1Le développement de l’imprimé au XVIII^e siècle favorise la diffusion de l’actualité politique, scientifique, culturelle ou artistique par l’intermédiaire de journaux, gazettes, affiches ou gravures. Les journaux et les gazettes restent des produits réservés aux classes aisées en raison du coût de l’abonnement, mais ils circulent ensuite dans les maisons ou dans les cafés1. Certains événements retentissants sont illustrés et diffusés par des gravures ou des imageries populaires, quelquefois les peintres s’en emparent, l’actualité devient ainsi une source d’inspiration et de création pour les artistes.

2L’intérêt accordé par les graveurs et les artistes à certains événements provoquent ou participent à de véritables effets de mode. Lorsque les arts décoratifs s’approprient ces thèmes d’actualité se sont le plus souvent pour satisfaire le goût du consommateur. L’actualité devient ainsi une source de création pour des objets de mode et de décoration, les dessinateurs trouvent dans les articles de journaux, mais surtout les peintures et les gravures de nombreuses sources d’inspiration. L’industrie des toiles peintes qui se développe en France à partir de 1759, n’échappe pas à ce phénomène d’autant plus que les techniques de fabrication permettent un renouvellement relativement rapide des compositions2. Les thèmes décoratifs inspirés par l’actualité culturelle et des événements politiques apparaissent notamment dans les toiles appelées camayeux en raison de leur impression en une seule couleur à la planche de cuivre3. Les camaïeux pour ameublement appelés camayeux meuble constituent une catégorie de toiles peintes appréciées des consommateurs pour leurs décors figuratifs. Ces camayeux meuble décorés de paysages et de personnages sont fabriqués dans les grandes manufactures, seules capables d’acquérir le matériel nécessaire pour l’impression au cuivre et d’employer des ouvriers spécialisés. La manufacture de Jouy se distingue par la création de grands dessins figuratifs évoquant les événements marquants de cette époque afin de satisfaire le goût de consommateurs avertis.

4Les dessins et les toiles imprimées qui nous sont parvenus révèlent comment les dessinateurs adaptent des événements ou des idées ‘’dans l’air’’ à un support textile destiné à orner des intérieurs. L’interprétation de l’actualité doit répondre au goût du plus grand nombre, une clientèle sinon fortunée du moins cultivée, se fournissant dans les boutiques du Palais-Royal ou chez les principaux négociants des grandes villes de province. Oberkampf choisit avec soin les thèmes liés à l’actualité car les créations pour l’impression à la planche de cuivre représentent un double coût pour le manufacturier qui fait appel à un artiste pour le dessin et à un graveur en taille-douce pour la planche de cuivre, cet investissement ne devient alors rentable qu’en imprimant un certain nombre de pièces. Le manufacturier doit non seulement choisir le sujet représenté, mais le moment le plus propice pour l’imprimer et le commercialiser car comme remarque Oberkampf : « Il faudroit pouvoir lire dans l’avenir pour savoir quel genre succèdera à celui qui existe alors car de tous temps il y a eu un genre plus recherché que les autres et cela sera toujours. Le plus habile est aussi celui qui sait s’y arrêter à temps pour en avoir le moins de reste quand ce genre cesse de plaire4 ».

