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Parutions

Cervulle Maxime & Saemmer Alexandra (2020). Regard et communication

L’Harmattan. Paris
Étienne Candel
Référence(s) :

Cervulle Maxime & Saemmer Alexandra (2020). Regard et communication. L’Harmattan. Paris. ISBN 978-2-343-19902-3. Prix : 22,50 €

Texte intégral

1Coordonnée par Maxime Cervulle et Alexandra Saemmer, cette livraison de la revue MEI prend pour objet la thématique « Regard et communication » et s’ouvre par une proposition lisible comme une synecdoque : Perspective matters. L’enjeu, pour les deux directeurs du dossier, est de « proposer des jalons pour une approche politique du regard qui invite non seulement à considérer ce qu’il y a à voir dans les représentations médiatiques ou artistiques, mais d’interroger aussi le rôle que ces représentations jouent dans la formation de manières de voir (et de se voir) socialement situées et réorganisées par des dispositifs sociotechniques » (p. 7-8). Perspectives, représentations, manières de voir, l’enjeu de cette approche est bien de cerner la « politique de la perception » qui engage les visibilités dans la société (en particulier celle des « exclu·es du cadre ») et les rapports sociaux inscrits « jusque dans nos sens » (p. 9).

2Le positionnement du numéro convoque autant la sémiologie critique et les Cultural Studies que les apports des Visual Studies pour interroger la construction sociale du regard ; l’angle poststructuraliste vise spécialement « la dimension sensible et intériorisée des rapports sociaux » (p. 11).

3Après un entretien entre les deux directeurs du numéro et John Rajchman, l’article de Maxime Boidy, « Théories et pratiques de la performativité visuelle – Les politiques de l’acte d’image au prisme des Leviathan Series de David Batchelor » aborde à travers la notion de performativité la configuration sociale des manières de voir dans les études visuelles. Il apporte un point de vue à la fois thématique (sur le cas de la circulation de l’image frontispice du Leviathan de Hobbes à l’époque thatchérienne) et épistémologique (sur le développement des Visual Studies au sein des études culturelles). La notion de performativité y est interrogée sous l’aspect de « l’acte d’image » (Bredekamp, 2015) et de la théorie de Judith Butler qui permet en particulier de déplacer l’analyse vers les conditions de possibilité de l’énonciation ; la portée de l’image est ensuite rapprochée de sa dimension de critique idéologique du thatchérisme.

4Dans son article « Voir les médiations à l’œuvre dans la construction du jeu vidéo comme objet muséal », Marion Coville observe la façon dont les dispositifs muséaux adaptent les jeux au contexte de leur exposition. Désormais reconnus comme objet de culture, le jeu vidéo fait l’objet de luttes qui en fixent le sens, observées ici, selon l’approche des études culturelles, avec pour ambition de déterminer le regard pertinent pour l’analyse. Une étude ethnographique auprès des professionnels des musées, sensible au plan matériel, entend à cet égard éclairer la construction du jeu vidéo par la médiation muséale. La multiplicité des regards portés sur l’objet a impliqué le déploiement d’une recherche doctorale à propos de la conception et de l’ouverture d’une exposition dans un Centre de Culture Scientifique, Technique et Industrielle. Prenant la suite des travaux de J. Le Marec sur l’interactivité et s’inscrivant dans les Science and Technology Studies, l’auteure qualifie d’objets frontières les jeux vidéo dans leurs différentes médiations, et cherche, selon une expression que l’on retiendra, « ce qui fait tenir ensemble les choses » (p. 42). Les « coulisses » et la visite de l’exposition, mais aussi les processus du genre, sont ainsi examinés successivement dans leur dimension structurante. L’étude parvient à donner une lecture non angélique de cette multitude de médiations – reconnues dans leur hétérogénéité et dans leurs tensions, en particulier pour l’angle d’analyse sur le genre.

5Sous le titre « La réception les yeux fermés ? Spectacles non vus et controverses théâtrales », Maxime Cervulle analyse la contestation contre le spectacle Exhibit B de Brett Bailey de la part de publics déclarant ne pas avoir vu l’œuvre en question : que quoi ces publics sont-ils alors les publics, et quel est le type de réception engagé ? Notant la place occupée, chez ces publics, par la médiatisation du spectacle et par la critique professionnelle, l’auteur note que cette préfiguration ramène à un circuit classique de composition des publics. Par ailleurs, mobilisant une pensée large de la réception (celle de David Morley), il souligne également que les rapports sociaux de race permettent d’éclairer le refus de voir chez les publics noirs qui d’une part peuvent formuler une critique idéologique à l’égard de ce qui est perçu comme une spectacularisation des corps noirs, et d’autre part remettent en cause le « mode d’adresse », c’est-à-dire la façon dont le dispositif construit son récepteur. Convergents, ces deux modes de lecture oppositionnelle aboutissent à une « lecture indirecte » qui met à distance un objet culturel suspecté de renforcer un sentiment d’exclusion.

