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Débats

La mode à l’épreuve du genre

Un débat entre Marta Franceschini, Philippa Nesbitt, Nicole Pellegrin et Annamari Vänskä, mené par Damien Delille
Damien Delille, Marta Franceschini, Philippa Nesbitt, Nicole Pellegrin et Annamari Vänskä
Traduction de Étienne Gomez
p. 59-78

Texte intégral

1S’il est une approche critique qui traverse les histoires et les théories de la mode, c’est bien celle portée par les études de genre. Inscrite dans les premiers recueils de costumes au xvie siècle, visible dans les revues de mode et les tailles standardisées de nos vêtements, la distinction entre les vestiaires pour homme et pour femme est le fruit de constructions sociales et politiques évidentes. Les différentes manières de se vêtir, les processus collectifs et individuels de modification de l’apparence, les liens du port de l’habit avec les saisonnalités et les géographies obéissent à des systèmes qui façonnent en profondeur les identités de genre. Cette histoire est marquée par des luttes de pouvoir pour le contrôle, la normalisation ou la libération des corps. La fabrique du genre s’appuie en grande partie sur ces dynamiques vestimentaires.

  • 1 Pierre Bourdieu, La Distinction, Paris, Minuit, 1979 et Beverley Skeggs, Formations of Class and Ge (...)
  • 2 James Laver, Modesty in Dress: An Inquiry into the Fundamentals of Fashion, Londres, Heinemann, 196 (...)

2Face à des évidences historiques et théoriques qui n’en sont pas tout à fait, nous avons souhaité interroger une historiographie complexe qui s’est nourrie des apports en études de genre, tout en constituant ses propres méthodes d’analyse. Faut-il résumer ces enjeux à la place de l’histoire des femmes et du féminisme dans l’évolution des modes ? Quels objets et quelles images de mode s’agit-il de retenir pour interpréter ces évolutions historiques, marquées par des idéaux de beauté masculine et féminine, mais aussi par des réalités individuelles difficiles à saisir ? Il semble que les apports en sciences humaines et sociales – sociologie, psychologie sociale, sémiologie, information et communication, ethnologie, anthropologie – ont déterminé la compréhension pluridisciplinaire des systèmes de la mode, depuis les thèses fondatrices de Gabriel Tarde et de Georg Simmel sur la distinction sociale liée aux obligations légales qui régissent la différence des sexes, jusqu’à l’appartenance de classe à travers le vêtement, étudiée par Pierre Bourdieu en France et Beverley Skeggs en Angleterre1. C’est certainement à ce carrefour entre traditions académiques convergentes que se situe le tournant culturel des fashion studies dans les années 1980, liées à l’école anglaise de Birmingham : une nouvelle génération d’historiennes anglosaxonnes s’est emparée de la French Theory et des sources historiques relatives à la moralisation du vêtement, initiées par James Laver en 19692, afin de nuancer une histoire faite de contraintes et de libertés conquises (fig. 1a-b). Les modes – des classes dominantes et dominées, de la rue, de la fast fashion ou de la haute couture – se sont adaptées aux renégociations constantes voulues par des individus et des groupes qui ont façonné la modernité, face aux normes sociales de genre, de classe et de race. En somme, l’étude de la mode au prisme du genre a révélé ce qui se cachait sous l’habit : un corps biologique et social complexe.

1a-b. James Laver, Modesty in Dress: An Inquiry into the Fundamentals of Fashion (première et quatrième de couverture), Londres, Heinemann, 1969.

1a-b. James Laver, Modesty in Dress: An Inquiry into the Fundamentals of Fashion (première et quatrième de couverture), Londres, Heinemann, 1969.

© D. R.

  • 3 Sur l’éloge de l’anachronisme en histoire, voir le texte pionnier de Nicole Loraux (« Éloge de l’an (...)

3Cet examen attentif des apports théoriques dans l’écriture de l’histoire des modes nécessite des allers-retours souvent risqués entre passé et présent. Il semble important d’insister sur la remise en contexte reliant l’histoire économique, sociale et culturelle du vêtement à celle, minorée et invisibilisée, des féminités, des masculinités, des minorités sexuelles et de genre, au risque de l’anachronisme3. Face à cet écueil que nous croyons profitable à l’histoire de la mode, nous avons voulu mettre en lumière des voix singulières et subjectives qui offrent une diversité d’approches du genre dans la mode : féministes, intersectionnelles, queer, LGBTQI+, écologistes, disability studies, crip theories. Saisir les études de genre dans leur diversité et leur inclusivité permet d’élargir notre compréhension des modes, et d’écrire d’autres histoires faites de répétitions et de renversements des temporalités établies. À partir de l’étude des objets et des images longtemps marginalisées, des formes matérielles et virtuelles d’un nouveau genre, ce sont les frontières toujours plus mouvantes de l’histoire des œuvres, des choses et des artéfacts qu’il s’agit d’interroger, une histoire de l’art radicalement décloisonnée par le genre, s’il en est.
[Damien Delille]

  • 4 « [O]bsessed with gender, defines and redefines the gender boundary. » Elizabeth Wilson, Adorned in (...)
  • 5 Voir en particulier les travaux de Françoise Piponnier, « Une révolution dans le costume masculin a (...)
  • 6 Les enjeux propres à ces périodes plus anciennes sont traités dans un autre débat du numéro : Marga (...)

4– Damien Delille. Dans son ouvrage Adorned in Dreams: Fashion and Modernity publié en 1985, l’historienne britannique Elizabeth Wilson soulignait l’ambiguïté de la mode qui, à la fois objet et image, « obsédée par le genre, définit et redéfinit les frontières du genre4 ». La différence sexuelle dans les usages pratiques du vêtement est au cœur de la construction historique de la mode comme discipline. Certaines historiennes envisagent même de faire remonter les origines de la mode au xive siècle5, à partir de la différence de longueur des vêtements qui distingue les vestiaires masculin et féminin, dans les cours d’Europe de l’Ouest. Sans remonter nécessairement à ces périodes anciennes6, pourriez-vous revenir sur la ou les manières dont l’histoire de la mode s’est construite sur, ou a elle-même participé à construire la différence des sexes, à l’image des premiers recueils d’habits qui ont alimenté une histoire du costume jusqu’à James Laver et François Boucher, fondée sur deux images distinctes de la mode ?

5– Annamari Vänskä. Elizabeth Wilson est en effet l’une des pionnières sinon la pionnière en matière de mode et d’études de genre dans la mesure où elle n’abordait pas la mode dans une perspective négative comme ses pairs féministes, qui y voyaient un « complot du patriarcat » ou un « corset social » empêchant les femmes de contribuer aux affaires sociétales d’importance. À l’opposé, elle la pensait comme une « technologie sociale du genre » au sens où les pratiques vestimentaires sont essentielles dans la formation des individus modernes. La relation entre tenue et corps est, de fait, très étroite : un vêtement est comme une « seconde peau » permettant d’exposer publiquement différents aspects de nos identités personnelles, parmi lesquelles l’âge, le statut social, le genre, l’ethnicité, la sexualité, etc. En même temps, c’est une « peau sociale », lieu d’une expérience du moi à partager avec autrui.

  • 7 Wilson, (1985) 2003, cité n. 4, p. 246-247.

6Wilson a défini ses idées dans un contexte culturel marqué par un essor économique, une augmentation massive de la consommation et la popularisation du postmodernisme, elle y associait son scepticisme vis-à-vis de l’universalisme et de ce qu’on appelle les « grands récits » de la modernité. Dans ces circonstances, Wilson présentait la mode comme une sorte d’« art-performance » reflétant les contradictions de la culture moderne et incitant les gens à expérimenter, jouer, changer – en un mot, à modeler – leur corps et leur identité à volonté7. Wilson a vu le potentiel positif de la mode : le fait qu’elle peut fonctionner en tant qu’outil de libération, et pas seulement de subordination ou de normalisation.

  • 8 Judith Butler, Trouble dans le genre. Pour un féminisme de la subversion, Cynthia Kraus (trad. fr.) (...)
  • 9 Shaun Cole, “Don We Now our Gay Apparel”: Gay Men’s Dress in the Twentieth Century, New York, Berg, (...)

7Les thèses de Wilson ont depuis été redéfinies en tant que théorie de la performativité du genre, notamment dans l’œuvre de Judith Butler (1990), où le mot « drag » sert d’outil théorique dans la discussion sur la nature performative du genre8. Les thèses de Wilson et de Butler ont eu une grande influence sur la réflexion et sur la théorisation en matière de construction et d’expression de l’identité individuelle. Elles sont importantes notamment dans le combat des droits des groupes marginalisés et stigmatisés comme les personnes gay, lesbiennes et transgenres, ainsi qu’en témoignent les travaux de Shaun Cole sur les tenues des hommes homosexuels et sur leur influence sur la mode masculine au xxe siècle, d’Adam Geczy et de Vicki Karamina sur les styles queer, et de Reina Lewis sur la mode modeste, ou encore dans mes propres travaux sur cette thématique en lien avec les enfants et avec des thèmes importants dans le design de mode finlandais contemporain9.

8La question plus globale de la mode et du genre est évidemment liée aux normes dominantes d’une société donnée : la mode est un reflet de même qu’un outil de la construction du genre. Dans ce sens, on peut dire qu’elle est une institution sociale de pouvoir au même titre que la biologie, la médecine, la religion, l’école, etc., où le genre se construit et se produit. Puisque les sociétés occidentales, au moins, reposent nettement sur une structure de genre binaire, on ne sera pas autrement surpris que la mode aussi serve d’outil dans cette construction, même si elle offre simultanément une possibilité de remettre en question le statu quo.

  • 10 Marcel Mauss, « Les techniques du corps », Journal de Psychologie, vol. XXXII, nos 3-4, 1936 (commu (...)
  • 11 Fred Davis, Fashion, Culture and Identity, Chicago, Chicago University Press, 1992.

