3Dans le carnet critique de ce numéro de la revue Skén&graphie, nous avons voulu nous interroger sur les liens entre le queer et les arts de la scène. Quelles sont les scènes contemporaines où le rapport entre sexe, genre et sexualité est posé ? Quels sont ces corps queer et que (nous) font-ils ? Quels sont les enjeux esthétiques et politiques d’une telle mise en scène des corps, des sexualités, des identités ? Comment interpréter ces productions artisti­ques qui jettent le trouble dans la représentation de soi et des autres ?

4L’article initial de Gilles Jacinto et Muriel Plana nous présente une profonde et magistrale réflexion autour de l’influence de la pensée queer sur la jeune création contemporaine en France. Après avoir explicité les fonde­ments d’une esthétique queer et identifié son incontournable dimension poli­tique, les auteur.e.s. se penchent, pour illustrer leur propos et donner à voir toute la portée d’un art queer, sur quatre créations : deux spectacles (Lucioles, écrit et mis en scène par Claire Balerdi ; Pédale, bijoux, barbe, de et avec David Malan et Emmanuel Rogez), une perfo-conférence (de et avec Gilles Jacinto et Anne Pellus, réalisée à l’Université de Toulouse-Jean Jaurès), et une performance chorégraphique, plastique et sonore (Des fleurs pour Schrödinger, de et avec Tinmas Akouaou et Pierre Meunier).

5L’entretien de l’Espagnol Álvaro Caboalles, qui s’intéresse à la création contemporaine sous l’angle du genre, de l’héritage culturel et de la politique, et qui inscrit son travail au croisement des arts visuels et des arts de la scène, nous permet de visualiser de manière encore plus concrète l’ap­plication des postulats queer à la sphère artistique et universitaire. Dans cet entretien, le jeune artiste et chercheur nous explique ce que signifie pour lui être queer et nous offre, en guise d’exemple, une analyse d’une de ses pièces, avant de nous parler de la scène queer espagnole actuelle et de quelques-un.e.s de ses représentant.e.s.

6Après ce détour vers l’Espagne, c’est en Amérique latine que Lionel Souquet nous emmène, avec un article remarquable sur le théâtre et la performance queer chez cinq artistes du continent : les argentins Puig et Copi, le chilien Lemebel, le colombien Freidel et le mexicain Lechedevirgen. Malgré la diversité de leurs origines, de leurs styles d’écri­ture et de leurs pratiques, ces artistes de générations différentes partagent tous un certain nombre de caractéristiques queer, que Souquet nous présente et analyse avec brio.

7Nous restons en Amérique latine avec Gabriela Cordone et Marie Rosier qui s’entretiennent avec la dramaturge argentine Mag De Santo, à propos de sa pièce lesboféministe Inundación et de son Manifeste pour une lesbianisation du théâtre, traduit pour la première fois en français et reproduit dans ce numéro. L’entretien, intitulé « Utopies queer et dystopies lesbien­nes », est l’occasion pour l’artiste de nous parler de ses positionnements personnels, sociaux et politiques, de revenir sur sa pratique artistique et son processus créatif, et de développer une réflexion autour des relations entre les mouvements féministe, lesbien et queer.

8Il s’agit en effet de relations complexes, parfois contradictoires, que celles qui peuvent exister entre ces mouvements. Gilles Jacinto et Muriel Plana, dans leur article qui ouvre ce carnet, rappellent précisément qu’au­jourd’hui le queer va beaucoup plus loin que les militantismes homosexuels ou féministes, dans le sens où il remet constamment en question toute forme d’identité. Il est bien évident que ce constat ne peut s’appliquer qu’à notre époque très contemporaine. Dans le contexte des années 1920 et 1930, la subversivité de l’homosexualité était immense. C’est ce que nous pouvons observer avec la brillante analyse d’Emilio Peral Vega de la pièce Le Public (1930), que Federico García Lorca conçoit lors de son voyage à New-York en 1929. L’influence du milieu gay de Harlem est essentielle dans cette œuvre dramatique où est projetée littérairement le désir homoérotique de l’auteur andalou qui, à New York – et ensuite à la Havane –, peut vivre pleinement sa sexualité. Peral Vega étudie également la toute première mise en scène de cette pièce, qui a lieu bien des années plus tard, en 1986, par le metteur en scène catalan Lluís Pasqual, dans un contexte où l’homo­sexualité était encore loin d’être massivement acceptée par la société.

9Ce carnet critique sur les scènes queer se termine par un focus sur la sphère anglo-saxonne, avec un entretien de l’artiste sud-africain Steven Cohen, réalisé par Aurore Després et Sophie Gaberel, autour d’une récente performance, Put your heart under your feet… and walk!

