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Scenes of New York City: The Elie and Sarah Hirschfeld Collection, 22 octobre 2021 – 23 juillet 2023, New York Historical Society, New York

Commissaire : Wendy Nālani E. Ikemoto
Anne-Claire Faucquez

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Texte intégral

1La pandémie de Covid-19 a frappé New York de plein fouet. De mémoire, la ville qui ne dort jamais n’avait été aussi silencieuse. Nombreux commentateurs la considéraient alors comme morte (Altucher). Mais il n’en est rien, tel le Sphinx, « la grosse pomme » renaît de ses cendres. La prestigieuse New York Historical Society a ainsi choisi de rendre hommage à la ville telle qu’elle s’est ancrée dans les mémoires au fil de l’histoire à travers l’exposition « Scenes of New York City : The Elie and Sarah Hirschfeld Collection ». Elie et Sarah Hirschfeld, philanthropes et collectionneurs d’art, ont fait le généreux don de 130 œuvres à la NYHS sous la forme de peintures, dessins et sculptures, lui permettant de rassembler ainsi 82 nouveaux artistes qui n’apparaissaient pas jusque-là dans les fonds de l’institution. Organisée par Wendy Nālani E. Ikemoto, conservatrice d’art américain, cette exposition est une ode visuelle à New York, dépeignant par de multiples regards les icônes les plus appréciées de la ville : ses quartiers, ses gratte-ciel, ses monuments, ses ponts, ses rues, ses parcs, son métro, son port et ses habitants. Sont présentées les œuvres d’artistes de renommée nationale et internationale, s’échelonnant de 1793 à 2006, invitant le visiteur à déambuler dans la ville à travers l’espace et le temps.

Fig. 1. Vue d’installation. « Scenes of New York City »

Fig. 1. Vue d’installation. « Scenes of New York City »

Photographie : Glenn Castellano. Avec l’autorisation de la New York Historical Society.

  • 1 Traduction de l’auteur.

2De prime abord, ce qui semble incarner New York est sa skyline, représentée ici par l’artiste Stuart Davis et sa New York Skyline (1938), œuvre qui figure sur l’affiche de l’exposition. Dans cette œuvre préfigurant le mouvement pop art, Davis exprime ici ce qu’il appela « la logique de la couleur et de l’espace »1 (color-space logic), où les blocs de couleurs ‒ le blanc, le rouge, le noir et le bleu pastel sur un fond beige ‒ viennent perturber l’équilibre des lignes. Les formes semblent mouvantes, comme animées, dansant au son du jazz que le peintre affectionnait particulièrement. Sol LeWitt nous livre, quant à lui, dans Manhattan with Roosevelt Island Removed (1978), une photographie de la ville en noir et blanc, vue de haut dans laquelle l’île de Roosevelt a été prélevée, comme excisée. L’artiste choisit ici de détourner cet objet du quotidien, la photographie d’une vue aérienne, dont le but est de repérer des éléments géographiques afin de les cartographier et montre son pouvoir sur le réel, altérant notre représentation de l’espace. Yvonne Helene Jacquette nous présente à l’inverse une vision de New York en contre-plongée avec Movie Marquee ll (Afternoon), datant de 1972, gros plan de la verrière du théâtre Irving Place à l’angle sud-ouest d’East 15th Street et d’Irving Place (Fig. 6). Ces panoramas urbains aux perspectives croisées seraient incomplets sans couchers de soleil aux teintes rosées et orangées. On les retrouve chez Mark Innerst (View of Brooklyn I and II, 1986) ou William Samuel Horton (Hecksher Tower Sunset, vers 1921–1936), qui nous fait penser à sa série sur les Chambres du parlement de Londres peintes deux décennies plus tôt (1899–1901).

Fig. 2. Vue d’installation. « Scenes of New York City »

Fig. 2. Vue d’installation. « Scenes of New York City »

Photographie : Glenn Castellano. Avec l’autorisation de la New York Historical Society.