9– Marta Franceschini. Le développement du discours de la mode en Occident est lié aux façons dont la société a utilisé les vêtements pour se définir : toujours en partant du corps, le premier territoire où sont établis les sens individuels et collectifs, lui-même produit comme un « dispositif social et socialisé muni d’attributs et de mécanismes techniques10 ». Comme l’a déclaré Fred Davis, le corps vêtu – la rencontre des vêtements et des corps, d’où naît la mode – est la manifestation arbitraire de l’individu dans laquelle l’identité choisie est imaginée et construite au moyen de l’habillement et du geste11. Historiquement, les vêtements et les accessoires ont servi à signaler le statut, l’appartenance à un groupe social et bien évidemment les privilèges, eux-mêmes le plus souvent liés au genre et à la hiérarchie dont le genre a toujours fait partie intégrante. Si la mode se définit à la fois comme système pragmatique et comme ensemble complexe d’actions ayant trait à l’allure que l’on se donne pour dire quelque chose sur soi-même sans passer par les mots, son histoire est nécessairement fonction des modes de socialisation. Il n’est donc pas surprenant que le genre – et les fluctuations dans les attributs vestimentaires qui lui sont associés à une époque et dans un endroit donnés – soit central si l’on veut en retracer l’histoire.

  • 12 Nicole Pellegrin, « Mode(s) », dans Michel Figeac (dir.), L’Ancienne France au quotidien. Vie et ch (...)

10– Nicole Pellegrin. Mode ou modes ? Le mot est étrange ; polysémique, il mériterait avant d’être employé d’être toujours défini et historicisé car, selon les langues, les (mi)lieux et les époques, il se décline ou non au singulier, prend une majuscule ou une minuscule, s’orne d’adjectifs difficiles à traduire comme « haute [high] », « éphémère [fast] » ou « modeste ou pudique [modest] » et est donc synonyme de corruption morale ou de vertus ; il peut même ne pas concerner que des objets vestimentaires12. Enfin et surtout, en tant que phénomène évident (visible d’emblée) et donc éloquent avant toute parole, la réalité des modes et de leur imaginaire (un réel plus grand que les parures de l’élite ?) affecte aussi bien les hommes que les femmes, mais le fait différemment au cours des siècles selon que les modes y sont dictées, interprétées, refusées.

11En effet nos habits fabriquent et reflètent sans cesse l’ensemble des relations de genre, tout en servant à les contester de façon épisodique et plus ou moins profonde lors de bouleversements politiques globaux ou sectoriels : révolutions politiques localisées ou mondialisées, engagements féministes, périodes d’après-guerres, décolonisations, affichages générationnels ou communautaires, etc. Aucun travail de recherche en études de modes ne peut manquer d’être intersectionnel, y compris lorsqu’il aborde l’exceptionnel calendaire car tout carnaval, comme tout rituel – traditionnel ou non – d’inversion, se lit sous le triple éclairage de la race, de la classe et du genre, ce qu’ont fort bien montré des folkloristes, des ethnologues (Yves Delaporte, Jean-Thierry Maertens, etc.) et, plus récemment, des militants et militantes LGBTQ+.

  • 13 L’usage du concept de genre et la compréhension des faits qui y sont liés sont, nominativement, réc (...)
  • 14 Songeons au discours d’Aristophane dans Le Banquet de Platon et à ses reprises à la Renaissance, ai (...)
  • 15 Voir les remarques pionnières de Michel Butor (« Mode et moderne », Change, no 4, 1969, p. 11-28) e (...)

12Autant de paradoxes que personne n’a donc jamais ignorés, y compris une historiographie française réputée « retardée » en matière d’histoire genrée13, mais plus attentive qu’on ne le croit aux phénomènes de longue durée et notamment au poids de textes religieux qui ont construit (et continuent à construire) par le vêtement le masculin et le féminin dans les cultures liées aux trois monothéismes. Ces textes exaltent avec force la nécessité d’une différenciation stricte des vestiaires, mais cette insistance révèle que, dès avant Tertullien, théologiens, moralistes et législateurs savent que d’innombrables contiguïtés et brouillages des apparences sont possibles du fait du goût très humain de la nouveauté et du rêve persistant en chacun et chacune d’un retour à une androgynie native14. Est-il d’ailleurs sûr que la modernité du nouveau, si celui-ci existe, fasse la mode ou n’en serait-il que le faux-semblant, puisque les oscillations des phénomènes de mode ne furent, jamais et de tout temps, que des reprises-recyclages de l’ici et des emprunts à l’ailleurs15 ? La mode ne serait-elle qu’une sorte d’« assemblage », au sens que lui a donné l’art contemporain ?

  • 16 Yvonne Deslandres, Le Costume, image de l’homme, Paris, Albin Michel, 1976, illustré de dessins en (...)
  • 17 Christine Bard, Histoire politique du pantalon, Paris, Le Seuil, 2010.

13Longtemps événementielle et exclusivement focalisée sur les classes aisées du monde occidental, l’étude des modes et du vêtement en général connaît un bouleversement spectaculaire dès 1976 en France avec la parution du livre audacieux d’Yvonne Deslandres, Le Costume, image de l’homme, attentif aux différenciations liées aux sexes, aux âges, aux classes, aux statuts, aux régions, aux circonstances, aux métiers et aux renouvellements, de détail ou de la silhouette tout entière, propres à chacune de ces catégories16. Si l’ouvrage pèche encore par son européocentrisme et par l’importance qu’il accorde à la haute couture, il souligne ce qu’à ma connaissance personne n’avait encore montré : la généralisation, à partir du xive siècle, pour les seuls hommes, d’un habillement fermé couvrant jambes et bas-ventre, alors que se maintient pour les femmes européennes jusqu’au xxe siècle le système ouvert de la robe (celle-ci n’est plus dès lors portée, en France, que par les prêtres et les magistrats et cela jusqu’au mouvement des hommes en jupe). Cette révolution dans le genre est d’origine bas-médiévale et s’est, jusqu’à il y a peu, concrétisée par l’interdiction pour les femmes du port de culottes ou pantalons et par la condamnation, parallèle et plus sévère, de l’effémination masculine17. Cette révolution est encore difficile à expliquer, mais liée, semble-t-il, tout à la fois aux transformations de l’art de la guerre, au développement de l’économie marchande dans les villes et à la contamination de l’habillement des élites par celui des prolétaires selon un upcycling littéral trop ignoré des histoires des modes mais qui n’est pas unique. Dès la fin des années 1970, l’historiographie de part et d’autre de l’Atlantique et de la Manche sait qu’une approche parallèle et disjointe des mises masculines et féminines n’est plus pensable, même si elle fait encore le bonheur de certains éditeurs de « beaux livres ».

14– Damien Delille. Les méthodes des études de genre se sont imposées dans le paysage universitaire anglophone comme une évidence pour analyser les phénomènes de mode. C’est peu le cas en France, où prédomine le sentiment d’être face à un domaine longtemps réservé au féminin, ce qui n’est pas vraiment discuté. Comment expliquer cette situation vis-à-vis d’une autre historiographie plus dynamique liée aux fashion studies anglophones ? Qu’est-ce que les études de genre produisent dans le champ historique de la mode ? De quelle manière ces réflexions peuvent-elles s’appliquer à différents contextes sociopolitiques, dans les études de mode comme au musée ? S’agit-il d’une étape nécessaire pour repenser les identités féminines et masculines produites par le système de la mode, comme l’avait énoncé Roland Barthes dans les années 1960 au sujet d’un langage très codifié ?

  • 18 Ibid. ; Roland Barthes, « Histoire et sociologie du vêtement », Annales. Économies, Sociétés, Civil (...)
  • 19 Pour exemple, le numéro de la revue Clio, vol. 2, no 10 : Christine Bard et Nicole Pellegrin (dir.) (...)
  • 20 Gilles Lipovetsky, L’Ère du vide. Essais sur l’individualisme contemporain, Paris, Gallimard, 1983  (...)

15– Nicole Pellegrin. Féministe de longue date, passée de l’histoire des femmes à celle du genre, puis à son approche « fluide », cherchant donc modestement à dépasser le binarisme d’origine sexuée (où s’enferment encore certains ou certaines féministes), je m’étonne des partis pris que semble recéler cette deuxième série d’interrogations. Il faut de fait revenir sur le « retard » français en matière d’approche genrée des études de mode : le confirmer sur certains points, le relativiser aussi car les travaux de Roland Barthes (père fondateur, dès 1957) et de Michel Butor, ceux d’Yvonne Deslandres, Yves Delaporte, Daniel Roche, Philippe Perrot, Christine Bard, Sylvie Steinberg et bien d’autres18, ont intégré – certes diversement – les réflexions féministes et bientôt queer d’auteures anglophones (Carol Pateman, Donna Haraway, Judith Butler, Joan Scott, etc.). Quant à l’anthropologie francophone du vêtement, elle s’est nourrie des recherches – pas toutes traduites – de Bonnie et Vern Bullough, Marjorie Garber, Anne Hollander, Jennifer Jones, Lou Taylor, Valerie Steele (études sur les transvestismes, le « tailleur », le noir, la féminisation des métiers de modes19), mais en retour des travaux français, grâce aux traductions d’auteurs comme Gilles Lipovetsky ou Daniel Roche20, ont ouvert des perspectives nouvelles aux fashion studies.

  • 21 Voir notamment les études publiées annuellement par l’AFET (Association française d’étude des texti (...)

16Néanmoins, il faut bien reconnaître que la France souffre d’un très ancien déficit quantitatif de travaux sur les modes. Le mépris pour les arts « subalternes » de l’aiguille et du « chiffon » y est bien plus puissant qu’en Angleterre et explique le caractère trop récent de recherches sur les broderies conventuelles ou des détails essentiels de l’habillement occidental comme les voiles masculins du deuil, le foulard prolétaire (esclaves hommes et femmes des Antilles, pauvresses de France), les variantes sexuées de la perruque, du tablier, de la poche ou du bouton : autant de « faits de modes » eux aussi mais beaucoup trop minorés et qui, loin de faire éclater le sujet de la mode en France, l’approfondissent et lui donnent une vraie densité21.

  • 22 Apparences a été créée à l’institut de recherches historiques du Septentrion (IRHIS, UMR 8529, univ (...)
  • 23 Je pense aux palais Galliera, musée de l’Homme, Musée des arts décoratifs à Paris, Centre national (...)

17Il est important de noter que l’Hexagone n’a pas eu de revues scientifiques dédiées aux pratiques vestimentaires jusqu’à la création récente de deux périodiques : d’une part, depuis 2007, la revue en ligne Apparences. Histoire et culture du paraître ; d’autre part, Modes pratiques. Revue d’histoire du vêtement et de la mode créée en 201522. De même, depuis le milieu du xixe siècle, continuent à être publiées des histoires du costume fort attrayantes mais destinées davantage à l’ornement des tables basses des salons qu’aux bibliothèques scientifiques. Enfin, ont lieu régulièrement des expositions à succès qui sont dotées de catalogues passionnants et d’une muséographie innovante mais dont l’esthétisme est rarement enrichi d’une véritable approche politique, économique et sociale23. Quant aux multiples monographies biographiques de « grands couturiers », Gabrielle Chanel comprise, elles sont le plus souvent décontextualisées et ne disent rien des conditions d’émergence de personnalités singulières que flanquent des régiments de petites mains, bien trop méconnues.

