- 1 Remerciements : ma profonde reconnaissance à Janet Stettner et au Stettner Estate pour l’autorisati (...)
1Pour sa 55e édition les Rencontres d’Arles mettent à l’honneur le photographe américain Louis Stettner (1922-2016) avec une rétrospective de près de 150 photographies en noir et blanc, des vidéos, et des images d’archives, du 1er juillet au 5 octobre 20251.
- 2 Commissaire d’exposition indépendante, historienne de la photographie et de l’image, Virginie Chard (...)
2L’exposition, commissionnée par Virginie Chardin2, met en valeur les liens transatlantiques de Louis Stettner entre son pays de naissance, les États-Unis, et la France, qu’il découvre en 1947, et où il s’établit définitivement en 1990. Ses allers-retours entre les continents américain et européen rythment ainsi les espaces d’exposition qui suivent une logique chronologique et s’attachent aux éléments clés de sa biographie et de l’évolution de son style photographique.
Fig. 1 : Janet Stettner, Virginie Chardin, Rencontres d’Arles, juillet 2025
© Anne Lesme, 2025
- 3 CHARDIN, Virginie. Le monde de Louis Stettner. Paris : La Martinière, 2025.
3L’étroite collaboration avec la veuve du photographe, Janet Stettner, et la totale liberté de choix que la commissaire a tenu à souligner avec gratitude, permettent de montrer des tirages inédits, fruit d’un travail d’archives et de recherche important. Un catalogue de 240 pages aux éditions La Martinière accompagne la rétrospective arlésienne3. Les catégories de l’exposition reprennent, en les enrichissant, celles du catalogue : « Une jeunesse à Brooklyn et sur le front », « À l’école de la Photo League », « un Américain à Paris », « New York, années 1950 », « Nancy, the Beat Generation », « En voyage », « Engagement et combats », « La ville fragmentée », « Dans l’atelier, un jardin secret », et « Paysages ».
4Enfin, Un sourire pour les générations futures, photo anonyme d’un travailleur à vélo au sourire lumineux, chinée aux Puces de Saint-Ouen et regardée quotidiennement par le photographe, conclut l’exposition. Quant au catalogue, c’est un témoignage sensible de Janet Stettner sur la nature complexe et entière du photographe, « Vivre avec Louis », qui le clôt.
5L’exposition s’ouvre sur des images d’archives relatives à l’enfance et aux jeunes années de Stettner. Né à Brooklyn en 1922 de parents juifs immigrés d’Autriche-Hongrie, frère jumeau de Irving, il se passionne très tôt pour la photographie. À treize ans, il s’exerce avec son premier appareil photo, un Brownie, et il est frappant de constater sa soif de culture photographique. Adolescent, il se procure d’anciens numéros de Camera Work, édité par Alfred Stieglitz, fréquente le Metropolitan Museum of Art où il demande et obtient l’accès à des tirages originaux, et il se rend à la galerie de Stieglitz, An American Place. Dès 1939, sa conscience sociale est déjà aiguisée et il partage avec le collectif et les membres de la Photo League, très marqués par des idéaux de gauche, la conviction que l’image peut contribuer au changement social. Il y croise des figures qui vont marquer durablement son travail et ses amitiés futures, en particulier Paul Strand et Weegee. Puis il se porte volontaire en tant que photographe militaire aux côtés des troupes américaines pour combattre le fascisme et il est envoyé dans le Pacifique. Des images inédites, découvertes par Janet Stettner après le décès du photographe, le montrent à Hiroshima, qu’il documente trois semaines après le bombardement atomique de la ville.
6Mais l’espace d’exposition se concentre surtout sur son retour à New York et les nombreuses photographies de voyageurs, seuls ou souvent à deux, prises dans le métro qu’il réalise au format carré avec un Rolleiflex qu’il ne cache pas aux regards. « Ce qui me fascinait, c’était la possibilité de contempler les autres » (Chéroux et Jones 44), confie-t-il. Les visages et les attitudes corporelles de ces New-Yorkais en transit offrent en retour une palette d’émotions très diverses, entre curiosité et méfiance.
- 4 In STETTNER, Louis. 10 Photographs. Introduction par Brassaï. Paris – New York : Two Cities Publica (...)
