1La revue Marges consacre un numéro à la question du travail, une question qui pourrait sembler presque hors de propos dans une revue traitant d’art. L’art ne correspond-il pas justement à une sorte de double inversé du monde du travail : le moment où tout un chacun peut suivre ses désirs, se réaliser, jouir de la vie ? Le travail ne représente-t-il pas un principe de réalité, le moment de la socialisation forcée, de l’insertion dans les circuits économiques ? L’opposition qui est ici décrite a souvent fait l’objet de représentations artistiques : avec d’un côté le réalisme socialiste et ses multiples déclinaisons, où les paysannes et les ouvriers pointent de leur instrument de travail vers un avenir radieux et de l’autre, le monde du travail, prosaïque, qui ne fait pas rêver, ce dont nombre d’artistes ont cherché à témoigner dans leurs œuvres.

2Au même moment, faire œuvre, c’est aussi avoir une activité de production pour les artistes – activité parfois enrichissante, mais également laborieuse, ingrate, faite de doutes et de remises en question. C’est aussi, par extension, le produit de cette activité, lequel peut aussi être considéré comme un travail. Si le mot semble avoir eu une grande importance au moment des avant-gardes, en tant que revendication d’une utilité sociale pour les artistes, il a longtemps disparu, avant de réapparaître depuis une quinzaine d’années dans les revendications professionnelles des artistes plasticiens et plasticiennes. Reconduisant l’opposition historique entre régimes vocationnel et professionnel de l’art, les récents débats sur la création d’un statut pour les artistes – statut qui réglementerait leurs conditions d’exercice et de rémunération – s’appuient précisément sur le travail et ses enjeux tant politiques que théoriques. Empruntant les définitions du travail en tant que concept philosophique, sociologique, économique ou juridique, les revendications actuelles rejoignent des enjeux qui ont fondé la posture de l’artiste-travailleuse ou travailleur quelques décennies plus tôt. En étant à la fois support et sujet du processus créatif, l’apport du concept de travail entend alors participer à une modification de la création par la mise en exergue de sa dimension (auto) réflexive.

3La première partie du numéro permet d’aborder les fondements de l’intérêt récent pour la notion de travail, en s’interrogeant sur certains de ses aspects. Isabelle Mayaud pose ainsi la question de savoir ce qu’est devenu l’atelier d’artiste à notre époque. L’enquête qu’elle mène permet de constater que les espaces de création reflètent une évolution des pratiques qui offre une place de plus en plus importante aux dispositifs de création collective. Au même moment, les lieux ne se cantonnent plus à la définition traditionnelle de l’atelier, isolé, permettant la fabrication de tableaux et de sculptures et se situent de plus en plus dans un continuum d’activités qui vont de la conception de projets jusqu’à leur exposition et donc de l’atelier au centre d’art en passant par l’école d’art ou la friche culturelle.

4L’article suivant, dû à Tecla Raynaud, s’intéresse plus particulièrement aux implications sociales des pratiques artistiques participatives. Les artistes de la région Rhône-Alpes qu’elle a étudiées, se trouvent dans l’obligation de jouer différents rôles, éprouvant une tension entre injonctions institutionnelles, objectifs professionnels et place du politique dans leurs pratiques. La question récurrente est celle de leur instrumentalisation éventuelle par d’autres acteurs, notamment à l’échelle des politiques locales, ce qui rend leur action parfois ambivalente.

5La deuxième partie du numéro correspond à des études de cas. Le premier article concerne une dimension importante du travail artistique à notre époque : sa mise en réseau. À travers l’étude de la plateforme DIS et de la délégation GCC, Joan Grandjean nous entraîne au cœur de la trajectoire d’un groupe d’artistes, designers, musiciens et architectes, entre le Koweït et les États-Unis. Il s’agit d’observer la manière dont, au-delà du travail proprement dit, les affinités personnelles et les rencontres fortuites peuvent jouer un rôle primordial dans la carrière des artistes et la valorisation de leurs œuvres.

6Le second, d’Ariane Fleury, concerne la démarche de Chiara Fumai, laquelle peut sembler assez radicale dans ses principes. L’artiste italienne reprend en effet à son compte les textes des années 1960 de Valerie Solanas, incarnant son personnage dans l’espace public, mettant en scène sa notion de « détravail » et questionnant les limites de ce que peut être une intervention artistique.

7Les deux derniers textes sont également des études de cas, mais traitant davantage de représentations artistiques du monde du travail que du travail artistique en tant que tel. Le film documentaire Rêver sous le capitalisme de Sophie Bruneau et le roman Personne ne sort les fusils de Sandra Lucbert – analysés par Pascale Borrel – traitent tous deux de l’emploi salarié et font entendre des formes narratives qui se réfèrent à la souffrance au travail, qu’il s’agisse des salariés qui éprouvent cette souffrance ou de ceux qui la génèrent. Enfin, le commentaire que livre Vivien Poltier de La Télévision de Jean-Philippe Toussaint revient sur la mise en abyme de l’activité artistique, dans ce récit de l’incapacité d’écrire qui pose le problème de ce qu’est le travail (et le non-travail) pour un artiste. Le texte de Mickaël Pierson que nous publions en varia fait écho à la thématique du numéro, en ce qu’il décrit plusieurs œuvres de Pilvi Takala qui constituent elles-mêmes des commentaires critiques sur le monde du travail.

8Le numéro est complété par deux entretiens, le premier avec Stéphanie Le Cam et le second avec Emmanuelle Lainé, lequel est suivi d’un port­folio de la même artiste, ainsi que par une série de comptes rendus.