18Fait étonnant, les vêtements présentés dans ces « enquêtes », qu’ils le soient en tant qu’objets textiles ou sous forme d’images fixes ou mobiles, ne sont jamais analysés comme des documents à interroger : matérialité, processus d’élaboration, de fabrication et de diffusion, prix, clientèles, raisons de porter ou non ces pièces, transformations par le prêt-à-porter, détournements dans la sphère domestique, modalités institutionnelles de conservation. L’histoire de l’art, désormais affranchie des études sur le « costume » (elles lui ont longtemps servi de science auxiliaire), ne semble toujours pas vouloir, en France comme peut-être ailleurs, travailler avec ses outils propres d’analyse sur les objets de mode, ni entreprendre l’interprétation – systématique – des structures, matières, volumes, usages des vêtements et, tout autant, celle de leurs mises en scène contradictoires : spectacularisations des défilés, fixité et miniaturisation des vêtements dans les magazines, célébrations du mouvement des tissus et des corps dans les films, théorisations a posteriori de créateurs et créatrices et de « philosophes de la mode » dans la presse, l’édition papier et les réseaux sociaux, etc.

  • 24 Joanne Entwistle, Fashioned Body: Fashion, Dress, and Modern Social Theory, Cambridge, Polity Press (...)
  • 25 Gilles Lipovetsky, The Empire of Fashion: Dressing Modern Democracy, Catherine Porter (trad. angl.) (...)

19– Annamari Vänskä. Je pense que le progrès intervient à des rythmes et à des allures différentes selon les lieux. Il est vrai que, dans le monde (universitaire) anglophone, l’idée de performativité de genre de Butler noyaute la théorie contemporaine de la mode, mais je dirais que c’est le cas également là où les études de genre sont fortes en tant que discipline. Ces dernières favorisent l’égalité de genre et sont un outil dans la lutte contre la discrimination des femmes et des autres groupes marginalisés – or, dans ce sens, le genre est sans aucun doute une catégorie utile et importante, ou un prisme à travers lequel analyser les phénomènes sociaux. Le fait est que le genre est souvent l’une des premières choses auxquelles on pense (inconsciemment) lorsqu’on rencontre de nouvelles personnes. Joanne Entwistle a exprimé succinctement la même idée en affirmant que « le genre est le seul et unique facteur clé dans les pratiques vestimentaires24 », ce qui revient à dire que la fonction des vêtements est de produire du genre et de la différence de genre. Gilles Lipovetsky a également affirmé que l’opposition de genre dans l’habillement avait été le premier pas vers le système moderne de la mode25. Même si la mode a pour but de définir le style d’un moment donné, elle est toujours médiée par le corps – et, en tant que telle, par le genre aussi. Je pense que la mode – le corps habillé – est un lieu de théorie sociale et culturelle capital, très révélateur de nos façons d’appréhender l’être humain dans une culture ou une société donnée.

20– Marta Franceschini. Il est impossible d’éluder le débat sur les questions liées au genre dès lors que la recherche s’inscrit dans le domaine des études de mode ; la naissance même de cette discipline est arrivée avec la reconnaissance du fait que la mode est déterminante pour introduire des hiérarchies et pour instaurer (entretenir, voire exporter, si l’on pense à la colonisation) des structures de pouvoir. Dans mes recherches, je me suis particulièrement intéressée au lien entre l’émergence d’un système de la mode masculine en Italie et l’institution de modèles masculins nationaux (ou de masculinités nationales), et il m’a clairement fallu définir un cadre théorique entièrement neuf pour servir à l’analyse d’une époque et d’une géographie aussi particulières. De ce point de vue, je m’inscris dans le sillage d’Elena Dell’Agnese qui, dans son travail sur la construction de la masculinité italienne au regard de sa valeur géopolitique, a émis l’hypothèse de travail suivante :

  • 26 « Posto che consideriamo le mascolinità come una molteplicità di costruzioni, variamente stratifica (...)

Considérant les masculinités comme une multiplicité de constructions diversement analysables par strates de sens historique, social, géographique et culturel, précisons, pour avancer, que l’objectif est d’étudier le lieu où se croisent la masculinité en tant que construction et la nation en tant que récit, c’est-à-dire comment, et si, il est possible de décliner les différentes masculinités en fonction de définitions “nationales”26.

21Il est clair que les théories et les analyses établies dans le monde universitaire et muséal anglophone sont essentielles pour révéler toute l’urgence qu’il y a à aborder les questions liées au genre dans d’autres cadres, mais je pense qu’il ne faut pas perdre de vue qu’il est important d’adapter les méthodologies et d’accueillir les hypothèses ayant trait au sujet de la mode elle-même.

22– Philippa Nesbitt. L’accent mis sur le genre dans les études de mode a permis de penser la mode de manière dynamique, dans son histoire comme dans son actualité. C’est le cas notamment pour les influences de la masculinité, de la féminité et des identités non-binaires dans l’histoire et dans le monde contemporain de la mode. Envisager la mode au-delà de l’idée communément admise selon laquelle elle est ou a toujours été un domaine réservé aux femmes fait apparaître un potentiel très stimulant pour les études de mode, qui capte aujourd’hui une grande attention.

  • 27 Hélène Cixous, « The Laugh of the Medusa », dans Keith Cohen, Paula Cohen (trad. angl.), Signs, vol (...)
  • 28 Julia Kristeva, « Revolution in Poetic Language », dans Toril Moi (dir.), The Kristeva Reader, Oxfo (...)
  • 29 Paul Jobling, Philippa Nesbitt, Angelene Wong, Fashion, Identity, Image, Londres, Bloomsbury, 2022.

23C’est là une opportunité de renouveler nos approches des idées et des théories du genre, de la masculinité et de la féminité. Dans Fashion, Identity, Image, nous avons ainsi abordé, Paul Jobling, Angelene Wong et moi, les théories d’Hélène Cixous27 et de Julia Kristeva28 sur la vocalité, la chora sémiotique et « l’écriture féminine », pour soulever la question de savoir qui est en position d’écrire sur les femmes dans la mode et de quelle façon29. Nous nous sommes appuyés sur deux collections comme études de cas : « We Should All be Feminists » de Maria Grazia Chiuri (Dior printemps-été 2017), et « Widows of Culloden » d’Alexander McQueen (McQueen printemps-été 2006 ; fig. 2). Nous avons mis en évidence que les identités intersectionnelles des auteurs (en l’occurrence des créateurs de mode) peuvent compliquer l’acte d’autorité, et que l’autorité peut transcender les identités genrées. Cela ouvre de nouvelles perspectives sur l’histoire de la mode telle qu’elle a déjà été écrite.

2. Alexander McQueen, ensemble (robe en tartan de laine McQueen, haut en filet de soie couleur chair appliqué de dentelle noire, jupon en tulle de soie crème, ceinture en métal et cuir), collection « Widows of Culloden », automne-hiver 2006-2007.

2. Alexander McQueen, ensemble (robe en tartan de laine McQueen, haut en filet de soie couleur chair appliqué de dentelle noire, jupon en tulle de soie crème, ceinture en métal et cuir), collection « Widows of Culloden », automne-hiver 2006-2007.

© D. R.

  • 30 Jack Halberstam, Trans*: A Quick and Quirky Account of Gender Variability, Oakland, CA, University (...)
  • 31 Patricia Hill Collins, Sirma Bilge, Intersectionality, Cambridge, Polity Press, 2018 ; Kimberlé Cre (...)
  • 32 Ben Barry, Andrew Reilly, « Gender More: An Intersectional Perspective on Men’s Transgression of th (...)
  • 33 Barry, Reilly, 2020, cités n. 32, p. 133.

24La façon dont l’histoire de la mode a été écrite et analysée à ce jour est certes d’une grande valeur au regard de l’évolution des études de mode et de notre analyse des développements de la mode et du costume à travers les siècles. Mais nous avons maintenant le luxe de pouvoir regarder en arrière et ré-évaluer l’histoire de la mode avec une conscience approfondie d’autres facteurs en jeu – d’autres voix, cultures, races, classes, genres. Et la nécessité de dépasser les cadres existants du genre demeure. Jack Halberstam propose de penser le genre comme un continuum allant de la féminité à la masculinité, suivant une méthode qui transcende la pensée du seul corps physique mais inclut aussi l’influence des marqueurs d’identité concurrents30. Il précise que l’approche binaire masculin/féminin du genre repose sur une façon de penser eurocentrée. Or c’est ce binarisme même qui limite les façons de penser, d’étudier et d’aborder le genre dans les études de mode et dans les musées. Née de la pensée féministe noire, l’intersectionnalité met en évidence les manières dont les marqueurs d’identité comme le genre sont intimement liés à d’autres identités sociales comme la race, la classe et la sexualité31. L’analyse intersectionnelle permet d’enrichir la texture de notre conception de l’histoire de la mode. Appliquée dans un cadre féministe, elle peut être un moyen puissant de mieux appréhender les strates constitutives de la mode (et de son histoire). Ben Barry et Andrew Reilly ont fait une application cruciale de l’intersectionnalité en forgeant le concept de « gender more32 », qui renvoie aux combinaisons de signifiants de mode masculins et féminins à côté d’autres identités sociales pour « exprimer la multiplicité des significations et des manifestations du genre même33 ». C’est une manière puissante de penser le genre et son lien intime avec la mode, car elle souligne les complexités de l’incarnation personnelle qui font tout l’intérêt de la mode et de l’histoire du costume.

  • 34 Valerie Steele, The Corset: A Cultural History, New Haven, Yale University Press, 2001, et Nicole P (...)

25– Damien Delille. L’une des principales ambivalences de la mode analysée très tôt par Wilson porte sur la condition des femmes. Elle a été perçue par ses détracteurs comme un moyen de contrôle de leur corps, à l’instar des débats sur le corset, analysé par Valerie Steele, plus récemment sur le voile en France, par vous, Nicole Pellegrin34, ou bien encore, à travers les images sexistes, stéréotypées et normatives qui ont été véhiculées par les médias de mode passés et présents. Largement étudiées en France et dans les pays anglophones, ces questions sont souvent éludées dans les expositions monographiques sur des créateurs de mode, tandis que l’approche matérielle des apparences, depuis les études de Philippe Perrot et de Daniel Roche, tente de mieux contextualiser le rôle des femmes. Entre aliénation et émancipation, l’histoire de la mode peut-elle être envisagée sous un angle féministe et comment accompagne-t-elle les évolutions sociétales ? De quelle manière le contexte post #MeToo nous aide-t-il à repenser notre rapport au vêtement, à son histoire et aux récits qui lui sont associés ?

