début de la présynchronisation dans les années 30, avec les Trois petits cochons. Mais cela ne signifie pas toujours une « voice characterization », la voix enregistrée pouvant être temporaire. Ed Hooks oppose cette présynchronisation à la manière de travailler de Hayao Miyazaki qui fait enregistrer les voix secondairement, ce qui laisse plus de liberté à l’animateur2. Notons que, dans les productions Disney, il y avait assez souvent, de façon dissociée, un modèle corps et une voix. Ainsi dans Blanche-Neige et les sept nains (1937) les animateurs s’inspiraient de Marge Champion, une jeune danseuse qui était devenue modèle de référence pour Blanche-Neige après plus de deux cents auditions, tandis que la voix était assurée par Adriana Caselotti. Le fait même de dissocier corps et voix indique que la notoriété ne constituait pas un critère de choix essentiel pour les voix. Dans les dessins animés Disney antérieurs à Aladdin (1992), il existe des voix qui interviennent dans plusieurs films et qui apparaissent ainsi de façon récurrente. Verna Felton double la matriarche éléphante dans Dumbo, la marraine dans Cendrillon (1950), la reine de cœur dans Alice au pays des merveilles (1951), tante Sarah dans La Belle et le Clochard (1955), la fée Flora dans La Belle au bois dormant (1959) et Winifred (l’épouse du colonel Hathi, le chef des éléphants) dans Le Livre de la jungle (1967). Cela crée une sorte de permanence, de film en film se dégage une impression familière. Les voix existent alors au service de l’univers Disney et les comédiens ne sont pas mis en valeur en tant que comédiens connus. Ainsi Joël Augros rappelle que quand il monopolisait le dessin animé, Disney avait institué comme règle pour les voix de ses personnages : « good actors, no names, no big paycheks » (des bons acteurs, peu connus et pas de gros cachets3).

• 4 Jérémie Noyer, Entretien avec un empire, Rencontre avec les artistes Disney, les grands classiques (...)

2Si Kathryn Beaumont, la voix d’Alice dans Alice au pays des merveilles et de Wendy dans Peter Pan (1953) participe à la promotion des films dans des émissions de télévision, c’est au sein d’émissions Disney qu’elle apparaît, comme un « personnage Disney » en quelque sorte4. Ce qui semble essentiel ce sont les personnages et plus largement le monde Disney comme monde autonome et indépendant. D’ailleurs les voix qui ont doublé des personnages Disney sont régulièrement récompensées lors des Disney Legend, un prix lancé en 1987 par Walt Disney Company qui remet des décorations aux hommes et femmes qui ont contribué de manière remarquable à l’entreprise. Disney se nourrit de l’intérieur, de façon largement autarcique et autoréférentielle. Notons cependant qu’il arrive, rarement toutefois, que des célébrités fassent partie du casting voix d’un dessin animé Disney. Si c’est le cas, cela n’est pas utilisé comme un élément de promotion pour le film, mais plutôt comme une simple référence pour donner plus d’épaisseur au personnage. Dans Basil détective privé (1986), la voix de Sherlock Holmes est celle de Basil Rathbone, l’interprète du célèbre détective au cinéma. D’ailleurs, la souris détective se nomme « Basil » en son honneur. Le choix du doubleur est alors signifiant et place ce dessin animé dans la lignée des incarnations de Sherlock Holmes qui l’ont précédé. Autre exemple dans Robin des Bois (1973), où le Prince Jean est doublé par Peter Ustinov, qui avoue s’être inspiré à cette occasion de son rôle de Néron qu’il endossait dans le film Quo vadis. L’acteur, qui joue un personnage de dessin animé, apporte avec lui son passé de comédien. L’image de la star n’est utilisée principalement de façon très sélective pour la construction du personnage et ne joue pas un rôle promotionnel (ou en tout cas de manière beaucoup moins évidente que ce qui va exister plus tard). La présence de célébrités à la voix reconnaissable est donc rare. Cependant, notons que Basil Rathebone ou Peter Ustinov sont de grandes stars à l’époque et leurs voix sont très évocatrices pour les anglophones. Ainsi Disney a largement anticipé la vogue du doublage avec des acteurs très connus et il faut nuancer cette approche historique même si le tournant reste 1992, en particulier en ce qui concerne la stratégie marketing. Il s’agit d’être attentif à deux éléments qui ne vont pas forcément de pair. Le fait, d’une part, de choisir un acteur connu pour la voix du personnage (voire même de s’en inspirer pour construire le personnage) et d’autre part de s’appuyer sur cet élément dans le cadre d’une stratégie de communication.

