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Débats

Vers une histoire globale de la mode

Un débat entre BuYun Chen, Beverly Lemire et Lucy Norris mené par Christopher Breward et Giorgio Riello
Christopher Breward, BuYun Chen, Beverly Lemire, Lucy Norris et Giorgio Riello
Traduction de François Boisivon
p. 99-122

Texte intégral

1L’étiquette « globale » s’applique désormais à des champs aussi différents que l’éducation, la communication et l’environnement. La mode est d’addition récente, alors que ce que veut dire ou revendiquer la notion de « mode globale » n’a rien d’évident. Cette conversation entre cinq chercheuses et chercheurs qui travaillent à l’intersection de la mode, de l’histoire, des études muséales, des études régionales, de l’anthropologie et de l’ethnographie n’a pas pour objectif de définir la mode globale, mais plutôt de considérer – globalement – son domaine de définition ou ses attributions au cours du temps. Au cours des trente dernières années, la mondialisation a créé une arène mondiale de la mode – non seulement comme une forme de communication de masse et d’expression transculturelle, mais aussi en tant qu’industrie, qui emploie à grande échelle une main-d’œuvre spécialisée ou non, et en tant que pratique culturelle et artistique. Néanmoins, le discours de la mondialisation (associé à une prédominance de l’Occident) masque les processus à long terme au sein desquels la mode a joué un rôle au niveau global.

2La recherche récente, notamment les contributions des chercheuses réunies pour cette conversation, affirme la nécessité d’articuler des histoires de la mode au-delà des récits classiques de la modernité et de la modernisation, qui se sont constitués lors des transitions entre anciens régimes et sociétés libérales démocratiques (ou dictatoriales) aux xixe et xxe siècles. Les révolutions politiques et économiques (industrielles) d’Amérique et d’Europe ont servi de cadre aux histoires de la mode, qui ont mis en avant l’action et l’agentivité des producteurs (de la haute couture à la fast fashion) et des consommateurs occidentaux (des élites aux masses et aux jeunes). Un programme global d’histoire de la mode sera donc nécessairement critique envers ces modèles explicatifs et cherchera, dans le même temps, à mettre en mots des histoires de la mode à dimension planétaire qui ne négligent pas l’importance du local, des particularités culturelles et des asymétries de pouvoir.

3Nous croyons surtout qu’une histoire globale de la mode devrait s’efforcer de répondre à trois problèmes : tout d’abord, elle devrait s’écarter des histoires diffusionnistes qui considèrent que les idées, les styles et les modes, dans leur singularité, ne peuvent être attribués qu’à une seule culture, une seule région du monde (le plus souvent l’Europe) avant de se diffuser, plus tard, dans les autres régions. L’histoire de la consommation et de la culture matérielle – par exemple l’histoire de l’alimentation ou celle du design – a montré la participation des processus interactifs d’hybridation, de traduction, de négociation et d’adaptation aux intrications matérielles et sociales qui entrent souvent en jeu au niveau global. Les histoires globales récentes ont rappelé non seulement les origines non européennes des tissus de coton ou de soie, mais aussi les échanges de techniques, de connaissances et de biens matériels au niveau global.

  • 1 Pour une discussion de cette question, voir Margarita Gleba, Timothy McCall, Ulinka Rublack, Eiren (...)

4L’exemple des textiles met en avant un deuxième point important : les histoires globales contribuent à étendre la trame chronologique du récit de la mode jusqu’à la période moderne (vers 1400 – 1800), sinon jusqu’au monde antique1. En désolidarisant la mode du récit de la croissance industrielle et de la gloire coloniale occidentales, on parvient à retrouver des processus plus longs, qui remontent à la « première mondialisation », quand les grands empires terriens (en Chine, en Asie du Sud et aux Amériques) avaient autant d’importance que les empires maritimes (portugais, danois, français, anglais et écossais) – notamment du xvie siècle au xviiie siècle. Les plumes du Brésil et le castor d’Amérique du Nord devinrent partie intégrante de la notion de mode chez les élites dans l’Europe des xvie et xviie siècles. Durant la même période, les Européens introduisirent au Japon les nouvelles modes namban.

5Troisièmement, les histoires globales de la mode sont un antidote aux histoires trop restreintes qui voient la mode à l’aune des traditions nationales. Les recherches sur la mode menées localement ou au niveau national ont eu une énorme importance quand il s’agissait de plonger dans les archives, dans les réserves des musées et dans les collections locales de matériaux allant du livre de compte au croquis en passant par la publicité. Souvent publiées en langue nationale et destinées à un lectorat national, elles ont toutefois renforcé des histoires concurrentielles, d’isolement ou, inversement, de conquête. Ce faisant, elles ont maintenu dans l’ombre des histoires plus connectées, des contributions et des vies transnationales, et négligé l’importance des forces supranationales comme le colonialisme et l’impérialisme.

  • 2 Voir, notamment, les projets « Empire, Slavery and Scotland’s Museums », Museum Galleries Scotland (...)

6Ce dernier point est particulièrement pertinent car il nous permet de définir le mot « global ». L’histoire globale tend vers une histoire qui connecte plus qu’elle ne divise les peuples du monde. Elle traduit de ce fait des récits élargis, qui formulent une critique du passé colonial de la plupart des nations européennes. La mode n’a embrassé que lentement, si ce n’est à contrecœur, les perspectives et les méthodologies postcoloniales récentes. Les institutions publiques – écoles, universités, musées – ont entrepris, dans le monde occidental et au-delà, de décoloniser leurs enseignements, leurs expositions, leurs publications et leurs façons d’intervenir dans l’espace public2. Cela signifie, fondamentalement, que les nombreux legs de la puissance et de la domination européenne au cours des derniers siècles doivent être soumis à l’analyse. Cela signifie aussi que les voix, la puissance d’agir et les contributions des acteurs non européens doivent réintégrer des récits historiques dont le caractère inclusif dépasse largement les frontières nationales. Des débats et des mouvements de protestation plus récents, comme le mouvement Black Lives Matter, ont montré que le projet décolonial ne concerne pas seulement l’intégration ou la reconnaissance de l’altérité. Il nécessite de reformuler valeurs, principes et idées au sein même des nations.

  • 3 Voir Stuart Hall, Tony Jefferson (dir.), Resistance Through Rituals: Youth Subcultures in Post-War (...)

7Certes, les récents débats concernant l’identité ne sont pas nouveaux lorsqu’il s’agit de la mode et de sa puissance d’agir sur le monde. De la fin des années 1960 au début des années 1980, les chercheurs et chercheuses en études culturelles en Europe et aux États-Unis se sont de plus en plus intéressés aux subcultures, développant une attention aux corps et aux façons de se vêtir de communautés, de cultes marginalisés, dans leurs relations tendues avec la société de consommation ordinaire3. Dans les dernières décennies du xxe siècle, ces centres d’intérêt partagés par les chercheuses et chercheurs en sociologie, en histoire sociale, en histoire de l’art et du design, ou encore par les spécialistes des médias et les linguistes, se sont étendus aux médias populaires et à la société de consommation en elle-même. Cette évolution s’est faite à la faveur d’un tournant culturel dans la recherche, qui considérait désormais la consommation (notamment la mode) comme un facteur de construction de l’identité – singulièrement chez les femmes et les minorités raciales. Parallèlement à l’essor des technologies de la communication, en particulier de l’Internet et du téléphone mobile, les élites du « premier monde » ont introduit dans leur discours les approches théoriques du post-modernisme et du post-structuralisme.

8Néanmoins, ces analyses et ces recherches demeuraient pour l’essentiel cantonnées à des terrains choisis dans les cultures urbaines et métropolitaines d’Europe et d’Amérique du Nord. À quoi s’ajoutaient non seulement la difficulté de reconnaître que le caractère libérateur et performatif de la mode s’appuyait sur l’existence au niveau mondial de réseaux de production inégaux mais aussi la négligence où étaient tenus les attitudes ou comportements connexes et parallèles des producteurs et des consommateurs de mode en dehors des métropoles d’Amérique du Nord et d’Europe. Les mégalopoles des nations africaines et d’Asie du Sud-Est, par exemple, étaient dorénavant beaucoup plus étroitement reliées, grâce aux réseaux sociaux et aux cycles de l’information en continu.

  • 4 Voir, par exemple, Joanne B. Eicher (dir.), Dress and Ethnicity: Change Across Space and Time, Oxfo (...)

9Avec l’effondrement du partage des valeurs de vérité et de la notion d’identités sociales singulières, la culture de la mode en notre époque mondialisée et globalisée requiert peut-être des approches post-identitaires et post-régionales. De fait elle pourrait exiger de revenir plus rigoureusement à la prise en compte des précédents historiques et à leurs développements sur la longue durée. Secoués par le contrecoup des chocs pandémique et financier, c’est ce retour que nous voyons à l’œuvre dans le contexte de remise en cause de l’ancienne hiérarchie des capitales mondiales – ou censées l’être – de la mode, dont certaines occupaient depuis le xxe siècle une position dominante. L’axe des études de mode et de l’écologie de la mode tournait auparavant autour du concept de grands centres de la mode – dont Paris, New York, Londres et, plus tard, Tokyo et Shanghaï –, où la mode de luxe était fabriquée, promue et montrée. Aujourd’hui, l’idée d’une ville de mode qui se restreindrait aux anciennes places fortes financières et aux destinations traditionnelles du tourisme mondial semble surannée, et très xxe siècle. Là où les villes d’Europe occidentale et de la côte est des États-Unis revendiquaient autrefois la primauté en matière de mode, elles semblent provinciales et fauchées. L’histoire, à cet endroit, n’est pas linéaire. Comme nous le rappelle la littérature anthropologique4, les traditions populaires d’Europe de l’Est, de Scandinavie, du Pacifique Sud ou d’Amérique latine sont tout autant fondées à revendiquer leur créativité et leurs pratiques novatrices de construction des identités – et leur marque profonde sur les histoires globales.