  • 35 Wilson, (1985) 2003, cité n. 4 ; eadem, The Sphinx in the City: Urban Life, the Control of Disorder (...)
  • 36 Richard Martin, « Il borghese rinnegato: dalla moda gay al look erotico », dans Grazietta Butazzi, (...)
  • 37 Maurizio Vaudagna, « Gli studi sul maschile: scopi, metodi e prospettive storiografiche », dans San (...)

26– Marta Franceschini. La littérature sur la mode, la culture matérielle et le féminisme est importante et se développe dans des perspectives critiques aussi bien qu’historiques. Les titres liés à l’étude de l’histoire culturelle de la mode depuis le milieu des années 1980 sont nombreux, surtout dans le domaine anglophone. Depuis des ouvrages devenus « classiques », comme Adorned in Dreams et The Sphinx in the City, d’Elisabeth Wilson, à Women and Fashion: A New Look, de Caroline Evans et Minna Thornton, ou Women and Things (1750-1950), le volume collectif dirigé par Maureen Daly Goggin et Beth Fowkes Tobin35, pour ne citer que quelques-uns de ceux qui me sont chers, cette littérature a poussé les spécialistes à explorer les replis de la matière et nous a permis de saisir combien le lien entre vêtements, identités féminines/féministes, et structures sociétales changeantes, avait toujours été à la fois complexe et particulier. L’une des caractéristiques les plus intéressantes de ces études (et de bien d’autres) est leur activisme : histoires recouvrées et écrites par des femmes affirmant l’importance de leur subjectivité pour lire et pour interpréter une période ou un phénomène. Il en va de même pour le commissariat de mode, en particulier à son heure de gloire : désir de rechercher, d’analyser et d’exposer des sujets négligés voire invisibilisés par la monolithique « Histoire » concoctée (politiquement aussi bien que culturellement et socialement) par les sources établies. La mode a en effet le potentiel de révéler des histoires cachées ainsi que de donner une tribune et de la visibilité à des communautés dont la présence a été asphyxiée par les récits hégémoniques. J’aimerais ajouter que c’est l’approche féministe de l’histoire de la mode qui a également ouvert la voie à l’étude des aspects culturels et sociaux de la mode masculine. Si ce domaine ne s’est pas encore développé, on n’en réévalue pas moins toute l’importance qu’il y a à étudier la mode masculine – « la grande histoire cachée de la vie moderne36 », selon le mot de Richard Martin – et, en voyant enfin les hommes « comme partialité, et donc comme relationalité37 », on peut vraiment saisir dans toutes ses nuances l’histoire mondiale accidentée qui nous a conduits là où nous en sommes, et mesurer ce que l’on peut légitimement exiger de la société.

  • 38 Lecture essentielle de Madeleine Pelletier, « L’Éducation féministe des filles » (1914), brochure r (...)
  • 39 À noter la tenue, du 3 au 5 mai 2023 à l’Université de Montréal et à l’Université du Québec à Montr (...)

27– Nicole Pellegrin. La nécessité d’une approche à la fois politique, matérielle (matérialiste ?) et psychologique des modes est évidente, comme le montrent vos questions. Je me contente de sélectionner certains éléments de réponse. Coupe, matériaux, accessoires, ourlets, durabilité, prix commencent à peine à être scrutés, grâce ou à cause d’une surproduction mondiale et d’une crise climatique généralisée. Les fondements idéologiques des modes et la contestation de celles-ci par des individus ou des groupes sont sans doute plus ignorés aujourd’hui qu’ils ne l’étaient aux xvie et xviie siècles. Les féministes des premières vagues notamment n’ont pas été suffisamment « considérées » dans leurs discours, comme dans leurs choix vestimentaires et autres mises en scène d’elles-mêmes38. La symbolique concertée de leurs manifestations publiques, toujours violemment caricaturée, mérite attention : tenues bourgeoises des pionnières, palette trichrome (blanc, vert et violet) des premières suffragettes (fig. 3), bandanas verts des hispanophones dans leur lutte pour le droit à l’avortement (fig. 4), pussy-hats controversés des anti-Trump, salopettes des Rosies sarthoises, torses nus des Femen, fausses barbes et vraies cravates de quelques femmes politiquement engagées, etc. Ces « uniformes » sont de mode. À noter qu’il faudrait revisiter les pseudo-libérations de « la » femme qu’auraient permis, avec l’abandon du corset (sous le Consulat ou au début du xxe siècle), les cheveux courts et le port du pantalon : elles n’ont longtemps concerné qu’une minorité de privilégiées et se sont accompagnées pour toutes de contraintes nouvelles (visites coûteuses chez le coiffeur, fréquentation de salles de sport, etc.). Des histoires individuelles des modes, celles que l’on porte au cours de sa vie et celles dont on rêve, permettraient de faire – enfin – émerger les jouissances propres aux jeux avec les modes. Jouissances, je dis bien jouissances, mais d’autres parleront de châtiments ! Un double domaine, encore peu exploré, malgré de superbes expositions canadiennes comme « Souffrir pour être belle » (Québec, musée de la Civilisation, 1988-1989) ou « Fashion Victims: The Pleasures and Perils of Dress in the 19th Century » (The Bata Shoe Museum in Toronto, 2016)39.

3. Anonyme, écharpe, vers 1910, satin de soie imprimé, Londres, Victoria and Albert Museum (T.20-1946).

3. Anonyme, écharpe, vers 1910, satin de soie imprimé, Londres, Victoria and Albert Museum (T.20-1946).

photo © Victoria and Albert Museum, London

4. Juan Solanas, Que sea ley/Femmes d’Argentine (affiche du documentaire), 2019, Argentine/France/Uruguay.

4. Juan Solanas, Que sea ley/Femmes d’Argentine (affiche du documentaire), 2019, Argentine/France/Uruguay.

© Juan Solanas

28– Annamari Vänskä. Il est vrai que le lien entre mode et féminisme n’est ni facile ni dénué de problèmes. Comme j’ai déjà eu l’occasion de le dire, Wilson a été l’une des premières, voire la première chercheuse féministe à identifier le potentiel de la mode pour l’émancipation des femmes. Dans les cours que je donne sur la mode et le féminisme, j’aime étudier les différentes étapes – ou « vagues » – de féminisme en lien avec la mode. Il est intéressant de remarquer que la mode n’est jamais bannie purement et simplement et que seuls certains styles le sont. Le mouvement des suffragettes – les « féministes de la première vague » – rejetait ainsi les corsets et autres vêtements restreignant la mobilité, érigés en symboles de l’oppression féminine. Il faisait au contraire l’apologie du vêtement ample et de la coupe masculine qui symbolisaient, à ses yeux, la libération des femmes : l’indépendance intellectuelle et économique, l’accès aux études, le droit de vote ou le droit de faire carrière. Comme la mode masculine touchait à tous ces droits, il ne sera guère surprenant que les féministes aient aussi adopté ces vêtements dans leur lutte pour l’égalité.

29Le Mouvement de libération des femmes dans les années 1960 – les « féministes de la deuxième vague » – attirait désormais l’attention sur l’inégalité entre les femmes et les hommes et sur la discrimination contre les femmes sur leur lieu de travail, et soulignait l’autonomie sexuelle des femmes ainsi que leur droit de décision sur leurs propres corps, d’où le slogan « le personnel est politique ». Les femmes au rang des activistes portaient désormais des vêtements tels que la minijupe et des bas pour exprimer leur liberté sexuelle – ouvrant la voie aux « slutwalks » qui, dans les années 2010, visaient à désamorcer la culture du viol, comme on l’a appelée, et notamment à condamner les reproches et le slut-shaming subis par les victimes d’agressions sexuelles. Elles faisaient ainsi des vêtements et des allures dites « de pute [slutty] » une arme politique pour dénoncer l’idée selon laquelle, pour éviter les agressions sexuelles, les femmes doivent s’habiller de telle ou telle manière et non pas « comme des putes [sluttily] ».

30Les post-féministes des années 1990 et du début des années 2000 – la « troisième vague » – souscrivaient désormais aux idées de Wilson et de Butler. La mode leur apparaissait comme un outil d’émancipation pouvant offrir aux femmes et aux jeunes filles la confiance en soi et l’autonomisation (« empowerment »). Elle leur apparaissait comme une « bonne » pratique pouvant offrir aux femmes la possibilité d’exploiter les stéréotypes, de parodier et de déconstruire les poncifs de la féminité. Elle leur apparaissait enfin comme une possibilité de redéfinir les femmes en tant que personnes déterminées, puissantes, et gardant le contrôle de leur sexualité. La série Sex and the City de HBO (1998-2004) – qui n’a pas vraiment bien vieilli à cause de son idéologie de la surconsommation – en offre un bon exemple. Elle n’a pas seulement popularisé de grands noms de la mode comme Jimmy Choo et Christian Louboutin, mais aussi érigé les chaussures et les sacs en importants moyens de faire exister cette nouvelle femme sûre d’elle-même du troisième millénaire.

  • 40 Susan B. Kaiser, Fashion and Cultural Studies, Londres, Berg, 2012.

31Enfin, les féministes intersectionnels ou post-race – la « quatrième vague » – ont mis en évidence qu’il n’y a pas un seul modèle de subjectivité de la mode mais qu’il y a de multiples subjectivités qui, comme l’a écrit Susan Kaiser, sont déterminées par divers statuts du sujet : nationalité, « race », ethnicité, classe, genre, sexualité, etc40. Les orientations de nombreux jeunes designers qui critiquent ouvertement le système de la mode et sa conception étroite du corps peuvent être envisagées dans cette perspective. Ils défendent une position précise sur la responsabilité sociale et culturelle de la mode, la non-discrimination et la diversité. Ces questions prennent une importance particulière du point de vue du genre de personnes et du genre de corps ciblés par la mode et utilisés à des fins de communication. On en trouve un exemple dans la mode finlandaise contemporaine avec Ervin Latimer. Dans sa collection Possibilities of Potential Selves (2020 ; fig. 5), lui qui se qualifie de « designer homosexuel à la peau brune », s’efforce de rompre la norme de la blanchité : il sollicite notamment des mannequins de différentes tailles et de différentes teintes de peau. Il joue aussi avec le concept de genre et remet en question les représentations sur les types de vêtements pour hommes, femmes, ou autres. Latimer prend par ailleurs position sur les normes physiques en créant des vêtements munis de cordes qui permettent de les ajuster à la forme du porteur.