3Ce sont ensuite les monuments iconiques de New York qui sont mis à l’honneur à travers la statue de la Liberté et le pont de Brooklyn, imaginés par le mouvement pop art et son artiste emblématique, Andy Warhol. Tout comme pour les visages de Marylin Monroe ou les boîtes de conserves de la marque Campbell, Warhol utilise la technique de la sérigraphie pour reproduire à la chaîne et de manière superposée des images du pont de Brooklyn. Brooklyn Bridge Trial Proof (1983) fut en effet une commande de la Brooklyn Bridge Centennial Commission pour marquer les célébrations du centenaire de l’inauguration du pont. On retrouve le pop art avec l’artiste allemand Peter Max qui rend hommage à la statue de la Liberté avec trois œuvres : Liberty Head II (2000), Liberty Head III (2000), tout petits tableaux aux couleurs criardes et psychédéliques, et aux épais coups de pinceaux brossés sur une reproduction de la tête de « Lady Liberty ». Quant à Liberty and Justice for All (2001), c’est un assemblage de 12 statues qui ne sont pas sans rappeler les compositions d’Andy Warhol. Georgia O’Keefe est aussi présente avec Study for “Brooklyn Bridge” (1949). Ce travail au fusain et à la craie sur fond de papier ocre plonge le spectateur au milieu des câbles suspendus et des arches gothiques du pont qui, en s’entremêlant, rappellent les fameux gros plans de pistil de fleurs de l’artiste. Enfin, la sculpture de la statue de la Liberté par Pierre Fernandez Arman (1986), fidèle à son procédé caractéristique de transformation des objets du quotidien typique du Nouveau Réalisme, nous présente une vision fantomatique de la « Liberté éclairant le monde », à la robe déchirée et dont la plaquette est coupée en deux. Cette œuvre réalisée pour le centenaire de son inauguration nous interroge sur la signification des idéaux de liberté dans cette Amérique des années Reagan.

4L’aspect récréatif de la ville est aussi mis à l’honneur avec des lieux emblématiques comme la New York Public Library, Carnegie Hall, le Yankee Stadium ou le Hard Rock Café. Library Lion de Larry Rivers (1976) célèbre les deux lions, Patience et Fortitude, qui ornent l’escalier de la bibliothèque de style Beaux-Arts, dans une peinture mêlant dessin de graphite et couleurs acidulées inspirée elle aussi du mouvement pop art (Fig.5). Dans une scène esquissée à la peinture à l’huile, Theresa Bernstein commémore Carnegie Hall, le prestigieux lieu de concert de musique classique et populaire (The Rehearsal at Carnegie Hall, 1948). Enfin, dans un tout autre style, avec Landscape in the Bronx with Yankee Stadium (avant 1987), l’artiste d’origine allemande, Wolf Kahn, célèbre le baseball avec une ébauche impressionniste du stade de l’équipe des Yankees avant sa démolition en 2010. Enfin, même si on retrouve cette enseigne dans toutes les grandes villes, le Hard Rock Café fait partie intégrante du paysage new-yorkais. Ici, il trône de façon éclatante dans le travail de Ron Kleeman, artiste photoréaliste, qui en offre une peinture magnifiée, baignée dans la lumière du soleil qui se reflète sur les portes en laiton du restaurant et sur la Cadillac qui sort de la façade (Hard Café on the Rock, 1986, voir fig. 6).

5New York, c’est également ses restaurants et grands magasins. The Lunch Counter at S. Klein’s in Union Square in the 1930s (vers 1930–39), de Theresa Bernstein, représente le comptoir du restaurant dans un grand magasin populaire où sont attablés principalement des femmes, des enfants ainsi qu’une personne noire, évoquant une ville où l’intégration restait encore limitée pendant l’entre-deux guerres. Dans une atmosphère plus lugubre, Jacob Lawrence, artiste de la Harlem Renaissance connu pour ses représentations de scènes quotidiennes comme des grandes figures de l’histoire africaine-américaine, dépeint avec Harlem Diner (1938) toute l’angoisse de la Grande Dépression dans ce modeste comptoir auquel sont accoudés quelques rares clients d’origine africaine-américaine. Dans la même veine, Jerome Myers, du courant de l’Ashcan School, honore avec un réalisme cru la population immigrée du Lower East Side dans Bowery Street Scene (1902-1940).