10On pourrait étendre à la dimension temporelle ces évolutions de la géographie, en affirmant que chaque époque produit sa propre histoire. Le fait que les récits globaux poursuivent le double objectif d’expliquer le passé et d’analyser un avenir de plus en plus incertain n’a rien, en ce monde de plus en plus connecté, d’un hasard. Aujourd’hui, l’immense majorité de ce que nous portons (de ce que portent les huit milliards d’humains de la planète) est fabriquée en dehors du monde occidental. Ainsi la Chine a-t-elle produit, en 2021, plus de 12 milliards de paires de chaussures (moins que les 15,7 milliards de 2014, mais l’équivalent tout de même d’une paire et demie par personne pour toute la population de la planète), soit la moitié de la production mondiale5. Ces chiffres sont impressionnants. Les pays asiatiques sont les nouveaux ateliers du monde, tandis qu’un Occident de plus en plus désindustrialisé est devenu importateur et consommateur net. Des villes de mode comme Milan, Paris, Londres ou New York ne maintiennent qu’une production de haute couture à petite échelle, alors qu’elles apportent une bonne part de la valeur créative, commerciale et promotionnelle. En revanche, les immenses usines, qui ont tout de la prison, installées en Asie de l’Est, dans certains pays d’Afrique, au Moyen-Orient et en Amérique latine, crachent des millions, parfois des milliards de vêtements. Aujourd’hui, nous prenons la mesure des conséquences sociales et environnementales d’échelles de production aussi massives, qui se soldent par l’épuisement des ressources naturelles (de l’eau notamment, indispensable à la production des fibres naturelles), par la pollution, localisée ou non (qu’il s’agisse de produits chimiques déversés dans les rivières ou d’émissions de CO2) et par l’exploitation de la main-d’œuvre (dans les grandes manufactures, bien sûr, mais aussi dans de petites communautés isolées qui produisent des ressources rares). Toutes questions qui doivent encore être abordées en profondeur par les historiens de la mode, que ce soit au niveau local, national ou mondial.
[Christopher Breward et Giorgio Riello]

11 Christopher Breward et Giorgio Riello. L’histoire de la mode s’est longtemps écrite comme une histoire européenne dans laquelle les autres parties du monde ne jouaient que le rôle de producteurs de matières premières et, éventuellement, de consommateurs de la mode occidentale – voire de mondes dépourvus en eux-mêmes de mode. Pourquoi, à votre avis, en a-t-il été ainsi ? Pourquoi le récit eurocentrique de la mode a-t-il persisté si longtemps dans les études académiques ?

  • 6 Pour la Chine du xxe siècle, voir Eileen Chang, « Chinese Life and Fashions », XXth Century, vol. 4 (...)

12 BuYun Chen. Je crois qu’il faut d’abord, pour répondre à cette question, déterminer quel ensemble ou système académique a produit avec tant de persévérance cette histoire eurocentrique de la mode. Et c’est évidemment aux universités et à la recherche euro-étasuniennes qu’on pense. C’est là que la généalogie du concept et l’histoire du phénomène ont formé les plus grands récits de l’exceptionnalisme européen et états-unien (sans compter les prétentions de l’Occident à l’invention de la modernité). Au début du xxe siècle, la revendication du statut unique de la mode en Occident, concomitante à la perception de son absence en dehors de l’Occident, est devenue prégnante. Ce point de vue a été accepté par des intellectuels non occidentaux, dont beaucoup avaient adopté le regard occidental. Ces mêmes penseurs ont aussi contribué aux discours locaux et globaux qui faisaient du vêtement et de la mode des marqueurs de la propension au changement d’une société – voire des indicateurs de la modernité elle-même6. L’histoire de la mode illustre donc bien les relations de pouvoir qui ont mis ces idées en circulation et qui ont maintenu les hiérarchies coloniales de production du savoir bien au-delà de la période postcoloniale.

13 Lucy Norris. J’entre dans cette conversation comme quelqu’un qui a d’abord suivi un double cursus d’anthropologie et d’histoire européenne, a travaillé dans un musée, a choisi un terrain en Inde pour une thèse soutenue dans un département d’anthropologie au Royaume-Uni, et enseigne finalement la recherche en design à Berlin. Je dirais volontiers de ce parcours qu’il m’a menée du travail sur le passé à l’étude du présent, puis, aujourd’hui, à la tentative de façonner l’avenir. Mais c’est bien sûr beaucoup plus complexe et beaucoup plus exigeant que cela.

14Dans une certaine mesure, étudier les textiles et l’habillement comme éléments de la culture matérielle revient à relier les anthropologies du vêtement ou du costume (dont les objets sont, pour la plupart, non-occidentaux) et les études de mode, dont l’histoire de la mode, qui s’est concentrée sur les cultures européennes et des colons européens. L’étude de la culture matérielle a d’abord intéressé l’anthropologie, l’archéologie et la muséologie où, de façon générale, elle a consisté à comprendre comment les choses étaient faites, utilisées, valorisées et échangées au sein des cultures et entre différentes cultures à travers le monde et le temps. Pourtant, malgré une approche qui comprend, dans mon cas, des recherches sur le tissage artisanal (à l’aide de métiers manuels) en coopérative, sur le style subculturel, les friperies et le recyclage de textiles industriels (et leurs intrications dans le vaste monde), j’hésite encore à dire que j’étudie la mode ou à concevoir que puisse exister une histoire de la mode qui réunirait tous ces champs.

  • 7 Eric Robert Wolf, Europe and the People Without History, Berkeley, University of California Press, (...)
  • 8 Edward Said, L’Orientalisme. L’Orient créé par l’Occident, Catherine Malamoud (trad. fr.), Paris, L (...)

15Dans les années 1980, l’anthropologie a questionné avec une vigueur nouvelle ses racines historiques, liées au colonialisme, en réfléchissant sur sa fonction présumée qui était de parler d’autres personnes et d’autres cultures, mais aussi de parler pour elles. Elle commençait également à intégrer des approches historiques des sociétés non-européennes. L’anthropologie avait participé à la déshistoricisation tant de ces sociétés que des cultures européennes marginales, mais aussi à la diffusion de récits essentialistes, prétendant décrire les manières de vivre traditionnelles, authentiques et représentatives des gens dans le monde, par le biais des collections et des pièces exposées dans les musées, de la photographie, du cinéma et de la littérature savante. L’ouvrage d’Eric R. Wolf, Europe and the People Without History7 (1982) remet en cause l’orthodoxie de la nature inchangée et isolée des peuples et des cultures précoloniales en attirant l’attention sur leurs rapports, dès avant le xve siècle, au système économique mondial. S’appuyant sur le livre d’Edward Said, L’Orientalisme, l’ouvrage de Johannes Fabian Le temps et les autres. Comment l’anthropologie construit son objet fait la lumière sur la façon dont les anthropologues ont eu tendance à effacer le concept d’un temps partagé et d’un espace créé entre eux-mêmes et leurs interlocuteurs8. Cette réflexion s’inscrit dans une critique plus générale de la conceptualisation des sujets anthropologiques habitant ailleurs un présent ethnographique immuable.

16J’ai commencé ma carrière en travaillant dans un musée qui conservait des « collections ethnographiques », dont des fonds conséquents de tissus, de costumes et d’ornements corporels collectés de la fin du xixe siècle à nos jours. Ces collections avaient été constituées par des missionnaires, des marchands, des fonctionnaires coloniaux, des expatriés et des anthropologues sur leurs terrains, témoins de la « culture matérielle ». Les objets provenaient de cultures réparties dans le monde entier, y compris européennes, dès lors qu’elles étaient perçues comme « traditionnelles », « authentiques », marginales, représentatives ou en danger d’extinction. Les tissus et les vêtements étaient classés selon une multiplicité de catégories – fonction, technique et matériaux, culture et région, ou catégories sociales et culturelles, telles la condition, le genre et la religion ou la signification rituelle – mais ils n’étaient pas classés par périodes. Et si les conservateurs spécialisés pouvaient habituellement les dater et tenter de communiquer leur signification au sein de processus spécifiques d’évolution géopolitique, sociale, matérielle et technologique, les collections ethnographiques étaient généralement conçues et exposées comme des témoins de l’« autre » hors du temps, à la différence des collections de la mode occidentale, dont les changements continuels étaient mis en exergue. Historiquement, les manières d’exposer, dans les musées, ne changent que très lentement, et les conservateurs peinent à traduire les nouveaux états de la science et à répondre aux débats qui se font entendre sur la fonction du musée dans la société. Les recherches sur la provenance des objets, qui se développent rapidement, s’appuient en partie sur des travaux antérieurs entre les communautés dont proviennent les collections et les anthropologues des musées, qui ont posé la question de l’exposition d’objets rituels et sacrés. Ces recherches traduisent le désir d’ouvrir de nouvelles conversations, de discuter les contextes de la collecte et de l’acquisition des objets, d’aborder les problèmes liés à la représentation des collections, par l’écrit et par leur exposition dans l’espace du musée, tout comme ceux qui concernent l’accès à ces objets (et, en dernière analyse, leur possession).

  • 9 Sandra Niessen, « Fashion, Its Sacrifice Zone, and Sustainability », Fashion Theory, vol. 24, no 6, (...)
  • 10 Angela Jansen, « Decolonising Fashion: Defying the White Man’s Gaze », Vestoj [URL : http://vestoj. (...)
  • 11 Achile Mbembe, « Decolonizing Knowledge and the Question of the Archive », conférence à Johannesbur (...)

17Comme l’anthropologue Sandra Niessen nous invite à l’admettre9, l’existence de la mode dépend de celle de la non-mode. Elle dépend de la formulation de catégories comme le costume, le vêtement « du monde » ou le vêtement traditionnel, la mode « ethnique », qui en constituent l’« autre ». Dans ses textes sur la décolonisation de la mode, Angela Jansen s’appuie sur les travaux des chercheurs décoloniaux Walter Mignolo et Rolando Vázquez, qui affirment que le mot « mode » n’est pas universel ; il est au contraire, en ce qu’il voile la diversité des idées et des récits du monde, associé au colonialisme10. Achille Mbembe nous rappelle que les universités et les musées sont des institutions coloniales qui opèrent sur un marché mondial moderne11. Elles incarnent les épistémologies – c’est-à-dire les manières de voir et de comprendre le monde – européennes, qui négligent les autres traditions de production du savoir.