• 6 Le conflit qui a existé entre Robin Williams et Disney est de notoriété publique. Pour avoir davant (...)
• 7 Richard Dyer, Le star-système hollywoodien, L’Harmattan, 2011, p. 94.

4Ce choix annonce déjà le travail effectué pour Aladdin. Le doublage du génie par Robin Williams constitue un véritable tournant. En effet, c’est la première fois que la présence d’une star, dans la distribution d’un film d’animation, était utilisée comme un élément de promotion. De plus, Robin Williams jouera un rôle essentiel dans la constitution du personnage, les graphistes s’inspirant de ses multiples improvisations pour animer les scènes où le génie est présent. Notons que Robin Williams, qui avait accepté de travailler selon le tarif syndical, ne voulait pas que sa participation au film soit un élément de promotion. Disney ne respectera pas cet accord, ce qui provoque un conflit grave entre l’acteur et le studio6. Mais la révolution est lancée et la star, et sa persona, deviennent des éléments essentiels de la construction des films d’animation. A partir de ce moment-là, les voix des personnages principaux d’un film d’animation seront de plus en plus souvent choisies parmi les acteurs célèbres de films en prises de vues réelles. C’est assez discret dans les productions Disney ou Pixar (sur quelques rôles seulement), mais particulièrement évident dans les films DreamWorks. Ainsi dans Shrek (Andrew Adamson et Vicky Jenson, DreamWorks, 2001) on retrouve Mike Myers, Eddie Murphy et Cameron Diaz. Dans Kung Fu Panda (Mark Osborne et John Stevenson, DreamWorks, 2008) Angelina Jolie joue la tigresse, Dustin Hoffman le maître en arts martiaux, Lucy Liu le serpent et Jack Black le gros panda. Tout un jeu de ressemblances/ différences se déploie, dès lors, entre le doubleur et son avatar animé. Il s’agit de se demander dans quelle mesure l’image de la star entre en jeu dans la construction du personnage et sa réception par le public, l’accord pouvant être parfait ou largement imparfait7.

• 8 Relevé des réactions effectué le 12 février 2013.

5Dans cette perspective, je vais me pencher plus particulièrement sur les productions des trois studios qui occupent la plus grande partie du marché du cinéma d’animation depuis les années 1990 : Disney/Pixar, DreamWorks et Blue Sky Studio (racheté par la Twentieth Century Fox Animation). Par ailleurs, je me concentrerai sur la distribution et l’impact de ces films en France. Cela n’exclut pas le casting américain, les films pouvant être diffusés en VO ou en VF. Dans cette recherche, je m’appuierai sur plusieurs types de documents qui permettent de rendre compte de tendances à la fois dans la promotion des films d’animation et dans leur réception : bande-annonce, affiche, dossiers de presse, revue de presse à la sortie des films dans la presse généraliste (à partir de la revue de presse proposée par la Bibliothèque du Film), compte rendu dans un journal spécialisé Les Cahiers du cinéma, réactions et commentaires des internautes sur le site Allo Ciné8. En dépouillant ces données, je me suis demandée à quel moment les voix sont mentionnées, qu’est-ce que la présence de voix de stars provoque et change pour le cinéma d’animation. J’ai d’ailleurs utilisé la notion de star de façon assez large, afin d’inclure plus généralement les « célébrités ». A partir de la question de la voix dans le cinéma d’animation, la façon dont on « la » parle et dont on « en » parle, nous tenterons d’articuler deux dimensions de réflexion :

• 9 Disney met également en avant pour ce film le choix d’une voix afro-américaine bien connue James Ea (...)