5Oberkampf attache une grande importance à la création des dessins qu’il assure lui-même jusqu’en 1764, époque à laquelle il embauche un dessinateur5. Les agrandissements successifs l’obligent à déléguer auprès d’ouvriers compétents la surveillance des différentes étapes de fabrication, mais il continue à garder la haute main sur l’atelier des dessinateurs. La création des dessins pour camaïeux imprimés à la planche de cuivre se fait d’abord à la manufacture par des dessinateurs, souvent payés à la pièce pour ces travaux spécifiques. Puis, Oberkampf cherchant à perfectionner l’art de l’impression autant par les techniques, les procédés de teinture que la création des dessins, sollicite des artistes afin de réaliser quelques compositions marquantes qui vont faire la réputation de la manufacture. Après l’obtention du titre de manufacture royale en 1783, il commande un dessin représentant Les travaux de la Manufacture à Jean-Baptiste Huet, inaugurant une relation qui ne devait cesser qu’à la mort de l’artiste en 1811. Jean-Baptiste Huet est reçu en 1769 à l’Académie Royale de peinture et de sculpture comme peintre animalier, avant de connaître un certain succès dans le genre de la pastorale6. Les copies des lettres adressées par Oberkampf à Jean-Baptiste Huet qui ont été conservées à partir de 1790, révèlent comment les relations entre le fabricant et l’artiste s’établissent. Oberkampf commande des dessins en donnant des directives très précises quant aux dimensions. De nombreuses compositions ont été attribuées à Jean-Baptiste Huet, pourtant la consultation des dessins conservés au Cabinet des Dessins des Arts Décoratifs à Paris, révèle l’existence d’autres mains. S’agit-il alors d’autres artistes moins connus, moins talentueux, d’élèves ou de collaborateurs de l’artiste ou plus simplement de dessinateurs employés à la manufacture ?             

7Ces représentations d’actualité sont destinées à séduire le plus grand nombre,  pourtant ces compositions se démodent plus vite que d’autres thèmes, elles peuvent même devenir invendables, surtout lorsque les toiles représentent des événements politiques. Oberkampf est avant tout fabricant, la création des dessins a pour but de « faciliter la vente de laquelle dépend la prospérité de l’établissement »7, en adaptant ces impressions à la mode, au nouveau goût avec rapidité et surtout avant ses concurrents. Nous verrons ensuite, comment dans ce but, il recourt à plusieurs procédés faisant preuve d’imagination pour réactualiser ses créations et continuer à les imprimer.

8Oberkampf en imprimant des compositions relatives à des événements retentissants, se fait l’écho des récits faits dans les journaux, les gazettes et surtout des images qui se diffusent dans la société. La gravure joue un rôle important dans la diffusion de ces faits d’actualité et les dessinateurs se réapproprient cette iconographie pour en composer des dessins à la mode. L’apparition dans le textile imprimé de motifs faisant référence à l’actualité s’explique souvent par des effets de mode, ainsi lorsque la manufacture imprime des toiles avec des ballons, elle s’empare de la véritable « ballomanie » provoquée par les expériences de ballons et montgolfières entre 1783 et 1787. Ces expériences publiques provoquent la curiosité et l’enthousiasme des foules venues voir ces premières ascensions. De nombreuses personnes y assistent tandis que leurs annonces, leurs descriptions dans les journaux et surtout les nombreuses gravures permettent au plus grand nombre de découvrir ces expériences8.

9Cette « ballomanie » se développe dans les arts visuels, puis se répand dans les arts décoratifs, de la décoration intérieure à tous les objets de mode employés au XVIII^e siècle, accessoires, boutons, canes, éventails etc…. Le globe de Charles et Robert et Le Réveillon des frères Montgolfier deviennent des ornements à la mode, utilisés un peu partout et les manufactures de toiles peintes vont en faire grand usage. À la manufacture de Jouy, ces motifs des ballons se retrouvent aussi bien dans les impressions polychromes à la planche de bois que dans les meubles camaïeux. Cependant la différence entre ces deux types d’impression est importante car dans les toiles polychromes, les ballons sont de simples décors à la mode tandis que dans les meubles camaïeux, de grands dessins évoquent les événements importants de la conquête du ciel. D’après les archives, Oberkampf a fait imprimé au moins trois meubles camaïeux avec des motifs de ballon, mais seulement deux sont connus à ce jour9.