7Très vite, Louis Stettner est envoyé à Paris par la Photo League pour organiser une exposition de photographes français à New York. Sous l’impulsion de Willy Ronis, il repère Boubat, Doisneau, Brassaï. Il part en France pour trois semaines et y reste cinq ans. Une grande partie de la salle est consacrée aux photographies d’un Paris marqué par ses références d’avant-guerre à Atget : les rues sont désertes, le protocole écarte tout pittoresque, et Stettner photographie à la chambre 20x25. Comme le souligne Brassaï qui écrira sur ces images, Stettner « travaille avec la rectitude et le sérieux d’un géomètre »4.
Fig. 2 (g.) et 3 (d.) : Louis Stettner, Clochard sur les quais, Paris, 1947-1952 et Pont du Carrousel, Paris, 1947-1952
© Louis Stettner Estate
8Un relatif chaos reprend ses droits lorsqu’il dirige son objectif vers ses semblables, étonnamment souvent de dos. Deux images retiennent l’attention par leur élan créatif et la liberté qui s’en dégage. Sur les quais de la Seine, le photographe qui s’approche des escaliers précipite l’envol d’une dizaine de pigeons qui dévoile ainsi un couple de sans-abri en contrebas ; le visage de la femme reste caché, presque effacé par les tonalités du noir de sa coiffe, les mains délicatement croisées sur son manteau, lorsque l’homme pose un regard interrogatif sur Stettner (Fig. 2). Cette fraction de seconde est semblable à la scène d’un film tant y est présent le mouvement d’un avant et d’un après. Il en est de même pour l’image du petit garçon qui tire la main de sa mère dans la direction opposée à la volonté de cette dernière (Fig. 3). Le mouvement des corps est renforcé par celui de la voiture qui pénètre le cadre dessiné par les bras tendus et irrémédiablement liés de la mère et de l’enfant. Un sentiment de danger imminent pourrait presque se lire dans cette photographie, si le ciel et ses nuages, qui s’affichent sur plus d’un tiers du cadre, ne laissaient entrevoir une aura de lumière aux accents plus heureux que funestes.
- 5 Janet Stettner, « L’œuvre de Louis Stettner », Saint Remy de Provence, 5 septembre 2025.
- 6 Correspondance Janet Stettner, octobre 2025.
9Tout occupé à ses poèmes visuels, Stettner trouve le moyen de subvenir modestement à ses besoins à Paris grâce au GI bill, une bourse de formation pour les militaires démobilisés (il étudie le cinéma à l’IDHEC). Il bénéficie aussi de l’aide de son frère aîné, David. En 1950, un organisme lié au Plan Marshall lui assure une stabilité financière, mais il est soudainement convoqué par le bureau du FBI à Paris lorsque ses liens avec la Photo League sont repérés, en plein maccarthysme. « Qui étaient les communistes dans la Photo League ? » ; « J’ai rien à dire sur ça », répond-il sur le champ. Janet Stettner confie qu’avant même de sortir du bureau, un coup de fil est passé, son contrat prend fin5. Un incident similaire se produit de nouveau dans les années 1970, lorsque le FBI tente une nouvelle fois de le persuader de dénoncer ceux qui partagent ses convictions. Il répond simplement : « Je n’ai absolument rien à dire au FBI », puis il s’éloigne6.
10L’heure est venue de rentrer à New York pour l’une des périodes les plus fécondes de sa carrière. La ville est en effervescence, Stettner fait plusieurs petits boulots puis des commandes arrivent dans la presse et la publicité. En 1954, il réalise Brooklyn Promenade, jeune homme assis sur un banc, la tête à la renverse, les bras ouverts vers Manhattan, peut-être sa photo la plus célèbre, étrangement sans que son nom y soit forcément associé. Le photographe poursuit ses expérimentations visuelles, son attrait pour les doubles, qu’ils soient figuratifs (deux personnages, deux chiens…) ou bien plus graphiques (des reflets dans une vitre, des panneaux de signalisation en binôme…). Plusieurs critiques photographiques (Clément Chéroux, Virginie Chardin) y voient une référence à la gémellité incarnée par son frère jumeau Irving, mais il finit par être tentant de voir du double partout, sans que cela soit forcément signifiant.