8 Au vu de la tendance forte du choix de stars pour doubler les personnages de dessins animés, il s’agit de s’interroger sur ce que ce choix apporte au film. Il est évident que cela procure un surcroît de notoriété. Cela permet à la promotion de se développer dans des événements comme des projections de presse ou des plateaux télévisés. D’ailleurs, dans les comptes rendus de la presse ainsi que dans les dossiers de presse, ce sont le plus souvent les noms des célébrités qui sont mises en avant, même s’il ne s’agit que de très petits rôles. Mais au-delà des questions de publicité, le doublage par des stars est souvent perçu par la presse comme une valeur ajoutée. On peut lire dans Le Monde du 10/05/2001 que l’ogre « bénéficie de la voix de Mike Myers », et ce terme de bénéficier revient volontiers sous la plume des journalistes pour parler du doublage. De même, dans les réactions des spectateurs sur Allo Ciné, le casting vocal est souvent apprécié et on peut lire que l’« on prend plaisir à trouver les voix d'acteurs célèbres » (commentaire pour Toy Story), ou encore que le « casting (en VO) laisse rêveur et montre qu'il s'agit là d'une grande équipe de doublage qui se prête au jeu à la perfection ! ! ! » (Commentaire pour Shrek). On peut imaginer que les stars amènent leurs expériences et leurs qualités d’acteurs. Mais il y a plus que cela ; dans la réaction des internautes se dessine le plaisir de la reconnaissance, savoir qui double. La star transporte avec elle sa persona qui nourrit le personnage et dont on voit la trace dans les réactions du public. Ainsi, Le Progrès (11/11/1998) remarque au sujet de Fourmiz (Antz, Eric Darnell et Tim Johnson, Dreamworks, 1998) que « chacun a judicieusement été choisi en fonction de son image de star qui correspond à celle du personnage qu’il incarne ». La persona d’une star dépend en partie de ses rôles antérieurs. Dans les dossiers de presse, le CV de l’acteur est le plus souvent mentionné et il est fréquent que dans la presse soient rappelés quelques-uns de ses rôles les plus importants. L’acteur amène avec lui son passé de comédien ; ainsi, Sylvester Stallone remarque, dans le dossier de presse de Fourmiz, qu’il se trouve ici dans « son rôle habituel de héros imparfait ». Certains acteurs ont été marqués, dans l’esprit du grand public, par un rôle en particulier et le film d’animation peut s’appuyer sur cette imprégnation. Dans ce cas, il faut que l’empreinte persiste jusqu’au bout, même dans les doublages en version française, comme l’explique Le Journal du dimanche (08/11/1998) pour Fourmiz : « En VF la recette manquera forcément de sel, même si les réalisateurs ont vu leur vœu exaucé : les voix françaises des bébêtes sont celles qui doublent d’habitude Woody, Rocky, Sharon et les autres ». Deux éléments sont assez frappants dans cet extrait d’article. D’abord, la grande familiarité avec laquelle les stars sont qualifiées, par leur prénom : le public les connaît et seul le prénom est nécessaire. Et surtout la façon dont sont mêlés prénom des acteurs et personnage fictionnel, Rocky désignant bien évidemment Sylvester Stallone. Dans un même ordre d’idées, on peut lire dans les commentaires d’Allo ciné : « le clone de Rambo en fourmi est particulièrement cocasse ». Ainsi, d’une certaine façon, l’étude du cinéma d’animation et de l’utilisation des voix permettent de souligner la force des projections qui font exister une star dans le champ social et culturel. L’imprégnation forte d’un acteur par un rôle et son utilisation par le film d’animation est également à l’œuvre de manière évidente dans Shrek 2 (et ses suites) et avec le Chat Potté doublé par Antonio Banderas. Que ce soit le dossier de presse, les articles de journaux, les spectateurs postant leurs critiques sur internet, tous s’accordent sur l’importance dans son passé de comédien du rôle de Zorro pour incarner le personnage du Chat Potté. La légitimité du personnage (et sa drôlerie) est soutenue par le choix du doubleur qui fait directement référence à Zorro. Mais, même si l’on a vu qu’un ou deux rôles décisifs peuvent être mis en avant, c’est l’aura en général du comédien qui est sollicitée et les éléments qui le rendent reconnaissable pour le grand public. Ainsi Antonio Banderas apporte plus largement au Chat Potté le charisme du séducteur latin. On peut aussi lire dans la presse qu’Eddy Murphy « prête son bagou à l’âne » (La Croix, 04/07/2001, pour Shrek). De façon encore plus marquée que dans d’autres supports, avec une forme d’épure et d’évidence, ces films d’animation se nourrissent consciemment de la persona de l’acteur, en sélectionnant quelques traits signifiants. L’emprise de la persona d’un acteur sur son personnage animé, et plus globalement sur le film dans son ensemble, est particulièrement évidente dans Fourmiz, avec Woody Allen. Une des bandes-annonces joue sur la confusion avec un film de Woody Allen en proposant deux éléments immédiatement reconnaissables de son cinéma : la vision de Manhattan et le monologue chez le psychanalyste. Il n’est même pas besoin de citer le nom de l’acteur dans la bande-annonce, tout le monde l’a reconnu. La confusion est d’autant plus forte que Woody Allen n’est pas seulement un acteur, mais aussi un réalisateur, et la proximité du film d’animation avec ses propres films et avec ses obsessions fait dire à un internaute qu’ « il ne serait d'ailleurs pas étonnant que le cinéaste ait écrit lui-même la plupart de ses répliques ». Dans un film d’animation, c’est la voix de l’acteur qui est mise en avant et on peut remarquer que ce sont les stars qui ont un timbre ou un rythme de voix très reconnaissable qui tirent le mieux leur épingle du jeu. La litanie introspective de Woody Allen, le flot verbal de Robin Williams, par exemple, font de leur interprétation l’un des points saillants de ces films d’animation. Dans ce cadre, l’accent des acteurs joue également un rôle essentiel. Notons que la présence d’accents pour les doubleurs de dessins animés et leur appartenance à certaines minorités n’est pas une question nouvelle et se pose aussi bien pour le loup des trois petits cochons que pour les hyènes du Roi Lion (doublées par Whoopi Goldberg et Cheech Marin)9. L’accent du doubleur prend un relief tout particulier dans Shrek avec Antonio Banderas et Eddie Murphy. Cet accent très présent est une source de fierté pour Antonio Banderas et fait partie de sa persona de Macho latin. Il déclare dans Le Journal du dimanche (10/06/2006) :

