Une danse grotesque

2Blast! s’ouvre sur une musique percussive et un halo de lumière grandissant tandis que la danseuse et chorégraphe est seule en scène. Tandis que la musique continue, Childs s’arrête et s’agenouille avant de se désarticuler et de s'effondrer tout à coup, alors même que les percussions cessent. Suivent des mouvements presque imperceptibles : le dos se redresse, les mains posées sur les cuisses s’ouvrent, la tête effectue une rotation vers le public. Le visage prend un air menaçant : la bouche s’ouvre grand et reste ouverte, figée, pendant que son cou et le haut de son corps sinueux ondulent comme un serpent. Les yeux exorbités de Childs se fixent sur les spectateurs témoins de cette métamorphose saisissante. Résistant au réflexe de se refermer pour avaler, la bouche laisse échapper des gouttes de salive, audibles et amplifiées par le microphone collé sur la joue de la danseuse. Lorsque Childs porte la main à la bouche et se penche en arrière, c’est l’image du Saturno de Goya, de l’horreur et de la transgression dont il est porteur, qui s’imprègne dans le cerveau du spectateur (fig.3).

Scarlett’s, Blast! Trailer, enregistrement vidéo en ligne, Vimeo, le 14 octobre 2022, <vimeo.com/760312746?embedded=true&source=vimeo_logo&owner=31179284> [accédé le 8 février 2023]

4Les mouvements infinitésimaux et précis dans cette première partie de Blast! nécessitent une concentration et une tension extrêmes de la part de Childs. De plus, la chorégraphe atteint les extrémités de l’avilissement et de la transgression qui se manifestent tour à tour à travers des impulsions robotiques donnant lieu à des tours obstinés et la position affalée sur le sol, le corps devenant le lieu d’une métamorphose serpentine.

Un jeu de tension et de relâchement

5La partie suivante de l’œuvre met au premier plan la vibration et les tremblements incontrôlables du corps. Les créations sonores ne sont plus des gargouillis mais des tentatives de parole déformées par les mouvements inlassables de Childs. L’atmosphère oscille entre la peur à travers laquelle l’individu tente de se libérer de sa condition en implorant une force extérieure invisible, et une joie qui devient à certains instants quasi orgasmique en fonction de la position et de l’expression sur le visage. Ce qui vient à l’esprit du spectateur dans cette confrontation avec ces deux sentiments antagonistes est l’image d’un viol, manifeste des limites de la violence physique et psychique.

6Lors d’un changement brusque, Childs reprend le mouvement de rotation du début du spectacle, mais en incarnant cette fois un personnage qui se trouve sur une corde raide. Sur la pointe des pieds, la danseuse joue avec une figure invisible qu’elle finit par incarner également, la distinction entre les deux personnages étant marquée par la modification de sa démarche, de sa voix et même de sa langue. Pendant cette scène, l’ambiance est plus détendue que celle du passage précédent au sol et suscite quelques rires chez le public. Avec une lumière venue d’en haut qui inonde Childs, le spectateur s’imagine être au cirque avec l’acrobate devenue à la fois proie et chasseuse dans un jeu de statues musicales où les arrêts de la musique sont parfaitement synchronisés avec les moments d’immobilisation de Childs.

7S’ensuit une séquence qui montre un autre aspect du contrôle exercé sur le corps, le mouvement circulaire se métamorphosant en contorsions. Le mouvement déclencheur qui guide le reste du corps ne provient pas du buste mais des muscles de la bouche. Avec une grimace sollicitant alternativement la gauche et la droite du visage, la tête tourne comme tirée par un fil. Lorsque Childs ouvre grand la bouche, ses jambes en reflètent la forme en se mettant en deuxième position de danse classique (fig.5). Bien que nous soyons toujours les spectateurs d’un jeu, ce dernier est passé du cirque à celui d’une poupée dont la manipulation provient à la fois de l’intérieur de son corps et d’une force extérieure. Ce jeu entre la tension et le relâchement évoque un diabolo où le public, entre les mains de Childs, éprouve tour à tour jouissance, peur et gaieté. Néanmoins, les limites entre le contrôle et la soumission sont à tel point dépassées que la chorégraphe devient une poupée dans son propre jeu auquel le public participe également.