11Deux de ses plus belles séries sont présentées aux Rencontres : Pennsylvania Station (1958) (Fig. 4) et Nancy, the Beat Generation (1958). Refusée à l’époque par Life magazine, et redécouverte des années plus tard, la série Penn Station nous plonge dans les noirs profonds de la gare centrale de Manhattan où les lignes obliques et sombres de wagons au crépuscule s’intercalent avec les images de leurs occupants de retour du travail. Pensifs, alanguis, tendus ou concentrés sur la lecture du dernier journal du soir, les corps révèlent l’âme d’un lieu de transit et la diversité de ces Américains le plus souvent assis dans leur wagon et observés depuis le quai. La brume y est fréquente, conférant à bien des images une dimension poétique, une « qualité atmosphérique » (Chéroux 100).
Fig. 4 (g.) et 5 (d.) : Louis Stettner, Girl Playing in Circles, Penn Station, New York, 1958 et Enfants jouant sur la plage, Provincetown (Massachusetts), 1952-1954
© Louis Stettner Estate
12Dans cette gare aux tonalités sombres, une photographie se distingue, celle d’une enfant qui marche d’un pas décidé vers une destination inconnue. En haut à gauche du cadre, elle sera bientôt hors champ. Sa façon de cheminer sur les ronds de lumières qui se reflètent au sol fait penser au jeu ancestral de la marelle, et pourtant cette enfant si déterminée dans son habit blanc semble déjà faire partie du monde des actifs. Dans le regard du photographe, elle échappe au cliché d’une enfant soumise au bon vouloir des adultes qui l’entourent ; l’espace d’un instant, elle est agent de sa propre destinée, éclairée à sa droite par des rails de lumière, préservant ainsi le mystère de sa présence insolite.
13La même liberté se lit quelques années plus tôt sur la plage de Provincetown au Massachusetts (Fig.5), comme si le photographe s’amusait de ces petites filles d’une dizaine d’années qui font fi des conventions sociales. Documenter des acrobaties auxquelles se livrent les enfants au bord de l’eau plutôt que de jouer à la poupée, symboliquement à la maman, voilà ce qui semble intéresser le photographe. Les poupées sont au repos, comme délaissées, mais confortablement allongées sur leur serviette – elles ont aussi un coussin, telle une inversion de rôle salutaire et surprenante. « Ne pas arriver avec une idée préconçue mais découvrir quelque chose de plus. Qui n’a pas encore été dit. Je ne répète pas une formule. » (Chéroux et Jones 9), confie Stettner à Clément Chéroux en 2016.
Fig. 6 : Louis Stettner, Nancy écoutant du jazz, New York, 1958
© Louis Stettner Estate
- 7 Voir la page de la New York Public Library sur les photographies de Nancy Miller Elliott: https://a (...)
14Est-ce la même curiosité qui l’a poussé à documenter quelques jours de l’existence de Nancy Miller Elliott en 1958, à l’occasion d’un reportage pour le magazine Pageant (Fig.6 ) ? L’exposition consacre tout un pan de mur aux clichés de Nancy et ses amis, à ses états d’âme et ses déambulations ; l’article, paru en mars 1959 et intitulé « The ‘‘Cool’’ Life », est également présenté aux visiteurs de l'exposition. Le photographe suit cette jeune femme de l’East Village de 19 ans qui semble indifférente à sa présence. Elle vit au jour le jour, fréquente des musiciens de jazz, rejette le mode de vie de ses aînés ; Stettner est fasciné par son modèle. Plusieurs clichés retiennent l’attention. Sur l’un d’eux, Nancy joue avec un verre la tête à la renverse, sous un lustre pareil à un projecteur, dans un mouvement de la main élégant, presque dansant. À l’inverse, elle ferme les yeux au premier plan d’une photographie où elle écoute du jazz ; elle est apaisée et calme, tout en intériorité. Madone beatnik au visage à moitié éclairé, elle jouit de l’instant, adossée à un pilier, seule femme ou presque du lieu ; les hommes, en chemises blanches et pantalons noirs, sont à l’arrière-plan, occupés, bavards. Une incroyable profondeur émane d’elle en cet instant de grâce saisi par le regard du photographe, en décalage avec le ton de l’article, plus prompt à insister sur son oisiveté : « she wants to be ‘‘cool’’, aloof, bemused and mysterious. A veteran Villager after three years, her routine of late sleep, odd jobs, money scrounging and partying still excites her. ‘‘It’s a ridiculous life but I’m happy’’ she says. ». Nancy Miller Elliott deviendra photographe de musiciens de jazz7.
