1– Aufbruch in die Gotik: Der Magdeburger Dom und die späte Stauferzeit, Landesausstellung Sachsen-Anhalt aus Anlass des 800, 2 vol., Matthias Puhle éd., (cat. expo., Magdeburg, Kulturhistorischen Museum, 2009), Mayence, 2009.

Après l’incendie de la cathédrale ottonienne de Magdeburg en 1207, on posa la première pierre de la reconstruction en 1209. Cette date a été l’occasion d’organiser une exposition permettant de replacer ce chantier dans un contexte culturel plus large. Elle a dressé un vaste panorama richement illustré, avec des objets allant de la dépouille du chapiteau de l’ancienne cathédrale aux objets de la vie quotidienne, en passant par les palimpsestes de Reims et de nombreux exemples d’enluminure contemporaine. Le présent recueil s’articule en trois axes principaux. Il s’agit d’abord d’examiner la tension entre l’ancienne et la nouvelle cathédrale, puisque la première construction du x^e siècle fut un monument qui devait manifestement générer une identité historique par l’intégration de vestiges antiques. Pour la nouvelle construction de la première moitié du xiii^e siècle, on n’y prêta initialement pas attention, puisqu’on se calqua sur le style et la typologie de l’architecture internationale la plus moderne de l’époque. On ne tint même pas compte de l’axe de l’ancien édifice. Mais des doutes subsistent cependant quant à la désignation de « départ vers le gothique » de cette innovation, comme le propose le titre de l’exposition. En effet, ce premier projet fut rapidement soumis à des modifications qui intégrèrent les fragments des colonnes antiques dans la nouvelle construction. Ces études sont complétées par des questions relatives à la continuité de la liturgie et des memoria : l’empereur Otto I et son épouse Edgitha furent notamment enterrés dans la cathédrale. Les sections suivantes de l’ouvrage sont consacrées à la diffusion du savoir au xiii^e siècle ainsi qu’au contexte culturel et politique. Un volume issu du colloque qui accompagna l’exposition, organisé en 2009 à Magdebourg, est en cours de préparation. Un autre ouvrage est paru presque au même moment que le présent catalogue : Harald Meller, Wolfgang Schenkluhn, Boje E. Hans Schmuhl éd., Aufgedeckt, II, Forschungsgrabungen am Magdeburger Dom 2006-2009, Halle (Saale), 2009. Accompagné d’une riche documentation des plans des fouilles et d’un CD, cet ouvrage rassemble principalement les résultats actuels des fouilles portant sur l’édifice qui précédait la cathédrale d’aujourd’hui, des résultats qui attendent toujours d’être interprétés [B. Klein].

   

2– Christophe Brachmann, Um 1300: Vorparlerische Architektur im Elsass, in Lothringen und Südwestdeutschland, (Studien zur Kunstgeschichte des Mittelalters und der Frühen Neuzeit, 1), Korb, Didymos-Verlag, 2008.

Cet ouvrage s’inscrit dans la continuité des travaux que Christophe Brachmann entreprend depuis les années 1990 sur l’architecture en Lotharingie, et à Metz avant tout. Cette fois-ci, il se concentre sur l’architecture de la Commanderie de Saint-Antoine de Pont-à-Mousson, examinant ses rapports avec l’architecture de l’ordre ainsi qu’avec celle des collégiales des régions voisines (Remiremont, Libdeau, Mainz, Thann, Strasbourg et Niederhaslach, parmi autres). Existe-t-il une architecture de l’ordre de Saint-Antoine ? Afin de répondre à cette question, l’auteur aborde Metz en tant que centre de l’art de bâtir autour de 1300 et dans la période qui suit [K. Benesovska].

   

3– Beat Brenk, The Apse, the Image and the Icon: An Historical Perspective of the Apse as a Space for Images, Wiesbaden, Reichert Verlag, 2010.