11Le ballon n’est qu’un élément du dessin mis en scène dans le cadre d’un jardin qui évoque celui des Tuileries tandis que la foule est réduite à quelques personnages qui ôtent leur chapeau ou montrent du doigt cet exploit. L’importance du ballon semble limitée dans la composition, pourtant c’est ce motif qui donne tout le sens au récit de l’événement créé par l’ascension de Charles et Robert. Le dessinateur n’abandonne pas pour autant l’aspect décoratif car des petits ballons viennent agrémenter les médaillons, enroulements d’acanthes, guirlandes et colliers comme autant de motifs propres aux compositions en arabesque. Le numéro de ce dessin D108 permet de situer sa création vers 1784 en pleine ‘’ballomanie’’10. Une version en papier peint a également été fabriquée, mais la composition est très différente car le fabricant a privilégié les éléments décoratifs pour réaliser un papier peint en arabesque, les scènes, éléments principaux de la toile peinte, ont disparu11.

17Le style de ces deux dessins rappelle d’autres productions, son auteur est peut être un dessinateur attaché à la manufacture auquel Oberkampf aurait demandé de réaliser un nouveau dessin sur le thème des ballons. Son numéro D166 indique une création assez tardive vers 1789 alors que l’enthousiasme du public pour ces expériences diminue sensiblement et que les ballons ne sont plus à la mode. Le dessin a pu être réalisé à la demande d’un milieu scientifique ou de passionnés de ces expériences car Oberkampf précise dans une lettre à un commerçant en novembre 1790, qu’il ne fait  « la planche N° D166 du Ballon de Goneze » que « par commande »12. Les dessins créés à la manufacture de Jouy ne se contentent pas de participer à la « ballomanie » ambiante car les dessinateurs évoquent dans leurs compositions des événements précis, ces impressions figuratives deviennent alors de véritables imageries populaires.

18Les journaux et gazettes, comme le Mercure galant pour éviter la censure accordent une large place aux événements mondains et littéraires, en publiant des chroniques de mode accompagnées d’illustrations. Tandis que d’autres journaux contrôlés par le pouvoir diffusent les informations politiques de la France et des grandes cours européennes comme La gazette de France dont la publication a été annexée au ministère des Affaires étrangères par le Comte de Choiseul, en 1762. Les Français ont ainsi connaissance de la signature, le 6 février 1778 d’une alliance entre la France et Benjamin Franklin, ministre plénipotentiaire des Etats-Unis à Paris. Dès la signature de ce traité entre les nouveaux états indépendants et la France, des gravures célèbrent l’événement avec des images symboliques13. L’attention accordée à ces événements s’amplifie lorsque Louis XVI envoie un corps expéditionnaire de 6000 hommes sous les ordres du Marquis de Rochambeau et du marquis de La Fayette en 1780. Le soutien de la France à l’Amérique contre l’Angleterre est largement répandu chez les Français qui suivent avec attention ces événements. La guerre d’Indépendance devient pour les artistes une source d’inspiration importante comme en témoignent les peintures, gravures et décors consacrés à ce conflit.

21L’étude du dessin original, conservé au Cabinet des Dessins des Arts Décoratifs, permet de comprendre la scène principale. Ce n’est pas une scène d’hommage comme on l’a toujours pensé, mais une image qui symbolise la signature du traité en 1778. La confrontation de ce dessin avec des gravures célébrant l’événement, révèle des compositions très proches ainsi que le titre  original Union de la France à l’Amérique que l’on trouve dans la correspondance de la manufacture14. L’Amérique, en effet avec ses attributs (nudité, couronne de plumes, carquois remplacé par une massue en référence à son surnom d’Hercule, crocodile) s’unit à la France, l’alliance est bénie par la Liberté. Un noir à genoux brandit la déclaration des droits de l’homme tandis que derrière lui, un soldat anglais s’éloigne en vociférant et un autre s’appuie sur une canne.

23La disposition des motifs dans le rapport avec des dimensions différentes permet de diminuer les effets de répétition du dessin lorsque la toile est employée en tenture, par exemple15. Les jeux d’échelle mettent en valeur la scène de l’alliance, complétée par les autres motifs. Le succès que rencontre cette toile reflète l’intérêt suscité par l’événement et la guerre avec l’Angleterre qui s’en suit.

