Volume !

Disco. I’m Coming Out

Pierre Henry — 2026-06-02

Délaissant la chronologie linéaire, l’exposition Disco. I’m Coming Out privilégie une scénographie thématique ponctuée par les éléments fondateurs du phénomène musical. Choix judicieux pour laisser libre cours à la déambulation, dans une salle d’exposition de la Philharmonie de Paris utilisée aussi comme médium pour souligner la centralité des lieux (bars, nightclubs…) dans l’histoire du mouvement disco. Ainsi, le·la spectateur·rice est plongé·e d’emblée dans l’atmosphère d’une discothèque, accueilli·e par une bande-son mixée par Dimitri From Paris et une boule à facettes en forme de molécule d’éther de Jeanne Susplugas. Le début du parcours alterne entre sculptures de Nile Rodgers, Tom Moulton et Giorgio Moroder (Xavier Veilhan), reproduction en néons des logos du Paradise Garage ou de Salsoul Records et danseur·euse·s photographié·e·s par Michael Abramson dans les nightclubs du quartier South Side à Chicago. Le ...

Ces vieillissements qui nous concernent : trajectoires de femmes dans les industries musicales canadiennes francophones

Joëlle Bissonnette — 2026-06-02

Cet article porte sur le vieillissement des femmes artistes, gestionnaires et entrepreneures dans les industries musicales. Ces industries sont marquées par des normes et des attentes sociales valorisant le fait de rester jeune, dont les femmes sont plus fortement tributaires. Or, les recherches sur ces milieux ne s’attardent que rarement à comprendre quand et comment le vieillissement en vient à concerner les femmes et introduit une différence qui importe dans leur trajectoire de vie. Par l’analyse thématique de 600 témoignages de femmes œuvrant dans les industries musicales canadiennes francophones, collectés par entretiens individuels, questionnaire et groupes de discussion suivant une approche interprétative, le présent article offre une description analytique de trois récits composés de femmes dans ces industries. Ces récits illustrent comment des femmes de tous corps de méti...

« I don’t want your love, I just want to fight », le concert indie rock entre hégémonie et transgression des normes de genre

Juliette Soudarin — 2026-06-02

Cet article, à travers une enquête ethnographique et qualitative menée auprès de la communauté indie rock parisienne, traite des dynamiques de genre qui se jouent lors du rituel du concert indie rock et interroge la manière dont l’espace de concert peut être un lieu de reproduction hégémonique du genre ou de transgression. La venue en concert et le déroulement du concert sont des moments codifiés et ritualisés. Ce travail avance que, dans cet espace de concert codifié, les manifestations physiques et notamment le pogo agissent comme des technologies de genre renforçant les normes hégémoniques de genre et l’hégémonie masculine. Cependant, bien que les femmes soient assignées à leur place dans l’ordre genré en raison de la peur sexuée, l’enquête montre qu’elles considèrent l’espace de concert comme un lieu de liberté. Il se joue alors pour les femmes, au sein de l’espace de concert,...

L’art du buzz. Quête de distinction et de visibilité dans les sphères musicales et festives d’Abidjan

Léo Montaz — 2026-06-02

Cet article explore les stratégies de distinction culturelle des jeunesses ivoiriennes à Abidjan à travers l'analyse des scènes musicales urbaines, notamment le coupé-décalé et le rap Ivoire. En s'appuyant sur des entretiens, des observations de terrain et une veille des réseaux sociaux, il met en lumière la manière dont les artistes et leurs publics mobilisent des pratiques festives, des performances scéniques et des stratégies de visibilité numérique pour construire leur notoriété et affirmer leur statut social. Il montre ainsi la manière dont les musiques urbaines deviennent des instruments de reconnaissance sociale dans un environnement où la visibilité est un capital clé.

Richard Dyer, « Plaidoyer pour la disco » [1979]

Richard Dyer — 2026-06-02

Toute ma vie, j’ai été attiré par des musiques saugrenues. Je n’ai jamais apprécié le rock‘n’roll d’Elvis : mon cœur penchait pour Rosemary Clooney. Et depuis que je suis devenu socialiste, j’ai souvent ressenti une sorte de terreur face au prestige dont jouissent le rock et la folk au sein de la gauche. Comment, à l’ombre des chants de mineurs du Nord-Est et des Rolling Stones, pourrais-je avouer posséder deux 33 tours de Petula Clark ? J’ai repris un peu de poil de la bête lorsque j’ai compris que la musique commerciale faisait partie intégrante de la culture gay – une culture qui, malgré ses limites, méritait d’être défendue. Et quand Tamla Motown, les doux sons de la soul et la disco m’ont captivé, je me suis dit : « Ça y est, j’y suis arrivé, j’aime des tubes du hit-parade ! » Pourtant, l’aura de la folk et du rock – et désormais du punk ou du reggae (une reconnaissance teintée à mon avis d’une pointe...

