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    <title>Perspective</title>
    <link>http://journals.openedition.org/perspective</link>
    <description>Perspective présente des textes critiques sur les méthodes, les orientations, les enjeux et les perspectives de la recherche en l’histoire de l’art.</description>        
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  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/perspective/31998">
    <title>« Vertige anachronique » ? Citations anti-impérialistes des motifs de William Morris dans l’art contemporain</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="resume">Cet article explore la manière dont les motifs de William Morris, figure majeure du mouvement Arts and Crafts, sont réinterprétés par des artistes contemporains britanniques et canadiens dans une perspective anti-impérialiste. Issus de références variées (celtiques, médiévales, persanes, etc.), ces motifs sont réutilisés au <span style="font-variant:small-caps;">xxi</span><sup>e</sup> siècle pour nourrir une démarche critique : loin d’être de simples reprises décoratives, ils deviennent le support de nouvelles réflexions sur le passé colonial du Royaume-Uni et sur la production artisanale. Les artistes étudiés s’approprient ainsi l’héritage morrissien en le confrontant à la remise en cause des récits dominants. La réutilisation des formes et des idées de Morris témoigne d’une volonté de penser le motif comme un vecteur d’engagement politique contemporain, faisant de l’héritage de cet artiste une référence toujours actuelle et en constante évolution.</p>]]></description> 
    <dc:creator>Aurélie Petiot</dc:creator>
    <link>http://journals.openedition.org/perspective/31998</link>
    <dc:date>2025-11-20</dc:date>
  </item>
  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/perspective/32015">
    <title>Anachronique, utopique, achronique</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="resume">La mise en perspective des œuvres de l’art médiéval et de la création contemporaine est aujourd’hui un leitmotiv des études sur la pensée visuelle du Moyen Âge, entre recherche des antécédents, mise au jour des signes avant-coureurs, archéologie des influences et découverte d’une modernité ou d’une permanence des formes médiévales dans l’art contemporain. Cette mise en rapport prend des formes diversement pertinentes (comparaisons, évolutions, oxymores), mais elle permet toujours de formuler des conclusions intéressantes sur le pseudomorphisme, l’anachronisme ou encore le médiévalisme. Cet article propose une lecture croisée de quatre ouvrages importants s’inscrivant dans cette tendance historiographique et tente d’en tirer quelques éléments de réflexion sur le but et les méthodes de l’histoire de l’art médiéval, dès lors qu’on l’expose aux vertus et aux dangers de l’anachronisme.</p>]]></description> 
    <dc:creator>Vincent Debiais</dc:creator>
    <link>http://journals.openedition.org/perspective/32015</link>
    <dc:date>2025-11-20</dc:date>
  </item>
  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/perspective/31986">
    <title>L’art et le peuple hors du temps : une histoire ethnographique de l’art durant les années 1930</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="resume">Cette étude s’intéresse à l’utilisation, durant les années 1930, de confrontations anachroniques d’œuvres d’art à des fins identitaires. Plusieurs historiens de l’art conservateurs au département des Peintures du musée du Louvre – notamment René Huyghe, Germain Bazin et Charles Sterling – usent de ces dialogues pour mettre en valeur une prétendue identité française. Leurs théories adoptent certains vocabulaires et codes de l’ethnographie, et la figure du peuple devient primordiale, comme symbole d’une permanence culturelle. Cette construction d’une histoire ethnographique de l’art a lieu en particulier dans la revue <em>L’Amour de l’art</em> et dans trois expositions : l’« Exhibition of French Art » (Londres, Royal Academy, 1932), « Les Peintres de la réalité » (Paris, musée de l’Orangerie, 1934) et « Chefs-d’œuvre de l’art français »<em> </em>(Paris, palais de Tokyo, 1937).</p>]]></description> 
    <dc:creator>Enguerrand Lascols</dc:creator>
    <link>http://journals.openedition.org/perspective/31986</link>
    <dc:date>2025-11-20</dc:date>
  </item>
  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/perspective/31966">
    <title>Une modernité sans avant-gardes : la photographie du futur et la fin de l’art selon Albert Robida</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="resume">Cet article se propose d’analyser la « photopeinture », que les romans d’anticipation publiés par Albert Robida à la fin du <span style="font-variant:small-caps;">xix</span><sup>e</sup> siècle présentent comme l’art du futur. Cette technique incarne le progrès dans les arts, car elle permet de créer des images en couleurs, de n’importe quel format et support. Dans le même temps, elle regarde vers le passé sur le plan esthétique. Dans le monde de Robida, les artistes se spécialisent dans la reproduction d’œuvres déjà existantes, qui génèrent d’importants bénéfices économiques, ou dans la recherche anachronique de scènes pittoresques, moyennant une approche détachée des thèmes de la « vie moderne ». Sous ces deux aspects, la photopeinture se projette vers le futur et vers le passé, ce qui lui confère sa qualité de médium essentiellement anachronique. La consécration des images techniques implique la mort de l’art, compris dans le sens romantique en tant qu’expression de quelque chose d’« intraduisible », en le remplaçant par un univers de s...</p>]]></description> 