24Ce thème en évoquant les aspirations de liberté d’un peuple, va parfaitement s’adapter aux idéaux révolutionnaires de 1789, aussi Oberkampf peut-il continuer à le vendre jusque dans les premières années du XIX^e siècle16. Ce dessin connaît une certaine fortune puisque la manufacture de Réveillon fabrique un papier peint assorti tandis que le motif imprimé à Jouy est copié grossièrement par une manufacture nantaise de toiles peintes17. Les événements qui ponctuent la guerre d’Indépendance sont autant d’occasion pour les dessinateurs et graveurs de produire des images populaires. Mais c’est surtout après la fin des hostilités entre la France et l’Angleterre avec la ratification du traité de Versailles par Louis XVI,  le 3 septembre 1783, que la guerre d’Indépendance devient un thème artistique très populaire. De nombreuses gravures, peintures  et médailles vont célébrer l’événement et mettre en exergue le rôle de la France.

26La qualité de cette composition et le style des motifs permettent de l’attribuer à Jean-Baptiste Huet. Il mêle des décors à l’antique répandus dans les intérieurs aisés à des scènes de pastorales évoquant le goût pour la nature et la vie à la campagne selon une conception très rousseauiste, tandis que deux médaillons évoquent la guerre d’Indépendance. Dans le premier, un décor est dédié à la liberté représentée sous les traits d’un profil coiffé d’un bonnet phrygien, accompagné d’une inscription « LIBERTAS AMERICANA 4 juillet 1776 », rappelant la date de la déclaration d’indépendance qui marque le début de la guerre. Dans le deuxième médaillon, une allégorie représente la France sous les traits de Minerve protégeant contre le Léopard anglais, l’Amérique en Hercule enfant assis sur un bouclier et étouffant ses serpents. Dessous, les dates « 1777 et 1781 oct 17-19 » font références aux  deux grandes victoires américaines sur les troupes anglaises. Le 17 octobre 1777, les Américains défont les troupes de Burgoyne et le 19 octobre 1781, les troupes du général Cornwallis capitulent à la victoire de Yorktown. Au-dessus de la scène allégorique est inscrite une citation en latin d’un poème d’Horace : « NON SINE DIIS ANIMOSUS INFANS » signifiant « non sans les dieux un enfant courageux »18.

27Ces décors sont en réalité la copie exacte d’une médaille commandée par Benjamin Franklin au graveur Augustin Dupré dès 1782 pour célébrer la victoire américaine sur l’Angleterre. L’idée de ce groupe allégorique est de Franklin qui en donne une description précise, Dupré y apporte quelques changements et termine cette médaille à la fin de mars 178319. Benjamin Franklin, qui reste à Paris jusqu’en 1785, offre la médaille en or au Roi et à la Reine et une en argent aux ministres de la part du Congrès Américain en signe de reconnaissance pour leur aide20.

28On peut supposer que la toile a été imprimée après le traité de Versailles en septembre 178321. Elle connaît comme le dessin précédent un long succès car la manufacture poursuit sa vente jusqu’au début du XIX^e siècle22, tandis qu’une copie postérieure à 1790 est imprimée dans une fabrique de Beautiran23.

31Le motif de la Bastille dans le médaillon n’a pas été emprunté aux nombreuses gravures illustrant les épisodes de l’assaut, mais à la peinture d’Hubert Robert, La Bastille dans les premiers jours de sa démolition, présentée au Salon en septembre 178924. Le peintre s’attarde sur un événement, il ne privilégie pas son illustration mais plutôt une vision pittoresque et dramatique. La toile imprimée n’est pas une illustration de la Révolution du 14 juillet 1789, mais une composition allégorique des changements politiques que représente la destruction de la Bastille.

32En revanche, le dessin de Jean-Baptiste Huet sur La fête de la Fédération du 14 juillet 1790 représente un événement marquant dont la planche est gravée durant l’été 1791 et la toile commercialisée dès l’automne 179125.