Pour comprendre l’abside comme espace d’image et de symbole, Beat Brenk pose la question de la justification fondamentale de l’image chrétienne, figurant Dieu, et de sa raison d’être dans l’édifice cultuel chrétien. Il revient ainsi à la contradiction fondamentale entre le parti de la représentation et le Second commandement biblique. Les quatre chapitres, qui restituent le propos de conférences données à l’Université de Notre Dame, mettent en évidence l’influence de l’initiative individuelle (d’évêques) dans l’élaboration des thématiques choisies pour cet emplacement stratégique dans l’économie cultuelle de l’église, combinée à celle des thématiques antiques païennes liées à l’eau (la conque absidiale imitant celle des nymphées). À partir du vi^e siècle, l’évolution de l’iconographie absidiale vers une exaltation de la Vierge et des saints résulte, selon Beat Brenk, de la diffusion d’images de dévotion dans la sphère privée. Les choix officiels de l’Église s’en font ensuite l’écho, prenant ainsi en compte une dimension plus affective de l’image à l’œuvre dans l’interaction entre le fidèle et les images visibles dans la conque, marquant aussi l’axe liturgique de l’autel [A.-O. Poilpré].

   

4– Pavel Brodský, Jan Pařez, Katalog iluminovaných rukopisů Strahovské knihovny = Catalogue des manuscrits enluminés de la Bibliothèque Strahov, (Studie o rukopisech, monographia, 13), Prague, Masarykův ústav a Archiv Akademie věd České republiky, 2008.
On poursuit, dans ce catalogue, la présentation du fonds de la bibliothèque du monastère des prémontrés à Strahov (montagne Sion) à Prague, dont l’existence remonte au début du monastère en 1143. Cette belle collection comprend entre autres l’évangéliaire de Strahov (DF III3), manuscrit écrit vers 860 et enluminé à Trèves autour 980-985 par le dénommé maître de Registrum Georgii ou du Sacramentaire de Chantilly [K. Benesovska].

   

5– Stefan Bürger, Bruno Klein éd., en collaboration avec Katja Schröck, Werkmeister der Spätgotik : I, Position und Rolle der Architekten im Bauwesen des 14. bis 16. Jahrhunderts ; II, Personen, Amt und Image, Darmstadt, Wissenschaftliche Buchgesellschaft, 2009 et 2010.

Les deux tomes des actes de colloque se présentent comme un ouvrage de référence, dans lequel plus de vingt auteurs examinent de façon systématique, dans vingt-neuf contributions, le champ de la maîtrise d’ouvrage du point de vue artistique, biographique et architectural. Ce faisant, l’ouvrage insiste sur le travail à partir de sources d’archives et la classification des maîtres selon leur statut et leur compétence, et questionne le terme même de « maître d’ouvrage » en tant que catégorie de l’histoire de l’art. Les contributions se focalisent sur des exemples issus des territoires germanophones, tout en tenant compte, pour certaines, de maîtres d’ouvrage de France, des Pays-Bas et d’Espagne, afin de pouvoir généraliser les résultats. Sur la base de nombreuses sources, en partie inédites, le premier tome développe une théorie de la fonction et de la position des maîtres d’ouvrage dans les associations de chantiers du haut Moyen Âge, en s’intéressant notamment à la rémunération pour juger de l’implication du maître d’ouvrage dans la conception et réalisation concrète. Dans le second tome, les articles présentent différents maîtres à travers les éléments connus de leurs biographies, et les réévaluent à l’aune des méthodes, des sources et de l’historiographie [Perspective].

   

6– Michael Camille, The Gargoyles of Notre-Dame: Medievalism and the Monsters of Modernity, Chicago, University of Chicago Press, 2009.

Il s’agit du dernier livre de Michael Camille, paru à titre posthume (et malgré cette difficulté, l’ouvrage est d’une très grande qualité éditoriale, seules quelques notes bibliographiques étant restées inachevées). Il faut rendre hommage à la fois aux amis et collègues de Camille d’avoir permis la publication d’un livre important et surtout à l’auteur lui-même qui, après sa disparition, nous livre encore un nouvel exemple de ses réflexions si stimulantes pour les médiévistes. Ici, Camille aborde la question des « gargouilles » et plus globalement des statues qui ornent les parties hautes de la façade de Notre-Dame de Paris, dont la fameuse « stryge ». Comme chacun sait, il s’agit de sculptures entièrement dues à la restauration du xix^e siècle ; pourtant, il s’agit d’œuvres fondamentales pour les historiens de l’art médiéval, d’une part parce qu’elles concentrent toutes les qualités et les travers induits par le regard porté par le xix^e siècle sur le Moyen Âge, et d’autre part parce qu’elles représentent paradoxalement, pour une immense majorité du grand public, la quintessence même de l’art médiéval ! Dans cette étude très fouillée, Camille traite donc à la fois les processus de création de ces œuvres néomédiévales, les ressorts idéologiques de leur configuration et de leur iconographie, et enfin leur immense fortune critique (ou « acritique » !) dans la littérature, la photographie, le cinéma, en bref dans les arts et la pensée de la fin du xix^e et du xx^e siècle. On pourra peut-être trouver telle ou telle thèse un peu excessive ou caricaturale ; néanmoins, Camille a eu le mérite d’aborder de front cet objet d’étude difficile (y compris à cause de l’état de dégradation de l’ensemble depuis un siècle et donc de sa quasi recréation subséquente) et d’en rendre compte de manière à la fois subtile et globalement convaincante [P.-Y. Le Pogam].