6La ville qui s’offre aux spectateurs dans cette exposition est marquée par l’omniprésence de ses bâtiments et donne, par moments, l’impression qu’elle a été vidée de ses habitants, tout comme pendant le confinement de 2020 ‒ une sensation traduite par la vision apocalyptique de Pier to Manhattan (1985) de Rainer Fetting, qui dépeint New York comme dénuée de toute vie humaine, pareille à une forteresse géométrique. Au centre, l’Empire State Building, flamboyant, perce un ciel jaune presque nucléaire, qui contraste avec la noirceur des eaux du port (Fig. 3). C’est cette impression d’une ville sauvage, presque primitive que l’artiste a essayé ici de capturer comme il le déclarait en 2017 : « New York was very run down those days different from anything civilized like it is now, and I tried to express a certain melancholy and loneliness, which maybe was also part of how I felt then »2. De même, les rues en diagonale de Sheridan Square NY de Franz Kline (1940) typiques du quartier de Greenwich Village, les arrière-cours de Backyards in New York (1916) vues par Charles Burchfield, ou le paysage brumeux de New York at Night de Everett Sheen (1933) dépeignent une ville désertée.

Fig. 3. Vue d’installation. « Scenes of New York City »

Fig. 3. Vue d’installation. « Scenes of New York City »

Photographie : Glenn Castellano. Avec l’autorisation de la New York Historical Society.

7Que serait New York sans son subway ? L’artiste qui semble le mieux le représenter est le street artist Keith Haring. Son Radiant Baby with AIDS Alligator (vers 1984), graffitis appliqués sur un panneau du métro de Bowery, illustre la façon dont il utilisa son art pour sensibiliser le public à l’épidémie de sida. Le bébé rampant émettant des rayons de lumière, telle la figure sainte d’une peinture religieuse, contraste avec l’alligator, version allongée de son chien aboyant (barking dog), créature à quatre pattes diffusant des lignes sonores à partir de sa bouche ouverte, ses taches faisant probablement référence aux lésions cutanées associées à la maladie du sida qui a fortement touché la communauté homosexuelle dans les années 1980. Richard Estes (Subway, 1980) capture un instantané du fameux train avec sa peinture ultraréaliste d’une rame de métro à l’arrêt, portes ouvertes sur le quai, qui nous éblouit par le rutilement de son aspect chromé. Avec Untitled (The Subway) [1937], Mark Rothko nous offre une scène de vie souterraine dans laquelle des commuters inexpressifs attendent avec nonchalance et ennui l’arrivée du métro. Dans Commuters (Transportation Problems) : Study for Cartoon in the "New York World" (1899), George Luks peint, quant à lui, la scène caricaturale et grotesque d’un groupe de passagers en train de se battre dans une rame de métro avec le conducteur.

8L’île de Manhattan, son port comme ses rivières ont toujours inspiré les artistes. Fred Pansing et ses paysages maritimes en sont le meilleur exemple. Ici New York Harbor (vers 1900) nous livre une vision tout en contrastes du port en proie à la transition technologique où se côtoient les traditionnels bateaux à voile et les imposants liners, paquebots à vapeur prêts à traverser l’Atlantique. Reginald Marsh dépeint dans East River (vers 1951) l’un des lieux récréatifs les plus populaires de New York avec cette scène de baignade. Julia Titsworth, dans From My Window (vers 1930), nous invite au 44e étage du Chrysler Building, pour admirer la vue panoramique sur l’East River traversé par le Queensborough Bridge et coupée en deux par Roosevelt Island. Enfin, deux artistes emmènent les visiteurs à l’écart des tumultes du port de Manhattan : Maker Martin Lewis nous conduit dans le calme d’Arthur Kill, le chenal entre Staten Island et le New Jersey, avec sa peinture de Tottenville, Staten Island (vers 1928) qui invite à l’apaisement avec ses dégradés de bleus alors que William Merritt Chase nous amène à découvrir le canal de Gowanus à Brooklyn dans The Boat Harbor (Gowanus Pier) [vers 1888].

9Louis Lozowick offre une vision du port beaucoup plus lugubre avec Lower Manhattan (1932) ou Manhattan (vers 1935), où les fumées noires viennent côtoyer les gratte-ciel. Dans le catalogue de l’exposition Machine-Age Exposition de 1927, dans un essai intitulé « The Americanization of Art », il décrivait son travail en ces termes :

The dominant trend in America today … is towards order and organization which find their outward sign and symbol in the rigid geometry of the American city: in the verticals of its smokestacks, in the parallels of its car tracks, the squares of its streets, the cubes of its factories, the arc of its bridges, the cylinders of its gas tanks. (Lozowick)