33Il abandonne dans ce dessin la composition en arabesque, mais à nouveau, il organise autour d’une scène principale une succession de motifs dans la nature, jouant sur des échelles différentes afin de suggérer la profondeur. Il privilégie une représentation anecdotique où chaque protagoniste est facilement identifiable. Dans la scène principale, on reconnaît la tribune surmontée d’un décor à l’antique où flottent les drapeaux blancs, la physionomie de Louis XVI prêtant serment à la constitution avec à ses côtés une allégorie de la Liberté brandissant une lance surmontée d’un bonnet phrygien. Les gardes nationaux entourent la tribune sous la direction de La Fayette, ainsi que la Reine avec le dauphin d’un côté, Madame Elisabeth et Madame Royale de l’autre. Cette vision anecdotique de la fête de la Fédération rappelle les nombreuses représentations qui en ont été faites, mais le dessinateur par souci de lisibilité limite le nombre des personnages. Cette immense fête rassemblant tous les Français est simplement évoquée par l’arc de triomphe construit sur le Champ-de-Mars pour commémorer le 14 juillet 1789 et des scènes de danse sur les ruines de la Bastille, comme le précise l’écriteau accroché à un arbre « ICI ON DANSE ». Jean-Baptiste Huet accorde une place plus importante à la garde nationale (campements, entraînements, recrutements), sans doute parce qu’il y est présent en tant que capitaine des gardes nationaux de Sèvres26. Malgré la suite des événements révolutionnaires, Oberkampf continue à vendre cette toile jusqu’en février 1795 où il écoule ces dernières pièces du « Din …de la Fédération »27.

35Cependant, la manufacture n’abandonne pas totalement les thèmes d’actualité dans l’impression des dessins pour meuble : les faits politiques sont remplacés par des événements culturels. À nouveau, les dessinateurs adaptent des thèmes à la mode dont les motifs se répandent dans les arts décoratifs. En faisant appel aux talents de Jean-Baptiste Huet, Oberkampf peut imprimer des thèmes novateurs pour les arts décoratifs, avant les autres manufactures de toiles peintes. L’artiste réalise ainsi un dessin sur l’histoire de Paul et Virginie en 180328. Les gravures qui accompagnent la seconde parution en 1789 du roman forment un répertoire de motifs pour les dessinateurs et l’histoire de Paul et Virginie devient un thème à la mode. Le succès du roman de Bernardin de Saint-Pierre se manifeste aussi bien dans la peinture, la gravure que dans les arts décoratifs et sur des supports très divers.

36Lorsque Jean-Baptiste Huet compose un dessin sur ce thème en 1803, Oberkampf est assuré de son succès, la manufacture de Jouy propose donc au consommateur un thème à la mode déjà répandu dans les arts29. Jean-Baptiste Huet reprend à l’édition de 1789, la scène de l’orage de Jean-Michel Moreau le Jeune où Virginie relève sa jupe pour protéger Paul et il s’inspire du naufrage de Joseph Vernet, tiré du tableau qu’il a exposé au salon de 1789, le Naufrage de Virginie à l’Ile de France gravé également dans l’édition de 178930.

39Mais cette composition n’est commercialisée qu’en 180731, alors que dès le retour de l’Expédition de Bonaparte en 1801, l’engouement pour l’Egypte s’est emparé des arts décoratifs32. Cette toile reflète assez fidèlement la connaissance de l’Egypte à la suite de cette expédition puisque le dessin mêle des monuments d’époques différentes : le fort de Qaït Bey au port d’Alexandrie, l’obélisque dit de Cléopâtre près de Louxor d’après des peintures de Louis François Cassas gravées dans l’ouvrage de Denon et des entrées de temples pharaoniques qui sont perçus pour des tombeaux. Jean-Baptiste Huet limite l’aspect pittoresque des paysages aux scènes du peintre Cassas pour privilégier des ornements disposés selon une composition rigoureusement symétrique sur un fond orné d’un réseau évoquant l’appareillage des pyramides. Le thème de la composition n’est pas l’Expédition d’Egypte avec des représentations d’événements militaires ou scientifiques, mais l’Egypte est à la mode, il compose alors un décor sur ce thème pour orner les intérieurs.