• 10 Richard Dyer, op. cit., 2011, p. 62.

10Le journaliste met en avant la question des minorités ethniques ainsi que l’homosexualité suggérée du Prince Charmant, soulignant que le rôle est tenu par Rupert Everett, un acteur dont le grand public connaît l’homosexualité. C’est ce que suggère également la phrase moins polémique mais tout aussi révélatrice de l’article des Echos (23/06/2004) : « un bellâtre ridicule aux fausses allures de Tom Cruise, qui ne s’intéresse qu’aux produits de beauté (La voix est celle de Rupert Everett) ». Ainsi, même dans un film d’animation, la persona de l’acteur ne comprend pas seulement ses apparitions à l’écran, mais aussi ce que le public peut savoir de sa vie privée dans les journaux ou dans les interviews qu’il donne. Selon Richard Dyer « une image de star est faite de textes promotionnels, publicitaires, filmiques, exégétiques ou critiques10 ». Ici l’homosexualité de l’acteur (qui est connue et revendiquée) teinte le personnage, sans que cela soit nécessaire de l’expliciter dans le film. De même le choix d’Ellen de Generes pour doubler Dory, le poisson atteint d’un problème de mémoire dans Le Monde de Némo (Finding Nemo, Andrew Staton et Lee Unkrich, Pixar, 2003) n’a rien d’anodin. En effet, non seulement c’est une présentatrice jouissant d’une grande notoriété au Etats-Unis mais elle est également très connue pour son homosexualité et pour son combat pour les droits des homosexuels. D’ailleurs lors des interviews où on lui parle de son rôle pour le film, il n’est pas rare que juste après on évoque son homosexualité revendiquée. Cet élément nourrit forcément le personnage même si c’est beaucoup moins évident que pour le prince Charmant de Shrek.

• 11 Allan Neuwirth, op. cit., chapitre 9 « Who said that? », p. 213-234, p. 222.