Fig. 7 : Louis Stettner, Pepe and Tony, Spanish Fishermen Series, 1956
© Louis Stettner Estate
15Qu’il soit en Europe ou aux États-Unis, Stettner voyage, ou plutôt aime à vagabonder et fixer son attention sur des lieux – Espagne, Portugal, Pays-Bas, Angleterre, Mexique – ou des gens saisis à la volée. Parfois il partage quelques heures ou plusieurs jours avec les sujets photographiés. Il en est ainsi de la série Spanish Fishermen réalisée sur l’île d’Ibiza vers 1960 (Fig. 7). Il accompagne deux jours durant les pêcheurs Pepe et Tony, puis propose à un éditeur un livre issu de son reportage. Confronté à son indifférence, il laisse derrière lui ce projet, retrouvé des années plus tard. Or, ce dernier marque une inflexion dans son style photographique. Les corps y sont plus présents, une sensualité nouvelle émerge, les gros plans se succèdent jusqu’à se fixer sur les gestes révélateurs de l’implication au monde de ses sujets, et notamment sur les mains. « C’est dans la main que réside l’intelligence, l’intuition…. Il faut lui faire confiance » (Chéroux et Jones 92), observe le photographe qui exerce également une activité de sculpteur depuis ses débuts à Paris, où il bénéficie brièvement des enseignements d'Ossip Zadkine.
16Les expérimentations esthétiques et les vagabondages de la série « En voyage », présentée aux Rencontres d’Arles, laissent ensuite place dans l’exposition à celle sur « Engagement et combats », fil rouge de l’œuvre du photographe.
- 8 Louis Stettner, Women, Portfolio of 22 Photographs, New York, Stettner studio, 1975, cité par Virgi (...)
17À partir de la fin des années 60, la politique occupe une place de plus en plus centrale dans la vie de Stettner. Lorsqu’il photographie le mouvement des droits civiques, les manifestations contre la guerre du Vietnam ou celles des travailleurs, il fait aussi partie des protestataires, ce qu’il résume ainsi : le « corps en harmonie avec les idées » (Chéroux et Jones 88). L’exposition met à l’honneur des portraits de travailleurs, des visages de femmes criant leur révolte ; l’objectif du photographe est souvent placé à leur côté, ou bien en contre-plongée pour les magnifier. Une attitude qui fait écho à cette déclaration de Louis Stettner qui figure dans le numéro de Women Portfolio édité à l’occasion de l’année internationale de la femme à l’ONU en 1975 : « Il est certain qu’une part importante de l’injustice de base contre laquelle les femmes luttent est la domination sociale et personnelle des hommes. Cruciale dans cette bataille est la nécessité, pour nous les hommes, de changer fondamentalement nos attitudes et notre relation avec elles »8.
Fig. 8 (g.) et 9 (d.) : Louis Stettner, Manifestation pour United Farm Workers, New York, vers 1975 et URSS, 1975
© Louis Stettner Estate
18Plus loin, dans cette série, les bras levés des jeunes travailleurs de United Farm Workers (Fig. 8), semblent dessiner une chorégraphie de lutte et d’espoir, incarnée par deux poings serrés qui se répondent en diagonale dans l’image, mais aussi par une main ouverte vers l’horizon, au point de sortir du cadre dans une composition à l’équilibre remarquable. La même année, au moment où le FBI l’a dans sa ligne de mire – un dossier est ouvert sur lui entre 1969 et 1977 –, Louis Stettner voyage en Union soviétique et remporte le prix de la meilleure photographie décerné par le journal La Pravda. Une seule image est présentée aux Rencontres, celle de deux jeunes filles discutant, nonchalamment adossées à un pilier du métro moscovite (Fig. 9). L’architecture stalinienne imposante des arches de la station Maïakovskaïa, qui occupe les deux tiers de l’image, contraste avec l’attitude des deux jeunes filles en tenue estivale et le caractère vraisemblablement intimiste de leurs échanges, point focal et intérêt du photographe. Faut-il voir dans la référence au poète Vladimir Maïakovski, qui donne son nom à la station, le symbole d’une relation paradoxale au communisme, voire d’une position critique ? Figure de l’avant-garde russe, il incarne à l’aube de la Révolution d’Octobre la croyance en un monde nouveau dans lequel l’art a une place majeure. Mais face à une Histoire capable de broyer l’individu au nom du collectif, il est aussi le poète de la désillusion et du drame intime – Maïakovski se suicide en 1930.