40L’attention que Jean-Baptiste Huet porte aux thèmes en vogue, se manifeste aussi dans le dessin Tancrède et Herminie tiré  du poème épique du Tasse La Jérusalem délivrée. Le dessin est gravé en 1808. En septembre, Oberkampf annonce à ses commerçants que la gravure de son « nouveau dessin meuble Tancrède et Herminie » n’est pas encore terminé et qu’il pourra leur livrer les premières toiles au printemps prochain33. Jean-Baptiste Huet n’a pas choisi ce thème littéraire au hasard. En effet, dans les années 1800, La Jérusalem délivrée constitue une source privilégiée pour les artistes qui adaptent le goût pour le Moyen Age dans les arts34. Déjà au XVIII^e siècle, plusieurs créations musicales y trouvent leur source d’inspiration, notamment L’Armide, l’opéra de Gluck créé en 1777, qui fait l’objet de plusieurs reprises à partir de 180535. L’œuvre littéraire elle-même connaît plusieurs éditions, celle de Bossange et Masson à Paris a fait l’objet de quatre gros tirages entre 1794 et 1811, preuve du succès que connaît La Jérusalem délivrée.

48Oberkampf n’ayant pas encore fait graver la planche de cuivre transforme quelques détails significatifs et la toile devient une allégorie de la Liberté. La banderole tenue par un amour au-dessus du Roi précise le thème « Louis XVI restaurateur de la liberté » qui devint le personnage de la Religion sans son crucifix tandis que les amours sont remplacés par la destruction de la Bastille selon Vernet avec au-dessus du bâtiment une banderole sur laquelle est écrit « Démolition de la Bastille 14 juillet 1789 ». Les symboles évoquant la royauté française : le chêne, les fleurs de lys, ainsi que l’allégorie des arts au pied du roi, le lion symbolisant la force et le coq la France sont conservés. Les archives manquent pour savoir si ces changements ont été proposés par Jean-Baptiste Huet ou réalisés à l’initiative d’Oberkampf, on peut imaginer que le peintre a vu le tableau de Joseph Vernet au Salon de 1789 et qu’il a eu l’idée de l’insérer dans le médaillon. Ces transformations replacent le dessin dans l’actualité, de même que le titre Louis XVI, protecteur de la Religion devient Louis XVI, restaurateur de la Liberté. Mais ce nouveau titre, trop lié à la personnalité de Louis XVI, est changé dès juin 1790. Oberkampf déclare à un commerçant de Nantes : « le Dessin n°140 s’appelle le dessein de la Révolution, je vous prie de le vendre sous ce nom »36 ; tandis que certains commerçants le nomment aussi « Démolition de la Bastille » reprenant l’inscription du médaillon37. La modification du titre donne une espérance de vente plus longue au dessin, malgré la représentation de Louis XVI car en mars 1793, Oberkampf écrit : « il me reste très peu de dessin de la fédération et révolution & je continue à les vendre au même prix que les autres meubles38. ». Cependant, l’instauration du régime de la Terreur l’oblige à liquider ses dernières pièces du dessin de La Révolution, 3 livres moins chère par aune39. Ce n’est pas la première fois qu’Oberkampf modifie un dessin avant ou après sa gravure pour s’adapter à l’évolution de l’actualité, mais dans cet exemple le sujet de la composition en est complètement transformé.

