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Ariel's Corner
American visual arts

« James McNeill Whistler (1834-1903). Chefs-d’œuvre de la Frick Collection, New York » au Musée d’Orsay, 8 février-8 mai 2022.

Art exhibition review
Olivier Sauvage

Abstracts

Art exhibition review of James McNeill Whistler (1834-1903). Masterpieces of the Frick Collection, New York, at the Musée d’Orsay, 8th February-8th May 2022.

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Ariel's Corner:

American art
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1Le sous-titre de l’exposition James Whistler qui s’est tenue dans une salle du Musée d’Orsay pendant les premiers mois de l’année 2022 était tout à fait mérité : il s’agissait bel et bien d’une « présentation exceptionnelle », dans la mesure où les œuvres montrées quittaient pour la première fois New York, à la faveur de travaux de rénovation de grande ampleur réalisés dans la mansion du mécène et magnat de l’industrie Henry Clay Frick (1849-1919), devenue musée en 1935. Issues de sa prestigieuse collection, riche d’un millier d’œuvres de premier ordre (Bellini, Titien, Le Tintoret, El Greco, Velázquez, Murillo, Rembrandt, Rubens, Vermeer, Goya, Manet, Monet, Renoir), les toiles de James Abbott McNeill Whistler ont fait l’objet d’une belle scénographie à la hauteur des attentes qui pouvaient légitimement être nourries.

2Né en 1834 dans le Massachusetts, Whistler vint cependant très tôt en Europe, et il fit son apprentissage artistique à Paris à partir de 1855 dans l’atelier de Charles Gleyre. Son séjour français lui permit de se lier avec Fantin-Latour, Legros et Courbet. Ses fréquentes visites du Louvre le familiarisèrent en outre avec les maîtres flamands et hollandais. Même après son installation à Londres, le peintre demeura lié à la scène artistique française, participant au Salon des refusés dès 1863, avant d’apparaître comme un artiste de référence pour la génération symboliste qui émergea à la fin du siècle.

3Le parcours de cette rétrospective est constitué de 22 œuvres, parmi lesquelles quatre peintures, trois pastels et une série de douze eaux-fortes de la Frick Collection formant un ensemble remarquablement cohérent, auquel le musée d’Orsay a ajouté trois toiles issues de ses propres collections. Le public peut ainsi embrasser l’évolution esthétique de Whistler. « [T]rait d’union entre l’avant-garde britannique (préraphaélisme et aesthetic movement) et le réalisme français », comme le souligne le dossier de presse de l’exposition, le jeune peintre exécute tout d’abord des toiles qui témoignent de cette double influence, dont il s’émancipe cependant assez vite. Si sa Tête de vieux fumant une pipe, peinte vers 1859, à une époque où il pratiquait surtout la gravure, manifeste un goût pour les « trognes » et les portraits de gens du peuple, Whistler va prendre ses distances avec le courant réaliste, rompant même avec Courbet en 1867. Ses paysages autant que ses toiles aux titres musicaux affirment une volonté de développer une esthétique originale. Symphonie en gris et vert : l'Océan [Symphony in Grey and Green: The Ocean] (Fig. 1), qui date de 1866, s'inspire d’un épisode de la guerre entre le Chili et l’Espagne que Whistler put voir de près, son frère William et plusieurs autres soldats confédérés l’ayant invité à prendre part à une expédition rocambolesque pour Valparaiso destinée à fournir des torpilles aux Chiliens. Le projet avorta, mais il a au moins le mérite de permettre à Whistler de peindre la ville portuaire chilienne. Ses différentes marines s’émancipent de toute volonté didactique ou réaliste. Symphonie en gris et vert n’est ni une scène d’actualité ni un tableau de bataille. Le spectateur peinerait à deviner que Whistler a assisté au bombardement de la ville par les troupes espagnoles. La composition est volontairement réduite à de grandes zones colorées et à des vagues qui évoquent irrésistiblement les estampes japonaises, dont Whistler s’inspire aussi par la construction d’un espace aplani, la présence d’une branche de bambou au premier plan, l’utilisation d’un monogramme personnalisé et d’un motif de seigaiha (mot japonais qui signifie « vagues de la mer bleue »).

Figure 1

Figure 1

James Abbott McNeill Whistler. Symphonie en gris et vert : l'Océan [Symphony in Grey and Green : The Ocean], 1866. Huile sur toile. 80,6 cm × 101,9 cm. New York, The Frick Collection

© The Frick Collection; photo : Joseph Coscia Jr.