5. Ervin Latimer, Possibilities of Potential Selves, installation issue de la collection 2020, exposée à Bruxelles, The Finnish Cultural Institute for the Benelux, à l’occasion du Antwerp Queer Arts Festival, du 7 au 14 août 2021.

5. Ervin Latimer, Possibilities of Potential Selves, installation issue de la collection 2020, exposée à Bruxelles, The Finnish Cultural Institute for the Benelux, à l’occasion du Antwerp Queer Arts Festival, du 7 au 14 août 2021.

© Ervin Latimer/photo © Forster Perelsztejn

  • 41 Vänskä, Hokka, Särmäkari, 2023, cité n. 9.

32Du point de vue du genre, les toutes récentes variations du lexique de la non-conformité au genre sont intéressantes. Ainsi les termes « genderless », « ungender » et « agender », que l’on entend souvent, semblent-ils tous dénoter une absence de genre. Apparus dans le contexte de la théorie queer et du féminisme intersectionnel, ils remettent en question le binarisme du genre et de la sexualité, reflétant les genres non binaires de même que la race et l’ethnicité tout en accordant de l’attention aux normes corporelles et aux intersections entre elles. Dans la création de mode, ces concepts peuvent se rapporter à n’importe quel habit non destiné à incarner ou à représenter un genre. Les créateurs de mode semblent ainsi suggérer qu’un vêtement n’a pas de genre, qu’il devient genré uniquement lorsqu’il entre en interaction avec le corps et que, dans ce cas-là, il peut recevoir des significations multiples et parfois conflictuelles. C’est une idée hautement intéressante sur laquelle je me penche – entre autres choses – avec Jenni Hokka et Natalia Särmäkari dans Intimacy41.

  • 42 Koa Beck, White Feminism: From the Suffragettes to Influencers and Who They Leave Behind, Londres, (...)

33– Philippa Nesbitt. Je trouve absurde d’aborder quoi que ce soit dans une perspective strictement féministe, souvent limitée dans les faits à celle du féminisme blanc. Ce type de féminisme privilégie l’activisme centré autour des réalités personnelles de la classe moyenne et maintient la supériorité de la blanchité et du capitalisme dans les récits de l’auto-émancipation et du succès individuel. Les gains individuels sont présentés comme (et assimilés à) des gains collectifs pour toutes les femmes, et tout ce qui sort de la vision cisgenre, blanche et classe moyenne d’un avenir féministe est relégué au statut de note de bas de page dans la lutte primordiale pour une vision blanche de « l’égalité ». La politique assimilationniste devient un moyen de survie pour des groupes défavorisés vivant dans un monde féministe blanc42. Ce type de discours, dominant dans tous les débats essentiels en dehors de la vision eurocentrée de l’histoire de la mode et de l’industrie dominante de la mode, passe à côté de facteurs nécessaires à une analyse adéquate.

  • 43 Djurdja Bartlett, « Can Fashion Be Defended? », dans Djurdja Bartlett (dir.), Fashion and Politics, (...)
  • 44 Kaiser, 2012, cité n. 40, p. 13.

34Djurdja Bartlett déclare dans Fashion and Politics : « Dans des circonstances culturelles et géopolitiques très différentes, les femmes ont négocié leur position en exploitant le cosmopolitisme de la mode pour perturber les récits nationalistes, conservateurs et religieux43. » Ainsi les débats sur le corset, le voile et le bikini en tant que vêtements d’oppression semblent-ils incomplets, car ces thèses sont souvent séparées des contextes socioculturels dans lesquels s’habillent les femmes. Dans le même ordre d’idées, il est impossible d’étudier les moments de la mode où la résistance féministe est directement concernée sans considérer leurs contextes respectifs, par exemple le pussy hat popularisé en 2016 sans tenir compte du climat sociopolitique ou de la démographie au sein desquels il est devenu populaire, ou les T-shirts « We Should All Be Feminists » de Maria Grazia Chiuri pour Dior (fig. 6) sans évoquer la dimension néolibérale d’un objet d’émancipation féministe à 1 000 dollars. Comme le dit bien Kaiser, il faut prendre en considération les « multiples complexités et contradictions associées à la mode et à la culture » et accepter qu’« aucun modèle unique, aucune image unique » ne peut refléter cette situation44. Il ne s’agit pas de minorer l’importance du féminisme pour aborder l’histoire de la mode, mais, là encore, de souligner la nécessité d’une approche intersectionnelle du féminisme.

6. Maria Grazia Chiuri, T-shirt « We Should All Be Feminists », collection « We Should All Be Feminists », printemps-été 2017 pour Christian Dior.

6. Maria Grazia Chiuri, T-shirt « We Should All Be Feminists », collection « We Should All Be Feminists », printemps-été 2017 pour Christian Dior.
  • 45 Elizabeth Wissinger, This Year’s Model: Fashion, Media, and the Making of Glamour, New York, New Yo (...)
  • 46 Jobling, Nesbitt, Wong, 2022, cité n. 29.
  • 47 Wissinger, 2015, cité n. 45, p. 21.
  • 48 La crip theory – concept introduit par Robert McRuer – entre en conflit direct avec l’idéologie qui (...)

35Dans ses recherches sur le mannequinat, Elizabeth Wissinger montre que les études habituelles sur cette industrie, dans un cadre strictement féministe qui met l’accent sur le patriarcat et le consumérisme, sont souvent réductrices en ce qu’elles passent à côté de circonstances historiques et culturelles particulières45. Dans mes propres recherches, hier sur les mannequins transgenres46 et aujourd’hui sur les mannequins handicapés, je poursuis son ambition de montrer que notre conception du corps est déterminée dans toutes ses modalités47. L’association de cadres féministes qui soulignent les conséquences des exigences patriarcales sur les corps des femmes à d’autres cadres théoriques, notamment la crip theory48, la queer theory et les théories de la communication, autorise une plus grande profondeur d’analyse, exposant les problèmes systémiques plus larges qui sont en jeu dans les expériences vécues des mannequins, et révélant les effets positifs comme négatifs des façons dont ils sont représentés dans le système contemporain de la mode.

36– Damien Delille. Envisager la mode comme vecteur d’identités multiples revient à poser la question des frontières du genre et de la sexualité. L’histoire de la mode s’est construite aussi à partir de ces dynamiques transgressives d’échanges et de dépassements des vestiaires que vous avez mentionnées, en lien avec le développement des études sur le genre. Nous assistons depuis une dizaine d’années à l’émergence de réflexions associées aux théories queer et à une vision militante de la mode qui croise d’autres enjeux sociétaux. Or, comme l’a révélé l’exposition qui a eu lieu au Museum at Fashion Institute of Technology de New York, « A Queer History of Fashion » co-organisée par Valerie Steele et Fred Dennis, en 2013, il peut s’avérer risqué de réduire la vision du vêtement à un symptôme identitaire et d’enfermer les créateurs et les consommateurs dans des catégories sociales trop restreintes. Quel rôle peut-on accorder aux identités non-binaires et aux mouvements LGBTQIA+ dans l’étude de la mode, de son industrie et de son histoire ? Quels nouveaux objets d’études retenez-vous de ces récits marginalisés de la mode, loin des défilés et des grands noms ?

  • 49 Rosemarie Garland-Thomson, « Misfits: A Feminist Materialist Disability Concept », Hypatia, vol. 26 (...)
  • 50 Ben Barry, Philippa Nesbitt, « Self-Fashioning Queer/Crip: Stretching and Grappling with Disability (...)

37– Philippa Nesbitt. Les communautés qui font l’expérience de la marginalisation sont parmi les plus créatives. Les personnes marginalisées se heurtent souvent naturellement aux attentes sociales car elles vivent dans un monde qui n’est pas fabriqué pour elles et qui tend systématiquement à les exclure, de sorte qu’elles doivent toujours trouver des moyens créatifs de survie. Le concept de « misfit » (« inadapté ») entre en résonance avec ces expériences de l’exclusion, évoquant à la fois pour la spécialiste en études sur le handicap Rosemarie Garland-Thomson une disjonction entre deux choses qui ne vont pas ensemble et les tentatives maladroites faites pour les « adapter »49. Il est utile en ce qu’il met au jour l’injustice et la discrimination liées aux attentes matérielles et socioculturelles du monde sans négliger les deux aspects de la question. Si ces identités de « misfit » peuvent entraîner la marginalisation et l’oppression, elles peuvent aussi engendrer la débrouillardise et de nouvelles identités politisées du fait d’une adaptation à des défis sociopolitiques50. L’application de ce concept au domaine de la mode laisse apparaître le fait que les identités marginalisées peuvent être visuellement instituées par des pratiques vestimentaires et inspirer des communautés et des subcultures.

  • 51 Hilary Davidson, « The Embodied Turn: Making and Remaking Dress as an Academic Practice », Fashion (...)

38Selon Hilary Davidson, les études de mode sont en train de prendre un « tournant incarné », les spécialistes intégrant désormais le savoir incarné, expérientiel, sur le vêtement ainsi que les manières dont l’expérience corporelle subjective peut améliorer l’histoire de la mode51. Il en va de même pour les explorations des systèmes et des pratiques de la mode contemporaine dans la vie quotidienne. Qui plus est, les études de mode valorisent l’interdisciplinarité, ce qui ouvre la voie à de stimulantes possibilités d’exploration d’autres domaines d’études et d’autres manières de penser la mode. La frontière entre études sur le handicap et études de mode est apparue comme une zone particulièrement féconde, les spécialistes analysant les identités handicapées intersectionnelles ainsi que l’influence de la mode et du vêtement sur l’expression de soi et l’incarnation.

  • 52 Kelly L. Reddy-Best, Dana Goodin, « QueerCrip Fashion in the Twenty-First Century: Sky Cubacub and (...)
  • 53 « Crip » est une réhabilitation du terme péjoratif, employé fièrement par de nombreux activistes et (...)
  • 54 McRuer, 2006, cité n. 48 ; Alison Kafer, Feminist, Queer, Crip, Bloomington/Indianapolis, MN, India (...)
  • 55 Barry, Nesbitt, 2022, cité n. 50.