11 Etant donné l’empreinte très forte de la persona de la star sur le personnage, on peut se demander comment est choisi le doubleur français. Par exemple, dans le cas de Dory, le choix de la voix française change complètement l’impression que donne le personnage. En effet, c’est Céline Montsarrat qui prête sa voix au personnage. Il s’agit d’une doubleuse professionnelle qui est bien connue pour doubler Julia Roberts et qui a une voix très reconnaissable. Ainsi sur Allo ciné, une réaction met en exergue la désorientation du spectateur : « Dory, avec la voix de Julia Roberts, elle est juste hilarante ». Pour le spectateur français, il s’agit de Julia Roberts qui joue Dory, une star à la persona bien différente de celle de Ellen de Generes (tout particulièrement marquée par ses rôles dans des comédies romantiques) et qui colore bien autrement le personnage. Ce cas-là est rare, mais met en évidence les questions d’incarnation paradoxale que pose l’animation. Il reste que, dans la configuration actuelle du cinéma d’animation et son casting de stars presque toujours obligatoire, trois possibilités demeurent. Tout d’abord, il est souvent possible de voir ces films au cinéma en VOST, ce qui était assez difficile avant les années 2000 pour les dessins animés. Cela indique nettement que les films d’animation ne s’adressent plus seulement aux enfants, mais aussi aux adolescents et aux adultes. D’ailleurs le choix d’acteurs connus a participé à cette évolution. Pat Caroll, la voix d’Ursula dans la Petite Sirène, explique clairement que le public du dessin animé, composé d’enfants, connaît Ursula mais pas Pat Caroll. Ainsi elle signe ses autographes Ursula, s’effaçant derrière le personnage11. Désormais l’effacement de la voix derrière le personnage n’est pas toujours évident et la star peut apparaître au premier plan. Le choix de la VO est souvent vanté par les articles de presse. Ainsi, selon La Croix (13/10/2004), le film Gang de requins « ne prend son sens qu’en VO » et pour Kung Fu panda Les Echos (10/07/2008) conseillent la VO si les enfants ont l’âge de lire. De façon générale, il y a une plus grande insistance dans les articles sur les voix prestigieuses de la version originale. Notons que cette insistance est surtout le fait de la presse ainsi que des dossiers de presse. Dans les commentaires que l’on peut lire sur Allo ciné, une large place est faite à la version française, le plus souvent pour l’encenser (ainsi on peut lire que la VF d’Aladdin est meilleure que la VO) et parfois pour la regretter. Mais cette importance donnée à la version originale pose problème. Ainsi Libération Paris Mômes (06/10/2004) remarque pour Gang de requins que les enfants « se moquent bien » du fait que les personnages soient dessinés à partir de leurs doubleurs, « vu qu’ils auront droit à la VF ». Et justement pour la version française que faire ? Il est possible, tout simplement, de choisir le doubleur habituel de la star. C’est le cas pour tout le casting de Fourmiz, ou encore pour le l’âne de Shrek, avec la voix française d’Eddy Murphy, Med Hondo. Il est possible également de choisir des célébrités françaises pour doubler les voix. Dans ce cas, les acteurs sont légèrement contraints par l’interprétation originale, mais apportent, bien entendu, leur propre persona au rôle. Citons l’Age de glace (Ice Age, Chris Wedge et Carlos Saldanha, Blue Sky Studios, 2002) où le casting des voix françaises est bien plus connu (en tout cas pour le public français) que le casting américain. La présence de Vincent Cassel, Gérard Lanvin et Elie Semoun sera particulièrement mise en avant dans le dossier de presse et les articles jusqu’à presque occulter les voix américaines (Denis Leary, Ray Romano et John Leguizamo). Il s’agit d’un cas exceptionnel où le casting en VF prend le dessus. Le plus souvent, les voix des stars américaines sont davantage mises en avant. Il peut également y avoir une forme d’égalité, comme pour le personnage de Shrek, les journalistes citant quasiment systématiquement en même temps Mike Myers et Alain Chabat. Le prestige du casting de star rejaillit sur l’interprète français. Ainsi lors de l’interview d’Alain Chabat pour le deuxième épisode à Cannes, le journaliste de France soir (17/05/2004) s’extasie :

• 12 « Frank Dubosc, l’interview », Comme au cinéma. com, 05/05/2004, interview consultable http://www.c (...)

12Le choix de célébrités dans la version française fait l’objet d’un casting plus ou moins précis et rigoureux et l’alliance entre le personnage et sa voix est plus ou moins parfaite. L’exemple du Monde de Némo est assez significatif. Dans ce film, on reconnaît la voix de Frank Dubosc pour Marin (le rôle principal), David Ginola pour une crevette et Sami Naceri pour la tortue. Dans le dossier de presse, en dessous des personnages quelques lignes présentent le doubleur et justifient le choix que l’on a fait de sa voix. Et manifestement pour David Ginola, aucune raison ne peut être invoquée, ce qui entraîne une formule assez laconique : « David Ginola lui prête sa voix ». Seule la célébrité de ce footballeur semble expliquer ce choix. Pour Samy Naceri, quelques mots de plus sont possibles : « Dans la version française c’est le célèbre comédien Samy Naceri qui offre sa voix à cette tortue cool et relax ». En effet, il est célèbre, au contraire de David Ginola et au moins c’est un comédien. Par ailleurs en 2003, Samy Naceri est encore davantage connu pour son rôle dans la série des Taxi que pour ses démêlés avec la justice, ce qui explique qu’il puisse être associé à une tortue « cool et relax ». Enfin, le choix de Frank Dubosc pour Marin est ainsi expliqué : « C’est Franck Dubosc qui, dans la version française prête sa voix à ce personnage d’abord timide, mais plein de ressources. L’acteur, bien connu pour son humour délirant et son sens du rythme, apporte à Marin toutes les nuances de son registre ». Franck Dubosc raconte dans une interview12 la façon dont il a été choisi pour ce rôle :

• 13 Richard Dyer, op. cit. p. 96.