4Les vues de la Tamise peintes dans les années 1870 poursuivent les recherches paysagères entreprises au Chili. Whistler adopte des titres qui pourraient être ceux d’œuvres musicales. Sa volonté d’associer plusieurs arts rejoint les préoccupations de nombreux créateurs de la seconde moitié du xixe siècle, qui, dans le sillage de Wagner, Baudelaire puis Rimbaud, aspirent à élaborer une œuvre sollicitant les différents sens dans une perspective totalisante. Dans ce cadre, la synesthésie joue un rôle primordial, que Whistler pratique à sa manière en associant l’ouïe à la vue. Il dote également les portraits qui le firent connaître de titres singuliers. C’est le cas pour sa célèbre Symphonie en couleur chair et rose : portrait de Mrs. Frances Leyland [Symphony in Flesh Colour and Pink: Portrait of Mrs. Frances Leyland, 1871-1874] (Fig. 2), qui mêle vocabulaire musical et termes picturaux dans une quête d’harmonie formelle. Dans cette toile, Whistler n’a rien laissé au hasard, choisissant de faire poser l’épouse de l’un de ses mécènes dans son propre salon londonien, de dos, avec le visage de profil, de manière à mettre en valeur la robe qu’il a lui-même dessinée. Mrs. Leyland porte une robe d’intérieur très différente de la mode victorienne corsetée. Les teintes du vêtement entrent en résonance avec la chevelure et la carnation du modèle, « rehaussée par des tons de blancs, de gris et quelques touches de vert », ainsi que le souligne le dossier de presse.

5Sa série d’Arrangements manifeste un semblable perfectionnisme : son portrait de la peintre Rosa Corder [Arrangement in Brown and Black: Portrait of Miss Rosa Corder, 1876-1878] nécessita pas moins de quarante séances, qui épuisèrent la modèle. Whistler apporte un soin extrême à ses recherches, limitant volontairement son éventail chromatique aux bruns et aux noirs, dans le prolongement du portrait de sa mère, l’une de ses œuvres les plus reproduites, achetée par l’État français du vivant de l’artiste en 1891 [Arrangement in Grey and Black, No.1: Portrait of the Painter’s Mother, 1871]. Au fur et à mesure, le peintre épure sa palette et rejette de plus en plus l’anecdotique et le sentimentalisme.

Figure 2

Figure 2

James Abbott McNeill Whistler. Symphonie en couleur chair et rose : portrait de Mrs. Frances Leyland [Symphony in Flesh Colour and Pink: Portrait of Mrs. Frances Leyland], 1871-1874. Huile sur toile. New York, The Frick Collection

© The Frick Collection ; photo : Joseph Coscia Jr.

6Le Whistler des années 1890 côtoie les dandys et les esthètes Fin-de-Siècle, évoluant dans un univers proustien. Poète « décadent », Robert de Montesquiou-Fezensac, qui inspira à Huysmans son duc Jean Des Esseintes et à Proust son baron de Charlus, sollicite le peintre américain en lui passant commande de son portrait. Whistler nomme sa toile Arrangement en noir et or [Arrangement in Black and Gold: Comte Robert de Montesquiou-Fezensac, 1891-1892], la couleur dorée renvoyant à celle du cadre, ce qui renforce l’harmonie de l’ensemble. L’habit de soirée sombre nimbe le comte de Montesquiou d’une aura de mystère. Par un juste retour des choses, le personnage d’Elstir, figure majeure d’À la recherche du temps perdu, a été en partie imaginé à partir de la personnalité de Whistler.

7Les eaux-fortes proposées aux côtés de ces tableaux majeurs montrent l’habileté de Whistler dans la pratique de la gravure. Ses vues de Venise [Venice, A Series of Twelve Etchings, 1880] jouent avec maestria sur les ombres et les effets de crépuscule ou de nuit, selon les cas. Technique héritée de Rembrandt, l’eau-forte fut parfois critiquée pour son caractère impur ou trop pictural. Whistler en tire pourtant le meilleur parti, à la façon d’un Degas, en jouant sur les contrastes, les différents types de hachure, l’alternance des traits, précis ou tremblés selon les endroits.

8Par la qualité des œuvres exposées autant que par le sérieux de sa documentation et l’efficacité de sa scénographie, cette exposition s’avère une véritable réussite, qui rend justice à un artiste de premier ordre qui n’avait jusqu’alors bénéficié que de peu de rétrospectives récentes en France.

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List of illustrations

Title Figure 1
Caption James Abbott McNeill Whistler. Symphonie en gris et vert : l'Océan [Symphony in Grey and Green : The Ocean], 1866. Huile sur toile. 80,6 cm × 101,9 cm. New York, The Frick Collection
URL http://journals.openedition.org/miranda/docannexe/image/49667/img-1.jpg
File image/jpeg, 241k
Title Figure 2
Caption James Abbott McNeill Whistler. Symphonie en couleur chair et rose : portrait de Mrs. Frances Leyland [Symphony in Flesh Colour and Pink: Portrait of Mrs. Frances Leyland], 1871-1874. Huile sur toile. New York, The Frick Collection
URL http://journals.openedition.org/miranda/docannexe/image/49667/img-2.jpg
File image/jpeg, 232k
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References

Electronic reference

Olivier Sauvage, “« James McNeill Whistler (1834-1903). Chefs-d’œuvre de la Frick Collection, New York » au Musée d’Orsay, 8 février-8 mai 2022.”Miranda [Online], 26 | 2022, Online since 24 October 2022, connection on 08 February 2023. URL: http://journals.openedition.org/miranda/49667; DOI: https://doi.org/10.4000/miranda.49667

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About the author

Olivier Sauvage

Docteur en Lettres modernes et chercheur associé au laboratoire LLA-CREATIS (EA 4152)
Chargé de rédaction à l’Unité de recherche Confluence (EA 1598)
Université catholique de Lyon
Université de Toulouse II-Jean-Jaurès
osauvage@univ-catholyon.fr

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