10De même, John Henry Twachtman, dans Dredging in the River (vers 1879) personnalise la violence de la modernisation et la destruction que le progrès entraîne, anticipant ainsi la naissance de l’Ashcan School du début du XXe siècle et sa poursuite d’un réalisme urbain sans concession. À l’inverse, Enoc Perez rend hommage à la ville et sa technologie avec sa peinture du TWA Terminal, Kennedy Airport, New York (2006). Placé de façon centrale, au milieu du mur, dans l’encadrement de la porte du fond de la première salle d’exposition (Fig. 4), le terminal attire notre regard, et semble prêt à prendre son envol, tel un oiseau majestueux. Le travail de Perez, connu pour ses peintures de bâtiments modernistes, reflète ici l’état d’esprit optimiste qui a inspiré la construction du terminal.

Fig. 4. Vue d’installation. « Scenes of New York City »

Fig. 4. Vue d’installation. « Scenes of New York City »

Photographie : Glenn Castellano. Avec l’autorisation de la New York Historical Society.

11Par ailleurs, l’exposition souhaite également faire l’éloge d’un New York au charme bucolique, à l’écart de la jungle urbaine. En effet, les parcs publics et les quartiers adjacents, comme Brooklyn ou Staten Island, ne sont pas en reste dans cette exposition et montrent qu’ils font partie intégrante du paysage new-yorkais, venant adoucir l’agitation citadine avec leurs cours d’eau et leurs espaces de verdure. Central Park, le parc emblématique de la ville, est décliné sous de multiples formes et différents angles de vue : Marc Chagall dessine, dans View of Central Park from the Window (Vue de la fenêtre sur Central Park, 1958), la skyline surplombant une masse de verdure figurée par un enchevêtrement de traits de crayons de différentes nuances de vert, alors que les Gingko Trees in Central Park (2002-04) de Françoise Gilot nous livrent une vision automnale du parc, et qu’Adolph Dehn nous dessine sa version hivernale (Central Park, 1957). Les emballages Christo et Jeanne-Claude sont également présents avec Study for “The Gates” (Project for Central Park, New York City, 1984), dessin préparatoire du projet artistique installé entre le 12 et le 27 février 2005 : 7503 panneaux de nylon couleur safran accrochés à des cadres en acier fixés le long d’un parcours long de 37 kilomètres à travers Central Park, égayant le paysage hivernal par ces notes orangées. Central Park ne peut être célébré sans représenter ses points de rendez-vous : ses fontaines (Gifford Reynolds Beal, Bethesda Fountain, Central Park, vers 1930), ses lacs (Henry Schnakenberg, The Lake, Central Park, vers 1925) ou ses promenades en calèche (Beal, Central Park Hack, vers 1945) et à cheval (Arthur Clifton Goodwin, Horseback Riders in Central Park, Winter, vers 1918–1920). Dans In Central Park (1902), Robert Henri choisit de dépeindre un paysage tout en sobriété, une pente indéfinissable couverte de neige taillée par de larges coups de pinceau et un ciel lourd aux teintes sombres.

Fig. 5. Vue d’installation. « Scenes of New York City »

Fig. 5. Vue d’installation. « Scenes of New York City »

Photographie : Glenn Castellano. Avec l’autorisation de la New York Historical Society.

12Si Central Park est bien le poumon vert de New York, l’exposition nous rappelle l’importance des autres boroughs, véritables havres de verdure : Ben Benn célèbre le paysage de Staten Island à la manière de Cézanne et de sa montagne Sainte Victoire dans Landscape, Staten Island, N.Y. (1920) ou Picnic (1930) dans Prospect Park à Brooklyn. Dans Scène rurale (vers 1870), George Lafayette Clough nous livre une véritable vignette pastorale, avec son étang bordé de rochers, son pont de planches, sa ferme rustique, ses arbres et ses jeunes filles à l’allure indolente, tenant des fleurs sauvages fraîchement cueillies (Fig. 5). Mélange d’influences de l’école de Barbizon et de l’école de l’Hudson River, ce tableau invite le visiteur à communier avec la nature dans cette enclave paisible qu’était encore Brooklyn au XIXe siècle. De même, la peinture du zoo du Bronx par Joseph Stella (In the Bronx Zoo, 1935) nous livre un paysage naturel désert, aux couleurs ternes (vert, gris, marron, noir) dans lequel seul un sujet semble se livrer à la méditation, assis seul sur un banc, aux côtés d’une forme noire indéfinie (un animal ?). Cette quête spirituelle à laquelle le tableau nous invite résonne avec le mouvement français des Nabis (les « prophètes » en Hébreu), qui a fortement influencé le peintre (Fig. 5).