  • 12 Louis-Sébastien Mercier, « Journal des modes », Tableau de Paris, t. XI, Amsterdam, 1788, p. 217. P (...)
  • 13 Joan DeJean, Du Style. Comment les Français ont inventé la haute couture, la grande cuisine, les ca (...)

18 Beverly Lemire. Les mythes eurocentriques concernant la mode ont la vie dure, même s’ils sont depuis quelque temps soumis à la critique. Ces légendes se fondaient sur les récits de l’exceptionnalisme occidental impérial ; les plus tenaces étant centrées sur la France, présumée fondatrice de la mode. C’est en partie l’héritage de Colbert, Premier Ministre de Louis XIV, qui disait que « les modes étaient à la France ce que les mines du Pérou étaient à l’Espagne12 ». La France était (est) présentée comme l’unique arbitre du style13. Il ne s’agit pas de récuser les succès de la France, mais de les considérer dans un contexte beaucoup plus vaste et complet. En élargissant le champ critique, l’histoire globale de la mode fait place à cette contextualisation. Une relecture est engagée – mais les affirmations de l’exceptionnalisme français ont encore cours, ici et là dans l’Université, dans la littérature et dans le débat public. Les mythes ont la vie dure.

  • 14 Voir, par exemple, Michel-Rolph Trouillot, Silencing the Past: Power and the Production of History, (...)
  • 15 Monica L. Miller, Slaves to Fashion: Black Dandyism and the Styling of Black Diasporic Identity, Du (...)

19L’autorité prise par la France en matière de mode s’appuie sur la construction d’un empire racialisé, et ces liens ne sont abordés que depuis peu14. Rappelons-nous Bob Marley, qui, en 1979, nous enjoignait de nous « émanciper de l’esclavage mental », un appel qui reprend les paroles tenues en 1937 par Marcus Garvey, né à la Jamaïque. Le mot d’ordre est toujours valable. L’étude à laquelle s’est livrée Monica L. Miller sur le dandysme noir formule une théorie de la beauté et de l’identité noires en s’appuyant sur des analyses historiques, culturelles et contemporaines perspicaces, tandis que Shantrelle P. Lewis, chercheuse et conservatrice, s’intéresse au style contemporain des hommes noirs dans le monde15. La beauté et l’expérimentation, la célébration des matières, le dynamisme et la créativité prennent bien des formes en dehors de l’Occident, loin des populations blanches et loin des conglomérats de la mode. Et « la mode » ne peut être comprise si l’on ne considère pas ses multiples facettes.

20Parmi ces facettes, il y a les innovations qui surgissent dans des communautés culturelles spécifiques, comme les hommes afro-américains. Certaines sont devenues célèbres, comme le zoot suit qui, au milieu du xxe siècle, reformule avec ironie et insolence le costume hégémonique des cols blancs (!), et qui se diffuse chez les noirs « stylés » et branchés d’Amérique du Nord, des Caraïbes et au-delà. Les modes surgissent en tous lieux et peuvent devenir une force de contestation, parfois même un moyen de renverser les hiérarchies et de défier les ricanements des dominants ou leurs dénigrements. Le zoot suit traduit cette énergie créative avec exubérance et panache ; il revendique joyeusement l’égalité (fig. 1). C’est à la fois un style politique – il innove, avec une tonalité contreculturelle à une époque d’oppression raciale ; sa coupe est autant un défi qu’un plaidoyer pour la personne noire – et un style au sens de la mode, également adopté par d’autres hommes à l’avant-garde des tendances.

1. Photographe anonyme, Jeunes Afro-Américains vêtus de zoot suits, 1942.

1. Photographe anonyme, Jeunes Afro-Américains vêtus de zoot suits, 1942.

21Les mythes sont confortables. Le sujet de la mode n’a été soumis qu’assez récemment à l’examen critique. Quand on se penche en profondeur sur son histoire mondiale, on fait apparaître une complexité aussi diverse qu’intéressante, et l’on peut renverser les idoles d’hier.

22 Christopher Breward et Giorgio Riello. Ce qui est dit « global » est souvent compris, à tort, comme ce qui s’étend au monde entier. Mais l’histoire globale, si elle attribue une grande importance aux liens et aux intrications entre les différentes régions du monde, ne voyage pas toujours aussi loin. Qu’est-ce que signifie, pour vous, une « histoire globale de la mode » ?

  • 16 Molly Warsh, American Baroque: Pearls and the Nature of Empire (1492-1700), Chapel Hill, University (...)
  • 17 Ibid., p. 78-127 ; Tamara J. Walker, Exquisite Slaves: Race, Clothing, and Status in Colonial Lima, (...)

23 Beverly Lemire. Les histoires globales éclairent les conversations matérielles qui s’installent quand les communautés interagissent de manière plus régulière, lorsque les « choses » et les personnes entrent dans de nouvelles formes d’interaction qui suscitent des modes inédites. Ce type d’événements est bien antérieur à 1500, mais s’intensifie au cours des siècles suivants. Les influences locales et globales s’affrontent parfois ; il en résulte des transformations matérielles. Les modes se trouvent aussi prises dans les objectifs et projets impériaux, et la puissance d’agir des peuples colonisés ou infériorisés est aujourd’hui mise en lumière, telle qu’elle a pu se traduire en modes qui ont influencé des mondes plus vastes. L’histoire globale de la mode ramène au premier plan des éléments auparavant négligés. Ainsi l’historienne Molly Warsh a-t-elle levé le voile sur la circulation atlantique des perles (vers 1500 – 1700), notamment celles qui provenaient des gisements des Caraïbes16. Au grand étonnement des observateurs officiels, les femmes et les hommes indigènes ou noirs, qu’ils fussent esclaves ou libres, avaient accès à ces perles prohibées en Europe. Soucieux d’afficher leur pouvoir et sa portée dans l’empire, souverains et nobles européens appréciaient les perles caribéennes, qu’ils interdisaient volontiers aux moins bien nés qu’eux. Ce qui n’empêchait pas les personnes indigènes ou africaines des royaumes coloniaux d’en acquérir et de s’en parer, selon les besoins et les valeurs propres à leur communauté17.

24Ces découvertes vont à l’encontre des histoires trop simples de la mode et de l’hypothèse autrefois dominante du changement par contagion ou par diffusion. Les histoires globales de la mode mettent au jour les effets profonds de la diversité, qui apparaît comme un fait majoritaire, ayant joué dans les systèmes matériels un rôle parfois subversif de transformation du corps habillé.

25 BuYun Chen. L’acception « erronée » du mot « global » est pour partie imputable à sa racine, qui évoque la totalité du « globe ». Mais cette erreur d’interprétation pose aux historiens de la globalité un ensemble de questions : si l’histoire globale s’attache aux articulations et aux connexions entre différentes zones géographiques dans l’histoire, en quoi se distingue-t-elle de l’histoire de l’empire, du colonialisme ou des échanges commerciaux ? L’histoire globale nous permet-elle d’analyser des articulations négligées ou qui n’auraient pas été étudiées par ces différents champs disciplinaires ? La mode a peut-être constitué un point aveugle pour ces autres « histoires ». Une histoire globale de la mode pose néanmoins d’autres difficultés. Ainsi, comment peut-elle éviter le piège eurocentrique (comme le rappelait votre première question), alors que l’impérialisme et le colonialisme européens posaient bien souvent les conditions mêmes du contact ? De fait, quand on dit « global », on sous-entend généralement les connexions des Euro-Étasuniens avec le reste du monde, tandis que les histoires des autres empires (la Chine par exemple) sont reléguées à la catégorie du « régional ». Quant à la mode, si nous acceptons qu’il s’agit d’un phénomène historique qui doit être replacé dans son contexte social et culturel, alors comment accepter une telle spécificité dans une perspective d’histoire connectée censée aussi bien éviter les explications relativistes que tenir en échec les concepts universalistes ? Pour moi, faire une « histoire globale de la mode » c’est d’abord saisir l’opportunité d’interroger et d’historiciser les deux notions de « global » et de « mode ».

26 Lucy Norris. Ma première réaction, c’est de penser qu’il doit sûrement exister de multiples histoires de la mode, exprimées depuis différents points de vue, depuis différentes façons de comprendre la relation entre les systèmes locaux de la mode et les connexions globales. La question de la signification de l’histoire de la mode ou d’une histoire globale de la mode risque d’obscurcir cette plurivocalité ou d’assourdir les voix qui viennent des marges ou de plus loin.

27Il y a vingt ans, dans un travail de terrain, je me suis attachée à comprendre comment étaient valorisés, à Delhi, les vêtements usagés et comment cela finissait par exercer une influence sur ce que les gens faisaient des vêtements qu’ils ne portaient plus. Certains étaient donnés à des proches ou à des domestiques ou bien utilisés pour nettoyer le sol, tandis que d’autres étaient valorisés comme pièces anciennes, ou vendus sur des marchés d’occasion. J’ai passé de nombreux après-midis à inventorier les garde-robes des femmes sur lesquelles j’enquêtais, à écouter des histoires sur la provenance de chaque sari, de chaque costume shalwar kamiz, qui détaillaient en quelle occasion et par qui le vêtement avait été donné, et confiaient si sa propriétaire l’aimait ou non et l’attachement sentimental dont il pouvait faire l’objet. Le vêtement est un cadeau traditionnel de la famille, de la belle-famille, du mari et des frères à l’occasion du mariage, de l’anniversaire, des fêtes, et les raisons pour lesquelles on doit conserver ou réparer un vêtement, ou encore le donner, pour lesquelles on peut au contraire s’en débarrasser, sont complexes. Mais j’étais frappée de voir que certains vêtements avaient été donnés, d’une famille à l’autre, parfois pendant plusieurs générations et avaient fait le tour du globe – j’ai même vu un petit sweater, acheté quelques années plus tôt en Angleterre où sa propriétaire avait fait ses études, qui avait été rapporté à Kolkata, puis donné à une cousine de Delhi, puis à un frère vivant en Australie, redonné, à Kolkata, à la sœur de sa première propriétaire, puis ramené par un neveu à Delhi où il avait finalement succombé à l’usure. Ces histoires de vêtements racontent les voyages dans la famille pour l’éducation ou le travail, elles racontent les migrations et les connexions globales établies et rétablies par le don.

