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Notes de lecture

Mathias Bonde Korsgaard, Music Video After MTV Audiovisual Studies, New Media, and Popular Music

Barbara Laborde
p. 226-227
Référence(s) :

Mathias Bonde Korsgaard, Music Video After MTV Audiovisual Studies, New Media, and Popular Music, Routledge, Londres, 2017, 234 p.

Texte intégral

1L’ouvrage de Mathias Bonde Korsgaard Music Video After MTV Audiovisual Studies, New Media, and Popular Music, se propose de faire un point historique et théorique sur ce corpus particulier que sont les clips vidéos (dits aussi « clips musicaux » en français, traduction variable de « Music Video »). À travers sept chapitres rigoureusement définis et une introduction qui est un exemple de rigueur et de précision épistémologique, l’ambition est à la fois de montrer que cette forme est en perpétuelle évolution et recherche de ses propres limites, mais aussi de faire le point sur les différentes approches théoriques qui sont susceptibles de faire avancer son analyse.

2L’ouvrage propose tout d’abord une définition du genre : le chapitre 1 est consacré à une histoire culturelle et académique du clip, et souligne son caractère hybride. L’histoire des théories qui se sont croisées sur ce corpus est très précisément présentée et débouche sur une proposition forte de prolongements théoriques : les « audiovisual studies » qui dépassent et subsument les « visual studies » comme les « sound studies », à l’ère de ce que l’auteur appelle la « post television » (son corpus démarre à partir des années 2000). Le chapitre 2 avance ainsi l’hypothèse que le clip est au croisement de tous les médias, ce que l’auteur qualifie de remediation. Cette « remediation » serait assez proche théoriquement du concept de « convergence » de Jenkins ou d’« intermédialité ». Ces rapprochements sont évoqués sans être complètement éclaircis (p. 163), mais l’auteur défend dès l’introduction l’idée que l’intrication des médiums audiovisuels justifie pleinement – voire nécessite – une hybridation des théories et disciplines (p. 8) pour étudier les clips.

3Les chapitres 3 et 4 proposent de replacer les clips dans un contexte culturel plus large, leur essor récent pouvant être considéré comme le signe d’une « musicalisation de la vision » (« musicalization of vision »), témoignage de leur inscription dans une « polyphonie » de la culture audiovisuelle d’aujourd’hui. L’auteur défend ainsi l’idée que cette culture audiovisuelle tend finalement dans le contexte actuel à une « synesthésie » des sens. Le clip et la « musicalisation de la vision » auraient ainsi préfiguré toutes les évolutions médiatiques et médiumniques de l’époque digitale, mais seraient également eux-mêmes le fruit de ces reconfigurations. Après une longue période de domination de la culture visuelle, le clip apparaît comme le ferment, mais aussi le fruit, d’une bascule récente vers une « culture audio-visuelle » synesthésique.

4Les derniers chapitres relèvent principalement d’une approche esthétique puisqu’il s’agit de montrer que les clips, par leur forme délinéarisée, et leurs caractéristiques multimédias hétérogènes sont le lieu privilégié d’expérimentation de nouvelles représentations de l’espace et du temps. Les chapitres 5 et 6 abordent ainsi la manière dont certains clips proposent une représentation du « temps impossible » et des variations spatiotemporelles inédites. Les perceptions sensorielles de l’espace temps se révèlent ainsi, dans les clips, aussi syncrétiques que les perceptions audio-visuelles. Plusieurs exemples sont analysés dans ce chapitre, principalement issus de la musique pop/rock (Tame Impala, Fionn Regan, Radiohead, etc.). Le dernier chapitre (chapitre 7) s’arrête sur quelques exemples d’expérimentation qui poussent vers l’interactivité : l’app mise en place par Björk dans Biophilia, les clips interactifs (« We Used to Wait », d’Arcade Fire) ou les clips improvisés (Les concerts à emporter de Vincent Moon), l’usage de GIFS sampler dans Retrograde de Death Grip’s qui sont paradigmatiques des expressions audiovisuelles contemporaines dont ces « post-music videos » sont à la fois le reflet et le symptôme. Leur forme vient bouleverser les schémas traditionnels du clip : la brièveté n’est pas obligatoire, l’audio seul n’est plus forcément le point de départ, les influences du jeu vidéo et la vocation publicitaire du clip le transforment de l’intérieur. À travers quelques études de cas, le propos se veut aussi concret que théorique. Des typologies intéressantes permettent de clarifier le développement, comme celle proposée pour répertorier les « nouveaux types de clips » (« new types of music vidéo », p. 175) qui liste les modalités d’expressions audiovisuelles que certains clips élargissent par leurs propositions esthétiques, le tout s’appuyant sur de nombreux exemples plus ou moins largement analysés.

5Ce livre fera certainement date sur ce corpus particulier que sont les clips. Rigoureux, clair et précis, il fait un état des lieux et des propositions théoriques porteuses. Cependant, on peut regretter que les théoriciens français qui reviennent le plus souvent (Chion, Deleuze et Guattari) – sans doute parce qu’ils ont été traduits en anglais – masquent certains autres apports théoriques venant d’autres théoriciens moins internationalement connus comme Laurent Jullier. Ce dernier a élaboré, par exemple autour de l’« effet clip » dans les longs métrages de fiction, des analyses qui auraient avantageusement complété les catégories de Chion que l’auteur sollicite très largement. Par ailleurs on peut déplorer que l’approche théorique, principalement historique et formaliste, occulte un peu la dimension économique et médiatique que le titre semblait pourtant promettre. L’existence des clips « après MTV » est aussi liée à des mutations économiques des industries médiatiques que l’auteur laisse globalement sous silence. L’étude de la manière dont les médias en tant qu’industries (culturelles ou créatives selon les points de vue) influencent les médiums et leur contenu (le « levain des médias » défendu par Kira Kitsopanidou et Guillaume Soulez in Le Levain des médias, MEI, 2016) est parfois trop rapide. La place des publics (les fans, les users generated contents, etc.) n’est pas complètement oubliée dans l’ouvrage (chapitres 6 et 7), mais réduite à la portion congrue, alors qu’elle est, semble-t-il, aux fondements de toutes les fluctuations de cette forme qui est précisément aussi un format, pris dans les mouvances sociotechniques des modes d’expressions actuelles.

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Pour citer cet article

Référence papier

Barbara Laborde, « Mathias Bonde Korsgaard, Music Video After MTV Audiovisual Studies, New Media, and Popular Music », Volume !, 14 : 2 | 2018, 226-227.

Référence électronique

Barbara Laborde, « Mathias Bonde Korsgaard, Music Video After MTV Audiovisual Studies, New Media, and Popular Music », Volume ! [En ligne], 14 : 2 | 2018, mis en ligne le 26 avril 2018, consulté le 28 mai 2018. URL : http://journals.openedition.org/volume/5623

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Auteur

Barbara Laborde

Barbara Laborde est maître de conférences à l’université Sorbonne Nouvelle (Paris 3), dans le département Cinéma et audiovisuel et membre de l’IRCAV. Agrégée de Lettres modernes, Docteure en Sciences de l’Information et de la Communication, elle travaille sur la télévision et les nouveaux médias (pratiques et usages spectatoriels), et tout particulièrement les séries. Ses recherches se placent dans une perspective culturelle (Cultural Studies) et communicationnelle et son approche croise esthétique, technique, histoire et pragmatique avec une attention particulière portée à la pédagogie comme médiation (l’éducation aux médias). Elle co-dirige également un Master Professionnel en « Didactique de l’image ».

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Droits d'auteur

L'auteur & les Éd. Mélanie Seteun

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