   

7– Matthew P. Canepa, The Tow Eyes of the Earth: Art and Ritual of Kingship Between Rome and Sassanian Iran, Berkeley/Londres, University of California Press, 2009.

L’auteur propose une lecture des monuments impériaux byzantins à travers les relations établies entre le monde romain et l’Empire sassanide (de 226 à 651). L’étude approfondie des sources et des œuvres conservées replace l’histoire et l’art de cette période dans la dynamique des échanges (et des conflits) existant entre les deux principales puissances politiques de la fin de l’Antiquité et du début du Moyen Âge. L’auteur déploie ainsi vers l’Orient le cadre d’une approche comparatiste des rituels et des monuments tardifs de l’Empire romain, apportant par là l’éclairage riche et renouvelé d’un corpus par ailleurs bien connu des historiens de l’art [A.-O. Poilpré].

   

8– Quitterie Cazes, Daniel Cazes, Saint-Sernin de Toulouse : de Saturnin au chef-d’œuvre de l’art roman, Graulhet, Odyssée, 2008.

Malgré son titre en apparence réducteur, l’ouvrage de Quitterie et Daniel Cazes consacré à Saint-Sernin de Toulouse outrepasse largement le cadre d’une simple monographie : à travers cet exemple, c’est bien une réflexion plus vaste sur un pan de la création romane qui est ici proposée. Soulignons par ailleurs l’extrême qualité des photographies de Michel Escourbiac. Après quelques considérations historiques sur l’origine du lieu de culte, les auteurs s’arrêtent sur la construction d’un premier monument en l’honneur de Saturnin, très tôt devenu pôle d’inhumation privilégié, ce qui explique la relative profusion de sarcophages sculptés retrouvés sur le site. Les auteurs vont jusqu’à suggérer l’existence d’une production sur le site même de Saint-Sernin. Pour le haut Moyen Âge, les connaissances sont si limitées qu’il reste malheureusement impossible de mesurer un éventuel apport de cette période à la basilique romane. La longue genèse du monument et le contexte historique qui entoure la construction de l’église romane sont clairement présentés à l’aide de dessins hautement didactiques, sans pour autant renouveler radicalement la lecture jusqu’alors retenue. L’étude, exemplaire, amène à distinguer dix étapes principales. Malgré cette chronologie complexe, les auteurs soulignent la remarquable homogénéité de ce monument : l’existence ab initio d’un projet bien défini est manifeste, lequel a pu s’appuyer sur des supports tels que plans ou maquettes. Le plan comme l’élévation de Saint-Sernin sont ensuite rapprochés de ce qui s’est fait ailleurs et avant : il ressort de l’analyse que si cette église est profondément originale dans son résultat, elle n’en est pas moins hautement tributaire de ces antécédents et trouve parfaitement sa place dans une histoire de l’architecture religieuse médiévale. Le reste de l’ouvrage est essentiellement consacré à la sculpture au sein de l’édifice, présentée de manière chronologique. L’ensemble de la production sculptée est ici analysé avec minutie, certaines œuvres étant décrites dans leurs moindres détails avec une rigueur parfois fastidieuse mais néanmoins admirable [Th. Creissen].

   

9– Jan Chlíbec, Tomáš Černušák, Savonarola a Florencie: Jeho působení a estetické názory = Savonarola et Florence : son influence et ses opinions esthétiques, Prague, Artefactum, 2008.