28Au départ, pourtant, j’étais surtout préoccupée d’identifier et de cataloguer mentalement des dizaines de styles régionaux de saris, se distinguant les uns des autres par les types de tissage, les fibres, les couleurs et les motifs décoratifs. Mais les femmes avec lesquelles je m’entretenais m’expliquaient pourquoi tel style, telles combinaisons leur rappelaient leur mère qui, dans les années 1970, portait des pantalons pattes d’éléphant et des tuniques à la mode d’un certain cinéma de Bollywood, ou bien me racontaient ce qu’elles avaient porté au mariage d’un parent, à l’époque ou les saris de soie d’un style particulier étaient le summum de la mode. Pour elles, ce qui comptait, c’était que l’habillement puisse fabriquer des connexions. Et c’est de ces connexions interpersonnelles que provenaient les constructions individuelles du temps et de l’évolution de la mode, les unes et les autres intimement mêlées aux connexions personnelles et globales.

29 Christopher Breward et Giorgio Riello. Aujourd’hui, on demande aux enseignants qui donnent des cours théoriques ou pratiques, à l’Université et dans l’enseignement supérieur, de réfléchir et d’agir pour décoloniser les études. Dans le même temps, la décolonisation des collections est aussi devenue une pratique incontournable dans de nombreux musées. Comment une histoire globale de la mode pourrait-elle s’inscrire dans une nouvelle histoire, moins « centrée » ? Risque-t-on de perdre de vue la singularité du lieu, de l’acteur local et de la recherche contextuelle ?

30 Lucy Norris. Je vois de réels avantages à interroger la spécificité des lieux, du contexte et de l’expérience en s’ouvrant aux nouvelles voix et aux perspectives alternatives qu’apportent les histoires globales de la mode. Il est important qu’on ne se contente pas d’incorporer dans « une » histoire de la mode l’étude des systèmes locaux à travers des espaces et des temps multiples, mais qu’au contraire le processus conduise à repenser ce que peut apporter cette multiplicité, comment elle peut contribuer à envisager des avenirs différents et à les inscrire hors des structures institutionnelles eurocentriques de l’Université et du musée, par exemple.

31Nous devons impérativement nous assurer que les recherches scientifiques consacrées aux autres systèmes de mode et d’habillement soient facilement et largement disponibles pour les publics qui ne font pas partie de l’académie. Les militants et militantes de la nouvelle génération sont en quête d’histoires et d’ethnographies des textiles et de l’habillement qui portent sur le monde entier, où ils et elles trouvent leur inspiration et qui leur permettent de repenser la relation à l’habillement. Des organisations comme Fashion Revolution ont des blogs et diffusent en ligne des listes de ressources à l’intention des personnes intéressées dans le grand public. Mais bien souvent, elles n’ont pas connaissance de la richesse du matériel historique qu’on peut trouver dans les bibliothèques spécialisées et dans les publications des musées, qui coûtent cher, ou encore dans les revues de recherche académique auxquelles on accède souvent par un portail payant.

  • 18 Jürgen Renn, L’Évolution de la connaissance. Repenser la science pour l’anthropocène, Raymond Clari (...)

32Le concept d’anthropocène relie les échelles de temps humaines aux échelles géologiques, comme l’explique Jürgen Renn, historien des sciences ; cette intrication de passés, de présents et de futurs révoque la conception linéaire du temps et requiert de nouveaux concepts de la relation au temps des différents systèmes18. Selon Renn, chaque système possède sa propre temporalité, ce qui nécessite de décrypter de façon détaillée la chaîne d’événements ayant conduit à un point de basculement dans les systèmes de la Terre. Le besoin urgent d’agir à l’échelle mondiale pour atténuer la crise climatique, par exemple, et d’œuvrer aux objectifs de développement durable des Nations unies a mis en lumière les dommages causés par le système global actuel de la mode. Tout cela souligne surtout combien la mode est une construction coloniale qui a contribué à effacer les autres traditions épistémiques et à construire des cadres d’interprétation qui occultent les autres manières de connaître.

  • 19 Kate Fletcher, Mathilda Tham, Earth Logic Fashion Action Research Plan, Londres, The J. J. Charitab (...)
  • 20 Pour plus d’information, voir le site de « Fashion Act Now » [URL : https://www.fashionactnow.org/]

33Chercheurs, conservateurs, designers, militants et militantes, s’aperçoivent ensemble que la décolonisation des structures épistémologiques ouvre des espaces où s’énoncent des histoires différentes. Ainsi s’offre à l’imagination l’espace de nouveaux futurs susceptibles d’orienter les actions et les efforts d’aujourd’hui. L’ouverture à la pluralité des voix et le décentrement de l’étude sont au cœur du projet « Earth Logic Fashion Action Research Plan » porté par Kate Fletcher er Mathilda Tham19. Sandra Niessen a cofondé Fashion Act Now20, qui s’attache à produire du « démodement [defashioning] », un mot qui entend rendre compte à la fois de la décroissance et de la colonisation des systèmes d’habillement. Le dépoussiérage du système de la mode n’empruntera pas une voie unique : il y a – et il y aura – de multiples façons de transformer les principes sur lesquels nous nous appuyons pour comprendre la relation de l’humain à la nature, à l’environnement, aux autres espèces, telle qu’elle se construit par les manières qui sont les nôtres de nous vêtir, de fabriquer nos vêtements et de leur attribuer de la valeur. Cela passera par une approche décentrée et démocratique, ouverte, qui permettra d’échanger les histoires qui racontent comment les gens ont vécu, travaillé et créé ensemble à des moments différents, dans des espaces différents. Cette approche est riche de promesses, de nouvelles solutions, d’écritures d’histoires futures.

34 BuYun Chen. L’histoire globale de la mode, en tant que projet pédagogique, a déjà commencé, à bien des égards, à répondre aux exigences de décolonisation des programmes. Pour un certain nombre de chercheurs, de chercheuses, décoloniser les études de mode, c’est reconnaître et comprendre les relations de pouvoir qui déterminent notre compréhension de la mode tout en prêtant attention aux particularismes situés. Cette approche nécessite que nous concevions la mode comme une pratique historiquement située, que ce soit sur le plan matériel ou sur celui du discours. Nous avançons dans son étude en examinant les relations sociales, les structures de pouvoir et les catégories épistémiques. Ce n’est pas la même chose d’écrire une histoire globale de la mode et d’enseigner des histoires globales, qui doivent alors se faire écho des revendications fondamentales, par exemple affirmer que l’Occident n’a pas le monopole de la mode. Pour détricoter les grands récits et les modes de connaissance qui ont dominé les programmes existants, une stratégie plus exhaustive est indispensable. En d’autres termes, enseigner la mode comme un phénomène historiquement constitué (et par extension global) implique nécessairement d’énoncer une critique postcoloniale, telle qu’elle fonde la réorientation des études de mode depuis les années 1980.

35 Beverly Lemire. D’une manière générale, l’histoire globale de la mode engage des processus explicites de « décentrement ». L’un des objectifs principaux est souvent la décolonisation. Il est essentiel, pour avancer dans nos connaissances, de développer une compréhension critique de la pratique muséale et des collections. Nous devons savoir quelles choses ont été rassemblées, collectionnées, et pourquoi, et le comprendre en termes d’enjeux politiques, afin de construire des histoires de la mode plus accueillantes et plus inclusives. Nombreuses sont celles et ceux qui sont engagés dans cet exercice et reconnaissent le large éventail des acteurs et des communautés dont les formes de culture matérielle peuplent les collections des musées, dont les modes vivantes sont conservées dans des réserves. Les étudiants sont prêts à s’impliquer, et à s’intéresser à des créateurs de mode auparavant négligés.

  • 21 Sherry Farrell Racette, « My Grandmothers Loved to Trade: The Indigenization of European Trade Good (...)

36Les histoires globales de la mode donnent naissance à des réévaluations solides – comparatives, intriquées et politisées. La recherche table désormais sur un plus large éventail de méthodologies, où les collaborations sont essentielles et les dialogues indispensables. L’étude minutieuse et lente des objets ouvre de nouvelles possibilités d’interprétation. Cette méthode passe aussi par une reconnaissance des nombreuses manières de connaître qui sont celles des peuples et des communautés non occidentales. Les chercheurs et chercheuses indigènes, comme Sherry Farrell Racette, expliquent que dans la cosmologie indigène en Amérique du Nord, la matière – et les matériaux – peut-être animée ou non-animée21. Ainsi lorsque les personnes indigènes ont accès aux objets historiques de leur communauté, elles peuvent tout à fait, par ce truchement, communiquer avec leurs ancêtres et apprendre des savoir-faire déployés dans les belles choses exposées, parfois volées aux peuples colonisés ou acquises à la faveur d’échanges inégaux. Dans cette pratique, la reconnaissance des situations de mode qui ont permis l’apparition et l’épanouissement de faiseurs de mode indigènes se révèle un élément essentiel – en témoigne cette veste en laine brodée de poils d’orignal, datée des années 1860-1870 (fig. 2).

2. Anonyme, probablement de fabrication (Huron) Wendat, veste, 1860-1870, cousue et brodée à la main, drap de laine, poil d’orignal, épines de porc-épic, Montréal, McCord Museum (M7417).

2. Anonyme, probablement de fabrication (Huron) Wendat, veste, 1860-1870, cousue et brodée à la main, drap de laine, poil d’orignal, épines de porc-épic, Montréal, McCord Museum (M7417).

37Les travaux menés conjointement par les musées, le monde académique et les communautés locales débouchent sur des découvertes décentrées et surprenantes. Plus qu’une disparition de la singularité du lieu, de l’acteur local et de la recherche contextuelle, je vois au contraire un enrichissement, des revendications et une réévaluation qui produisent un savoir nouveau.