6À rebours ce ces phénomènes, la persistance des injonctions de voir témoigne d’une volonté « d’exclure les contestataires du champ des publics » (p. 58) au profit d’une résolution simple du conflit, la seule vision de l’œuvre étant supposée éteindre d’elle-même l’antagonisme pour affirmer le caractère antiraciste de l’œuvre. C’est l’élaboration de cette posture d’« autorité visuelle » (selon le terme de Mirzoeff, 2011), visant à orienter le regard, qui est contestée par les militants.

7Pour finir, M. Cervulle questionne, à partir de Bayard, « les spectacles que l’on n’a pas vus » pour inciter à prendre en compte les multiples formes, plus ou moins impliquées, de la « lecture » de ce qui se donne comme « texte » : il s’impose, explique-t-il, « d’apprécier les effets de la dissociation possible des positions de “récepteur” et de “public” » et « de porter simultanément attention aux pratiques de décodage et aux usages sociaux propres à l’affirmation de l’appartenance à un public » (p. 61).

8Dans « La France coloniale et le spectateur “indigène” : histoire d’une incompétence cinématographique », Morgan Courriou observe le regard porté sur les colonisés de l’apparition du cinéma jusqu’à l’après-guerre – un public « mineur » qui serait incapable d’une expertise sur les films. L’article cherche ainsi à faire l’histoire de la construction d’une incompétence cinématographique en observant plus singulièrement le cas maghrébin. Ancrée dans les mythes et imaginaires du cinéma des premiers temps, l’idée de la candeur des publics primitifs s’inscrit dès les débuts comme une manière de distinguer le rustre de l’homme sophistiqué. Mais c’est à partir des années 1910 seulement que commencent à apparaître comme tels les spectateurs colonisés. À partir du cinéma parlant, ces publics sont progressivement définis comme dangereux, à protéger d’eux-mêmes et de l’influence étrangère. Mais les formes de représentation de ce danger oscillent entre celles liées à une incompétence de ces publics et celles au contraire attribuées à sa compétence et à sa capacité de compréhension critique et d’organisation.

9Signé par Giuseppina Sapio, « Un œil “moyen”. Les films de famille entre assujettissement idéologique et profanation » propose une réflexion théorique et politique sur la pratique des films de famille. Inscrite dans un point de vue foucaldien et agambien sur le dispositif, l’étude vise une histoire des « manières » de voir et de représenter le monde, entre fondation et subversion des modèles sociétaux. « L’étude de la pratique des images familiales, explique l’auteur, consiste principalement à observer la manière dont les regards des membres d’une famille s’emboîtent les uns dans les autres, selon un processus de reconnaissance mutuelle et de formation identitaire » (p. 80), propos en apparence simple, mais ambition particulièrement complexe eu égard au caractère marginal et discret des usages observés. Le but est en effet de comprendre comment le regard de l’autre est « le lieu de l’apprentissage de soi et d’autrui, mais aussi le lieu de luttes et d’idéologies ».

10À ce titre, l’article a pour objet non seulement de contribuer à la lecture idéologique de ces images, mais également d’identifier les « stratégies de profanation », selon l’expression d’Agamben, mises en place par les usagers. L’auteur montre ainsi que ces pratiques médiatiques marginales ne se bornent pas à refléter les modèles sociétaux, mais contribuent à les fonder.