13Le tableau anonyme Entry of George Washington into New York in 1783 (vers 1857–1866) célèbre le jour de l’évacuation de la ville par l’armée britannique à la fin de la guerre d’indépendance et la procession triomphale du général Washington. Seul l’homme indigène qui s’éloigne de la foule signale un malaise face à la victoire militaire américaine. Ce tableau rappelant l’époque coloniale britannique préfigure le thème de la nostalgie, New York apparaissant dans cette exposition comme une ville en perpétuel mouvement, en reconstruction permanente comme le montre le tableau de Reginald Marsh, Construction, Steel Workers (1924, Fig. 3) ou le dessin d’Aaron Bohrod, St. Patrick's Cathedral Under Construction (vers 1951-53), présentant le célèbre édifice en cours de rénovation. La ville se construit et se détruit et son histoire s’écrit tel un palimpseste. Edward Hopper est mis à l’honneur avec une œuvre méconnue, Study of the Astoria Section of the Waldorf-Astoria Hotel (vers 1908–1929), dessin au graphite, dans lequel il s’adonne avec nostalgie à rappeler les immeubles du passé qui ont fait le New York du XIXe siècle. De même, Bernard Buffet rappelle cette dualité entre passé et modernité (Fig. 6) avec Park Avenue View from the Pan Am Building (Park Avenue Vue du Pan Am Building, 1989). Le bâtiment au toit pyramidal en cuivre et à la coupole ornée du New York Central Building dans le quartier de Midtown, gratte-ciel de trente-quatre étages conçu par Warren et Wetmore et érigé en 1929, est maintenant éclipsé par ses imposants voisins de verre et d’acier alignés le long de Park Avenue. Le rythme statique de leurs formes géométriques, renforcé par les couleurs sombres, noires et brunes, étouffantes, signalent la mélancolie de l’artiste pour ce vieux New York vaincu par l’arrivée des nouvelles structures. Ce même bâtiment est célébré par William Harnden dans Park Avenue (vers 1929). Il présente une vision beaucoup plus tendre, avec ses tons pastel, ses coups de pinceaux adoucis, et son parterre de fleurs ayant recouvert l’ancienne voie ferrée qui parcourait jadis l’avenue. Peut-être peut-on également voir de la nostalgie dans le croquis de Christo et Jeanne-Claude de leur projet de recouvrir le Madison Square Garden (Study for “The Conventional Wrap Up” [Project for Madison Square Garden], 1976). Inabouti, il rendait hommage à Pennsylvania Station, chef-d’œuvre de style Beaux-Arts conçue par McKim, Mead et White en 1910, puis démoli dans les années 1960 malgré les nombreuses réticences et remplacé par le Madison Square Garden. Hommage à un bâtiment disparu, l’aquarelle de David Hockney, View from the Mayflower Hotel, New York (Evening), datant de 2002, immortalise l’hôtel historique surplombant Central Park, remplacé depuis par des appartements de luxe. Enfin, George Lovett Kingsland Morris, dans Requiem for the Met, #1 (1967), nous livre, dans un enchevêtrement de dessins figuratifs et abstraits, une véritable ode au premier Metropolitan Opera House construit en 1883 et détruit en 1967.

Fig. 6. Vue d’installation. « Scenes of New York City »

Fig. 6. Vue d’installation. « Scenes of New York City »

Photographie : Glenn Castellano. Avec l’autorisation de la New York Historical Society.

14Pour finir, l’exposition nous offre une ouverture sur une ville mythique et mystique, qui génère rêves et fantasmes. Dans sa représentation de New York, l’artiste mexicain Roberto Montenegro (New York, 1940) dessine sur un tableau de deux mètres de large un paysage urbain fantastique, à la limite de l’apocalyptique, en noir et blanc, où les gratte-ciel se trouvent comme assaillis par des créatures surnaturelles qui se muent en formes composites, flottant parmi des visages, des yeux, des poissons ou des objets. Dans America * New York (1965), la sculptrice Louise Nevelson, qui voyait New York elle-même comme une grande œuvre d’art, nous propose une sculpture presque totémique, entièrement peinte de noir, faite d’un assemblage de boîtes composées à partir de morceaux de bois que l’artiste a trouvés dans la ville. Mêlant cubisme, surréalisme, constructivisme tout comme l’art africain, amérindien et précolombien, l’idée est ici d’offrir une nouvelle image de New York, loin de cette ville en proie au consumérisme, mais de mettre en avant les déchets, les restes de ce capitalisme effréné. Metaphysical Interior in Manhattan (Interno Metafisico a Manhattan) (1972) de l’artiste italien Giorgio de Chirico nous plonge dans un univers totalement onirique. En 1938, ce dernier décrivait New York ainsi :