13Ainsi on voit que la production s’intéresse tout particulièrement à l’aura de la célébrité et à la façon dont l’acteur est perçu par le public. Il semble pourtant ici qu’il y ait maldonne. A priori la parfaite adéquation entre Marin et son interprète n’est pas évidente, le personnage de Marin n’étant pas du tout plein d’humour. Franck Dubosc est connu pour ses one man show et campe volontiers le rôle de séducteurs machos et pathétiques. On ne voit pas très bien le rapport entre la persona de l’acteur et son personnage, alors que le lien entre le mammouth (gros dur au cœur tendre) de l’Age de glace et Gérard Lanvin est, au contraire, assez évident. Cette inadéquation, cet « accord imparfait13 » semblent être ressentis par les spectateurs. En tout cas, l’interprétation de Franck Dubosc est critiquée par les internautes sur Allo Ciné alors que d’habitude c’est un concert de louanges qui couvre les voix françaises (comme Alain Chabat). Cette fois les critiques sont mitigées. On peut aussi bien lire : « A-DO-RABLE en VF, la voix de Dubosc est quand même un plus » que : « Seul bémol : la voix de F. Dubosc qui, à la longue, devient agaçante », « Le choix de Franck Dubosc pour la voix française est très judicieux. » mais aussi « Les graphismes sont jolis, mais la voix de Dubosc qui n'arrête pas de crier me fatigue », « le doublage français de Franck Dubosc est tout simplement un régal » ainsi que « seul hic dû à la production, les doublages sont lamentables (Dubosc en tête de la nullité) ». Autre exemple d’inadéquation pointée encore plus clairement par les internautes d’Allo Ciné, le choix de Virginie Effira pour la chatte hispanique du film Le Chat Potté : « Pour moi ce qui m'a gêné en tant qu'adulte c'est la VF. Je n'ai rien contre Virginie Efira, mais elle n'a pas d'accent espagnol et ça pose souci ! ! ! »

• 14 Emmanuel Burdeau, « Fourmiz », Cahiers du cinéma n° 529, novembre 1998, p. 80.