Ce livre sur Girolamo Savonarola s’ouvre par une première partie de Jan Chlíbec consacrée à l’atmosphère culturelle de Florence de la seconde moitié du Quattrocento. Dans la deuxième section, Tomáš Černušák s’intéresse à la biographie de Savonarola dans le cadre historique de l’Italie de cette époque et à l’évolution de ses idées théologiques et politiques, depuis ses prédications de réforme et les visions de prophétie jusqu’aux appels à la rénovation de l’Église dans le contexte de l’écroulement du pouvoir des Medici. Enfin, la troisième partie, également de Chlíbec, examine en détail les opinions esthétiques de Savonarola : son approche générale de l’œuvre d’art, les manifestations de son iconoclasme, ses attitudes à la sculpture sépulcrale ou encore le style de ses prédications. Sont ainsi analysées pour la première fois les liens entre Savonarola et la Réforme tchèque au regard de la fonction de l’œuvre d’art (parallèles à Jean Hus), ainsi que les raisons de sa popularité en Bohême utraquiste [K. Benesovska].

   

10– Christian-Frederik Felskau, Agnes von Böhmen und die Klosteranlage der Klarissen und Franziskaner in Prag: Leben und Institution, Legende und Verehrung, Nordhausen, Traugott Bautz, 2008.

Cette monographie en deux tomes porte sur Agnès, fille du roi de Bohême Premysl Otakar I, qui fonda, en 1234, le premier couvent des clarisses au nord des Alpes, dans la Vieille ville de Prague auquel elle ajouta, en 1237 (en tant qu’abbesse du couvent) un couvent de franciscains (frères mineurs). Cette formule spécifique du double couvent servit de modèle à une série de fondations des Premyslides à travers le royaume. Le livre récent mérite d’être mis en rapport avec la grande monographie de Helena Soukupovasur (Anežský klášter v Praze, Odeon/Prague, 1989) consacrée à sainte Agnès, ses fondations et son mécénat, ainsi que sur ses relations avec sainte Claire et les empereurs et papes de son époque [K. Benesovska].

   

11– Pavel Kalina, Benedikt Ried a počátky zaalpské renesance = Benedikt Ried et le début de la Renaissance outre-Alpes, Prague, Academia, 2010.

Pavel Kalina présente le résultat de sa recherche sur le personnage de l’architecte royal Benedikt Ried – fameux avant tout pour la salle Vladislav au Château de Prague (1492-1502) –, le replaçant dans le large contexte de son époque, en particulier celui de la Renaissance italienne. L’auteur aborde divers aspects de son œuvre : l’application de la géométrie, le dialogue entre naturalisme et symbolisme, la construction des voûtes, l’emploi des nouvelles technologies. Il s’intéresse aussi à la typologie des bâtiments, des résidences de Renaissance et de l’architecture défensive aux forteresses et aux cathédrales – tous des types qui figurent dans l’œuvre de Ried – et l’ouvrage comprend un catalogue des édifices concernés. Sont ainsi recensés le Château de Prague (avec son système de défense et son palais), la cathédrale Saint-Guy (construite dans la continuité du chantier pré-hussite), la maison de plaisance dans la forêt Stromovka (aujourd’hui à Prague), les châteaux de la haute noblesse Svihov, Rabi, Blatna et Zabkowice, la cathédrale Sainte-Barbe de Kutna hora, et les voûtes des églises de Most-Bruck, Annaberg et Louny (œuvres des élèves de Ried). La conclusion aborde la question du positionnement de l’architecte entre Gothique et Renaissance. Bien que le sens du livre provienne avant tout du texte, il est richement illustré, même si les clichés en noir et blanc sont relativement petits [K. Benesovska].

   

12– Justin E. A. Kroesen, Staging the Liturgy: The Medieval Altarpiece in the Iberian Pensinsula, Louvain/Paris/Walpole, Peeters, 2009.

Cet ouvrage imposant a le mérite d’analyser le développement des retables dans la Péninsule ibérique sur la longue durée, entre le xi^e et le premier tiers du xvi^e siècle, en prenant en compte toutes les techniques et tous les matériaux (peinture, sculpture, orfèvrerie), et en abordant tant le domaine hispanique que le Portugal. Structuré en trois parties, le livre décrit d’abord l’évolution typologique et stylistique des retables, pour étudier ensuite comment ceux-ci interagissaient avec leur environnement liturgique, avant de présenter les iconographies les plus caractéristiques et de préciser les multiples fonctions de ces œuvres. L’ouvrage constitue une mine d’informations sur le décor intérieur des églises espagnoles tout au long de l’époque médiévale et représente une tentative ambitieuse, sérieuse et concrète d’analyser la création artistique à la lumière des contraintes liturgiques [M. Tomasi].