11Dans son article, intitulé « Performer la décolonisation/décoloniser la performance. Les œuvres The Artifact Piece et The Artifact Piece Revisited des artistes autochtones James Luna et Erica Lord », Aurélie Journée-Duez montre comment la performance peut bouleverser la dichotomie entre musées d’anthropologie et musées d’art et révèle les rapports de pouvoir engagés par leurs dispositifs de monstration, concernant notamment les paradigmes de genre et de race. Les deux cas étudiés sont des œuvres d’artistes autochtones qui renversent les rapports de pouvoir dans le cadre du déséquilibre historique fondant la société américaine contemporaine. Elles questionnent directement l’usage muséal des corps des autochtones, leur mise exposition et, pour la deuxième de ces œuvres, qui lui est postérieure, le cadre législatif de la loi fédérale qui est censé encadrer depuis 1990 la protection et le rapatriement des tombes, des restes humains et des objets sacrés autochtones ; ainsi la première performance déconstruit la réduction des corps aux expôts et l’artiste y expose de son corps désormais de son plein gré, et dans la seconde performance c’est plus spécifiquement les corps des femmes racisées qui sont mis en avant, à travers l’exposition du corps de l’artiste complétée de cartels qui rappellent la loi désormais en vigueur. Dans ces performances, explique l’auteure, les corps se substituent au territoire américain et à sa mythologie de la terra nullius, dans le cadre d’une démarche de réappropriation, et sont réinvestis comme espace politique à même de renverser les codes de monstration.

12Alexandra Saemmer et Nolwenn Tréhondart, dans « Remonter aux motivations sociales et politiques du regard. Éléments d’une méthode en sémiotique sociale », entendent retracer les ancrages épistémologiques de la sémiotique sociale comme méthode en questionnant, par des entretiens de groupe, une photographie de presse de l’acte X des Gilets jaunes.

13La méthode exposée vise le passage de la dénotation à la connotation, en prenant d’abord appui sur un relevé des signifiés associés aux détails d’une image. Elle observe à la fois les codes de connotation mobilisés par le public et les « inconscients de la vision » qui déterminent non pas ce qui est vu mais ce qui peut être vu (p. 105). L’originalité du travail proposé est de couper avec la notion de code de connotation au profit d’un réinvestissement de la notion peircienne d’interprétant, plus plastique, et d’une méthode de formulation d’hypothèses dans des situations de co-interprétation par groupes (ici, séparément, des étudiants de Master et des retraités). Dans ce cadre, c’est une pratique réflexive de la sémiotique qui est mise en œuvre, permettant la déprise de soi pour rendre visibles les inconscients de la vision dus aux habitus engagés par les récepteurs.

14Sous le titre « Éducation à l’image, critique de l’artification et approche sémiotique », Bernard Darras étudie le dispositif pédagogique d’éducation à l’image en critiquant notamment le processus d’artification qu’il mobilise. Il propose en retour un outil en ligne doté de nouvelles ressources pédagogiques. La critique du cadre pédagogique va de pair avec celle de la disciplinarité de fait des enseignements d’EMI, enseignants volontaires issus de matières différentes et non formés à la spécificité du domaine. L’influence des critères artistiques et esthétiques témoigne de la vigueur des idéologies de l’artification – la « conversion » en art de tout type d’artefact, y compris le plus banal. Domination artistique et colonisation par l’artification font l’objet de la critique par les cultural studies. Au-delà de cette critique, l’article de B. Darras propose une contre-proposition pour l’éducation à l’image : ancré dans la sémiotique pragmatiste, le dispositif en ligne Images-Éducation travaille avec les étudiants à l’émergence de méthodes d’interprétation dynamiques et collectives. Ses ressources sont mises à la disposition des enseignants. Il procède à l’étude non seulement de l’artefact, mais aussi de ses producteur, diffuseur et utilisateur.

15Le modèle proposé va de pair avec la prise en compte des « théories de l’esprit » nourries par les différents acteurs – qui s’expriment dans leur capacité à anticiper les réactions des autres acteurs, à les percevoir par empathie et à chercher à y répondre. La proposition s’achève par une étude de cas opératoire – l’étude d’une publicité de la Fondation Abbé Pierre.

16Autre étude de cas, le travail de Justine Simon sur la photographie des Deux Marianne réalisée par Valéry Hache pour l’AFP durant l’acte V des « Gilets jaunes » vise à explorer sa médiatisation et les débats qu’elle a suscités à travers l’analyse d’un corpus de tweets multimodaux – observés dans une perspective discursive, technodiscursive et narrative. L’ensemble permet de cerner la dynamique sociopolitique de l’usage des images : l’image circulante permet en effet d’appuyer un point de vue, de déclarer un positionnement.

17En tant que « formule visuelle », selon l’expression de l’autrice, la Marianne héritée de Delacroix fait l’objet de reprises dont les éléments sont relativement stabilisés au travers des différentes matérialités et des supports mobilisés ; le cas d’étude permet de prendre la mesure de l’ampleur des formes de production, de reprise et de partage des images dans le monde contemporain. On notera que pour cet article qui étudie la circulation des images en ligne, ce n’est pas sans saveur que l’auteure a été menée, pour des questions de droit, à publier, plutôt que l’image elle-même, un code QR permettant d’accéder à sa publication en ligne.