16Il existe aussi des différences d’approche selon les maisons de production. C’est particulièrement évident entre Pixar et DreamWorks. Pixar reste dans la lignée de Disney et, même si des acteurs célèbres prêtent leur voix aux personnages de leurs films, on remarque une certaine retenue dans la mise en avant de ceux-ci. Ainsi dans Toy Story (John Lasseter, Pixar, 1995), Tom Hanks joue le rôle de Woody, tandis que c’est Tim Allen qui est Buzz. La présence d’une star comme Tom Hanks au casting représente clairement un atout pour le premier film entièrement en images de synthèse et il a participé à la promotion du film en donnant des interviews. Tim Allen est également loin d’être un inconnu. Cependant dans la bande-annonce américaine (et a fortiori dans la bande-annonce française), le nom des acteurs n’est pas mentionné. Dans la bande-annonce du deuxième opus, Tim Allen et Tom Hanks sont discrètement mentionnés à l’oral, et puis absents de la bande-annonce du troisième. Dans le dossier de presse de Toy Story 2 (John Lasseter, Pixar, 1999), il n’y a aucune mention du nom des acteurs, excepté dans les dernières pages qui donnent le générique. De plus, ce sont les voix françaises qui apparaissent en premier. Cela peut sembler logique, car il est usuel à l’époque que les films d’animation sortent prioritairement en VF et pas en VO, mais ce n’est pas le cas dans tous les dossiers de presse de films d’animation sortis à la même période, par exemple celui de Fourmiz. Si l’on prend l’exemple d’un autre film Pixar, Le Monde de Némo, il y a un peu plus d’insistance sur le casting. Dans le dossier de presse, en dessous de la description des personnages, certaines voix françaises sont présentées. Il est vrai que le casting français bénéficie de quelques célébrités comme Franck Dubosc ou Sami Naceri. La mise en avant du casting reste très discrète. Du côté de la réception, dans la presse, les acteurs de Toy Story sont également à peine mentionnés ; sur 13 articles, seuls 4 mentionnent le casting prestigieux, en quelques mots. Ce sont les réalisateurs et les scénaristes que l’on mentionne plus volontiers en début d’article. Pour Le Monde de Némo, c’est encore plus net. Sur 33 articles, seuls 3 mentionnent le casting vocal. Parmi ceux-là, deux le font de manière très succincte, et un seul se concentre sur cet aspect : « Trois voix pour un poisson nommé Némo », dans le Journal du dimanche (9/11/2003). En ce qui concerne les spectateurs, pour Toy Story sur 418 réactions, 20 évoquent le doublage (soit 4,8 %). Le doublage est jugé très réussi et l’on parle autant de la VO que de la VF. Le Monde de Némo attire quant à lui 812 critiques, dont 34 commentent le doublage (4,87 %) qui insistent sur la VF tout en parlant de la VO. Dans les films Pixar, ce qui reste donc au premier plan c’est le personnage animé. D’ailleurs, même si les animateurs s’inspirent des doubleurs, cela reste discret et l’acteur n’est pas immédiatement reconnaissable. En ce qui concerne DreamWorks, la politique est manifestement tout autre. C’est particulièrement évident dans des films comme Fourmiz ou encore Gang de requins (Shark Tale), dans lesquels chaque personnage « est une gentille caricature de l’acteur qui lui prête sa voix » (La Croix 13/10/2004). Quand on lit le dossier de presse de Fourmiz, on est frappé par l’insistance portée au casting vocal, « une fourmilière de talents ? » avec, entre autres, Woody Allen, Sharon Stone et Sylvester Stallone. Près de la moitié du dossier leur est consacrée, et on remarque la présence de photographies des acteurs à côté des personnages. Cet axe est d’ailleurs unanimement repris par la presse et les 15 articles de la presse généraliste évoquent tous le casting vocal. Même le compte rendu des Cahiers du cinéma en parle longuement14 alors que les articles des Cahiers sur cinéma sur des films d’animation ne parlent jamais d’habitude du casting vocal (ou alors très succinctement en fin d’article). Sur Allo Ciné, sur les 98 réactions, 31 évoquent le doublage soit 31,63 %. Dans Shrek (2001), l’insistance sur le casting vocal et son prestige reste la même. Dans tous les dossiers de presse de la saga, de l’épisode 1 à l’épisode 4, une importante partie des dossiers est consacrée aux acteurs, avec souvent des photographies adjointes aux images des personnages de synthèse. Chaque nouvelle voix comme Antonio Banderas dans le deuxième et Justin Timberlake dans le troisième est mise en avant. De l’épisode 1 à l’épisode 2, l’instance sur le casting vocal s’intensifie encore. En effet Shrek ainsi que Shrek 2 (Andrew Adamson, DreamWorks, 2004) ont été sélectionnés par le Festival de Cannes. Pour le premier, lors de la montée des marches, on remarque Mike Myers et Alain Chabat mais surtout les scénaristes, producteurs et réalisateurs. Pour Shrek 2, les studios développent une nouvelle stratégie : les voix envahissent le tapis rouge : voix française, voix allemande, mais surtout le casting américain. Ainsi Marianne (21/06/2004) souligne :

• 15 Réaction à l’article « la voix française de Ralph sera… », 18 septembre 2012 http://www.allocine.fr (...)

19Notons que, si ces voix de stars sont le plus souvent perçues comme un atout pour le film, cette vision positive n’est pas unanime. Dans les commentaires des internautes, on peut percevoir un très fort attachement aux doubleurs professionnels comme Richard Darbois et parfois le regret de la très forte présence de voix de célébrités aux dépens des comédiens doubleurs. Cela peut aller jusqu’à la colère dans certains commentaires qui accompagnent l’article d’Allo ciné annonçant qui sera la voix française de Ralph15 (pour Les Mondes de Ralph, Rich Moore, Disney, 2012) comme: « Et une fois de plus on donne le travail de doublage à un acteur non spécialisé pour ça ! ! ! Pourquoi ? ? Juste pour mettre un nom connu sur l'affiche et pour l'avoir sur les plateaux de TV lors de la promo et tant pis si le résultat final n'est pas bon ! ! ! ». Ainsi on reproche à la célébrité de mal faire son travail. Notons que ce reproche s’adresse surtout aux voix françaises. En effet, la voix américaine est désormais plus qu’une simple voix. Comme on l’a vu, le choix du comédien se fait en amont, la caractérisation vocale est à l’œuvre et l’acteur apporte au personnage une attitude, une manière de se mouvoir, son apparence physique aussi parfois. Il est alors difficile de démêler la star du personnage.