   

13– Jiří Kuthan, Královské dílo za Jiřího z Poděbrad a dynastie Jagellonců I (Král a šlechta) = Œuvre royal à l’époque de Jiri de Podebrady et de la dynastie des Jagellons I (Roi et noblesse), Prague, Univerzita Karlova, 2010.

On pourrait caractériser ce livre comme l’antithèse du livre de Pavel Kalina aussi recensé ici. Le livre de Kalina, assez modeste par sa forme, se concentre sur la nouvelle interprétation et l’approche de l’architecture de Benedikt Ried, tandis que le livre de Jiri Kuthan se distingue par sa monumentalité et son luxe, à commencer par le grand nombre de splendides photographies en couleur de toutes les œuvres mentionnées (l’auteur des photos est Jiří Kuthan lui-même). Le livre évoque plutôt une sorte d’encyclopédie de l’art de la cour au Royaume de Bohême pendant une période d’environ soixante-dix ans (1458-1526), époque marquée par la coexistence de deux religions, utraquiste et catholique. On y trouve toutes les dates nécessaires, le contexte historique de l’art présenté, des citations littéraires liées à chaque œuvre et artiste, et une documentation abondante ; ce qui manque, cependant, c’est les opinions originales ou provocantes. Il n’empêche que, pour tous ceux qui cherchent un panorama de l’art et surtout de l’architecture liés à la cour royale de Bohême de la seconde moitié du xv^e siècle et la première moitié du xvi^e siècle, se livre s’avère très utile. Le tome II, dédié aux villes, suivra l’an prochain [K. Benesovska].

   

14– Donata Levi, Il discorso sull’arte: dalla tarda antichità a Ghiberti, Milan/Turin, Bruno Mondatori, 2010.

L’auteur, spécialiste reconnue de l’histoire de l’histoire de l’art en Italie des xviii^e et xix^e siècles, propose ici une synthèse, destinée d’abord aux étudiants universitaires, sur la littérature artistique médiévale, en puisant à toutes les sources qui peuvent illustrer la perception que les hommes du Moyen Âge eurent des artistes, des œuvres, des images et de leurs fonctions : inscriptions et traités techniques, chroniques et lettres, en passant par les encyclopédies et les biographies. Pour être œuvre de compilation, l’entreprise n’en est pas moins utile. Sans être complète, la bibliographie est riche et très à jour, et permet de s’orienter dans un panorama fort fragmenté. Même les chercheurs confirmés profiteront de la variété et de l’abondance des matériaux, parfois bien connus, d’autres fois moins célèbres, ici réunis avec beaucoup de clarté et d’équilibre de jugement. L’auteur propose en outre, dans son introduction, un décryptage engagé et lucide de la fonction de l’histoire de l’histoire de l’art [M. Tomasi].

   

15– Manfred Luchterhandt, Die Kathedrale von Parma: Architektur und Skulptur im Zeitalter von Reichskirche und Kommunebildung, Munich, Hirmer 2009.

La cathédrale de Parme est l’un des monuments romans les plus importants de la pleine du Pô. L’auteur soumet pour la première fois le bâtiment à une analyse archéologique poussée, renouvelant d’abord la chronologie du monument. L’édifice actuel repose sur les restes du précédent, que l’auteur date du temps de l’évêque Hugues (1027-1044/45), membre de la cour impériale, qui aurait ainsi pu connaître les fondations de Conrad II à Spire et à Limbourg-sur-la-Haardt, dont la cathédrale parmesane est l’une des plus anciennes reprises. Le bâtiment roman qui existe encore aujourd’hui fut en revanche commencé sous l’épiscopat de Bernardo degli Uberti (1106-1133) et poursuivi sous son successeur Lanfranco (1136-1162). Les liens de Bernardo avec les milieux réformateurs milanais expliqueraient alors la présence sur le chantier de sculpteurs ayant travaillé auparavant à la basilique Saint-Ambroise à Milan, à une époque où Parme, politiquement très isolée en Émilie, se tournait vers la puissante voisine lombarde. Au-delà des précisions et des matériaux qu’il apporte pour une meilleure connaissance d’un édifice jusque-là insuffisamment étudié, l’ouvrage ouvre des perspectives intéressantes sur les motivations et les voies de circulation des idées et des formes [M. Tomasi]

   

16– Monika E. Müller, Omnia in mensura et numero et numero disposita: Die Wandmalereien und Stuckarbeiten von San Pietro al Monte di Civate, Regensbourg, Schnell & Steiner, 2009.