38 Christopher Breward et Giorgio Riello. L’étude de la mode repose aujourd’hui sur des expériences pluriculturelles et requiert donc une approche interdisciplinaire. Pourtant, les méthodologies interdisciplinaires, multidisciplinaires et transdisciplinaires ne suffisent pas. Quand il s’agit d’écrire une histoire globale de la mode, de la traduire dans la pratique curatoriale ou dans la mise en exposition, ou encore de la « conserver », que pensez-vous précisément du rôle que jouent les musées, les designers, les praticiens, les bibliothèques et les autres institutions ?

39 BuYun Chen. Les institutions publiques jouent un rôle précieux dans la formation de notre compréhension collective du passé connecté. Cela en fait des espaces indispensables pour nourrir le débat. Si l’on considère le succès rencontré auprès du public par les expositions de mode ces dix dernières années, les musées jouent un rôle particulier dans la divulgation de l’histoire de la mode ou des mondes multiples de la mode. Et comme les musées dans les capitales attirent des visiteurs du monde entier, il est essentiel que ces expositions ne s’adressent pas qu’à un seul public (ou à un seul marché). Dans le même esprit, les expositions les plus fréquentées n’euphémisent pas plus l’héritage colonial de leurs collections qu’elles ne reproduisent un regard impérialiste. C’est-à-dire que les conservateurs doivent tenir compte des enjeux politiques liés au lieu et au point de vue (nécessairement situé).

  • 22 Voir Minh-Ha T. Pham, « China: Through the Looking Glass: Race, Property, and the Possessive Invest (...)

40Ainsi l’exposition « Africa Fashion », qui s’est tenue en 2022-2023 au Victoria and Albert Museum (fig. 3), et montrait des designers, des pratiques textiles et des cultures visuelles de tout le continent, s’est considérablement démarquée des expositions antérieures comme « China: Through the Looking Glass », au Metropolitan Museum of Art en 2015. « Africa Fashion » n’est pas centrée sur les designers euro-étasuniens, et ne privilégie pas non plus leur point de vue22. Les manifestations proposées au public dans le cadre de l’exposition ne se contentent pas de faire parler les artistes, mais comprennent des sessions de cours en ligne comme « Fashioning Global Africa ». L’exposition a délivré le puissant message d’une mode dynamique qui anime le continent africain, ce qui peut sembler évident à certains visiteurs, mais pas à tous, tant s’en faut.

3. Vue de l’exposition « Africa Fashion » à Londres, Victoria and Albert Museum, du 2 juillet 2022 au 16 avril 2023.

3. Vue de l’exposition « Africa Fashion » à Londres, Victoria and Albert Museum, du 2 juillet 2022 au 16 avril 2023.

41Cette exposition conçue autour de la cohérence perçue du continent pose pourtant, de ce fait même, un problème. Gazelle Mba le résume bien dans son compte rendu paru dans la London Review of Books :

  • 23 « We have become so good at talking about African countries as distinct and heterogeneous that we h (...)

Nous savons si bien désormais parler de l’hétérogénéité et des différences des pays d’Afrique que nous avons perdu la capacité de dire ce qui les réunit, comment les pratiques matérielles y existent en lien les unes avec les autres ou comment les idées y naissent et s’y répandent. On trouve bien ici et là des allusions à la popularité du boubou, qui vient du Sénégal, mais est porté dans toute l’Afrique de l’Ouest, et à l’ubiquité du kente, mais, en général, les nations africaines et leurs modes sont traitées comme des isolats23.

42Cette remarque vaut pour les difficultés inhérentes aux approches de la mode qui suivent les frontières des unités géographiques modernes. En d’autres termes, il suffit de se pencher sur les pratiques pour que la cohérence et la cohésion des États-nations et des continents commencent à se briser. Comment, dès lors, pouvons-nous comprendre le sens des pratiques vestimentaires à travers le temps et le lieu ?

43Une approche globale de l’histoire de la mode peut nous permettre de rétablir des connexions occultées par les cadres nationaux, mais elle ne permet pas de résoudre les questions de pouvoir et de surplomb dans un complexe muséal. Tout comme l’histoire globale est écrite de quelque part, les musées et leurs collections existent dans un contexte dont on ne peut les abstraire. Nous regardons et interprétons la mode depuis un endroit donné et selon une certaine perspective, et l’on ne peut pas faire l’économie de ces questions, qui sont de plus en plus pressantes pour les conservateurs et les curateurs comme pour les chercheurs.

44 Lucy Norris. Je suis constamment émerveillée de l’ingéniosité et de la créativité des étudiants en design lorsqu’ils abordent de manière critique les questions touchant à la durabilité de leur travail. Leurs méthodes de recherche intègrent des éléments de certaines traditions textiles, la recherche de l’origine des fibres, la mise au point de techniques nouvelles de communication et de nouvelles manières de produire, et la conception de prototypes qui peuvent contribuer à des modes de vie durables. Ils s’appuient sur une connaissance des techniques antérieures, venant parfois eux-mêmes de cultures non-européennes, et échangeant leurs points de vue avec d’autres étudiants ; ils sont également très ouverts à l’adaptation aux nouvelles technologies numériques, si cela leur est utile. Ils sont dans un processus qui ouvre la mode à l’expérimentation avec les matières, avec les façons de faire et de montrer les idées. Si, comme le disait Lévi-Strauss, il y a des choses « bonnes à penser » (comme il y a des choses « bonnes à manger »), les musées peuvent et doivent permettre que s’établissent des dialogues avec le public en mettant en lumière le lien entre les collections historiques et les innovations du futur – non seulement par des interventions, mais aussi parce qu’ils jouent là un rôle essentiel avec leurs collections vivantes où le re-modelage (re-cyclage) des manières de penser plus anciennes permet au futur d’advenir.

  • 24 On pourra consulter les pages d’accueil des projets de recherche suivants : « Middling Culture: The (...)

45 Beverly Lemire. Les projets de groupe sont inestimables. Mais quels que soient les résultats auxquels ils parviennent, ils diffèrent dans leur composition et dans leurs objectifs. Les équipes interdisciplinaires et pluridisciplinaires apportent une transformation parfois très progressive et cumulative de notre compréhension du passé historique et de la mode globale. Ces entreprises rassemblent des institutions et des personnes aux parcours très différents24. C’est une démarche difficile, notamment parce que la recherche collaborative peut remettre en cause les protocoles et les priorités institutionnelles existantes. Ce sont aussi des opérations coûteuses, qui ne peuvent fonctionner que grâce à des participants engagés, une direction efficace et des financements garantis pour une période donnée, avec des objectifs qui peuvent conduire les équipes de recherche à des résultats satisfaisants. Les responsables institutionnels doivent engager le temps et les ressources de leurs spécialistes et accueillir celles ou ceux qui sont étrangers à leur domaine de prédilection. Ces initiatives sont mises en place avec la participation de membres des collectivités locales, et notamment de gardiens du savoir des communautés indigènes.

  • 25 Voir Beverly Lemire, Laura Peers, Anne Whitelaw (dir.), Object Lives and Global Histories in Northe (...)

46Ces projets collectifs sont confrontés à de véritables difficultés lorsqu’il s’agit de décortiquer l’histoire globale de la mode. Dans le cadre du projet « Object Lives », notre objectif était de nous livrer à une évaluation critique de la signification des marchandises qui allaient et venaient depuis ou vers l’Amérique du Nord sur une très longue période allant de 1780 environ à 1980. Les équipes de recherche étaient composées d’ethnologues, d’anthropologues, d’historiens, d’historiennes de l’art, de chercheurs et de conservateurs et conservatrices spécialistes du vêtement et de gardiens des savoirs indigènes. Les pièces de vêtement se sont avérées particulièrement instructives. Nous avons appris à regarder attentivement, à partager et à faire confiance, et obtenu des résultats substantiels, après d’intenses conversations, grâce à un effort d’approfondissement des recherches et à une capacité de prendre des risques25. Les photographies prises par l’équipe de recherche d’« Object Lives » au Pitt Rivers Museum en 2015 ont saisi des éléments de ce processus (fig. 4a-b). Tant que nous poursuivrons ce type d’objectifs dans nos recherches, nous obtiendrons de bons résultats. Mais nous devons demeurer lucides au sujet des difficultés et des partenariats indispensables si l’on veut suivre cette voie.

4a. Membres de l’équipe « Object Lives » examinant un vêtement de prestige réalisé pour un agent de la compagnie de la baie d’Hudson par des femmes indigènes, 2015. De gauche à droite : Judy Half, Cynthia Cooper, Laura Peers, Sarah Carter, Beverly Lemire. Pitt Rivers Museum, University of Oxford.

4a. Membres de l’équipe « Object Lives » examinant un vêtement de prestige réalisé pour un agent de la compagnie de la baie d’Hudson par des femmes indigènes, 2015. De gauche à droite : Judy Half, Cynthia Cooper, Laura Peers, Sarah Carter, Beverly Lemire. Pitt Rivers Museum, University of Oxford.

photo © Archives de l’auteur

4b. Femmes anonymes, manteau, vers 1800-1820, peau d’élan ou de bison peinte et piquetée, Oxford, Pitt Rivers Museum, University of Oxford (1951.2.19).

4b. Femmes anonymes, manteau, vers 1800-1820, peau d’élan ou de bison peinte et piquetée, Oxford, Pitt Rivers Museum, University of Oxford (1951.2.19).

photo © Pitt Rivers Museum, University of Oxford

47 Christopher Breward et Giorgio Riello. L’histoire de la mode entretient avec celle du vêtement et du costume et avec l’étude historique de ceux-ci une longue relation, fructueuse et dont les facettes sont multiples. Quel est à votre avis le rôle de la recherche sur les objets matériels dans l’étude de la mode globale ?

  • 26 Beverly Lemire, « Colonizing Winter: Tobogganing, Toboggan Suits, and Imperial agendas in the North (...)