• 16 Emmanuel Burdeau, op. cit.

21Avec la généralisation du doublage des stars, c'est la spécificité même du cinéma d’animation qui serait mise en cause. Il est certain qu’il existe quelque chose de paradoxal à vouloir ainsi associer l’infinie liberté que propose le cinéma d’animation et la très grande proximité des acteurs avec les personnages. Cela peut rebuter certains spectateurs et critiques comme Emmanuel Burdeau qui qualifie Fourmiz de « film bâtard », associant l’incarnation par la voix et la désincarnation par la technologie16 . Il y a quelque chose de l’ordre de la perte d’illusion. Cela agace également certains créateurs de personnages comme Peter de Seve (qui a travaillé sur L’Age de glace) qui déclare :

• 17 Laurent Jullier, L’écran Post moderne, L’Harmattan, 1997, p. 29

23Ainsi, la présence des stars questionne le rapport du spectateur à la fiction pour le film d’animation et participe du passage au cinéma d’animation dominant dans ce que l’on peut qualifier de cinéma post-moderne. Le cinéma post-moderne regorge d’images qui » renvoient à ». « Convoqués », selon Laurent Jullier, sans plus tenir compte de leur fonction première, « les références, les objets, les images sont priés de faire allusion, ils ‘performent’ pour emprunter à la langue anglaise17 ». Les films d’animation jouent double jeu et veulent gagner sur tous les tableaux. C’est d’autant plus vertigineux que deux tendances cohabitent en même temps dans la construction des personnages en images de synthèse, ce qui est résumé sur le mode de la plaisanterie dans Le Monde au sujet de Shrek 2, imaginant les ogres et l’âne :

• 18 Sébastien Denis, Le cinéma d'animation, Armand Colin, 2006, p. 202.
• 19 Cet effacement ne commence pour Shrek qu’à partir du troisième épisode, sans doute en raison de l’e (...)

24Tout d’abord, une tendance laisse une place importante à l’acteur qui prête sa voix au personnage et qui, d’une certaine façon, l’incarne. C’est celle que nous étudions ici. Mais une autre tend à rendre le personnage animé indépendant, suggérant même qu’il s’agit d’un acteur en images de synthèse jouant un rôle dans le film. C’est évidemment davantage présent dans les productions Pixar et Blue Sky qui s’appuient moins sur son casting de stars que DreamWorks. C’est déjà sensible dans les bandes-annonces, par exemple dans celle du deuxième épisode où les jouets se regardent à la télévision et lancent le film, ce qui propose d’emblée une forme de réflexivité. La promotion de Toy Story 3 (Lee Unkrich, Pixar, 2010) avait d’ailleurs été l’occasion de diffuser sur les réseaux une interview de Ken (un des personnages du film) dans sa maison de rêve, imitant certaines émissions américaines sur des stars qui font visiter leurs incroyables maisons. De façon encore plus évidente, à la fin de Toy Story 2, 1001 pattes (A Bug’s Life, John Lasseter, Andrew Stanton, Pixar, 1998) ou encore Monstres & cie (Pete Docter, Pixar, 2001) on peut découvrir un bêtisier18, les personnages en images de synthèse, forcément infaillibles, étant rendus plus humains par la création volontaire d’erreurs et d’imperfections afin de donner l’illusion que ce sont de véritables acteurs. Cette tendance à l’autonomisation des personnages se retrouve même dans les productions DreamWorks ; ainsi on peut découvrir sur internet le Chat Potté proposer une parodie d’une publicité pour un déodorant très connu aux Etats-Unis. D’une certaine façon, il s’agit, ou bien de s’appuyer sur une star pour construire le personnage, ou bien de faire du personnage une star autonome en laissant oublier son doubleur. Les films d’animation ne choisissent pas, adoptant une posture paradoxale qui leur permet de gagner sur les deux tableaux. Notons que la consolidation du personnage et l’effacement de son doubleur sont particulièrement évidents quand il s’agit de sagas, comme Toy Story, Shrek ou encore Kung Fu Panda. Au fil des épisodes, les personnages s’autonomisent et la presse parle de moins en moins du casting vocal19. Ainsi pour Toy Story 2, aucun article de la presse généraliste ne mentionne le nom des doubleurs.