Préférer Petula Clark aux Rolling Stones : Introduction à la traduction de « In Defence of Disco » (Dyer, 1979)

Louise Barrière — 2026-06-02

L’écriture d’un article faisant appel aux travaux de Richard Dyer m’avait conduite, au cours de l’année 2022, à découvrir un groupe de musique au nom pour le moins surprenant : le Marxist Love Disco Ensemble (MLDE). Le MLDE présente de la manière suivante son unique disque et sa genèse :

« Mi-poétique, mi-pince-sans-rire, ce superbe album compact de huit titres est influencé par les disques de disco d’Europe de l’Est et de Méditerranée des années 1970. D’après Paolo, membre du groupe : “Il a été écrit en réaction à l’écoute de ‘I Love America’ de Patrick Juvet. Cette chanson nous a poussés à nous questionner : pourquoi la disco, un genre à l’origine créé par des minorités opprimées, est-elle finalement devenue synonyme des excès du capitalisme occidental ?” Le MLDE cherche à rompre cette connexion. » (MLDE, 2022)

La question invite à remettre au goût du jour un débat l...

Jérémy Michot, Introduction aux musiques de séries télévisées : de Badge 714 à Lost

Bleuñvenn Erussard — 2026-06-02

L’ouvrage se structure en sept chapitres organisés autour de deux axes majeurs : un premier, historiographique, et un second, résolument esthétique. Tout au long de son étude, l’auteur s’attache à déployer les différents niveaux de signification des musiques télésériales en les recontextualisant à partir de l’articulation de trois échelles analytiques distinctes (p. 17) : l’« unité minimale » de l’épisode, l’« assemblage de plusieurs segments » correspondant à la saison, et enfin l’« unité maximale », celle de la série envisagée. Cette stratification analytique, centrale dans la démarche proposée, conditionne la compréhension même des phénomènes étudiés. L’ouvrage se distingue par ailleurs par la richesse de ses illustrations, tant musicales que visuelles, inscrites dans un récit solidement ancré dans l’histoire des formes et des pratiques. Il s’impose ainsi comme un prolongement ...

Gabrielle Kielich, The Road Crew. Live Music and Touring

Chloé Violle — 2026-06-02

Another town, another place
Another girl, another face
Another truck, another race...
« (We Are) The Road Crew », Ace of Spades, Motorhead (1980)

Publié en décembre 2023 chez Routledge, l’ouvrage The Road Crew. Live Music and Touring de Gabrielle Kielich est tiré de son travail de thèse à l’université McGill de Montréal, réalisée sous la supervision de William Straw. L’auteure postule que les efforts quotidiens du personnel de tournée sont à l’origine de la réalisation des événements musicaux. Elle s’immisce ainsi au cœur de la routine méconnue des équipes de tournées en s’appuyant sur une méthodologie faisant appel à trois types de ressources : des entretiens avec des membres du crew, des moments d’observation participante et des recherches en archives. De cette manière, elle dévoile progressivement les différents enjeux auxquels font face les « unsung heroes », ces femmes et ces hom...

Liz Pelly, Mood Machine. The Rise of Spotify and the Costs of the Perfect Playlist

Léo Georgoutsos — 2026-06-02

« Apple Music, Amazon, these aren’t our competitors. Our only competitor is silence ». Ces paroles d’un employé de Spotify répercutées dans Mood Machine de Liz Pelly (p. 38) témoignent bien du fait que, si la plateforme s’est érigée en nouveau leader de l’industrie musicale au cours des dernières années, c’est (aussi) en réussissant à transformer fondamentalement notre rapport à l’écoute. Lancée en 2008 en pleine crise du disque, l’entreprise a réalisé sa première année de profit en 2024 ; la même année, Spotify faisait aussi l’objet d’une grande attention suite à la publication d’une enquête du quotidien suédois Dagens Nyheter à propos de la présence d’artistes « fantômes » sur les playlists « maison » de l’entreprise. Il apparaissait qu’un petit groupe de musiciens Suédois publiait sous d’innombrables pseudonymes sur la plateforme, qui aurait conclu avec ceux-ci des cont...

“The Day Technology Became Political. Conference Report : A Political History of Sound Technologies ?”

Benedetta Zucconi — 2026-02-05

For several decades, music and sound have been the subject of research investigations that focus on the analysis of their symbolic value in a historical perspective, as well as on the imaginaries created around new instruments of sound reproduction and their products. This field of study is situated within the expansive and adaptable domain of sound studies, a research area that is inherently hybrid and flexible, located at the intersection of disciplines such as media studies, physics, architecture, and musicology – among others. With the exception of sound studies incunabula such as R. Murray Schafer’s The Tuning of the World and Jacques Attali’s Bruits (both from 1977), which, however, have little to do with the modern approach to sound studies today, the flowering of the discipline occurred in the early 2000s : scholars such as Jonathan Sterne, Emily Thompson, Trevor P...