- 9 « Pour un réalisme humaniste », extrait sonore d’une intervention de Louis Stettner au cours du sym (...)
- 10 A la fin des années 60, il écrit un manifeste, The Manifesto of the Photo-Renaissance Group. Les mo (...)
19Stettner rejette une approche sentimentaliste et stéréotypée : « La League m’a également prévenu contre une vision idolâtre, désuète ou pittoresque du peuple » (Chéroux et Jones 154). Il souligne, dans la vidéo qui accompagne ces images, sa préoccupation pour le citoyen ordinaire, l’homme de la rue et plus encore sa foi en la capacité des gens « de s’en sortir et de prendre en main leurs propres destinées »9. C’est ainsi qu’il imbrique art et politique, dans une photographie qu’il qualifie de « réalisme humaniste » et qu’il oppose plus tard, de manière parfois virulente, au « modernisme subjectif » de ses contemporains10.
20La grande majorité des photographies présentées dans la « La ville fragmentée » sont prises aux États-Unis entre les années 1970 et les années 2000, beaucoup à New York mais aussi à Athens, petite ville au bord de l’Hudson où le couple Stettner achète une maison. La ville y est aussi dure que prometteuse, contrastée. Bien souvent la solitude, la pauvreté se lit sur les corps recroquevillés ou endormis, dans l’ombre de l’objectif, comme à Manhattan, New York année 1970 (Fig. 10). Le large sillon tracé sur le béton semble dessiner un seuil infranchissable pour ce corps habillé de noir, dont la tête plonge en avant vers l’escalier – trou noir ? – les bras repliés. A l’inverse, le personnage qui occupe le haut du cadre est dans la lumière. Torse nu, il s’offre à la chaleur du soleil de midi, une bouteille posée à ses côtés, jambes repliées et mi écartées dans une attitude de repos sensuelle et épicurienne. Un homme à l’arrière-plan, presque minuscule, l’observe, on devine son col blanc. Trois solitudes se conjuguent. De l’autre côté de l’Atlantique, Paris est plus propice à une rêverie éveillée (Fig. 11). Ici le contraste est le fruit de la géométrie et de l’atmosphère des lieux : les quais de la rive droite de la Seine, le ciel et les nuages offrent une palette de blanc qui renforce le noir des diagonales du cours d’eau et de l’allée d’arbres qui dessinent un point de fuite vers la ville et le Pont-Neuf. La jeune fille alanguie mais néanmoins éveillée au premier plan sur les pavés biseautés vient fermer ce tableau aux accents d’éternité.
Fig. 10 (g.) et 11 (d.): Louis Stettner, Manhattan, New York, 1970 et Quai de la Seine, Paris, 2001
© Louis Stettner Estate
21Enfin, la dernière partie de l’exposition est consacrée aux « Paysages » pris par le photographe aux États-Unis et dans les Alpilles qu’il sillonna avec sa femme Janet de nombreuses fois jusqu’à sa mort. « L’endroit m’ensorcelle » (Chéroux et Jones 134), confiait-il, sensible à la dimension spirituelle du massif ainsi qu’aux chênes et aux pins dont la morphologie résiste au mistral sans plier, solidement enracinés dans les sols calcaires. Ultime recoin de cette rétrospective, « Dans l’atelier, un jardin secret » nous ouvre une mini reconstitution de l’atelier de l’artiste avec ses peintures et ses sculptures, au dos duquel figurent des nus très épurés et en plan resserrés de sa femme Janet.
22En 1972, dans un texte intitulé « Speaking Out », issu de sa chronique pour Camera 35, Louis Stettner écrivait :
I would like my work to have lasting value. Why? Is this ego-tripping? I don’t think so. […] I want my work to be as enduring and as fruitful as possible. After all, it is very gratifying to know that your work will go on nurturing so many others (Stettner 1972 21).
23L’image « indestructible », vibrante de la subjectivité du photographe, qui se déploie en plusieurs séries mises à l’honneur dans l’Espace Van Gogh des Rencontres d’Arles, aura permis aux visiteurs de pénétrer dans les mondes de Louis Stettner.