Cet ouvrage constitue une somme complète sur l’église San Pietro al Monte de Civate. Tous les aspects du monument y sont minutieusement traités – l’architecture, la question des sources écrites relatives à l’abbaye, les restaurations menées à l’époque moderne –, avec un développement particulièrement long et fouillé sur le décor peint et stuqué. Le texte est accompagné d’une abondante documentation photographique, dont un cahier de planches en couleur. L’auteur propose ainsi des analyses nourries sur la date du monument et de son décor, sur l’identité de son commanditaire, de même que sur les usages liturgiques qui avaient cours dans cette église monastique. La datation du décor à la fin du xi^e siècle permet à Monika Müller de penser l’étude iconographique autour du thème de la Réforme grégorienne et du caractère ecclésiologique des images [A.-O. Poilpré].

   

17– Norbert Nussbaum éd., Die gebrauchte Kirche. Symposium und Vortragsreihe anlässlich des Jubiläums der Hochaltarweihe der Stadtkiche Unserer Lieben Frau in Friedberg (Hessen) 1306-2006, (colloque, Friedberg, 2006), Stuttgart, Theiss, 2010.

L’anniversaire des sept cents ans de la bénédiction du chœur de la Liebfrauenkirche de Friedberg a donné l’occasion à des activités scientifiques, dont les résultats sont rassemblés dans le présent ouvrage. La question centrale a été de reconstituer l’évolution de l’édifice au cours de la conception et des travaux, et surtout pendant son utilisation, puisqu’il a dû sans cesse être adapté à de nouveaux impératifs. L’ouvrage présente ainsi un bon nombre d’études très précises du cas de Friedberg et ouvre le débat également à des réflexions systématiques sur l’utilisation de l’église qui se montrent, malgré leur point d’ancrage local, tout à fait fructueuses pour la recherche internationale [B. Klein].

   

18– Hana Pátková éd., Z Noyonu do Prahy: kult svatého Eligia ve středověkých Čechách = De Noyon à Prague : Le culte de Saint Éloi en Bohême médiévale De Noyon à Prague/Z Noyonu do Prahy, Prague, Scriptorium, 2006.

Cet ouvrage français-tchèque, publié grâce au soutien de la Fondation Maison des Sciences de l’Homme, du Council Overseas Research Centers et de la Andrew W. Mellon Foundation, présente le manuscrit de Saint-Éloi – Vita et officium sancti Eligii (ms. Rés. 104, Bibliothèque historique de la Ville de Paris). Les diverses contributions comportent entre autres l’analyse des enluminures du manuscrit (Hana J. Hlavackova) ; le contexte historique de l’officium du point de vue d’un musicologue (Petr Eben) ; et la description du trésor ancien de la corporation des orfèvres praguois dans les années 1250-1350, y compris la fameuse mitre-reliquaire, don de Charles IV à la corporation praguoise en 1378 après son retour du voyage à la cour royale de France (Dana Stehlikova) [K. Benesovska].

   

19– Jacques Lacoste, Les grandes œuvres de la sculpture romane en Béarn, Sud-Ouest, Bordeaux, 2007.

L’ouvrage de Jacques Lacoste prolonge des hypothèses qu’il avait déjà formulées, notamment dans La sculpture romane en Béarn : « le Grand Atelier » (Bizanos, 1996) et dans Les maîtres de la sculpture romane dans l’Espagne du pèlerinage à Compostelle (Luçon, 2006). Il s’efforce, pour l’essentiel, d’étudier l’émergence de la sculpture en Béarn en retraçant le parcours d’un certain nombre de sculpteurs dont la personnalité artistique est soi-disant bien définie – le Maître de Morlaas, le Maître de Sainte-Marie d’Oloron… – ou bien de leurs « compagnons ». Les œuvres sculptées sont replacées dans leur contexte architectural, et l’auteur aborde à plusieurs reprises la question des programmes et celle de la personnalité des commanditaires. Toutefois, l’ouvrage s’intéresse avant tout à la circulation des formes restituée à partir de comparaisons à vrai dire pas toujours convaincantes [Th. Creissen].