[a] feverish and dreamy city of strange beauties and otherworldly weariness—a city eternally New yet filled with forgotten memories … which emerge … as they do during the hours of half sleep, during those mysterious hours when soul and spirit, disengaged from logic and reality, solve a multitude of enigmas and problems otherwise insoluble—forgotten, alas, as soon as they are unraveled. (de Chirico).

15Le tableau détaille l’intérieur d’un appartement new-yorkais en étage supérieur car, en point de fuite, le spectateur peut admirer un gratte-ciel. Pourtant, l’œil est plutôt attiré par le fouillis illogique d’objets au premier plan : un grand vase bosselé sur un piédestal, un tas d’équerres et de cadres en bois percés de trous dans un arrangement vaguement anthropomorphique, des rideaux orange s’ouvrant sur un fond noir, une colonne antique, un petit cylindre rayé blanc et rouge évocateur d’une bougie. Cet intérieur déformé, dans lequel le sol et le plafond se confondent et l’enchevêtrement de planches bloque la fenêtre, nous donne une impression de claustrophobie, même s’il s’ouvre sur un trou béant au fond de l’appartement, qui semble être la seule échappatoire. Ici, les objets et les lieux perdent leurs rôles traditionnels pour nous offrir un spectacle mystérieux et inquiétant.

16Ce New York mythique est également incarné par un courant artistique né à New York même : l’expressionnisme abstrait, ou « école de New York ». Dans Untitled (New York Times), datant de 1976, William de Kooning recouvre une page du célèbre quotidien de peinture à l’huile, formant un visage déformé qui émerge d’un environnement abstrait façonné par des coups de pinceau vigoureux et laissant apparaitre des sections du journal non peintes. On y voit une invitation à voyager en première classe pour se rendre en Floride, clin d’œil discret au destin de cette exposition qui se trouve actuellement à Palm Beach.

  • 3 Elie Hirschfeld, « Community voice », Scenes of New York City: The Elie and Sarah Hirschfeld Collec (...)

17Les œuvres exposées sont également accompagnées de réflexions de New Yorkais, simples habitants, écrivains, artistes, promoteurs immobiliers, amateurs de baseball, marins, enseignants, ou historiens qui partagent leurs souvenirs et impressions des lieux représentés, réfléchissant à la constante évolution de la ville et de ses monuments. Les visiteurs sont également appelés à s’interroger sur leurs propres mises en récit, comme nous y invite le site de l’exposition. Cette dernière honore ainsi la ville de multiples façons et tous ses aspects, toute sa complexité et ses contradictions semblent ici représentés. Le tableau qui paraît les incarner le mieux est peut-être Gramercy Park (vers 1918), de Norman Rockwell (Fig. 5). Le peintre de l’Amérique des petites villes nous donne ici à voir celle où il a grandi. Le tableau met en scène un jeune garçon de bonne famille et un vieil homme de classe ouvrière, plongés dans une intense conversation dans ce jardin privé situé entre les 20e et 21e rues dans le quartier de l’East Village. C’est cette union des contrastes où les âges et les classes sociales se mélangent, où la nature rencontre la ville, où le loisir et le labeur se fondent, qui structure l’identité véritable de New York. Ayant construit sa fortune dans l’immobilier, le collectionneur Elie Hirschfeld n’est peut-être pas l’incarnation la plus évidente de ce mythe qu’il célèbre pourtant en commentant le tableau : « There is a timelessness and warmth to their connection that reaches out across nearly a century. This reflects the warm and tender side of New York City. »3 Peut-être est-ce ce qui fait New York, une ville en perpétuelle mutation, que l’art n’a eu de cesse de célébrer avec nostalgie, comme l’écrivait Edgar Morin :

Rien ne parle d’éternité dans cette ville. Rien n’a de racine dans le passé. Rien ne semble devoir défier le temps. Tout périt, tout renaît, tout vit tout le temps, ce temps. Et là est la beauté de New York : la beauté mortelle. […] Le véritable art new yorkais n’est pas dans les musées […] le véritable art de New York est dans sa surréalité, dans l’autocréation/destruction permanente (Morin 125-126).