39Kelly L. Reddy-Best et Dana Goodin étudient les intersections du handicap, du queer et de la grosseur dans la mode en appliquant un cadre théorique queer/crip52 qui, au croisement de la queer theory et de la crip theory53, montre bien que les impératifs d’hétérosexualité et d’aptitude physique vont de pair avec la normativité54. À titre d’exemple, elles évoquent la vie et l’œuvre du créateur de mode américain Sky Cubacub. Les designs personnalisés de Cubacub offrent aux personnes queer, grosses et handicapées, historiquement victimes d’effacement et d’oppression, une « visibilité radicale », allant à rebours des attentes sociétales qui exigent que ces corps restent cachés. J’ai travaillé avec Ben Barry sur son projet Cripping Masculinity55, et nous avons appliqué ce cadre théorique dans des entretiens sur leurs garde-robes avec des hommes handicapés et des personnes s’identifiant comme masculines vivant au Canada, dans le but d’étudier la façon dont elles modèlent leurs identités par leurs pratiques vestimentaires quotidiennes, à la fois en fonction et à rebours des attentes dominantes en matière de genre, de handicap et d’autres identités sociales. À partir de ce projet, nous avons créé une exposition intitulée « Cripping Masculinity: Designing Fashion Utopias » (Toronto, Tangled Art Gallery, 2023 ; fig. 7), qui présentait des corps handicapés et des pratiques de mode sans texte écrit académique, seulement par le biais des vêtements, de mannequins faits en impression 3D et de défilés de mode. Ce type de recherche illustre le potentiel de ce « tournant incarné » des études de mode pour dépasser les systèmes dominants dans l’industrie, avec leurs podiums et leurs créateurs stars, et pour exposer les réalités vécues de groupes effacés par ces systèmes mêmes.

7. Vue de l’exposition « Cripping Masculinity: Designing Fashion Utopias », Toronto, Tangled Art Gallery, du 10 mars au 12 mai 2023.

7. Vue de l’exposition « Cripping Masculinity: Designing Fashion Utopias », Toronto, Tangled Art Gallery, du 10 mars au 12 mai 2023.

photo © Philippa Nesbitt

40– Marta Franceschini. Révéler ces histoires est crucial pour le développement de cette discipline, ou plutôt de ce domaine en tant qu’ensemble et élargir la perspective de la recherche historique et de l’analyse culturelle influencera sans aucun doute la pratique – autrement dit le système de production – de la mode. La clé, ici, est à mon avis de diversifier les voix pour permettre aux communautés de ne pas se sentir aliénées voire exclues de la réflexion. Car l’identité est un élément tellement inévitable dès lors que l’on envisage la mode, de la conceptualisation à la production, à la communication et à la consommation, que l’on ne peut pas – que l’on ne doit pas – éluder l’analyse des nombreux modes d’expression de l’identité dans le monde de la mode. Dans la mesure, bien sûr, où l’on demeure fidèle et où l’on implique les voix pertinentes en leur permettant de raconter leurs histoires et de livrer leur interprétation, même lorsque celle-ci remet en question des sujets déjà spécifiquement historicisés…

  • 56 Mary Hamilton, Kathy Pitt, « Creativity in Academic Writing: Escaping from the Straitjacket of Genr (...)

41En qualité de chercheuse ayant reçu une formation académique, je peux dire que l’accumulation des savoirs et la diversification des formats – depuis les textes analytiques adressés à la communauté des chercheurs jusqu’aux grandes expositions et installations qui peuvent être appréciées par un public plus large, en passant par le recours aux médias et aux langages actuels pour laisser place à de nouveaux récits et à de nouvelles voix – sont des aptitudes difficiles à acquérir, surtout pour un chercheur évoluant dans un environnement traditionnel, mais que ces qualités sont cruciales dès lors que l’on souhaite illustrer une définition plus complète, moins restreinte, de ce que signifie « écrire la mode », en tant qu’activité créative holistique56. Écrire, ce n’est pas seulement communiquer des résultats de recherche sur le papier : on peut également passer par le langage des images ou par des objets tridimensionnels et leurs rapports avec l’espace qui les environne. La mode, en tant que sujet joyeusement multidisciplinaire, peut remettre en question les limites traditionnelles de la recherche académique.

42– Annamari Vänskä. Il est important de souligner que l’exposition du Museum at Fashion Institute of Technology que vous mentionnez a représenté une contribution essentielle en soulignant le rôle des groupes socialement marginalisés comme les minorités sexuelles et de genre dans la formation de la mode et des études de mode. Elle a également révélé toute l’énergie sexuelle qui sous-tend la création de mode. Il faudrait que la mode et les études de mode reconnaissent encore davantage les personnes LGBTQ+ et que les études de genre et sur la sexualité représentent une part importante de la formation à la création dans ce domaine. La mode est après tout une pratique incarnée ; si elle ne l’est pas seulement à travers le vêtement, c’est essentiellement par lui qu’elle se matérialise. Sa fonction est de donner forme à l’être humain et les créateurs de mode sont dans une position de pouvoir pour donner forme à l’être humain du futur.

43Il y a aujourd’hui beaucoup de sujets émergents : la mode et le corps gros, la mode et le corps valide, et toutes les formes d’intersectionnalité avec le genre, la sexualité, la classe, l’ethnicité. Il me semble par ailleurs que, comme la mode se numérise toujours davantage, les avatars deviendront pour nous de plus en plus importants. Il faut continuer à penser le genre de manière critique, même dans le cas où nous deviendrions des avatars avec des identités de genre virtuelles. Il faut engager toujours plus de collaborations avec des spécialistes dans d’autres domaines : non seulement des théoriciens du genre, mais aussi des développeurs de logiciels et d’autres experts en technologies de l’information et de la communication, en charge des progrès de l’intelligence artificielle. Il ne faut pas croire que l’on peut être n’importe qui dans le monde numérique du fait que celui-ci n’est pas restreint par les lois physiques de la réalité, car, malheureusement, tel n’est pas le cas. Il semblerait que nous ayons le don de reproduire les structures toxiques du monde réel dans le monde virtuel. Pour éviter cela, le premier pas consiste à développer une plus grande sensibilité aux préjugés, aux biais inconscients, aux manières de penser stéréotypées. Une fois que nous y serons parvenus, décortiquer et désamorcer ces courants de pensée et d’action problématiques sera bien plus facile.

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Notes

1 Pierre Bourdieu, La Distinction, Paris, Minuit, 1979 et Beverley Skeggs, Formations of Class and Gender: Becoming Respectable, Londres/New Delhi, Thousand Oaks/Sage, 1997. Se reporter à Pascal Barbier, Lucie Bargel, Amélie Beaumont et al., « Vêtement », dans Juliette Rennes (dir.), Encyclopédie critique du genre, Paris, La Découverte, 2016, p. 659-669.

2 James Laver, Modesty in Dress: An Inquiry into the Fundamentals of Fashion, Londres, Heinemann, 1969.

3 Sur l’éloge de l’anachronisme en histoire, voir le texte pionnier de Nicole Loraux (« Éloge de l’anachronisme en histoire », Le Genre humain, vol. 27, no 1, 1993, p. 23-39) et la réflexion approfondie en histoire de l’art de Georges Didi-Huberman (Devant le temps. Histoire de l’art et anachronisme des images, Paris, Minuit, 2000).

4 « [O]bsessed with gender, defines and redefines the gender boundary. » Elizabeth Wilson, Adorned in Dreams: Fashion and Modernity (1985), Londres, Tauris, 2003, p. 117. Voir aussi l’entretien qu’Elizabeth Wilson a accepté de nous accorder, « Relire Adorned in Dreams », infra, p. 141-150.

5 Voir en particulier les travaux de Françoise Piponnier, « Une révolution dans le costume masculin au xive siècle », dans Michel Pastoureau (dir.), Le Vêtement. Histoire, archéologie et symbolique vestimentaires au Moyen Âge, Paris, Éditions du Léopard d’or, p. 225-242, et Odile Blanc, Parades et parures. L’invention du corps de mode à la fin du Moyen Âge, Paris, Gallimard, 1997.

6 Les enjeux propres à ces périodes plus anciennes sont traités dans un autre débat du numéro : Margarita Gleba, Timothy McCall, Ulinka Rublack, Eiren Shea et Linda Welters, « Une mode avant la mode ? », infra, p. 33-58.

7 Wilson, (1985) 2003, cité n. 4, p. 246-247.

8 Judith Butler, Trouble dans le genre. Pour un féminisme de la subversion, Cynthia Kraus (trad. fr.), Paris, La Découverte, 2005 [éd. orig. : Gender Trouble: Feminism and the Subversion of Identity, New York, Routledge, 1990].

9 Shaun Cole, “Don We Now our Gay Apparel”: Gay Men’s Dress in the Twentieth Century, New York, Berg, 2000 ; Adam Geczy, Vicki Karaminas, Fashion and Art, Londres, Bloomsbury Publishing, 2013 ; Reina Lewis, Muslim Fashion: Contemporary Style Cultures, Durham, Duke University Press, 2015 ; Annamari Vänskä, Fashionable Childhood: Children in Advertising, Eva Malkki (trad. angl.), New York, Bloomsbury Academic, 2017 ; Annamari Vänskä, Jenni Hokka, Natalia Särmäkari, Intimacy: Embodied Knowledge, Creative Work and Digitalization in Contemporary Finnish Fashion, Aalto, Aalto University, 2023.

10 Marcel Mauss, « Les techniques du corps », Journal de Psychologie, vol. XXXII, nos 3-4, 1936 (communication présentée devant la Société de psychologie le 17 mai 1934).

11 Fred Davis, Fashion, Culture and Identity, Chicago, Chicago University Press, 1992.

12 Nicole Pellegrin, « Mode(s) », dans Michel Figeac (dir.), L’Ancienne France au quotidien. Vie et choses de la vie sous l’Ancien Régime, Paris, Armand Colin, 2007, p. 337-341 ; « Modes », dans Christophe Charle, Daniel Roche (dir.), L’Europe. Encyclopédie historique, Arles, Actes Sud, 2018, p. 493-495. Dans ce domaine, le détour par les dictionnaires et les pratiques linguistiques propres à des cultures différentes (celles de « la rue », comme celles des journalistes de modes) me paraît indispensable. En français, le mot « mode » désigne à la fois le vêtement d’une population donnée et le changement des normes vestimentaires, un processus donc, ayant un rythme, des causes, des mécanismes et des conséquences propres (Yves Delaporte, « Perspectives méthodologiques et théoriques dans l’étude du vêtement », L’Ethnographie, nos 92-93-94 : Vêtements et sociétés II, actes du colloque (Paris, CNRS, « Vers une anthropologie du vêtement », 9-11 mars 1983), 1984, p. 33-57, ici p. 34). J’appartiens à une tradition scientifique qui s’est nourrie, dès les années 1980, des méthodes fournies par l’anthropologie et la sémiologie pour mieux comprendre l’interaction entre code et mode, matérialités et symbolisme.