48 Beverly Lemire. L’étude des objets fait surgir des questions qui sans cela passeraient largement inaperçues. Ce fut le cas d’une tenue de luge de la fin du xixe siècle que m’avait présentée voici dix ans une collègue installée à Londres. L’ensemble, avec son épais manteau, avait été légué à une famille londonienne dans les années 1890, associé à des histoires de luge. J’ai pris au sérieux le vêtement, mais aussi le récit. À cette époque, faire de la luge, c’était marquer l’appropriation d’une technologie indigène adaptée aux goûts coloniaux en Amérique du Nord, sur le territoire du Canada moderne. Des chercheurs ont qualifié la luge, et notamment la multiplication des clubs de sport et le goût des élites pour ce moyen de locomotion, de phénomène « canadien ». La luge et les raquettes faisaient indubitablement partie de la culture coloniale dans le Canada du xixe siècle26. Mais cela ne s’arrête pas là.

  • 27 Ibid.

49Cette mode « canadienne » des transports d’hiver fut abondamment copiée dans toutes les régions de l’Amérique du Nord coloniale susceptibles d’être enneigées. Dans le Midwest et dans les États de l’Ouest des États-Unis, des clubs fleurirent, sous la forme de groupes organisés de façon quasi-militaire, en pleine période de colonisation et de résistance indigène. Les uniformes des clubs arboraient une tournure militaire, avec des épaulettes et des insignes ornant leur tenue de laine adaptée à la mode coloniale. Ainsi un moyen de transport indigène était-il devenu un outil de l’affirmation coloniale, avec la mode vestimentaire associée. À Boston et à New York, des membres de clubs de luge défilèrent par centaines, beaucoup venant de Montréal. La nuit, dans les rues de Winnipeg et de Saint-Paul, ils organisèrent des marches au flambeau. Des cartes à collectionner pour la publicité des cigarettiers célébrèrent ces aventures hivernales – les forces de l’entreprise soutenaient le mouvement27 (fig. 5).

5. « La Luge » [« Tobogganing »], 1889, lithographie en couleur, 3,8 × 7 cm, carte publicitaire à collectionner de la série « Games and Sports » (N165) pour les cigarettes Old Judge, éditée par Goodwin and Company, New York, Metropolitan Museum of Art (63.350.214.165.21).

5. « La Luge » [« Tobogganing »], 1889, lithographie en couleur, 3,8 × 7 cm, carte publicitaire à collectionner de la série « Games and Sports » (N165) pour les cigarettes Old Judge, éditée par Goodwin and Company, New York, Metropolitan Museum of Art (63.350.214.165.21).

photo © Metropolitan Museum of Art

50Ce modèle canadien de colonisation de l’hiver suscita un engouement qui se répandit en Europe et au-delà. Une étude attentive de la tenue de luge londonienne a révélé des traits caractéristiques qu’on retrouve dans celle d’un club important de Montréal. Ici, l’esthétique et la politique se rejoignent. Les Européens adoptent les joies de la glisse hivernale et sa généalogie coloniale, discréditant les prétentions indigènes sur la luge, moyen pourtant immémorial de déplacement. Et c’est une tenue de luge londonienne qui est à l’origine de ce morceau d’histoire globale qui, sans elle, serait resté dans l’oubli.

51 BuYun Chen. Le tournant matériel est à l’origine d’une des plus importantes révisions dans l’étude de l’histoire de la mode, car l’attention ne s’est plus tant portée sur les changements dans la silhouette et la forme que sur le commerce mondial du textile. Ce déplacement du locus du changement, qui cesse d’être attaché à la coupe des vêtements, vers leurs matières mêmes, a fragilisé les prétentions historiques de l’Europe à une prédilection singulière pour la mode, dont la largeur des ourlets aurait suffi à témoigner. En concentrant leur attention sur la fabrication matérielle des pièces du vêtement, les chercheurs ont pu penser au-delà des questions centrées sur la consommation et s’interroger sur la personnification, le savoir-faire, la technique – ce qui a conduit certains à envisager la mode elle-même comme un processus de matérialisation.

52Les travaux de recherche sur le commerce des textiles au xviiie siècle ont joué un rôle essentiel dans la mise au jour des circuits de l’échange qui reliaient les cultures visuelles et matérielles locales aux pratiques esthétiques globales, telles que la construction de l’image de soi (self-fashioning). Le banyan, cette robe de chambre très lâche aux manches larges portée par les hommes (fig. 6), en offre un bon exemple. Très prisés des hommes du xviiie siècle en Europe et en Amérique, les banyans étaient taillés dans divers textiles importés, comme les brocarts ou les damas, ou encore dans des cotons imprimés. La forme du vêtement est empruntée au kosode (« manches courtes » en japonais), mais le nom proviendrait peut-être du gujarati (ou de l’arabe) pour « négociant » ou « marchand », et a probablement fait son entrée dans la langue anglaise par l’entremise du portugais. De sa confection à son nom, le banyan est un parfait exemple de mode globale prémoderne, qui relie les différentes régions géographiques des fabricants, des marchands et de ceux qui portent le vêtement.

6. Anonyme, trois banyans ; de gauche à droite : vers 1780 (Royaume-Uni), soie ; vers 1730 (France), soie ; deuxième moitié du xviiie siècle (Europe), soie, laine et lin, New York, Metropolitan Museum of Art (1978.135.1 ; CI 53.74.7 ; CI 56.5.1a-c).

6. Anonyme, trois banyans ; de gauche à droite : vers 1780 (Royaume-Uni), soie ; vers 1730 (France), soie ; deuxième moitié du xviiie siècle (Europe), soie, laine et lin, New York, Metropolitan Museum of Art (1978.135.1 ; CI 53.74.7 ; CI 56.5.1a-c).

photo © Metropolitan Museum of Art

53 Lucy Norris. Dans mes propres recherches, mon travail de terrain sur les fibres, le vêtement et l’habillement – et l’apprentissage des façons de faire les vêtements, de les utiliser, de les réparer, de les mettre au rebut – est apparu comme un moyen sans égal d’engager la conversation. Et ce qui apparaissait principalement dans ces conversations, c’est la façon dont le vêtement était valorisé comme moyen d’établir et de rétablir des relations sociales, soit en réaffirmant, soit en coupant des liens personnels, en marquant le statut social ou hiérarchique ou en établissant des connexions avec d’autres cultures.

54L’un de mes projets de recherche au long cours portait sur l’industrie de recyclage textile en Inde du Nord. Des centaines de milliers de tonnes de lainages d’hiver sont importées des États-Unis et d’Europe pour être déchiquetés et recyclés afin de fournir la laine pour de nouvelles couvertures ou de nouveaux vêtements. J’étais assise avec des femmes qui déchiquetaient les vêtements, pièce à pièce, ôtant les fermetures à glissière, les étiquettes, les boutons, décousant… et se créait un espace où elles pouvaient converser et livrer leurs pensées. Pourquoi ne valorisions-nous pas plus ces vêtements ? Comme nos vies devaient être enviables et sans soucis ! Regarder ces femmes déconstruire des vêtements de bonne facture réalisés par d’autres femmes de l’industrie du vêtement dans des économies en développement, c’était assister au dévoilement des injustices du système global de la mode – et notamment à l’exploitation de la main-d’œuvre féminine pour les travaux qui requièrent l’agilité des doigts (fig. 7a-c). Les étiquettes des vêtements jonchant le sol, sur lesquelles, parfois, s’était ajoutée la mention ou le logo d’une ressourcerie, racontaient les histoires de vêtements importés du monde entier, transportés de marché en marché, dans le commerce mondial du déchet. Les étiquettes des magasins de luxe se mêlaient à celles des chaînes de fast fashion, la seule valeur des vêtements tenait désormais à leur fibre et à leur couleur.

7a-c. Tim Mitchell, (a-b) femmes découpant de vieux vêtements à la main avant de les broyer mécaniquement ; (c) fabrication d‘une bordure en satin pour une couverture faite à partir de pulls en acrylique recyclés, Panipat, Inde du Nord, 2005.

7a-c. Tim Mitchell, (a-b) femmes découpant de vieux vêtements à la main avant de les broyer mécaniquement ; (c) fabrication d‘une bordure en satin pour une couverture faite à partir de pulls en acrylique recyclés, Panipat, Inde du Nord, 2005.

© Tim Mitchell

55En suivant le parcours des objets, des friperies et des ressourceries du Yorkshire aux grossistes de Delhi, aux marchands et aux nouveaux manufacturiers d’Inde du Nord, j’assistais directement à la transformation des rebuts en matière première pour l’industrie du recyclage, à la rélaboration de vêtements, redessinés pour devenir de nouveaux produits à destination des consommateurs indiens. Cette attention spécifique à l’objet permet aussi d’interroger la localisation des profits réalisés et l’identité de ceux qui les accumulent sur des sites sinon escamotés de re-production de la valeur.

56 Christopher Breward et Giorgio Riello. Quels seront à votre avis les principaux thèmes, les principaux problèmes qu’une histoire globale de la mode devra considérer au cours des prochaines années ?

57 Lucy Norris. Les études de mode vont devoir examiner les intrications complexes du temps et de l’espace sans perdre de vue la relation de l’humanité au temps profond. La crise climatique avec ses réfugiés, les mouvements pour la justice agraire, les luttes contre la pollution de l’environnement, le refus de l’économie extractiviste et des fibres fossiles, de l’injustice sociale et de la course à l’abîme du secteur manufacturier, tout cela est un défi permanent. Née dans les marges, cette contestation contredit le récit d’un système de la mode unique hors duquel toutes les manières de faire et de porter des vêtements seraient vouées à la non-mode. Il existe d’autres façons de concevoir la mode, s’appuyant par exemple sur la production de fibres issues de l’agriculture régénérative, en lien avec l’agroécologie, sur de nouvelles formes de régionalisation, sur la mise en jeu des notions de rareté et d’abondance, sur l’impact de la décroissance et sur l’adaptation créative. Tout cela nourrit un intérêt pour des histoires oubliées ou marginalisées venues du monde entier, qui stimule à son tour le désir de raconter ces histoires à nouveau. S’y associe la rémergence d’associations culturelles entre production localisée de fibres et systèmes de mode – dans le but, notamment, d’intégrer la relation agriculture-fabrication, de comprendre les cycles fabrication-réparation et la relation fondamentale à l’environnement. Mais dans la lutte pour que ces voix se fassent entendre, je pense que les débats sur les questions d’appropriation culturelle, de partage et/ou de valorisation des cultures vont probablement s’intensifier.