11Avec la publication de la traduction française inédite du drame liturgique amérindien, Dona Mariana, A Princesa Turca da Amazônia (2012) [Mariana, la Princesse turque d’Amazonie, 2016 pour la traduction], le dramaturge, metteur en scène et enseignant brésilien Zeca Ligiéro nous emmène dans la tragique histoire légendaire de cette figure marquante de la culture brésilienne. Perdant son nom arabe ou berbère, celle qui est renommée par l’homme qu’elle aime Mariana, est aussi « la plus brave », celle qui « se réveille en colère », prend « un visage d’homme » pour rejoindre la mer et suivre son marin de Fernando. Elle est encore « l’Ara chanteur » de la chanson rituelle, elle qui périt en mer et revit en chanson, pour de nouvelles florescences spectacu­laires et rituelles. Figure syncrétique de femme et guerrière, pirate et salvatrice en même temps, elle n’est pas sans faire écho aux Antigones de Darja Stocker publiées dans le carnet création du n° 6 de Skén&graphie, quand elle vient prendre sous son aile maternelle d’autres destinées fémini­nes contemporaines vouées à l’exil, à la migration, au forçage, par le jeu de montage de Zeca Ligiéro. Le texte en français présenté ici est un peu plus qu’une traduction menée par Christine Douxami (avec le regard de Mione Hugon pour ce portugais du Brésil) puisqu’elle donne un instantané bilingue par endroits du travail sur la scène et fait place aux chansons rituel­les en langue originale. Elle archive aussi ce geste de transmission, d’un continent à l’autre, entre au moins deux langues et deux cultures, autour des questions d’adaptations, de transferts culturels, d’actualisation et de rené­go­ciation constamment à l’œuvre dans la vie de la pièce. Créant un mi-chemin entre « l’épopée » et « l’exercice dramatique » selon les mots de Zeca Ligiéro, sa création au France a été l’occasion d’un réajustement, tandis que le dramaturge était chercheur invité à l’Université de Franche-Comté et qu’il a monté la pièce avec les étudiant.e.s et l’équipe de la licence du Département d’arts du spectacle.

12Pour clore ce numéro particulièrement tourné vers les scènes contem­poraines, deux sondes sont proposées dans le carnet des Spectacles et des professionnels, l’un en direction des textes classiques et l’autre vers la création d’un spectacle contemporain. À l’occasion de la publication des Œuvres Théâtrales commentées d’Alexandre Dumas fils, son éditrice scienti­fique, Lise Sabourin, répond aux questions de Hanan Hashem et nous propose quelques coups de sonde pour redécouvrir son œuvre théâtrale foisonnante et les thématiques propres à l’écrivain – lui qui par trop a été réduit dans la mémoire populaire, littéraire et cinéphile à son roman, adapté ensuite pour la scène, La Dame aux camélias – : filiations, prostitutions, observation des mœurs, liberté artistique. Elle défend l’immense sensibilité et le talent d’un dramaturge, que l’histoire littéraire gagnerait à arpenter davantage et dont elle distingue « la leçon provocatrice […], entre appel à la bienveillance et constat d’inflexibilité sociale. »

13Faisant écho au dossier critique, l’entretien que Timothée Picard, dra­maturge du spectacle, accorde à Pascal Lécroart, examine la genèse de la création des Idoles de Christophe Honoré, réalisation conçue autour de figures artistiques, intellectuelles et homosexuelles des années 1980 toutes mortes du SIDA. Face à la problématique du queer, il souligne le souci commun de ne pas retomber dans le carcan des catégories et de libérer du jeu : « Il suffit ici que Marina Foïs dise qu’elle est Hervé Guibert pour qu’elle soit Hervé Guibert. Contre le réalisme, la reconstitution, on affiche la liberté théâtrale. »

14Un dernier mot encore. L’année 2020 a vu les scènes et les salles de spectacles désespérément fermées depuis mars : créations, reprises – dont celle des Idoles – tout a été indéfiniment mis et remis sur le métier, suspen­du, interrompu, reprogrammé, déprogrammé, ré-agencé en une épuisante litanie de consignes, de protocoles et de suspensions. Skén&graphie a à cœur de prendre le temps de la réflexion pour en rendre compte, d’une manière ou d’une autre et d’être attentive, au-delà de la tentation du désespoir, à la puissance de reformation et de réinvention de soi, des lieux, des pratiques, des publics, que les scènes et les arts du spectacle sauront révéler.