13 L’usage du concept de genre et la compréhension des faits qui y sont liés sont, nominativement, récents, mais les meilleures comme les plus banales des histoires du costume ont su dès le xvie siècle tenir compte d’un dimorphisme sexuel radical des pratiques de modes sans toutefois savoir l’imputer explicitement à une construction d’ordre politico-religieux.

14 Songeons au discours d’Aristophane dans Le Banquet de Platon et à ses reprises à la Renaissance, ainsi qu’à Freud et la bisexualité. Plus récemment : Edgar Haulotte, Symbolique du vêtement dans la Bible, Paris, Aubier, 1966 ; Patrick Mauriès, Androgyne. Une image de mode et sa mémoire/Androgyne: Fashion and Gender, Londres, Thames and Hudson, 2017 ; Linn Marie Tonstad, Théologie queer, Apolline Thomas (trad. fr.), Paris, Labor et Fides, 2023 [éd. orig. : Queer Theology: Beyond Apologetics, Eugene (Oregon), Cascade Books, 2018].

15 Voir les remarques pionnières de Michel Butor (« Mode et moderne », Change, no 4, 1969, p. 11-28) et les quinze contributions d’un numéro de la revue du Centre Pompidou, Traverses, no 3 : La Mode, 1976.

16 Yvonne Deslandres, Le Costume, image de l’homme, Paris, Albin Michel, 1976, illustré de dessins en noir et blanc. Yvonne Deslandres (1923-1986), diplômée de l’École des chartes et de l’École du Louvre, a succédé à François Boucher au sein de l’Union française des arts du costume (UFAC) et devient en 1983 conservatrice du musée des Arts de la mode. Symptomatique de ce tournant anthropologique, René-Yves Creston (Le Costume breton, Paris, Tchou, 1974) rompt, quant à lui, avec une vision fixiste et élitiste des modes régionales. Au même moment se multiplient les études sur le corps (squelette, façonnements divers, gestuelle) et son dressage par l’habit grâce aux travaux de Georges Vigarello, France Borel, David Le Breton, etc.

17 Christine Bard, Histoire politique du pantalon, Paris, Le Seuil, 2010.

18 Ibid. ; Roland Barthes, « Histoire et sociologie du vêtement », Annales. Économies, Sociétés, Civilisations, vol. 12, no 3, 1957, p. 430-441 ; idem, « Langage et vêtement », Critique, no 142, 1959, p. 242-252 ; Alison Matthews David, Elizabeth Semmelback, Fashion Victims: The Dangers of Dress Past and Present, cat. exp. (Toronto, Bata Shoe Museum, 2014-2016), Londres, Bloomsbury Publishing, 2015 ; Yves Delaporte, « Pour une anthropologie du vêtement », dans Monique de Fontanès, Yves Delaporte (dir.), Vêtement et Sociétés, Paris, Société des amis du musée de l’Homme, 1981, p. 3-13 ; Delaporte, 1984, cité n. 12 ; idem, « Mode et pauvreté : le bricolage de l’apparence chez des adolescents de la banlieue parisienne », L’Ethnographie, nos 92-93-94 : Vêtements et sociétés II, actes du colloque (Paris, CNRS, « Vers une anthropologie du vêtement », 9-11 mars 1983), 1984, p. 125-134 ; Louise Godard de Donville, Signification de la mode sous Louis XIII, Aix-en-Provence, Edisud, 1976 ; Valérie Guillaume (dir.), Mutations, mode (1960-2000), cat. exp. (Paris, palais Galliera – musée de la Mode et du Costume de la Ville de Paris, 1er avr. – 30 juill. 2000), Paris, Paris Musées, 2000 ; Eugénie Lemoine-Luccioni, La Robe. Essai psychanalytique sur le vêtement, Paris, Le Seuil, 1983 ; Jean-Thierry Maertens, Ritologiques, IV. Dans la peau des autres. Essai d’anthropologie des inscriptions vestimentaires, Paris, Aubier, 1978 ; Philippe Perrot, Les dessus et les dessous de la bourgeoisie. Une histoire du vêtement au xixe siècle, Paris, Fayard, 1981 ; Sylvie Steinberg, La Confusion des sexes. Le travestissement de la Renaissance à la Révolution, Paris, Fayard, 2000 ; Sarah Wilson, « Féminités-Mascarades », dans Féminimasculin. Le sexe de l’art, cat. exp. (Paris, Centre Georges-Pompidou, 24 oct. 1995 – 12 févr. 1996), Paris, Centre Georges-Pompidou, 1995, p. 291-302.

19 Pour exemple, le numéro de la revue Clio, vol. 2, no 10 : Christine Bard et Nicole Pellegrin (dir.), Femmes travesties : un mauvais genre ?, 1999.

20 Gilles Lipovetsky, L’Ère du vide. Essais sur l’individualisme contemporain, Paris, Gallimard, 1983 ; idem, L’Empire de l’éphémère. La mode et son destin dans les sociétés modernes, Paris, Gallimard, 1987 ; Daniel Roche, La Culture des apparences. Une histoire du vêtement (xviie-xviiie siècles), Paris, Fayard, 1989.

21 Voir notamment les études publiées annuellement par l’AFET (Association française d’étude des textiles, créée en 1994) et qui traitent conjointement de problèmes techniques, économiques, symboliques et autres, autour de thèmes comme les bordures, les fleurs, les tabliers, le défaut, la lumière, etc.

22 Apparences a été créée à l’institut de recherches historiques du Septentrion (IRHIS, UMR 8529, université de Lille/CNRS) et est aujourd’hui publiée par l’université Rennes 2 (unité de recherche Tempora) ; Modes pratiques a été créée et est soutenue depuis 2015 par l’école Duperré, l’IRHIS et, depuis 2019, par le laboratoire InVisu (CNRS-INHA).

23 Je pense aux palais Galliera, musée de l’Homme, Musée des arts décoratifs à Paris, Centre national du costume de scène à Moulins, musée de la Chemiserie et de l’Élégance masculine à Argenton-sur-Creuse, sans compter les innombrables musées d’arts et traditions populaires, tous riches de collections textiles. La liste n’est pas exhaustive, mais le genre, s’il est partout présent, n’est pas toujours réellement affronté. Une exception notoire : Denis Chevallier, Aude Fanlo, Au bazar du genre. Féminin/masculin en Méditerranée, cat. exp. (Marseille, Musée des civilisations de l’Europe et de la Méditerranée, 7 juin 2013 – 6 janv. 2014) Marseille/Paris, MUCEM/Textuel, 2013.

24 Joanne Entwistle, Fashioned Body: Fashion, Dress, and Modern Social Theory, Cambridge, Polity Press, 2000, p. 52 (nous soulignons).

25 Gilles Lipovetsky, The Empire of Fashion: Dressing Modern Democracy, Catherine Porter (trad. angl.), Princeton, NJ, Princeton University Press, 1994 [éd. orig. : Lipovetsky, 1987, cité n. 20].

26 « Posto che consideriamo le mascolinità come una molteplicità di costruzioni, variamente stratificabili in senso storico, sociale, geografico, e culturale, avanziamo nel nostro percorso specificando che l’obiettivo è quello di esaminare la particolare intersezione fra la mascolinità come costruzione e la nazione come narrazione, vale a dire come, e se, è possibile coniugare la differenziazione delle diverse mascolinità secondo termini “nazionali” ». Elena Dell’Agnese, « Tu vuo’ fa l’Americano: la costruzione della mascolinità nella geopolitica popolare italiana », dans Elena Dell’Agnese, Elisabetta Ruspini (dir.), Mascolinità all’italiana. Costruzioni, narrazioni, mutamenti, Turin, Utet Libreria, 2007, p. 3-34.

27 Hélène Cixous, « The Laugh of the Medusa », dans Keith Cohen, Paula Cohen (trad. angl.), Signs, vol. 1, no 4, 1976, p. 875-893 [éd. orig. : « Le Rire de la Méduse », L’Arc, 1975, p. 39-54].

28 Julia Kristeva, « Revolution in Poetic Language », dans Toril Moi (dir.), The Kristeva Reader, Oxford, Basil Blackwell, 1986, p. 89-136 [éd. orig. : La Révolution du langage poétique, Paris, Le Seuil, 1974].

29 Paul Jobling, Philippa Nesbitt, Angelene Wong, Fashion, Identity, Image, Londres, Bloomsbury, 2022.

30 Jack Halberstam, Trans*: A Quick and Quirky Account of Gender Variability, Oakland, CA, University of California Press, 2018.

31 Patricia Hill Collins, Sirma Bilge, Intersectionality, Cambridge, Polity Press, 2018 ; Kimberlé Crenshaw, « Mapping the Margins: Intersectionality, Identity Politics, and Violence against Women of Color », Stanford Law Review, vol. 43, no 6, 1991, p. 1241-1299 [DOI : https://doi.org/10.2307/1229039] ; The Combahee River Collective Statement (1977), United States, 2015, Web Archive [URL : https://www.loc.gov/item/lcwaN0028151/].

32 Ben Barry, Andrew Reilly, « Gender More: An Intersectional Perspective on Men’s Transgression of the Gender Dress Binary », dans idem (dir.), Crossing Gender Boundaries: Fashion to Create, Disrupt and Transcend, Bristol, Intellect, 2020, p. 120-136. Voir aussi Éléonore Lépinard, Sarah Mazouz, Pour l’intersectionnalité, Paris, Anamosa, 2021.

33 Barry, Reilly, 2020, cités n. 32, p. 133.

34 Valerie Steele, The Corset: A Cultural History, New Haven, Yale University Press, 2001, et Nicole Pellegrin, Voiles. Une histoire du Moyen Âge à Vatican II (2017), Paris, CNRS éditions, 2022.