18Dans « Visualité/contre-visualité, propositions pour une (re)définition », Ulrike Lune Riboni travaille à partir du couple de notions développées par Nicholas Mirzoeff (comme, respectivement, techniques de renforcement de l’autorité et possibilités de renversement), pour en appliquer les prolongements théoriques au cas de l’usage de la vidéo dans la révolution tunisienne entre 2008 et 2014. Le débordement théorique du travail de Mirzoeff se fait par une concentration sur la question du visuel et du visible, des images aux imaginaires, sur les vidéos vernaculaires « amateurs » plutôt que sur des vidéos artistiques ou professionnelles, et enfin sur le geste d’image, sa circulation, sa réception (p. 148-149).

19Le cas tunisien permet à la chercheuse de proposer une définition de la visualité à l’articulation des « régimes de visibilité » et des « régimes de représentation » : d’un côté « ce qui est exposé, surexposé, dissimulé, soustrait ou interdit à la vue » ; et de l’autre « non plus ce qui se voit et ne se voit pas, mais comment cela est donné à voir » (p. 160). Les « contre-régimes de représentation » (d’après le terme de Hall) réfèrent aux « pratiques de représentation dissidentes vis-à-vis du régime hégémonique » (selon la définition de M. Cervulle) ; et quant aux « contre-régimes de visibilité », ils ne se situent pas dans le champ des formes et des contenus, mais dans les champs du visible – l’espace public par exemple. L’objectif étant de percevoir comment les gestes d’image produisent du commun.

20Le dernier article du numéro, « Quelques tableaux de la représentation », par William John Thomas Mitchell, est une synthèse très dense et une proposition théorique forte qu’il me paraît difficile de simplement résumer. Je me limiterai, dans l’espace contraint de cette lecture, à en relever les propositions les plus fortes. Le travail est organisé autour de trois « clichés » à partir de trois questions fondamentales de la représentation : « (1) Qu’y a-t-il en dehors de la représentation ? (2) Pourquoi la représentation nous trouble-t-elle ? (3) Quelle est notre responsabilité à son égard ? ».

21La première de ces questions renvoie notamment à la question du sublime et trouve une réponse dans la description programmatique d’une approche radicalement pragmatique et locale de la représentation.

22La seconde observe à la fois le caractère indispensable de la notion de représentation et son caractère de terme obstacle ; face à cette dichotomie, l’auteur propose de dé-réifier la chose qui semble se tenir devant nous (à la place de) pour considérer la représentation comme un pion sur un échiquier : « cela rapporterait la notion de représentation à quelque chose de l’ordre de la totalité de l’activité culturelle » (p. 166), à l’intérieur d’un système d’échange.

23Ainsi se présente également la question de la responsabilité : la représentation responsable est une définition de la vérité ; « la responsabilité est représentation, et vice versa », et « l’art, la culture et l’idéologie explorent, exploitent l’écart entre représentation et responsabilité ». Quant à « nous », chercheurs et d’enseignants, notre responsabilité professionnelle, explique Mitchell, est de produire du sens à partir de représentations.

24La qualité particulière de cette livraison de MEI réside avant tout dans son cadrage problématique, extrêmement éclairant grâce à la rencontre effectuée entre Sciences de l’information et de la communication et cultural et visual studies. Un autre point particulièrement à retenir est son ambition méthodologique, certes quelque peu hétérogène à travers la diversité des cas d’étude, mais cependant continue et structurante. L’orientation pragmatique, en particulier, permet d’envisager des perspectives de recherche stimulantes pour aborder la question du regard autrement que comme une relation de sujet à objet, dans un contexte social élargi et dans une vision moins essentialiste de la culture.

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Pour citer cet article

Référence électronique

Étienne Candel, « Cervulle Maxime & Saemmer Alexandra (2020). Regard et communication »Revue française des sciences de l’information et de la communication [En ligne], 23 | 2021, mis en ligne le 01 septembre 2021, consulté le 19 octobre 2021. URL : http://journals.openedition.org/rfsic/11589 ; DOI : https://doi.org/10.4000/rfsic.11589

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Auteur

Étienne Candel

Professeur des universités en Sciences de l’information et de la communication, IUT Paris Rives de Sein/CERLIS UMR 8070

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