    <dc:creator>Javier Ortiz-Echagüe</dc:creator> 
    <dc:creator>Celia Vega Pérez</dc:creator>
    <link>http://journals.openedition.org/perspective/31966</link>
    <dc:date>2025-11-20</dc:date>
  </item>
  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/perspective/31951">
    <title>Le mythe de l’« icône » : anachronisme et désir moderniste</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="resume">Le terme « icône », couramment utilisé aujourd’hui pour désigner une image sacrée, en particulier dans le contexte de l’art dit « byzantin », dissimule une construction historiographique récente, bien éloignée de ses significations et usages médiévaux. Cet essai retrace l’histoire de cette construction sémantique, depuis la redécouverte des peintures sur bois dans la Russie impériale du <span style="font-variant:small-caps;">xix</span><sup>e</sup> siècle jusqu’à leur réinterprétation par les avant-gardes modernistes et le marché de l’art au <span style="font-variant:small-caps;">xx</span><sup>e</sup> siècle. En explorant les glissements du mot et les contextes qui ont façonné son appropriation, ce texte met en lumière les enjeux esthétiques, politiques et identitaires de cette transformation. L’icône se révèle ainsi non seulement comme un objet de dévotion et d’esthétique, mais comme l’incarnation de la construction artificielle d’un imaginaire artistique fragmenté entre Orient et Occident, oscillant entre la revendication d’un patrimoine national et la réinvention moderniste d’un art « univers...</p>]]></description> 
    <dc:creator>Ivan Foletti</dc:creator> 
    <dc:creator>Adrien Palladino</dc:creator>
    <link>http://journals.openedition.org/perspective/31951</link>
    <dc:date>2025-11-20</dc:date>
  </item>
  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/perspective/31945">
    <title>Penser l’histoire en acte : les period rooms dans les musées germaniques au xixe siècle</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="resume">Dans les États allemands du <span style="font-variant:small-caps;">xix</span><sup>e</sup> siècle, la lente marche vers l’unité fait de la discipline historique un domaine scientifique capital et de l’histoire nationale un enjeu majeur, non seulement pour les savants, mais aussi pour la population toute entière. Les musées contribuent massivement à une prise de conscience du passé local et national. Dans les premiers musées d’arts décoratifs européens, la <em>period room</em> remplit un rôle pédagogique : enseigner l’histoire des arts décoratifs aux acteurs de la production des biens à l’époque industrielle. Peu à peu, elle apporte aussi son concours à l’histoire de la culture. Bien que cette réflexion germanique retravaille des modèles français et anglais, la <em>period room</em> devient dans ces territoires un instrument muséal qui permet de penser, de modéliser le passé de manière très subtile, sans équivalent dans d’autres pays européens. Enfin, la <em>period room</em>, en tant qu’espace immersif, est également un lieu de partage social.</p>]]></description> 
    <dc:creator>Pascal Griener</dc:creator>
    <link>http://journals.openedition.org/perspective/31945</link>
    <dc:date>2025-11-20</dc:date>
  </item>
  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/perspective/31931">
    <title>Sortir des temporalités dominantes : démoderniser le musée ?</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="texte"><strong>Ces dernières années, le discours curatorial s’est progressivement emparé de la théorie décoloniale pour questionner les héritages épistémologiques et institutionnels de la modernité occidentale dans les musées et les institutions d’art, et notamment leur recours à une chronologie linéaire et uniforme. De fait, beaucoup de penseurs ont décrit le temps comme « un outil de colonisation très efficace</strong><strong> », que les cultures occidentales ont instrumentalisé pour affirmer leur domination sur l’histoire et placer l’art occidental au centre d’un récit sur le progrès culturel – le rôle des musées étant de préserver une prétendue universalité qui ne faisait que perpétuer l’impérialisme. Or, depuis quelques décennies, les curateurs et les professionnels des musées se sont employés à remettre en question les fondements racistes et coloniaux des institutions culturelles, mais aussi à réimaginer leurs structures temporelles, spatiales et relationnelles. Ces efforts aspirent à aller au-delà des simpl...</strong></p>]]></description> 
    <dc:creator>Charles Esche</dc:creator> 
    <dc:creator>Hélène Valance</dc:creator>
    <link>http://journals.openedition.org/perspective/31931</link>
    <dc:date>2025-11-20</dc:date>