18L’esprit de New York n’est donc pas près de mourir car 115 de ces œuvres sont à présent rassemblées en une exposition itinérante qui se trouvera du 18 novembre 2023 au 28 janvier 2024 à la Society of the Four Arts à Palm Beach en Floride. Pour les nostalgiques, amateurs d’art ou passionnés de la ville, un catalogue de l’exposition a été publié dans lequel se trouve un essai sur la longue histoire de la ville, un entretien avec Elie Hirschfeld et des articles scientifiques sur chaque œuvre avec le soutien de l’Arthur F. and Alice E. Adams Charitable Foundation. La ville qui ne dort jamais est pour toujours bel et bien réveillée.

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Bibliographie

ALTUCHER, James. « NYC is dead forever. Here’s why ». New York Post, 13 août 2020, https://nypost.com/2020/08/17/nyc-is-dead-forever-heres-why-james-altucher/. Page consultée le 13 octobre 2023.

de CHIRICO, Giorgio. « I have been to New York ». Metafisica, no. 7-8, 2008, p. 683 Traduit de « J’ai été à New York ». XXe Siècle, mars 1938, https://fondazionedechirico.org/wp-content/uploads/2019/07/20.-n.78-Metafisica-I-HAVE-BEEN-TO-NEW-YORK-683-684.pdf. Page consultée le 17 octobre 2023.

LOZOWICK, Louis. « The Americanization of Art ». Machine-age Exposition : Catalogue. Dir. Jane Heap et Fernand Léger. New York : [éditeur non identifié], 1927, p. 18-19. https://collections.library.yale.edu/catalog/2042656. Page consultée le 17 octobre 2023.

MORIN, Edgar et Karel APPEL. New York, la ville des villes. Paris : Galilée, 1984, cité dans Le goût de New York, Paris : Mercure de France, 2009.

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Notes

1 Traduction de l’auteur.

2 « Rainer Fetting, Pier to Manhattan », New York Historical Society, https://emuseum.nyhistory.org/objects/95976/pier-to-manhattan, page consultée le 14 octobre 2023.

3 Elie Hirschfeld, « Community voice », Scenes of New York City: The Elie and Sarah Hirschfeld Collection, New York Historical Society, https://emuseum.nyhistory.org/objects/95927/gramercy-park?ctx=64949136cebe758d466e73cee1823171f7dea169&idx=2, page consultée le 17 octobre 2023.

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Table des illustrations

Titre Fig. 1. Vue d’installation. « Scenes of New York City »
Crédits Photographie : Glenn Castellano. Avec l’autorisation de la New York Historical Society.
URL http://journals.openedition.org/transatlantica/docannexe/image/22376/img-1.jpg
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Titre Fig. 2. Vue d’installation. « Scenes of New York City »
Crédits Photographie : Glenn Castellano. Avec l’autorisation de la New York Historical Society.
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Titre Fig. 3. Vue d’installation. « Scenes of New York City »
Crédits Photographie : Glenn Castellano. Avec l’autorisation de la New York Historical Society.
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Titre Fig. 4. Vue d’installation. « Scenes of New York City »
Crédits Photographie : Glenn Castellano. Avec l’autorisation de la New York Historical Society.
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Titre Fig. 5. Vue d’installation. « Scenes of New York City »
Crédits Photographie : Glenn Castellano. Avec l’autorisation de la New York Historical Society.
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Titre Fig. 6. Vue d’installation. « Scenes of New York City »
Crédits Photographie : Glenn Castellano. Avec l’autorisation de la New York Historical Society.
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Pour citer cet article

Référence électronique

Anne-Claire Faucquez, « Scenes of New York City: The Elie and Sarah Hirschfeld Collection, 22 octobre 2021 – 23 juillet 2023, New York Historical Society, New York »Transatlantica [En ligne], 2 | 2023, mis en ligne le 01 novembre 2023, consulté le 22 février 2024. URL : http://journals.openedition.org/transatlantica/22376 ; DOI : https://doi.org/10.4000/transatlantica.22376

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Auteur

Anne-Claire Faucquez

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