35 Wilson, (1985) 2003, cité n. 4 ; eadem, The Sphinx in the City: Urban Life, the Control of Disorder, and Women, Berkeley, University of California Press, 1992 ; Caroline Evans, Minna Thornton (dir.), Women and Fashion: A New Look, Londres, Quartet, 1989 ; Maureen Daly Goggin, Beth Fowkes Tobin (dir.), Women and Things (1750-1950): Gendered Material Strategies, Farnham, Ashgate, 2009.

36 Richard Martin, « Il borghese rinnegato: dalla moda gay al look erotico », dans Grazietta Butazzi, Alessandra Mottola Molfino (dir.), Virilità e trasgressione, Novara, Istituto geografico De Agostini, 1992.

37 Maurizio Vaudagna, « Gli studi sul maschile: scopi, metodi e prospettive storiografiche », dans Sandro Bellassai, Maria Malatesta (dir.), Genere e mascolinità, uno sguardo storico, Bologne, Bulzoni Editore, 2000, p. 14.

38 Lecture essentielle de Madeleine Pelletier, « L’Éducation féministe des filles » (1914), brochure rééditée dans L’Éducation féministe des filles ; Le Droit à l’avortement ; La Femme en lutte pour ses droits, la tactique féminine ; Le Droit au travail pour la femme, Claude Maignien (éd.), Paris, Syros, 1978 : on en trouve des extraits et une bibliographie dans Nicole Pellegrin, Écrits féministes de Pizan à Beauvoir. Une anthologie, Paris, Flammarion, 2010.

39 À noter la tenue, du 3 au 5 mai 2023 à l’Université de Montréal et à l’Université du Québec à Montréal, d’un colloque international intitulé « Vêtir, faire et briser les corps : regards interdisciplinaires sur la matérialité vestimentaire », sous la direction de Liza Petiteau et Anne Létourneau. Les interventions ont porté sur la tache et l’usure, le poids des bures, l’élégance des prothèses, le sacré des jupes bibliques, les solidarités féministes textiles, etc. Voir aussi David, Semmelback, 2015, cité n. 18.

40 Susan B. Kaiser, Fashion and Cultural Studies, Londres, Berg, 2012.

41 Vänskä, Hokka, Särmäkari, 2023, cité n. 9.

42 Koa Beck, White Feminism: From the Suffragettes to Influencers and Who They Leave Behind, Londres, Simon and Schuster, 2022.

43 Djurdja Bartlett, « Can Fashion Be Defended? », dans Djurdja Bartlett (dir.), Fashion and Politics, New Haven, Yale University Press, 2019, p. 17-60, ici p. 22.

44 Kaiser, 2012, cité n. 40, p. 13.

45 Elizabeth Wissinger, This Year’s Model: Fashion, Media, and the Making of Glamour, New York, New York University Press, 2015, p. 20.

46 Jobling, Nesbitt, Wong, 2022, cité n. 29.

47 Wissinger, 2015, cité n. 45, p. 21.

48 La crip theory – concept introduit par Robert McRuer – entre en conflit direct avec l’idéologie qui considère le handicap comme une identité faible et le traite comme un lieu social incarné plutôt que comme une condition pathologique. Elle en appelle à une rupture avec les histoires de l’oppression sociale et politique et/ou de l’élimination des personnes handicapées, incitant à penser le handicap comme désirable. Elle rejette ainsi les croyances essentialistes sur le handicap, et revendique une ouverture vers les façons dont l’activisme en faveur des personnes handicapées peut revenir à construire le monde de manière critique. Voir Robert McRuer, Crip Theory: Cultural Signs of Queerness and Disability, New York, New York University Press, 2006.

49 Rosemarie Garland-Thomson, « Misfits: A Feminist Materialist Disability Concept », Hypatia, vol. 26, no 3, 2011, p. 591-609 [DOI : https://doi.org/10.1111/j.1527 -2001.2011.01206.x, 593].

50 Ben Barry, Philippa Nesbitt, « Self-Fashioning Queer/Crip: Stretching and Grappling with Disability, Gender and Dress », Fashion, Style and Popular Culture, vol. 10, no 1-2 : 10th Anniversary Special Issue, Queer Style and Porn Chic, 2022 [DOI : https://doi.org/10.1386/fspc_00140_1].

51 Hilary Davidson, « The Embodied Turn: Making and Remaking Dress as an Academic Practice », Fashion Theory, vol. 23, no 3, 2019, p. 329-362 [DOI : https://doi.org/10.1080/1362704x.2019.1603859].

52 Kelly L. Reddy-Best, Dana Goodin, « QueerCrip Fashion in the Twenty-First Century: Sky Cubacub and the QueerCrip Dress Reform Movement », Clothing Cultures, vol. 5, no 3, 2018, p. 333-357 [DOI : https://doi.org/10.1386/cc.5.3.333_1].

53 « Crip » est une réhabilitation du terme péjoratif, employé fièrement par de nombreux activistes et spécialistes du handicap.

54 McRuer, 2006, cité n. 48 ; Alison Kafer, Feminist, Queer, Crip, Bloomington/Indianapolis, MN, Indiana University Press, 2013.

55 Barry, Nesbitt, 2022, cité n. 50.

56 Mary Hamilton, Kathy Pitt, « Creativity in Academic Writing: Escaping from the Straitjacket of Genre? », dans Awena Carter, Theresa Lillis, Sue Parkin (dir.), Why Writing Matters: Issues of Access and Identity in Writing Research and Pedagogy (2009), Amsterdam, John Benjamins, 2019, p. 62.

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Table des illustrations

Titre 1a-b. James Laver, Modesty in Dress: An Inquiry into the Fundamentals of Fashion (première et quatrième de couverture), Londres, Heinemann, 1969.
Crédits © D. R.
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Titre 2. Alexander McQueen, ensemble (robe en tartan de laine McQueen, haut en filet de soie couleur chair appliqué de dentelle noire, jupon en tulle de soie crème, ceinture en métal et cuir), collection « Widows of Culloden », automne-hiver 2006-2007.
Crédits © D. R.
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Titre 3. Anonyme, écharpe, vers 1910, satin de soie imprimé, Londres, Victoria and Albert Museum (T.20-1946).
Crédits photo © Victoria and Albert Museum, London
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Titre 4. Juan Solanas, Que sea ley/Femmes d’Argentine (affiche du documentaire), 2019, Argentine/France/Uruguay.
Crédits © Juan Solanas
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Titre 5. Ervin Latimer, Possibilities of Potential Selves, installation issue de la collection 2020, exposée à Bruxelles, The Finnish Cultural Institute for the Benelux, à l’occasion du Antwerp Queer Arts Festival, du 7 au 14 août 2021.
Crédits © Ervin Latimer/photo © Forster Perelsztejn
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Titre 6. Maria Grazia Chiuri, T-shirt « We Should All Be Feminists », collection « We Should All Be Feminists », printemps-été 2017 pour Christian Dior.
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Titre 7. Vue de l’exposition « Cripping Masculinity: Designing Fashion Utopias », Toronto, Tangled Art Gallery, du 10 mars au 12 mai 2023.
Crédits photo © Philippa Nesbitt
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Pour citer cet article

Référence papier

Damien Delille, Marta Franceschini, Philippa Nesbitt, Nicole Pellegrin et Annamari Vänskä, « La mode à l’épreuve du genre »Perspective, 2 | 2023, 59-78.

Référence électronique

Damien Delille, Marta Franceschini, Philippa Nesbitt, Nicole Pellegrin et Annamari Vänskä, « La mode à l’épreuve du genre »Perspective [En ligne], 2 | 2023, mis en ligne le 01 janvier 2024, consulté le 20 février 2024. URL : http://journals.openedition.org/perspective/29918 ; DOI : https://doi.org/10.4000/perspective.29918

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Auteurs

Damien Delille

Historien de l’art et de la mode, Damien Delille est maître de conférences en histoire de l’art contemporain à l’université Lumière – Lyon 2. Ses publications portent sur les arts et cultures visuelles au tournant du xxe siècle et dans les pratiques contemporaines, à partir des intersections entre les études de genre et des masculinités, les théories queer et l’histoire des sexualités.

Articles du même auteur

Marta Franceschini

Historienne du design et chercheuse, titulaire d’un doctorat de l’Università IUAV di Venezia, Marta Franceschini a collaboré à plusieurs expositions, dont « Fashioning Masculinities: The Art of Menswear » (Londres, Victoria and Albert Museum, 2022) et « Italiana: Italy through the Lens of Fashion (1971-2001) » (Milan, Palazzo Reale, 2018). Ses travaux portent sur l’histoire de la mode masculine, la culture matérielle, les méthodologies de recherche et la conservation. Elle a collaboré avec les archives des marques Versace et Zegna, et a contribué à la création des archives numériques de Giorgio Armani à Armani/Silos.

Philippa Nesbitt

Philippa Nesbitt est doctorante en communication et culture à la Toronto Metropolitan University. Ses recherches sur les représentations et les expériences des mannequins dans l’industrie de la mode mondiale contemporaine envisagent la mode comme un outil de changement social. Animée d’une passion pour la justice sociale, pour les groupes de défense et pour la représentation, elle est engagée dans l’avancement de la justice intersectionnelle par le biais de la mode.

Nicole Pellegrin

Nicole Pellegrin, historienne et anthropologue de la construction vestimentaire du genre, a enseigné, dès la fin des années 1970 en France, en Côte d’Ivoire et aux états-Unis. Elle a, entre autres, travaillé sur les formes anciennes du réemploi textile, « le vêtement comme fait social total », le genre icono-littéraire des recueils d’habits, les garde-robes et les « costumes » des révolutionnaires français de 1789, la lente féminisation des travaux d’aiguille, les femmes travesties, les marquages régionaux, les mouchoirs (de nez, de cou et de tête), les tabliers et les voiles masculins et féminins, les modes monastiques ou encore le chapeau dans la haute couture contemporaine.

Annamari Vänskä

Annamari Vänskä est professeure au département de design de Aalto University. Ses recherches portent sur la mode et la culture visuelle, en particulier sur les médias, la publicité, et la conservation de la mode du point de vue des études de genre, de la théorie queer et du posthumanisme. Elle a notamment reçu le titre de « Docent of the Year » pour sa recherche, son enseignement et son impact sur la société et, la même année, la « Scientific Book of the Year Honorary Mention » (2013) pour Muodikas lapsuus – lapset mainoskuvissa (Helsinki, Gaudeamus, 2012), une monographie sur l’enfance et la mode et les enfants dans les images publicitaires.

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