58 Beverly Lemire. La décolonisation de la mode et des histoires de la mode demeurera au cours des années à venir une préoccupation majeure, à quoi il faut ajouter la question fondamentale de la durabilité. Les dommages causés par les effets de mode ne manifestent pas seulement une carence du xxie siècle ; on peut les faire remonter aux conséquences de la mondialisation de la culture du coton, à l’esclavage et aux passions avides qui déterminent souvent les styles et les tendances régionales. La demande pour les peaux de loutre de mer dans la Chine des Qing ou l’engouement pour les plumes en Occident ont menacé des espèces dans les deux hémisphères. C’est cela qu’étudient aujourd’hui les chercheurs qui travaillent à l’échelle globale, et les musées montrent à leur tour, à la faveur de grandes expositions, une histoire pertinente. Il faut néanmoins plus de recherches.

59La puissance d’agir des faiseurs de mode racisés et LGBTQI+ doit être entretenue et maintenue, ce qui suppose d’étudier à fond leurs succès et leurs réalisations, sans présumer de la couleur, de l’apparence ou de la sexualité qu’on voudrait trop souvent attacher à la beauté et à la créativité. Il faut également reconnaître, mieux qu’elle n’a été concédée dans l’histoire, l’importance des artistes de mode des territoires anciennement colonisés – considérer leur art change notre compréhension de la mode dans l’histoire. Dans ce contexte, il est essentiel de prendre mieux conscience de la participation des femmes noires (réduites à l’esclavage ou libres) à la création de la mode dans la Caraïbe coloniale et au-delà. Une aquarelle de William Hay représente deux de ces femmes, des couturières peintes à six heures du matin alors qu’elles commencent leur journée de travail en 1798, dans l’île de Saint-Christophe (fig. 8). De nouvelles histoires sont là, en attente d’être écrites, et les expositions amplifieront cette fécondité historique.

8. William Hay, Couturières, Saint-Christophe, Caraïbes [Seamstresses, St. Kitts, Caribbean] (détail), 1798, aquarelle sur mine de plomb, 16,8 × 12,4 cm, New Haven, Yale Center for British Art, collection Paul Mellon (B1981.25.2639).

8. William Hay, Couturières, Saint-Christophe, Caraïbes [Seamstresses, St. Kitts, Caribbean] (détail), 1798, aquarelle sur mine de plomb, 16,8 × 12,4 cm, New Haven, Yale Center for British Art, collection Paul Mellon (B1981.25.2639).

photo © Yale Center for British Art, Paul Mellon Collection (p. 118)

60Les espaces de la mode sont aujourd’hui plus vastes qu’ils ne l’étaient par le passé. Ils doivent être protégés de ceux qui voudraient en limiter la compréhension. Les histoires qui produisent parfois des récits problématiques doivent néanmoins être considérées. L’histoire globale de la mode doit demeurer accueillante et s’élargir encore.

61 BuYun Chen. Il est extrêmement difficile de prédire comment peut évoluer un champ de recherche. Plutôt que d’anticiper l’avenir, je dirai simplement que j’ai hâte de lire les travaux produits par la nouvelle génération de chercheuses et de chercheurs qui ne s’encombrent pas des vieux débats.

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Notes

1 Pour une discussion de cette question, voir Margarita Gleba, Timothy McCall, Ulinka Rublack, Eiren Shea et Linda Welters, « Une mode avant la mode ? », infra, p. 33-58.

2 Voir, notamment, les projets « Empire, Slavery and Scotland’s Museums », Museum Galleries Scotland [URL : https://www.museumsgalleriesscotland.org.uk/research/empire-slavery-scotlands-museums -project-research/] et « Colonial Histories and Legacies in Our Museums », National Museums Scotland [URL : https://www.nms.ac.uk/about-us/our-work/colonial-histories-and-legacies/]. Pour un supplément de documentation, voir Adam Kuper, The Museum of Other People: From Colonial Acquisitions to Cosmopolitan Exhibitions, Londres, Profile Books, 2023 ; pour ce qui concerne les programmes universitaires, voir Richard Hall et al., « Struggling for the Anti-Racist University: Learning from an Institution-Wide Response to Curriculum Decolonisation », Teaching in Higher Education, vol. 26, nos 7-8, 2021, p. 902-919, ainsi que Richard Race et al., « Decolonising Curriculum in Education: Continuing Proclamations and Provocations », London Review of Education, vol. 20, no 1, 2022, p. 1-15 [DOI : https://doi.org/10.14324/LRE.20.1.12].

3 Voir Stuart Hall, Tony Jefferson (dir.), Resistance Through Rituals: Youth Subcultures in Post-War Britain, Londres, Hutchinson, 1975 ; Dick Hebdige, Subculture: The Meaning of Style, Londres, Methuen, 1979 ; Jennifer Craik, The Face of Fashion: Cultural Studies in Fashion, Londres, Routledge, 1994 ; Stella Bruzzi, Pamela Church Gibson (dir.), Fashion Cultures: Theories, Explorations and Analysis, Londres, Routledge, 2000.

4 Voir, par exemple, Joanne B. Eicher (dir.), Dress and Ethnicity: Change Across Space and Time, Oxford, Berg, 1995 ; Malcolm Barnard (dir.), Fashion Theory: A Reader, Londres, Taylor and Francis, 2007 ; ainsi que plusieurs chapitres dans Christopher Breward, Beverly Lemire et Giorgio Riello (dir.), The Cambridge Global History of Fashion, Cambridge, Cambridge University Press, 2023.

5 « Footwear Production Volume in China from 2013 to 2021 », Statista [URL : https://www.statista.com/statistics/1025526/china-footwear-production-volume/].

6 Pour la Chine du xxe siècle, voir Eileen Chang, « Chinese Life and Fashions », XXth Century, vol. 4, no 1, 1943, p. 54-61 et Sheng Cheng, A Son of China, Marvin McCord Lowes (trad. angl.), New York, W. W. Norton and Co., 1930. Tous les intellectuels modernes n’ont pas considéré la mode féminine occidentale comme le sommet des progrès de la civilisation, voir Jin Tianhe, « The Women’s Bell », dans Lydia Liu, Rebecca Karl, Dorothy Ko (dir.), The Birth of Chinese Feminism: Essential Texts in Transnational Theory, New York, Columbia University Press, 2013, p. 207-285.

7 Eric Robert Wolf, Europe and the People Without History, Berkeley, University of California Press, 1982.

8 Edward Said, L’Orientalisme. L’Orient créé par l’Occident, Catherine Malamoud (trad. fr.), Paris, Le Seuil, 1980 [éd. orig. : Orientalism, Londres, Routledge and Kegan Paul, 1978] ; Johannes Fabia, Le temps et les autres. Comment l’anthropologie construit son objet, Estelle Henry-Bossonney et Bernard Müller (trad. fr.), Toulouse, Anacharsis, 2017 [éd. orig. : Time and the Other: How Anthropology Makes its Object, New York, Columbia University Press, 1983].

9 Sandra Niessen, « Fashion, Its Sacrifice Zone, and Sustainability », Fashion Theory, vol. 24, no 6, 2020, p. 859-877 [DOI : https://doi.org/10.1080/1362704X.2020.1800984].

10 Angela Jansen, « Decolonising Fashion: Defying the White Man’s Gaze », Vestoj [URL : http://vestoj.com/decolonialising-fashion/].

11 Achile Mbembe, « Decolonizing Knowledge and the Question of the Archive », conférence à Johannesburg, université de Witwatersrand, 2013 [URL : https://wiser.wits.ac.za/system/files/Achille%20Mbembe%20-%20Decolonizing%20Knowledge%20and%20the%20Question%20of%20the%20Archive.pdf].

12 Louis-Sébastien Mercier, « Journal des modes », Tableau de Paris, t. XI, Amsterdam, 1788, p. 217. Pour d’autres exemples sur le même thème, voir Kimberly Chrisman-Campbell, « The King of Couture: How Louis XIV Invented Fashion as We Know It », The Atlantic, 1er sept. 2015 [URL : https://www.theatlantic.com/entertainment/archive/2015/09/the-king-of-couture/402952/] ; voir aussi « Splendor of the Royal Court », sur le site de l’exposition « Paris, Capital of Fashion » (6 sept. 2019 – 4 janv. 2020), New York, The Museum at FIT [URL : https://exhibitions.fitnyc.edu/paris-capital-fashion/?url=gallery-splendor-of-the -royal-court/].

13 Joan DeJean, Du Style. Comment les Français ont inventé la haute couture, la grande cuisine, les cafés chic, le raffinement et l’élégance, Marianne Audouard (trad. fr.), Paris, Grasset, 2006 [éd. orig. : The Essence of Style: How the French Invented High Fashion, Fine Food, Chic Cafés, Style, Sophistication, and Glamour, New York, Free Press, 2005].

14 Voir, par exemple, Michel-Rolph Trouillot, Silencing the Past: Power and the Production of History, Boston, Beacon Press, 1995, notamment le chap. iii, « An Unthinkable History » ; Whitney Nell Stewart, « Fashioning Frenchness: Gens de Couleur Libres and the Cultural Struggle for Power in Antebellum New Orleans », Journal of Social History, no 51, 2018, p. 526-556.

15 Monica L. Miller, Slaves to Fashion: Black Dandyism and the Styling of Black Diasporic Identity, Durham/Londres, Duke University Press, 2009 ; eadem, « W. E. B. DuBois and the Dandy as Diasporic Race Man », Callaloo, no 26, 2003, p. 738-765 ; Shantrelle P. Lewis, Dandy Lion: The Black Dandy and Street Style, New York, Aperture, 2017.

16 Molly Warsh, American Baroque: Pearls and the Nature of Empire (1492-1700), Chapel Hill, University of North Carolina Press/Omohundro Institute of Early American History and Culture, 2018.

17 Ibid., p. 78-127 ; Tamara J. Walker, Exquisite Slaves: Race, Clothing, and Status in Colonial Lima, Cambridge, Cambridge University Press, 2017.