49Les événements révolutionnaires expliquent également le changement du titre de L’Union de la France à l’Amérique qui est appelé dès 1790 La Révolution d’Amérique. Malgré ce changement, Oberkampf est également obligé de liquider au rabais le dessin car, comme il le précise en 1795 à un commerçant, « sur le meuble de la Révolution d’amérique il existe une figure représentant la France par une couronne sur la tête et un globe sur lequel sont trois fleurs de lys. C’est ce qui me le fait établir 4# par aune en‑dessous du cours c’est à vous de juger si vous en voulez ou non40 ». Pourtant, dès le décret du 16 septembre 1792, tous les signes rappelant le despotisme du régime de la monarchie devaient être détruits, parmi lesquels figuraient principalement les armoiries et les emblèmes de la royauté. Cependant, le thème de la guerre d’Indépendance d’Amérique restait toujours d’actualité, en accord avec les idées d’une France à la fois révolutionnaire et conquérante. C’est pourquoi à partir de 1798, Oberkampf réimprime ce dessin en faisant disparaître les insignes royaux (fleurs de lys, couronne royale), la toile est alors à nouveau désignée par le titre d’origine L’Union de la France à l’Amérique 41.

50Lorsque des toiles imprimées deviennent démodées pour différentes raisons, Oberkampf n’hésite pas à graver une nouvelle planche ou à faire regraver tout simplement quelques détails pour poursuivre l’impression des toiles, réactualisant le dessin à moindre coût. Il procède de la même manière avec les toiles à décors de ballon dont la mode diminue dès 1787. Le parc du château est toujours imprimé, mais à partir de 1790, le globe aérostatique de Charles et Robert est remplacé par une cabane et un renard dans l’esprit champêtre des autres motifs. Le dessin devient alors une charmante composition de pastorales et de saynètes dans un jardin.  Oberkampf indique aux commerçants qui commandent cette toile qu’il a « fait oter le Ballon dans la planche42 ».

52La confrontation des dessins qui ont été conservés avec les toiles imprimées révèle certains ajouts ou des modifications de dernière minute pour proposer au consommateur des thèmes nouveaux et actuels. Oberkampf imprime ainsi une toile en hommage à Jean-Jacques Rousseau simplement en rajoutant dans un dessin composé de ruines et  de scènes à la campagne, le monument édifié par le marquis de Girardin sur l’île des peupliers du parc de Mortefontaine à Ermenonville d’après les plans d’Hubert Robert. L’ajout de ce motif ne transforme pas l’ensemble de la composition puisqu’il vient remplacer un autre motif, mais il évoque la mort d’un personnage célèbre propice au succès de cette toile. Oberkampf choisit bien entendu avec soin un dessin évocateur du goût pour la nature et de la vie à la campagne décrite par le philosophe dans La nouvelle Héloïse, le monument s’intègre ainsi parfaitement bien dans le paysage. La toile est ainsi vendue sous le titre Le Tombeau de Jean-Jacques Rousseau43.

55Cependant, le renouvellement des camaïeux pour meuble ne signifie pas pour autant l’abandon des dessins précédents car, les archives le prouvent, de nombreuses compositions sont imprimées pendant plus de dix ans, en raison notamment d’un décalage du goût entre Paris et la Province. Lorsque Oberkampf transforme ou modifie les dessins aux thèmes d’actualité, il ne fait que s’assurer de la longévité de ces toiles nécessaire à leur usage dans l’ameublement. Oberkampf sait également renouveler sa clientèle car lorsque un dessin n’est plus nouveau, il le propose à des prix plus bas en l’imprimant sur des toiles ordinaires. Il accepte également de l’imprimer à façon : des commerçants lui envoient des toiles écrues qu’il se charge d’imprimer pour leur compte, en leur faisant payer seulement le prix de l’impression. Ainsi, certains dessins continuent à être imprimés pendant longtemps car une clientèle moins fortunée et provinciale les apprécie à son tour, par exemple L’Union de l’Amérique à la France ou L’indépendance Américaine sont encore imprimées à la fin du XVIII^e et au début du XIX^e siècle pour des commerçants de Castres et de Bayonne sur des toiles ordinaires44.