   

20– Michel Margue, Michel Pauly, Wofgang Schmid éd., Der Weg zur Kaiserkrone: der Romzug Heinrichs VII. in der Darstellung Erzbischof Balduins von Trier, Trèves, Kliomedia, 2009.

La chronique imagée présentée (Manuscript I C I, Landeshauptarchiv Koblenz), qui commente le voyage d’Henri VII à Rome pour le couronnement impérial (1313) en 73 images sur 37 pages, fut commandée par Baudouin, archevêque de Trèves et frère d’Henri VII de Luxembourg, dans les années 1330-1340. Outre l’édition, la traduction et la description de la chronique, ce livre, publié à l’occasion du sept-centième anniversaire de l’élection en 1308 de ces deux Luxembourg respectivement en tant qu’archevêque et prince-électeur (Baudouin) et roi des Romains (Henri), offre des essais de cinq auteurs portant sur le contexte historique, la politique « italienne » d’Henri VII, l’aide de son frère Baudouin (qui l’avait accompagné à Rome), et la place des enluminures de la chronique dans le contexte des manuscrits contemporains. Des aperçus de la guerre et de la vie de la cour, la mise en scène politique, la memoria de la maison des Luxembourg, la représentation de Baudouin… voilà quelques-uns des thèmes traités dans cet ouvrage, aux illustrations d’une haute qualité [K. Benesovska].

   

21– Susan Marti, Till-Holger Borchert, Gabriele Keck éd., Splendeurs de la cour de Bourgogne : Charles le Téméraire (1433-1477), Anvers, Fonds Mercator, 2009.

Ce catalogue somptueux d’une exposition de prestige itinérante (Berne, 2008/Bruges, 2009/Vienne, 2010) est consacré au court règne (1467-1477) d’un prince flamboyant : l’héritage de la maison de Bourgogne, son administration, le commerce de l’art de luxe, les fêtes et les cérémonies, l’armée professionnelle et les guerres, la postérité. Outre quatre essais introductifs et des notices substantielles consacrées aux 179 pièces exposées, l’ouvrage comprend un album de 84 planches d’une qualité remarquable, mettant en évidence la magnificence de Charles le Téméraire dans tous les domaines de l’art, ainsi que les pièces exceptionnelles du butin pris par les Suisses aux batailles de Grandson et Morat. On épinglera en particulier les textiles (costumes, tapisseries et broderies), sans doute moins connus que la peinture, l’orfèvrerie et l’enluminure [Th. Coomans].

   

22– El románico y el Mediterráneo. Cataluña, Toulouse y Pisa. 1120-1180, Manuel Castiñeiras, Jordi Camps éd., (cat. expo., Barcelone, Museu Nacional d’Art de Cataluña, 2008), Barcelone, Biblioteca Nacional de Cataluña, 2008 (édition en espagnol ; existe aussi en catalan).

Ce catalogue d’exposition est consacré au versant méditerranéen de l’art roman (il s’agit en fait d’une petite Méditerranée, car seuls sont évoquées les régions qui vont de l’Italie du Nord à la Catalogne). Une place non négligeable est accordée aux œuvres en bois (statues, mobilier liturgique), aux textiles et aux manuscrits ; quelques fresques sont également présentées. L’ensemble des œuvres fait l’objet de notices monographiques en fin d’ouvrage. Après l’introduction, le catalogue commence par une présentation historique rapide de la Catalogne à l’époque de Raimond Bérenger IV, et par une évocation des villes de Barcelone et de Tarragone. Les contributions d’Arturo Carlo Quintavalle et d’Antonio Milone élargissent le propos à l’Italie, tandis que Quitterie Cazes revient sur la situation de Toulouse en montrant les évolutions de la sculpture, qui s’émancipe progressivement du modèle de Saint-Sernin tout en restant longtemps fidèle à l’esthétique romane. Plusieurs textes sont consacrés à la Péninsule ibérique, dont celui d’Immaculada Lorés i sur les édifices catalans (« Actualización de los edificios: nuevas construcciones e incorporación de la escultura »). D’un point de vue méthodologique, on soulignera l’utile mise en garde contre le recours abusif aux rares sources disponibles dans l’analyse des monuments romans. Ainsi, dans le cas de Sainte-Marie de la Seu d’Urgell, un marché de 1175 mentionne le nom d’un certain Raimon Lambard, et l’église présente des traits architecturaux attestés en Italie du Nord, suggérant de ce fait qu’une influence lombarde a souvent été privilégiée. Pourtant, la plupart de ces soi-disant caractéristiques étaient connus dès avant en Catalogne. La contribution de Manuel Castiñeiras et Jordi Camps élargit la présentation de l’art roman en Catalogne (« Figura pintada, imagen esculpida. Eclosión de la monumentalidad y diálogo entre las artes en Cataluña ») en accordant une place importante à la sculpture en bois et au mobilier peint – notamment les devant d’autels – qui constituent l’une des spécificités de la région. Leur étude se fonde principalement sur le cas de Ripoll, un foyer de production majeur dot ils présentent les conditions de production et soulignent les nombreuses interactions entre différentes expressions artistiques [Th. Creissen].