  </item>
  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/perspective/31903">
    <title>L’anachronisme comme politique de display : stratégie curatoriale ou impensé culturel ?</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="texte"><strong>L’anachronisme est souvent associé à une erreur, à une confusion des temps, à un défaut et à un </strong><em><strong>a priori </strong></em><strong>négatif. L’un de ses effets majeurs est de provoquer des points de rupture. Appliqué au contexte muséal, il peut parfois être choisi pour son pouvoir disruptif, mais il peut aussi révéler des limites épistémologiques, jusque-là peu étudiées.</strong></p>
      <p class="texte"><strong>Les muséographes ont traditionnellement organisé les espaces de manière chronologique, par aires géographiques et écoles stylistiques. Après les </strong><em><strong>Wunderkammern</strong></em><strong> [cabinets de curiosités], conçues pour et par les souverains, qui organisaient le savoir par juxtaposition symbolique de différents artefacts hétérogènes, les premiers dispositifs publics ont cherché à suivre une logique chronologique plus apparente, poussant même jusqu’à la recréation d’époques, simulées à travers les « capsules</strong><em><strong> </strong></em><strong>temporelles</strong><strong> » des </strong><em><strong>period rooms</strong></em><strong>. Ces ordonnancements se voulaient – et se veulent encore – pédagogiques, mais ils traduisaient aussi une vision impérialiste et o...</strong></p>]]></description> 
    <dc:creator>Melanie Bühler</dc:creator> 
    <dc:creator>Anne Dressen</dc:creator> 
    <dc:creator>Patricia Falguières</dc:creator> 
    <dc:creator>Pierre Leguillon</dc:creator> 
    <dc:creator>Hélène Leroy</dc:creator>
    <link>http://journals.openedition.org/perspective/31903</link>
    <dc:date>2025-11-20</dc:date>
  </item>
  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/perspective/31874">
    <title>Anachronismes dans les arts et les histoires de l’art de l’Amérique latine</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="texte"><strong>Dans les années 2000, l’œuvre d’Aby Warburg circule largement dans les pays latino-américains grâce aux nombreuses traductions, en espagnol et en portugais du Brésil, de livres consacrés à ce penseur</strong><strong>. Cette vague provoque des réactions variées, de l’enthousiasme de la « découverte</strong><strong> » aux remises en cause : la théorie warburguienne sur l’histoire des images ou encore sur l’anachronisme, tout comme son </strong><em><strong>Atlas Mnémosyne</strong></em><strong>, seraient-ils vraiment novateurs dans les contextes latino-américains ? Quel peut être l’intérêt de ces propositions dans des réalités où les périodes clés de l’art occidental n’ont pas beaucoup de sens, comme le souligna Néstor García Canclini</strong><strong> ? À quoi renvoie l’anachronisme en art et en histoire de l’art dans des régions où ces disciplines se sont développées en étant considérées comme « périphériques » aux pratiques du Nord global ?</strong></p>
      <p class="texte"><strong>Motivée par ces questions soulevées en grande partie par sa visite de l’exposition « Atlas ¿Cómo llevar el mundo a cuestas? » [« Atlas : c...</strong></p>]]></description> 
    <dc:creator>Vivian Braga dos Santos</dc:creator> 
    <dc:creator>María Victoria Dahbar</dc:creator> 
    <dc:creator>Sandra Gamarra Heshiki</dc:creator> 
    <dc:creator>María Soledad García Maidana</dc:creator>
    <link>http://journals.openedition.org/perspective/31874</link>
    <dc:date>2025-11-20</dc:date>
  </item>
  <item rdf:about="http://journals.openedition.org/perspective/31853">
    <title>Formes de l’anachronisme</title>
    <description><![CDATA[
      <p class="epigraphe">Quand l’image survient, le temps se “démonte”, dans tous les sens du mot. Mais, alors, le temps se montre, il s’ouvre dans toute sa complexité, dans son montage de rythmes hétérogènes formant anachronismes.</p>
      <p class="texte">Dans son essai <em>Devant le temps</em>,<em> </em>Georges Didi-Huberman non seulement avance l’idée d’une image comme révélateur de la disjonction permanente des temps de l’œuvre, de sa création à sa réception, mais suggère aussi une pratique de l’histoire de l’art qui fait éclater plusieurs certitudes temporelles constitutives de la discipline, à commencer par celle d’un développement par périodes stylistiques clairement définies, voire cloisonnées. En insistant sur l’anachronisme inhérent à toute image, il met au jour les fragilités de cette vision de l’histoire de l’art. À cet égard, les modèles de classification des périodes historiques élaborés par les éducateurs du <span style="font-variant:small-caps;">xix</span><sup>e</sup> siècle, tels Antoni Jazwinski ou Elizabeth Palmer Peabody (<strong>fig.</strong><strong> 1</strong>), sont très évocateurs : s’ils témoignent d’une volonté de...</p>]]></description> 
    <dc:creator>Hélène Leroy</dc:creator> 
    <dc:creator>Hélène Valance</dc:creator>
    <link>http://journals.openedition.org/perspective/31853</link>
    <dc:date>2025-11-20</dc:date>
  </item>
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