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Patrice Giasson

Aline Hémond, Peindre la révolte. Esthétique et résistance culturelle au Mexique. Paris, CNRS Ethnologie, 2003, 466 pp.,72 ill., 14 photos couleur.

[21/03/2005]

Texte intégral

1Peindre la révolte. Esthétique et résistance culturelle au Mexique de l’anthropologue française Aline Hémond, constitue sans aucun doute la plus importante recherche entreprise sur l’univers actuel de la peinture sur papier d’écorce (dit amate), ancienne technique préhispanique renouvelée dans les années soixante par les Nahuas du fleuve Balsas (Etat de Guerrero, Mexique). Si un avant-goût de cette recherche fut donné dans le passé -notamment au cours d’une publication, « Image morale et iconographie politique : les peintres nahuas de l’amate » (in L’Image au Mexique, 2001) et lors d’une exposition au Parc de la Villette de Paris (2002) qui permit au spectateur d’admirer de près le travail délicat et la variété stylistique des peintres amateros- l’auteur nous convie maintenant à une entrée détaillée et savamment documentée dans l’univers de ces créateurs contemporains. On y apprend l’origine hasardeuse du renouvellement de cet art: la rencontre à Mexico dans les années 60 des potiers nahuas du Guerrero et des producteurs otomis d’amate de Puebla. C’est l’occasion pour certains potiers de mettre leur savoir-faire en pratique sur un support qui devient le nouveau lieu d’expérimentation artistique. Tout en montrant comment les motifs expérimentés sur les poteries à partir des années cinquante évoluent jusqu’à la peinture amate, l’auteur démontre que, dès les années soixante-dix, le succès commercial de la nouvelle technique encourage à son tour les potiers à s’inspirer des thèmes et de la composition artistique des peintures sur amate. On constate donc que la nouvelle technique se développe parallèlement à d’autres formes artistiques dans une région qui, dès la seconde moitié du XXe siècle, se convertit « en véritable fourmilière et en laboratoire d’essai, puisque l’on continue à expérimenter sans cesse de nouvelles formes artisanales, à les lancer sur le marché, à les tester auprès de la clientèle, à les améliorer, ou bien à arrêter leur production si elle ne prend vraiment pas » (p. 87).

2Comme nous l’indiquent les témoignages des artistes recueillis par l’auteur durant plus de dix années de travail de terrain, bien qu’encouragé par des agents externes (intellectuels, artistes « d’avant-garde ») qui proposent aux potiers de s’essayer sur un nouveau support –l’amate-, l’épanouissement de la peinture sur amate n’est réellement possible que grâce à la capacité d’invention des créateurs indiens. Mais, comme le signale l’anthropologue, l’audace de ces derniers leur vaut aussi le statut ambivalent de héros culturels et de personnes ingrates, car bien qu’ils soient à l’origine d’un nouveau savoir-faire qui, partagé avec le reste de la communauté devient le nouveau gagne pain de la majorité, la tradition veut que «toute innovation [soit] considérée comme un fait suspect » (p. 100). Ainsi, l’artiste qui acquiert une nouvelle technique commet un certain vol de savoir « à la montagne » -« réservoir de toutes les connaissances » (p. 108)- appelé à être compensé par un sacrifice : la calomnie tombant sur son inventeur.

3On verra comment cet art lucratif, dont le secret est à l’origine jalousement gardé par les premiers peintres, se transmet graduellement au reste de la cellule familiale, qui participe à la confection des amates -aidant ici à la coloration, ici à la réalisation de motifs secondaires-, avant de s’étendre « par commisération » au sein des différentes communautés. Les styles se diversifient et deux genres artistiques prédominent : alors que certains s’appliquent à peindre des oiseaux -un motif classique récurrent qui laisse libre cours au plaisir de la forme et du tracé- d’autres s’ingénient à la création d’histoires narrant la vie quotidienne, le paysage et des faits historiques tel que la Conquête. La nouvelle peinture d’histoire, la plus demandée par les acheteurs et jugée par les artistes locaux comme plus sophistiquée et plus ardue que la peinture d’oiseaux, devient en 1990 le genre privilégié des communautés du Haut-Balsas au moment d’exprimer leur désaccord sur la construction par l’état d’un barrage hydro-électrique menaçant d’engloutir leur région. Comme le démontre clairement Aline Hémond, cette lutte contre le barrage favorisera le renforcement identitaire des groupes nahuas du Haut-Balsas qui tairont leur divergences pour faire front commun. Ainsi, les créateurs autochtones participeront directement à la reconstruction d’une nouvelle identité combative qui finira par faire reculer le gouvernement; une première dans l’histoire du Mexique.

4Les anthropologues trouveront dans cet essai un exemple précis d’étude analysant les dynamiques socioculturelles qui entourent la fabrication et la vente d’un art nouveau, sur les efforts constants des créateurs indiens pour combiner différents systèmes symboliques et pour satisfaire des publics aussi différents que le touriste ordinaire et le vrai collectionneur. Les historiens de l’art, et même les artistes, pourront constater les défis techniques et esthétiques relevés par les peintres amateros; comment ils concilient par exemple « une perspective à l’européenne avec relief [notamment introduite par l’Institut national indigéniste au cours d’ateliers de dessins communautaires entre 1965-67] et une perspective indigène avec œil tournant » (p. 160). Il s’agit en effet d’un véritable défi esthétique, car si la perspective héritée de la Renaissance européenne réclame un regard unique et fixe, dans la représentation autochtone, l’œuvre est destinée à être vue de haut par un spectateur qui se déplace. La perspective autochtone est ainsi constituée par une multiplication de points de vue à l’origine d’une « vision circulaire ». Il est intéressant de remarquer que cette circularité dont parle Aline Hémond n’est pas sans rappeler celle repérée par l’historienne Alessandra Russo dans les cartes géographiques indiennes du XVI et XVIIe siècle (voir par exemple El realismo circular, Mexico, IIE-UNAM, sous presse).

5En définitive, et pour reprendre un concept bakhtinien, Peindre la Révolte s’interroge sur le « rapport dialogique » entre image, territoire et identité. Avec cette étude sur une pensée plastique communément partagée, il semble enfin possible de réfléchir sur le travail individuel de certains de ces artistes, en particulier sur ceux ayant acquis une reconnaissance internationale. Nous pensons par exemple au peintre et graveur amatero Nicolás de Jesús, dont les images furent exposées à Chicago et à Paris. En retraçant minutieusement l’horizon culturel et social des peintres amateros, Aline Hémond nous permet de ne pas perdre de vue d’où proviennent ces œuvres singulières qui arrivent jusqu’à nous.

6Signalons finalement que les nombreuses figures ainsi que les planches en couleur de l’ouvrage permettent au lecteur de se faire une bonne idée de ces peintures sur amate. Un glossaire en fin de livre facilite aussi la compréhension de plusieurs mots nahuas et espagnols.

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Pour citer cet article

Référence électronique

Patrice Giasson, « Aline Hémond, Peindre la révolte. Esthétique et résistance culturelle au Mexique. Paris, CNRS Ethnologie, 2003, 466 pp.,72 ill., 14 photos couleur. », Nuevo Mundo Mundos Nuevos [En ligne], Comptes rendus et essais historiographiques, mis en ligne le 21 mars 2005, consulté le 17 février 2020. URL : http://journals.openedition.org/nuevomundo/885

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