   

23– Jean-Maurice Rouquette et al. éd., Arles : histoire, territoires et cultures, Paris, Actes Sud, 2008.

Cet ouvrage n’est pas à proprement parler une publication scientifique – il n’a pas d’appareil de notes – mais il se révèle néanmoins d’une grande utilité. Après une présentation très concise et fort bien illustrée de la période qui va de la préhistoire jusqu’à l’Antiquité classique, deux parties traitent respectivement consacrées de l’Antiquité tardive et de l’émergence de l’Église d’Arles. Les contributions de Jean Guyon et Marc Heijmans sont claires et bien documentées, et le chapitre consacré au iv^e siècle est l’occasion de revenir sur l’extraordinaire collection de sarcophages paléochrétiens conservés en Arles. Jusqu’au vi^e siècle, les données archéologiques combinées aux sources textuelles permettent de proposer une vision assez parlante de la topographie chrétienne de la ville ainsi que de sa réalité monumentale et artistique. Par la suite, la situation est bien moins satisfaisante. Les chapitres de Marc Heijmas – « Vers le haut Moyen Âge » – et de Martin Aurell – « Arles à l’époque carolingienne et féodale » – sont essentiellement historiques et les données relatives à la production artistique restent peu nombreuses en dehors des propositions de datation : comme pour Saint-Sernin, il est dès lors difficile d’établir un lien entre les monuments romans et leurs prédécesseurs immédiats. Jean-Maurice Rouquette est l’auteur de la partie consacrée à l’histoire d’Arles correspondant à la diffusion de l’art roman (« Des comtes de Barcelone à la maison d’Anjou »). Sa présentation est complexe, et il est parfois difficile de bien comprendre les évolutions de la ville en l’absence de documents graphiques, notamment de cartes. Les monuments et leur décor ressortissant à cette période sont ensuite évoqués par Andreas Hartmann-Virnich (« L’architecture romane religieuse à Arles »). La faible place – une dizaine de pages – accordée à l’analyse d’un ensemble assez riche fait que celui-ci n’est pas abordé de manière poussée. Dans le domaine de l’architecture, l’auteur souligne l’existence de quelques entreprises pionnières au cours du xi^e siècle (Saint-Pierre de Montmajour et la nef de Saint-Honorat des Alyscamps sont rapidement évoqués), mais c’est toutefois le xii^e siècle qui marque le véritable envol de l’architecture et du décor sculpté. Peut-être planifié dès la fin du xi^e siècle, le chantier de reconstruction de Saint-Trophime ne démarre que dans le deuxième quart du xii^e siècle. Ce chantier est présenté de manière essentiellement descriptive, parti également privilégié pour évoquer d’autres entreprises contemporaines (chevet de Saint-Honorat, Saint-Blaise, Notre-Dame de Montmajour). La sculpture, quant à elle, est abordée à travers le portail de Saint-Trophime, qui se rattache à la décennie 1180-1190. Dans ces mêmes années semble avoir été exécutée une partie du décor sculpté du cloître de la cathédrale. L’analyse de cette sculpture est rapide : pour l’essentiel, Andreas Hartmann-Virnich est contraint de se limiter à une description des principaux thèmes mis en image. En définitive, l’architecture comme la sculpture romane d’Arles et de son territoire sont abordées ici d’une manière superficielle [Th. Creissen].