Un public complice de la violence

8L’apogée sensorielle de la pièce est produite par un changement brutal d’éclairage où Childs est illuminée de face par une lumière blanche qui souligne en outre le contraste entre son corps, le costume noir et le rideau en arrière-plan. Encore une fois, la distorsion de la voix aboutit au brouillage des paroles. Par ailleurs, le volume augmente au point que les specteurs en arrivent à éprouver physiquement les vibrations ; selon un processus d’inversion d’une séquence antérieure, le spectateur subit la violence suscitée par la force du discours. La longueur et l’intensité des sons aigus de cette partie de l’œuvre évoquant les armes soniques et les tortures infligées par les sons, où l’exposition aux vagues sonores et aux ultrasons de forte intensité peut endommager tissus et organes. Les mouvements effectués par Childs accompagnent ces sons : elle ouvre grand les yeux et étend les bras, concentrant l’attention du public sur le personnage qu’elle incarne (fig.6). Deux réactions se produisent chez les spectateurs : tandis que certains sont choqués, d’autres rient dans le silence entre les répliques. Childs accroît la théâtralité de son œuvre par ce discours ; la mise en abyme implique le public dans la scène, au point de le rendre complice de la violence. Un parallèle vient à l’esprit lors de cette interaction, celui d’une directrice d’école enragée qui sermonnerait ses élèves, telle la Miss Trunchbull de Roald Dahl. Le personnage revêt ici un caractère grotesque puisque l’ampleur de la voix et de la gestuelle contrastent étrangement avec la silhouette élancée de Childs. Dans l’imaginaire, le monstre est un être dont la stature et la force sont démesurées, en rupture avec les normes de la société. Avec Blast!, Childs superpose deux niveaux : à la morphologie svelte de la danseuse et chorégraphe viennent s’articuler les personnages extrêmes et parfois monstrueux qu’elle incarne à travers le mouvement et la manipulation des sons. Ainsi, le contraste produit lors de cette séquence fait que la rage exprimée, poussée à son paroxysme, en devient ridicule.

9Pour conclure sa pièce, dans un ultime apaisement suite à la tension qui a régné, Childs se transforme pour narrer au public un conte de fées qui vire au cauchemar. La scène est plongée dans le noir, exception faite de l'avant-scène, douchée de lumière blanche, où Childs est assise. Elle commence à parler d’une voix déformée, sur fond de percussions. Elle reprend les personnages et les fragments circassiens des scènes précédentes, auxquels elle rajoute des éléments. Narrée alternativement en anglais et en français, l’histoire offre une version macabre d’Alice au pays des merveilles de Lewis Carroll où la Reine de cœur découpe un jeune homme et « dévore son corps ». Au nombre des moments qui s’ancrent dans l’esprit du spectateur figure la répétition de la réplique « they dragged me » (ils me traînaient). Tandis qu’elle allonge le « a » de « dragged », Childs s’allonge au sol sur le côté, position qui évoque bel et bien un corps que l’on traîne. On entend, synchronisées avec ce mouvement, des percussions qui produisent des claquements secs, comme des os qui s’entrechoquent. En découpant le corps dans le lexique du récit ainsi que dans la grammaire de la danse, Childs conclut son œuvre en exhibant les conséquences d’une violence épouvantable faite au corps.

10Blast! fait surgir les différentes formes de violence que le corps humain est susceptible de subir. Tout au long de l’œuvre, Childs explore la violence physique, comme le viol, le démembrement et le cannibalisme. En outre, elle évoque une violence psychologique qui entraîne des conséquences physiques telles que tremblements, cris et transformations. La violence nous affecte à n’importe quel âge : tel est le message reçu par les spectateurs. Le voyage que Childs entreprend au fil de l’œuvre est semblable à un vieillissement inversé. Le public pourrait de prime abord imaginer un personnage plus ou moins âgé, privé de parole et dont les mouvements sont quasi imperceptibles. Celui-ci se transforme en un autre être dont le corps vibre intensément et qui éprouve à la fois peur et extase. Après le jeu de la corde raide, le public redevient autant d'enfants sermonnés par un mégalomane. Cette explosion de danse et d’expressivité se termine par un conte pour enfants qui rappelle aux spectateurs leur corporalité et leur finitude.