18 Jürgen Renn, L’Évolution de la connaissance. Repenser la science pour l’anthropocène, Raymond Clarinard (trad. fr.), Paris, Les Belles Lettres, 2022 [éd. orig. : The Evolution of Knowledge: Rethinking Science for the Anthropocene, Princeton, Princeton University Press, 2020].

19 Kate Fletcher, Mathilda Tham, Earth Logic Fashion Action Research Plan, Londres, The J. J. Charitable Trust, 2019.

20 Pour plus d’information, voir le site de « Fashion Act Now » [URL : https://www.fashionactnow.org/].

21 Sherry Farrell Racette, « My Grandmothers Loved to Trade: The Indigenization of European Trade Goods in Historic and Contemporary Canada », Journal of Museum Ethnography, no 20, 2008, p. 69-81.

22 Voir Minh-Ha T. Pham, « China: Through the Looking Glass: Race, Property, and the Possessive Investment in White Feelings », dans S. Heijin Lee, Christina H. Moon, and Thuy Linh Nguyen Tu (dir.), Fashion and Beauty in the Time of Asia, New York, New York University Press, 2019, p. 41-68.

23 « We have become so good at talking about African countries as distinct and heterogeneous that we have lost the ability to describe what unites them, the way making practices exist in relation to one another or ideas develop and spread. There are passing references to the popularity of the boubou, originally from Senegal but now worn throughout West Africa, and the ubiquitous kente. But in general, African nations and their fashions are siloed. » Gazelle Mba, « Africa Fashion », London Review of Books, 1er déc. 2022 [URL : https://www.lrb.co.uk/the-paper/v44/n23/gazelle-mba/at-the-v-a].

24 On pourra consulter les pages d’accueil des projets de recherche suivants : « Middling Culture: The Cultural Lives of the Middling Sort, Writing and Material Culture, 1560-1660 » [URL : https://middlingculture.com/project-team/] ; « The East India Company at Home, 1757-1857 » [URL : https://blogs.ucl.ac.uk/eicah/] ; et « Beyond the Spectacle: Native American Presence in Britain » [URL : https://research.kent.ac.uk/beyondthespectacle/] ; ou encore la base de données « GRASAC: The Great Lakes Research Alliance » [URL : https://grasac.artsci.utoronto.ca/?page_id=688/].

25 Voir Beverly Lemire, Laura Peers, Anne Whitelaw (dir.), Object Lives and Global Histories in Northern North America: Material Culture in Motion (1780-1980), Montreal/Kingston, McGill-Queen’s University Press, 2021, lauréat 2021du prix Horowitz du Bard Graduate Center, New York.

26 Beverly Lemire, « Colonizing Winter: Tobogganing, Toboggan Suits, and Imperial agendas in the Northlands, c. 1800-1900 », dans Lemire, Peers et Whitelaw, 2021, cité n. 25, p. 115-144.

27 Ibid.

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Table des illustrations

Titre 1. Photographe anonyme, Jeunes Afro-Américains vêtus de zoot suits, 1942.
URL http://journals.openedition.org/perspective/docannexe/image/30016/img-1.jpg
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Titre 2. Anonyme, probablement de fabrication (Huron) Wendat, veste, 1860-1870, cousue et brodée à la main, drap de laine, poil d’orignal, épines de porc-épic, Montréal, McCord Museum (M7417).
URL http://journals.openedition.org/perspective/docannexe/image/30016/img-2.jpg
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Titre 3. Vue de l’exposition « Africa Fashion » à Londres, Victoria and Albert Museum, du 2 juillet 2022 au 16 avril 2023.
URL http://journals.openedition.org/perspective/docannexe/image/30016/img-3.jpg
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Titre 4a. Membres de l’équipe « Object Lives » examinant un vêtement de prestige réalisé pour un agent de la compagnie de la baie d’Hudson par des femmes indigènes, 2015. De gauche à droite : Judy Half, Cynthia Cooper, Laura Peers, Sarah Carter, Beverly Lemire. Pitt Rivers Museum, University of Oxford.
Crédits photo © Archives de l’auteur
URL http://journals.openedition.org/perspective/docannexe/image/30016/img-4.jpg
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Titre 4b. Femmes anonymes, manteau, vers 1800-1820, peau d’élan ou de bison peinte et piquetée, Oxford, Pitt Rivers Museum, University of Oxford (1951.2.19).
Crédits photo © Pitt Rivers Museum, University of Oxford
URL http://journals.openedition.org/perspective/docannexe/image/30016/img-5.jpg
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Titre 5. « La Luge » [« Tobogganing »], 1889, lithographie en couleur, 3,8 × 7 cm, carte publicitaire à collectionner de la série « Games and Sports » (N165) pour les cigarettes Old Judge, éditée par Goodwin and Company, New York, Metropolitan Museum of Art (63.350.214.165.21).
Crédits photo © Metropolitan Museum of Art
URL http://journals.openedition.org/perspective/docannexe/image/30016/img-6.jpg
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Titre 6. Anonyme, trois banyans ; de gauche à droite : vers 1780 (Royaume-Uni), soie ; vers 1730 (France), soie ; deuxième moitié du xviiie siècle (Europe), soie, laine et lin, New York, Metropolitan Museum of Art (1978.135.1 ; CI 53.74.7 ; CI 56.5.1a-c).
Crédits photo © Metropolitan Museum of Art
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Titre 7a-c. Tim Mitchell, (a-b) femmes découpant de vieux vêtements à la main avant de les broyer mécaniquement ; (c) fabrication d‘une bordure en satin pour une couverture faite à partir de pulls en acrylique recyclés, Panipat, Inde du Nord, 2005.
Crédits © Tim Mitchell
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Crédits © Tim Mitchell
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Crédits © Tim Mitchell
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Titre 8. William Hay, Couturières, Saint-Christophe, Caraïbes [Seamstresses, St. Kitts, Caribbean] (détail), 1798, aquarelle sur mine de plomb, 16,8 × 12,4 cm, New Haven, Yale Center for British Art, collection Paul Mellon (B1981.25.2639).
Crédits photo © Yale Center for British Art, Paul Mellon Collection (p. 118)
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Pour citer cet article

Référence papier

Christopher Breward, BuYun Chen, Beverly Lemire, Lucy Norris et Giorgio Riello, « Vers une histoire globale de la mode »Perspective, 2 | 2023, 99-122.

Référence électronique

Christopher Breward, BuYun Chen, Beverly Lemire, Lucy Norris et Giorgio Riello, « Vers une histoire globale de la mode »Perspective [En ligne], 2 | 2023, mis en ligne le 01 janvier 2024, consulté le 22 février 2024. URL : http://journals.openedition.org/perspective/30016 ; DOI : https://doi.org/10.4000/perspective.30016

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Auteurs

Christopher Breward

Christopher Breward est directeur des Musées nationaux d’Écosse et a travaillé dans des écoles d’art et des musées comme historien du design et comme conservateur. Il a beaucoup publié sur l’histoire de la mode moderne, sur la culture de la mode à Londres en lien avec les histoires de la masculinité et du dandysme, et sur les cultures queer en lien avec le vêtement et la culture matérielle et visuelle. Il a notamment écrit The Culture of Fashion (Manchester, Manchester University Press, 1995) ; The Hidden Consumer (­Manchester, ­Manchester University Press, 1999) ; Fashion (Oxford, Oxford University Press, 2003) ; ­Fashioning London (Oxford, Berg, 2004), et The Suit (Londres, Reaktion Books, 2016).

BuYun Chen

BuYun Chen est historienne de la Chine pré­moderne, avec un intérêt particulier pour le genre, la science et la technologie, l’artisanat et les cultures matérielles. Elle est notamment l’autrice de Empire of Style: Silk and Fashion in Tang China (Washington, University of Washington Press, 2019). Ses recherches actuelles portent sur la relation entre écologie, production artisanale et pratiques du gouvernement dans le royaume indépendant de Ryukyu (archipel d’Okinawa actuel, au Japon), du xviie au xviiie siècle.

Beverly Lemire

Beverly Lemire est professeure et occupe la chaire Henry Marshall Tory à l’université de l’Alberta, au Canada. Elle publie de nombreux travaux sur des sujets historiques en lien avec la culture matérielle et la mode, le genre et la race, mêlant les perspectives britanniques, impériales, comparatistes et globales. Sa monographie la plus récente s’intitule Global Trade and the Transformation of Consumer Cultures: The Material World Remade, c. 1500–1820 (Cambridge, Cambridge University Press 2018).

Lucy Norris

Lucy Norris est professeure de recherche en design et de culture matérielle à la Weißensee Kunsthochschule de Berlin, et membre associée du cluster interdisciplinaire d’excellence Matters of Activity. Elle a publié le résultat de ses recherches sur l’économie des vêtements de seconde main en Inde du Nord dans Recycling Indian Textiles: Global Contexts of Value (Bloomington, Indiana University Press, 2010) ; elle s’est également intéressée à l’industrie artisanale au Kerala, aux déchets et au commerce mondial des vêtements de seconde main, aux économies circulaires urbaines et à la mode durable et a publié sur ces différents champs. Elle a été productrice exécutive d’un court métrage documentaire intitulé Unravel (2012).

Giorgio Riello

Giorgio Riello est professeur d’histoire globale prémoderne à l’Institut universitaire européen à Fiesole (Italie), et professeur d’histoire globale et d’histoire culturelle à l’University of Warwick, au Royaume-Uni. Il a publié en abondance sur la mode globale et le commerce mondial, ainsi que sur la culture matérielle aux débuts de l’époque moderne. En 2020, il a publié Back in Fashion: A History of Fashion Since the Middle Ages (New Haven, CT, Yale University Press). Avec Christopher Breward et Beverly Lemire, il a récemment dirigé la publication de The Cambridge Global History of Fashion (Cambridge, Cambridge University Press, 2023). Il achève actuellement (avec Dagmar Schfer) un projet de livre sur la soie et l’innovation dans la Chine et l’Europe prémodernes. Riello est le principal animateur du projet « CAPASIA: The Asian Origins of Global Capitalism: European Factories in the Indian Ocean, 1500-1800 » (2022-2027), financé par le Conseil européen de la recherche.

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